3.1: Lectura seleccionada

Lectura seleccionada

La música es una forma de arte y actividad cultural cuyo medio es el sonido organizado en el tiempo. Los elementos comunes de la música son el tono (que gobierna la melodía y la armonía), el ritmo (y sus conceptos asociados tempo, metro y articulación), la dinámica (sonoridad y suavidad), y las cualidades sonoras del timbre y la textura (que a veces se denominan el “color” de un sonido musical). Diferentes estilos o tipos de música pueden enfatizar, desenfatizar u omitir algunos de estos elementos. La música se interpreta con una amplia gama de instrumentos y técnicas vocales que van desde el canto hasta el rapeo; solo hay piezas instrumentales, únicamente piezas vocales (como canciones sin acompañamiento instrumental) y piezas que combinan canto e instrumentos.

Hay muchos tipos de música, incluyendo música popular, música tradicional, música artística, música escrita para ceremonias religiosas y canciones de trabajo como chanteys. La música va desde estrictamente organizada : como sinfonías de música clásica de los años 1700 y 1800, pasando por tocar espontáneamente música improvisacional como el jazz, y estilos vanguardistas de música contemporánea basada en el azar de los siglos XX y XXI.

Aunque la definición exacta de la música varía ampliamente incluso en Occidente, la música contiene melodía, armonía, ritmo, timbre, tono, silencio y forma o estructura. Lo que sabemos de la música hasta ahora...

• La música está compuesta por sonido.
• La música se compone tanto de sonidos como de silencios.
• La música es arte hecho intencionalmente.
• La música es sonido humanamente organizado (Bakan, 2011).

En definitiva, la música es una forma de arte intencionalmente organizada cuyo medio es el sonido y el silencio, con elementos centrales de tono (melodía y armonía), ritmo (metro, tempo y articulación), dinámica y las cualidades de timbre y textura.

Sonido:

Sobretono: Un tono fundamental con tonos resultantes que suenan por encima de él según la serie armónica. Los armónicos son los que dan a cada nota su sonido único.

Timbre: El color de tono de un sonido resultante de los armónicos. Cada voz tiene un color de tono único que se describe usando adjetivos o metáforas como “nasalmente”, “resonante”, “vibrante”, “estridente”, “alto”, “bajo”, “respirante”, “penetrante”, “sonando”, “redondeado”, “cálido”, “suave”, “oscuro”, “brillante”, “pesado”, “ligero”, “vibrato”.”

Tono: La frecuencia de la vibración de la nota (nombres de nota C, D, E, etc.).

Amplitud: Qué tan fuerte o suave es un sonido.

Duración: Qué tan largo o corto es el sonido.

Melodía: Una sucesión de notas musicales; una serie de tonos a menudo organizados en frases.

Armonía: La combinación simultánea y vertical de notas, generalmente formando acordes.

Ritmo: La organización de la música en el tiempo; estrechamente relacionado con el medidor.

Textura: La densidad (grosor o delgadez) de capas de sonidos, melodías y ritmos en una pieza: por ejemplo, una composición orquestal compleja tendrá más posibilidades de texturas densas que una canción acompañada únicamente de guitarra o piano. Tipos más comunes de textura:

• Monofonía: Una sola capa de sonido; por ejemplo, una voz solista
• Homofonía: Una melodía con acompañamiento; por ejemplo, un cantante principal y una banda; un cantante y un acompañamiento de guitarra o piano; etc.
• Polifonía: Dos o más voces independientes; e.g., una ronda o fuga.

Estructura o Forma : Las secciones o movimientos de una pieza; es decir, verso y estribillo, forma de sonata, ABA, Rondo (ABACADA), tema y variaciones.

Expresión:

Dinámica: Volumen (amplitud) -qué fuerte, suave, medio, poco a poco se hace más fuerte o más suave (crescendo, decrescendo).

Tempo: Latidos por minuto; qué tan rápido, medio o lento se reproduce o canta una pieza musical.

Articulación: La manera en que se tocan las notas o se pronuncian las palabras: e.g., largas o cortas, estresadas o átonas como cortas (staccato), suaves (legato), estresadas (marcato), énfasis repentino (sforzando), arrastradas, etc.

La música como forma de arte: composición, notación e improvisación

Composición

Composición” es el acto o práctica de crear una canción, una pieza musical instrumental, una obra tanto con canto como con instrumentos, u otro tipo de música. En muchas culturas, incluida la música clásica occidental, el acto de componer incluye también la creación de notación musical, como una partitura “partitura”, que luego es interpretada por el compositor o por otros cantantes o músicos. En la música popular y en la música tradicional, el acto de componer, que normalmente se llama composición, puede implicar la creación de un esquema básico de la canción, llamado hoja principal, que establece la melodía, la letra y la progresión de acordes. En la música clásica, el compositor suele orquestar sus propias composiciones, pero en el teatro musical y en la música pop, los compositores pueden contratar a un arreglista para hacer la orquestación. En algunos casos, un compositor puede no usar notación en absoluto, y en su lugar componer la canción en su mente y luego tocarla o grabarla de memoria. En el jazz y la música popular, las grabaciones notables de intérpretes influyentes reciben el peso que las partituras escritas tocan en la música clásica.

Incluso cuando la música se anota con relativa precisión, como en la música clásica, hay muchas decisiones que un intérprete tiene que tomar, porque la notación no especifica todos los elementos de la música con precisión. El proceso de decidir cómo interpretar música que ha sido previamente compuesta y anotada se denomina “interpretación”. Las interpretaciones de diferentes intérpretes de una misma obra musical pueden variar ampliamente, en términos de los tempos que se eligen y el estilo de tocar o cantar o fraseo de las melodías. Compositores y compositores que presentan su propia música están interpretando sus canciones, tanto como los que interpretan la música de otros. El cuerpo estándar de elecciones y técnicas presentes en un momento y lugar dado se conoce como práctica de performance, mientras que la interpretación generalmente se usa para referirse a las elecciones individuales de un intérprete.

Si bien una composición musical suele utilizar notación musical y tiene un solo autor, no siempre es así. Una obra musical puede tener múltiples compositores, lo que suele ocurrir en la música popular cuando una banda colabora para escribir una canción, o en el teatro musical, cuando una persona escribe las melodías, una segunda persona escribe la letra y una tercera persona orquesta las canciones. En algunos estilos de música, como el blues, un compositor/compositor puede crear, interpretar y grabar nuevas canciones o piezas sin escribirlas nunca en notación musical. Una pieza musical también se puede componer con palabras, imágenes o programas de computadora que expliquen o anoten cómo el cantante o músico debe crear sonidos musicales. Los ejemplos van desde música vanguardista que utiliza notación gráfica, hasta composiciones de texto, hasta programas de computadora que seleccionan sonidos para piezas musicales. La música que hace un uso intensivo de la aleatoriedad y el azar se llama música aleatoria y se asocia con compositores contemporáneos activos en el siglo XX. Un ejemplo más conocido de música basada en la casualidad es el sonido de campanas de viento tintineando en una brisa.

El estudio de la composición ha estado dominado tradicionalmente por el examen de métodos y prácticas de la música clásica occidental, pero la definición de composición es lo suficientemente amplia como para incluir la creación de música popular y canciones de música tradicional y piezas instrumentales así como obras espontáneamente improvisadas como las de intérpretes de jazz libre y percusionistas africanos como los bateristas de Ewe.

Notación

En la década de 2000, la notación musical generalmente significa la expresión escrita de notas musicales y ritmos en papel usando símbolos. Cuando la música está escrita, se anotan los tonos y el ritmo de la música, como las notas de una melodía. La notación musical también suele proporcionar instrucciones sobre cómo interpretar la música. Por ejemplo, la partitura de una canción puede afirmar que la canción es un “blues lento” o un “swing rápido”, lo que indica el tempo y el género.

La notación escrita varía con el estilo y época de la música. En la década de 2000, la música anotada se produce como partitura o, para individuos con programas de anotador de computadora, como una imagen en una pantalla de computadora. En la antigüedad, la notación musical se ponía en tablillas de piedra o arcilla. Para interpretar música a partir de la notación, un cantante o instrumentista requiere una comprensión de los elementos rítmicos y de tono plasmados en los símbolos y la práctica interpretativa que se asocia con una pieza musical o un género. En géneros que requieren improvisación musical, el intérprete suele tocar a partir de la música donde solo se escriben los cambios de acorde y la forma de la canción, requiriendo que el intérprete tenga una gran comprensión de la estructura de la música, la armonía y los estilos de un género en particular (por ejemplo, jazz o música country).

En la música artística occidental, los tipos más comunes de notación escrita son las partituras, que incluyen todas las partes musicales de una pieza de conjunto, y las partes, que son la notación musical para los intérpretes o cantantes individuales. En la música popular, el jazz y el blues, la notación musical estándar es la hoja principal, que anota la melodía, los acordes, la letra (si es una pieza vocal) y la estructura de la música. Los libros falsos también se utilizan en el jazz; pueden consistir en hojas principales o simplemente tablas de acordes, que permiten a los miembros de la sección rítmica improvisar una parte de acompañamiento a las canciones de jazz. Las partituras y partes también se utilizan en la música popular y el jazz, particularmente en grandes conjuntos como las “big bands” de jazz. En la música popular, los guitarristas y bajistas eléctricos suelen leer música anotada en tablatura (a menudo abreviada como “tablatura”), lo que indica la ubicación de las notas que se tocarán en el instrumento utilizando un diagrama del diapasón de guitarra o bajo. La tabulatura también se utilizó en la época barroca para anotar música para el laúd, un instrumento de cuerda y trastes.

Improvisación

La improvisación musical es la creación de música espontánea, a menudo dentro (o basada en) un marco armónico preexistente o progresión de acordes. La improvisación es el acto de composición instantánea de los intérpretes, donde se emplean técnicas compositivas con o sin preparación. La improvisación es una parte importante de algunos tipos de música, como el blues, el jazz y la fusión de jazz, en la que los intérpretes instrumentales improvisan solos, líneas melódicas y partes de acompañamiento. En la tradición musical artística occidental, la improvisación fue una habilidad importante durante la época barroca y durante la época clásica. En la época barroca, los intérpretes improvisaron adornos y teclistas de bajo continuo improvisaron voces de acordes basadas en notación de bajo figurado. En la época clásica, los solistas y cantantes improvisaron virtuosas cadenzas durante los conciertos. Sin embargo, en el siglo XX y principios del XXI, a medida que la “práctica común” se institucionalizó la interpretación musical de arte occidental en orquestas sinfónicas, teatros de ópera y ballets, la improvisación ha jugado un papel menor. Al mismo tiempo, algunos compositores modernos han incluido cada vez más la improvisación en su trabajo creativo. En la música clásica india, la improvisación es un componente central y un criterio esencial de las actuaciones.

¿Qué escuchan los niños? ¿Cómo responden a la música?

Los encuentros musicales de los niños pueden ser iniciados por sí mismos o por pares, o iniciados por maestros o personal en un aula o guardería. Independientemente del tipo de encuentro, los elementos musicales básicos juegan un papel importante en la forma en que los niños responden a la música. Uno de los elementos más importantes para todos los humanos es el timbre de un sonido. Reconocer el timbre de un sonido es significativo para los humanos ya que nos ayuda a distinguir la fuente del sonido, es decir, quién nos está llamando nuestros padres, amigos, etc. También nos alerta de posibles peligros. Los niños son capaces de discernir el timbre de un sonido desde muy pequeños, incluyendo los timbres vocales de compañeros, familiares y maestros, así como los timbres de diferentes instrumentos.

Los niños pequeños son oyentes bastante sofisticados. Ya a los dos años de edad, los niños responden al estilo musical, el tempo y la dinámica, e incluso muestran preferencia por ciertos estilos musicales (por ejemplo, la música pop sobre la clásica) a partir de los cinco años. A nivel agregado, los niños responden físicamente al ritmo de la música, y son capaces de moverse con mayor precisión cuando el tempo de la música corresponde más claramente al tempo natural del niño. Como cabría esperar, los niños responden a los niveles dinámicos de alto y suave de manera bastante dramática, cambiando sus movimientos para que coincidan con los niveles de volumen cambiantes. El hecho de que los niños parezcan responder a los elementos expresivos de la música (dinámicas, tempo, etc.) no debería ser una sorpresa. La mayoría de las personas responden a los mismos atributos de la música que hacen los niños. Escuchamos cambios de tempo (rápido o lento), cambios en la dinámica (fuerte o suave), respondemos físicamente al ritmo del bajo o de la batería, y escuchamos con atención la melodía, particularmente si hay palabras. Estos se encuentran entre los elementos más llamativos, junto con el ritmo y la melodía.

Enseñar vocabulario musical

Para la mayoría de los niños, los conceptos básicos se transportan fácilmente a través de dicotomías conceptuales, como:

• Rápido o lento (tempo)
• Fuerte o Suave (dinámica)
• Corto o Largo (articulación)
• Alto o bajo (paso)
• Estable o desigual (latido)
• Feliz o Triste (respuesta emocional)

Para niños un poco mayores, se pueden utilizar conceptos más avanzados, como:

• Duple (2) o Triple (3) metros
• Contorno melódico (melodía subiendo o bajando)
• Rudo o Suave (timbre)
• Verso y Estribillo (forma)
• Mayor o Menor (escala)

Uso de la música en las artes como plan de estudios

La mayoría de las escuelas todavía contienen maestros de música y arte, que son activos valiosos para brindar insumos sobre estrategias artísticas, materiales didácticos, etc. Esta es la definición de una estrategia de artes como plan de estudios, donde el maestro de artes enseña su material separado. Integrar completamente las artes requiere un compromiso de tiempo y experiencia instruccional, pero a menudo no existe el tiempo, los recursos o el incentivo para aprender completamente o implementar todo el proceso para una lección. ¿Cómo podrías utilizar al profesor de música en tu escuela para mejorar tu lección? ¿Cuáles son algunas formas de trabajar con los especialistas para beneficiar la experiencia de aprendizaje del estudiante?

Uso de la música en el plan de estudios de mejora

También hay muchas cosas que aprender de la mejora artística. Usar las artes usted mismo para mejorar su lección brinda oportunidades para que los estudiantes experimenten la música durante el día escolar de una manera no relacionada con el contenido.

Hay amplias oportunidades para que los niños experimenten la música en su día, incluyendo cantar, mover, aplaudir o pisar fuerte que no están directamente relacionados con el área de contenido de enseñanza, pero brindan a los estudiantes una forma alternativa de expresión, la oportunidad de reagruparse y concentrarse, para motivar, aprender sobre el grupo adecuado y expectativas y comportamientos individuales, y hacer transiciones entre sujetos y actividades. ¿Cómo podrías usar la música para “mejorar” una lección de ciencias o artes del lenguaje? ¿Lección de vocabulario o poesía?

Una lista de ejemplo de oportunidades de mejora de las artes:

1. Organización

• Actividad: alinear, limpiar
• Propósito estético: motivación

2. Transiciones

• Actividad: cambiar de una actividad a otra
• Propósito estético: cambio de humor, re-enfoque de energía

3. Rituales

• Actividad: Saludos/Hola, adiós, música navideña
• Propósito estético: Preparar mentalmente a los estudiantes, brindar estabilidad y repetición

4. Intersticial

• Actividad: Break corto entre dos materias o actividades
• Propósito estético: Proporcionar relajación, momento de expresión y usos alternativos para el funcionamiento cognitivo

Un día de muestra que incluye música:

9:10 Usa la música antes de que comience la jornada escolar

• Ritual: Establecer el estado de ánimo/cambiar la atmósfera en la habitación con sonido

9:20 Alumnos entran y se instalan en la sala

9:25 Trabajo matutino, asistencia, calendario

• Organización: es decir, “Si estás listo para _____ aplaudir” (o pisotear los pies, etc.) Ritual: “Buenos días” y/o actividad de movimiento “Hombros de cabeza”

10:00-10:40 Especial (Música, Arte, Educación Física)

• Transición: Enfoque para las matemáticas

10:45 Estaciones de Matemáticas

• Organización: Alineación para el almuerzo

11:30 Almuerzo

• Transición: Enfoque listo para leer

12:10-12:50 Estaciones de lectura/alfabetización

• Intersticial: Romper canción/movimiento

12:50-1:30 Redacción

• Intersticial: Movimiento/rotura de canción

1:30-2:10 Estudios sociales/Ciencia/Salud

• Transición: Actividad de movimiento/canción

2:10-2:25 Snack/Tiempo de reproducción

• Organización: Enfoque: Alineación para Biblioteca o Laboratorio

2:25-3:05 Laboratorio de Computación o Biblioteca

• Transición 3:10 Recogida y empacado
• Organización: “Clean up song”

3:15 Despido

• Ritual: canción “Adiós”

Ejemplos de canciones

(Sustituya cualquier tema como matemáticas, lectura, educación física, arte, en lugar de música, y cualquier acción en lugar de “ponerse de pie” o “aplaudir”).

Figura 3.1.1

Janet Elder (n.d.), en su artículo sobre “Brain Friendly Music in the Classroom” sugiere los siguientes cuatro grupos de razones para incorporar la música en el aula:

1. Efecto de la música en el cuerpo físico y el cerebro;

2. Efecto de la música en el cuerpo emocional;

3. Efecto de la música en el ambiente físico y de aprendizaje;

4. Efecto de la música en la coherencia e intimidad grupal. (Anciano, n.d., p. 1)

Por ejemplo, los ritmos por minuto (b.p.m.) o tempo de la música, tienen un impacto directo en el cuerpo humano. Elder (n.d.) también sugiere canciones específicas para usar en diferentes situaciones de aula, como tocar música clásica durante el trabajo individual o grupal o “Get Up Offa That Thing” de James Brown para las pausas elásticas. Hay muchos, muchos tipos diferentes de canciones y lugares para utilizarlos cuando se trabaja con niños, y la inclusión de la música en la rutina diaria puede mejorar las transiciones y el estado de ánimo general de un aula (Figura 3.1.2).

Figura 3.1.2: Horarios de clase cuando la música es apropiada

Figura 3.1.2 Fuente: adaptado de Elder (n.d.) “Usar música amigable con el cerebro en el aula”.

Uso de la música en las artes: currículo integrado

Un plan de lecciones integradas de artes será similar a un plan de lecciones regulares, con la excepción de que tendrá un lugar tanto para los objetivos de aprendizaje de las artes como para los objetivos para el área de contenido y permitirá a los estudiantes la oportunidad de construir comprensión a través de ambas disciplinas.

Considera que tienes que crear un plan de clases para celebrar las vacaciones de Martin Luther King, Jr. Es, por supuesto, agradable agregar una canción en algún lugar de la lección, tal vez una canción del Movimiento de Derechos Civiles. Esto no hace que la lección se integre, sino más bien un plan de estudios de artes potenciadas como se discutió anteriormente. La integración requiere que haya objetivos musicales así como objetivos de área temática, y que ambas materias sean tratadas por igual. Tenga en cuenta que cualquier lección puede convertirse en una lección integrada en las artes, simplemente profundizando en la propia forma artística para encontrar detalles estructurales y significados a partir del cual dibujar. Para integrar una lección, es necesario incluir metas y objetivos de ciencias sociales o historia así como información musical, metas y objetivos. Por ejemplo, incluyendo información sobre la canción que incorpora la música misma (forma, timbre, melodía, ritmo, etc.), mientras se discute el género de las canciones de derechos civiles en sí.

Para demostrar una comprensión más profunda de los principios y temas de los Derechos Civiles, se pueden establecer conexiones de las ciencias sociales no solo con la esclavitud en el siglo anterior, sino con la lucha pro-sindical en la primera parte del siglo XX. Los estudiantes pudieron demostrar su comprensión del liderazgo de Martin Luther King y las famosas marchas de los años 60 a través de la canción recreando la marcha en Washington, DC mientras cantaban una canción de derechos civiles (“We Shall Not Be Moved”, “This Little Light Of Mine”, “We Shall Overcome”, etc.). Se podrían analizar los tipos de canciones utilizadas para las manifestaciones, incluyendo sus raíces en el movimiento pro-sindical, el gospel y la música religiosa, y/o el uso del llamado y la respuesta en las canciones, que se remonta a la esclavitud y la cultura afroamericana temprana, y particularmente cómo se utilizó la música durante las protestas. Un seguimiento podría centrarse en el blues, el jazz y otros géneros inspirados en la música del movimiento de Derechos Civiles.

Actividad A

Prueba esto: ¿Cuál de estos ejemplos representa a las artes como plan de estudios, plan de estudios mejorado con las artes y un plan de estudios integrado en las artes?

• Alumnos cantan una canción que aprendieron en clase de música para una asamblea escolar
• Los estudiantes tienen que explicar cómo funcionan las agrupaciones secuenciales en matemáticas y música
• Estudiantes aprenden la canción “50 Nifty United States”

Ahora prueba esto: Los estudiantes completan una unidad en el ciclo de vida de una oruga.

• ¿Cómo podría cambiarse esta lección para reflejar una lección de Arte Mejorado? ¿Integración artística? Las artes como plan de estudios?
• Crea tus propios ejemplos de los tres tipos de currículo.

Integración musical con asignaturas principales: vocabulario, conceptos y estándares de aprendizaje

Para crear con éxito lecciones integradas en artes, comience con los estándares estatales de aprendizaje en el área de contenido en la que esté trabajando, luego considere la forma de arte que utilizará. Explora vocabulario que te puede ayudar a trabajar entre las dos disciplinas. A continuación se presentan dos ejemplos de listas de vocabulario de Education Closet, un sitio web dedicado a la integración e innovación en la enseñanza.

Actividad B

Prueba esto: Revisa las listas de vocabulario a continuación (Cuadro 3.2; Cuadro 3.3). Identificar qué términos funcionan mejor para la instrucción musical. Seleccione tres de los términos de cualquiera de las listas y dé un ejemplo de cómo podría usar ese término para ilustrar conceptos musicales además de un concepto matemático o de alfabetización.

Figura 3.1.3: Alfabetización artística: vocabulario común

Figura 3.1.3 Fuente: por Susan Riley (2012) del sitio web de Education Closet.

Figura 3.1.4: Las matemáticas y las artes: vocabulario común

Figura 3.1.4 Fuente: por Susan Riley (2012) del sitio web de Education Closet.

Generando Ideas para Lecciones Integradas

La siguiente cuadrícula (Tabla 3.4; Tabla 3.5 (en blanco)) ofrece un proceso para generar ideas de integración utilizando la música, particularmente para hacer conexiones entre las disciplinas. La primera fila de la cuadrícula contiene un ejemplo de cómo generar ideas a partir de un concepto musical.

Concepto (es) /Grado

Comience por seleccionar un concepto musical con el que trabajar. En la primera columna de la cuadrícula a continuación, se escribe la palabra “pentagrama”. La lección es enseñar el staff musical a alumnos de 2do grado.

Objetivos

¿Cuáles son tus principales objetivos para la lección? ¿Qué deberían poder hacer los niños al final de la lección que no pudieron hacer al principio? Nota: “SWBAT” significa “Los estudiantes serán capaces de hacerlo”.

Actividades

¿Qué actividades podrías usar para enseñar al personal? ¿Por dónde empezarías? Podrías comenzar enseñando las notas de línea y espacio para el pentagrama de agudos (EGBDF y FACE) y enseñando los nemotécnicos que acompañan a esos nombres de notas (es decir, E-Every; G-Good; B-Boy; D-Mereces; F-Fudge). Incluso en este punto, escribir las líneas en el tablero, en una pizarra inteligente, PPT, o incluso hacer líneas en el piso con cinta puede ser un acompañamiento visual a la lección, y ayudar a los estudiantes a aprender a través del movimiento corporal así como el aprendizaje visual.

Ideas de integración

¿Cómo podría integrar este concepto usando diferentes áreas temáticas centrales? ¿Qué habilidades de pensamiento de orden superior, o vocabulario? Mire la cuadrícula Vocabulario de segundo grado arriba del Armario de Educación sobre matemáticas y artes y Música y Alfabetización y seleccione los términos más apropiados para aplicar a la lección:

• (Matemáticas y Artes) Forma, Secuencia, Patrón, Grupo
• (Alfabetización artística) Analizar, comparar, contrastar

Estándares de aprendizaje básicos comunes o estándares de desempeño estatales

Ahora refiérase al sitio web del estado para buscar los estándares básicos comunes o estándares de desempeño estatales apropiados.

Figura 3.1.5: Generador de ideas: concepto, objetivos, actividades, integración y estándares

Figura 3.1.6: Generador de ideas (en blanco): conceptos, actividades, materiales e integración

Un ejemplo: Integrar la música en las artes del lenguaje y los estudios sociales “Goober Peas”

Muchas canciones antiguas ofrecen un excelente material para la integración. Por ejemplo, la canción “Goober Peas” brinda a los estudiantes una mirada muy interna a la vida de un soldado confederado durante la Guerra Civil. En este caso, tanto la música como la letra son altamente informativas, al igual que la situación en la que se cantó la canción, prestándose a la integración a través de tres áreas: la música, las artes del lenguaje y las ciencias sociales.

Materiales:

Cronología: Cronología de la historia de la Guerra Civil que incluye varias batallas, Marcha de Sherman, etc.

Canción: “Goober Peas”

Texto: La historia personal de la vida como soldado confederado, “Las cartas de Eli Landers” http://www.gacivilwar.org/story/the-...derate-soldier

2. Cuando pasa un caballo-hombre, los soldados tienen una regla

Para gritar en voz alta: “¡Señor, aquí está su mula!”

Pero otra costumbre, encantadora-más que éstas,

Está desgastando tus molinillos, comiendo chícharos goober. (estribillo)

3. Justo antes de la batalla, el General escucha una fila

Dice: “Ya vienen los yanquis, ahora escucho sus fusiles”

Se da la vuelta maravillado y ¿qué piensas que ve?

La milicia de Georgia, comiendo chícharos goober. (estribillo)

4. Creo que mi canción ha durado casi lo suficiente

El tema es interesante pero las rimas son muy duras

Ojalá la guerra hubiera terminado tan libre de trapos y pulgas

Besaríamos a nuestras esposas y novios y a los guisantes goober goober de gooble. (estribillo)

Preguntas sobre el proceso de integración

¿Cómo podrías integrar esta canción más allá de la de “Las artes como mejora”? ¿Qué principios de aprendizaje usarás? ¿Cómo se comprometerán los estudiantes? ¿Demostrar su comprensión? ¿Cuáles serán los procesos de creación? ¿Qué conexiones con otras partes del plan de estudios se pueden hacer? ¿Están presentes los estándares tanto para el arte como para el área temática? Consulte la lista de verificación de integración artística de Silverstein & Layne (2012) a continuación para ver cómo incorporar un nivel integrado de comprensión a la lección:

Aproximación a la enseñanza

• ¿La lección contiene principios de aprendizaje del constructivismo (construido activamente, experiencial, evolutivo, colaborativo, de resolución de problemas y reflexivo)?

Comprensión

• ¿Los estudiantes se dedican a construir y demostrar comprender el conocimiento en lugar de memorizar y recitar?

Forma de Arte

• ¿Los estudiantes están construyendo y demostrando sus entendimientos a través de una forma de arte?

Proceso Creativo

• ¿Los estudiantes están involucrados en un proceso de creación de algo original en lugar de copiar o lorar?
• ¿Los alumnos revisarán sus productos?

Conecta

• ¿La forma de arte se conecta a otra parte del plan de estudios o a una cuestión/necesidad?
• ¿La conexión se refuerza mutuamente?

Objetivos evolutivos

• ¿Hay objetivos tanto en la forma de arte como en otra parte del plan de estudios o alguna inquietud o necesidad?
• ¿Han evolucionado los objetivos desde la última vez que los alumnos se dedicaron a esta materia? ¿Han evolucionado los objetivos desde la última vez que los alumnos se dedicaron a esta materia? ¿Han evolucionado los objetivos desde la última vez que los alumnos se dedicaron a esta materia? (Silverstein & Layne, 2014).

Análisis: Vocabulario y Conceptos

Encontrarás abundante material para integrar y conectar después de analizar tanto la música, los aspectos líricos/poéticos como los contextos sociales. Las formas musicales, frases, armonías y la estructura poética revelan una gran cantidad de material aparte del contenido de la letra (Cuadro 3.6).

Figura 3.1.7: Vocabulario y conceptos musicales

Estudios Sociales

Marco: Guerra Civil, soldados descansando al borde de la carretera mientras esperan órdenes para el próximo enfrentamiento.

Fecha de Escrito: 1866.

Cantantes: Popular en el sur entre los soldados confederados (perdiendo la guerra).

Sentimiento: Expresa las condiciones de vida de los soldados confederados y del público, ya que se perdió la guerra. Las tropas de Sherman arrasaron gran parte de Georgia, cortando los suministros de alimentos.

Vocabulario de canciones: Los estudiantes pueden no estar familiarizados con estos términos:

Guisantes Goober -otro nombre para los cacahuetes hervidos. Comido por soldados confederados durante la guerra cuando se cortaron las líneas ferroviarias, haciendo escasos alimentos y raciones.

Messmate -una persona/amiga en un campamento militar con el que uno toma comidas regularmente.

Amoladoras -dientes.

Fila -una discusión o pelea (rima con “vaca”).

Milicia de Georgia -una milicia organizada bajo los británicos que lucharon contra la Unión durante la Guerra Civil. Lucharon en la devastadora “Marcha al mar” de Sherman y en la última batalla de la Guerra Civil en la Batalla de Colón en la frontera entre Georgia-Alabama.

Yankees -Se refiere a “Yankees” o soldados de la Unión del Norte. Ropa andrajosa de trapos y pulgas y malas condiciones de salud

Actividades:

Canta la canción “Goober Peas”; Lee algunas de las cartas de Eli Landers.

Preguntas para pensar (Perspectivas históricas de los soldados)

• ¿Qué condiciones tuvieron que soportar los soldados?
• ¿Qué estaba pasando hacia el final de la Guerra Civil?
• ¿Cómo crees que se sintieron durante este tiempo? (es decir, la ansiedad, la anticipación, el cansancio mientras se espera por el camino).
• En general, ¿qué expresan las letras en nombre de los soldados confederados?
• ¿Qué significa la referencia a la Milicia de Georgia en cuanto a los combates?

Ideas para la Integración:

• Constructivismo: Analizar la música, el texto y la historia (línea de tiempo). Reflexionar cómo sería ser soldado en la Confederación durante el inicio, la mitad y el final de la Guerra Civil. Problema Resolver en cuanto a cómo obtener alimentos después de que se cortaron las líneas del ferrocarril, elaborar estrategias en cuanto a éxitos anteriores durante la guerra.
• Compromiso Estudiantil: (perspectivas históricas). Experiencia: aprender y cantar la canción. Dividir en grupos y leer cartas de Eli Landers de diferentes años comparando los cambios de actitud para un soldado confederado a lo largo del tiempo desde el inicio de la guerra hasta el final de la guerra.
• Forma de arte: Analiza comparando las cartas de Eli Landers' con la letra de la canción. ¿Cuáles son las diferencias en los hechos históricos? ¿Sentimiento? En cuanto a la canción misma, explorar el significado de la música misma aparte de la letra, cantando la melodía de la canción en una sílaba neutra. ¿Qué te recuerda la melodía? ¿Qué tipo de emoción escuchas en la melodía, el ritmo y el fraseo? ¿Parece complementar las letras u oponerse a ellas? ¿Por qué podría ser este el caso?
• Proceso creativo: Trabajar en colaboración para crear más versos de la canción o escribir “cartas a casa” que expresen los sentimientos de los soldados que enfrentan la derrota. Lee las cartas desde casa junto con cantar los nuevos versos de la canción.
• Objetivos (ver abajo):

¿Qué Estándares u Objetivos de Aprendizaje puedes incorporar para esta lección para cada uno de los siguientes?

1. Artes del Lenguaje/Estudios Sociales

a. Artes del lenguaje 3: Utilizar el conocimiento del lenguaje y sus convenciones al hablar, leer o escuchar.

b. Redacción 3: Escribir narrativas para desarrollar experiencias o eventos reales o imaginados usando técnica efectiva, detalles descriptivos y secuencias claras de eventos.

c. Lectura 2: Determinar un tema de una historia, drama o poema a partir de los detalles del texto; resumir el texto.

2. Estándares Nacionales de Música

a. 1: Cantar, solo y con los demás, un variado repertorio musical.

b. 6: Escuchar, analizar y describir música.

c. 8: Comprender las relaciones entre la música, las otras artes y disciplinas ajenas a las artes.

Canciones adicionales para integrar la historia/estudios sociales

Otros ejemplos incluyen canciones que son informativas y contienen una larga narrativa o información histórica para los estudiantes. Por ejemplo, la canción “Christofo Columbo” narra gran parte del famoso viaje incluyendo referencias geográficas detalladas en una canción divertida y ligera.

A los Reyes y Reinas de Europa, Colón contó su teoría, Simplemente le
pensaban loco, y le preguntaron esta consulta aquí,
¿Cómo podría ponerse de pie la tierra si es redonda, seguramente suspendería,
Para respuesta, C'lumbus tomó un huevo y lo puso de pie en su extremo.
Abstenerse
En Catorce Cientos Noventa y dos, 'twas entonces Colón comenzó,
De Pales en la costa de España hacia el oeste partió,
Su objeto era encontrar una ruta, una corta hacia el este de la India,
Colón vestía sin bigotes, y el viento soplaba bastante ventoso.
Abstenerse
Cuando a sesenta días de tierra, sobre el amplio Atlántico,
Los marineros se lanzaron a una huelga que casi causó pánico,
Todos exigieron huevos para comer por cada hombre de la tripulación,
Colón no tenía huevos a bordo, pero también hizo que el barco pusiera.
Abstenerse
La tripulación hambrienta creció impaciente, y bistec de ternera exigieron,
Igual a la emergencia, entonces Colón mandó
Ese marinero ev'ry que demuestra verdad, y su deber nunca elude,
Puede tener un jugoso Porterhouse, “Lo conseguiré de los baluartes”.
Abstenerse
No satisfecho con bistec y huevos, la tripulación gritaron por pollo,
Colón parecía perdido por una vez, y la trama pareció espesar,
Los hombres amenazaron con saltar por la borda, Colón bloqueó su camino,
Y exclamó: “Si debes tener pollo, lo conseguiré de la escotilla”.
Abstenerse
Los marineros ahora tan largos de casa de miedo se impregnaron,
El día doce de octubre sus temores fueron todos sometidos,
Porque después de noventa días en el mar, descubrieron las costas de América,
Y rápidamente hizo un aterrizaje en la Isla de Salvador.
Abstenerse

Música y Artes del Lenguaje

De todas las áreas de contenido, las relaciones con la música, las artes del lenguaje y la música tienen uno de los vínculos más cercanos. Este vínculo se enraiza dentro de la relación inseparable entre letra y música que existe desde hace miles de años. Personas de innumerables culturas han cantado o cantado poesía para todo tipo de rituales humanos, ceremonias y entretenimiento. Cuando escuchamos una canción, una frase musical suele acompañar a una frase de letras; un verso o estribillo emerge de un poema corto. Durante siglos, se cantaron baladas y epopeyas, así como los cantos bíblicos y los himnos védicos. Las historias largas y los cuentos épicos utilizaron la música para atraer al público y ayudar a la memorización del recitador.

Además, existe una relación intrínseca en la discriminación de los sonidos fonémicos y los sonidos musicales para que los niños aprendan a leer. El lenguaje y la música se entrelazan hasta el punto en que hay evidencia de una conexión en el cerebro entre la discriminación sonora fonémica y la discriminación sonora musical. En un estudio de 1993, por ejemplo, Lamb y Gregory examinaron la correlación entre la discriminación fonémica y sonora musical para niños que leen en su primer año de escuela y descubrieron que la capacidad de un niño para discriminar sonidos musicales está directamente relacionada con la interpretación lectora, principalmente debido a su conciencia de los cambios en el tono.

Esta estrecha relación permite múltiples vías de integración. El uso de la música para construir personajes a través de la expresión sonora; crear tensión en la narrativa; resaltar momentos importantes en la trama, etc., son ejemplos de la alta compatibilidad entre las palabras y la música.

Creación de una “alfombra de sonido”

Dado que la música y el lenguaje tienen una relación tan estrecha, una de las formas más fáciles de comenzar es combinar las dos. Crear una alfombra sonora (se refiere al uso extenso y liberal de la música, los efectos de sonido y los leitmotivos de los personajes en la interpretación de una narrativa o historia) implica tomar una historia y agregar efectos de sonido, leitmotiv, instrumentos, sonidos vocales, percusión corporal y actores y/o narrador, para traer literatura a la vida. El objetivo de un leitmotiv (es un tema recurrente a lo largo de una composición musical o literaria, asociado a una persona, idea o situación en particular) es ayudar al oyente a identificar a los personajes principales y dar a cada uno un patrón musical muy corto, para que cada vez que se mencione su nombre, alguien toque ese patrón. Además, se pueden agregar efectos de sonido para mejorar la acción o aportar un significado o experiencia más completa. Por ejemplo, si la historia introduce una campanilla, toca una campana o, para estudiantes más avanzados o mayores, toca una campanilla en el glockenspiel. Los cuentos folclóricos y los cuentos de hadas de todo el mundo son excelentes fuentes para este tipo de actividades.

Personajes y Leitmotifs

Para crear una alfombra sonora, comience por hacer una lista de los personajes principales de la historia. Por ejemplo, la historia La princesa y la rana tiene tres personajes principales: el Rey, la Princesa y la Rana. Los leitmotiv de muestra podrían verse así:

Rey: (bloques de sien y xilófono bajo) q ioq q
Princesa: (glissando en glockenspiels)
Rana: raspar guiro; golpear tambores de mano q q q (di “¡ribbit!”)

Ayude a los estudiantes a crear una frase corta o leitmotiv para cada uno de los personajes principales: piense en el tema Darth Vader de Star Wars como ejemplo. Cada vez que se introduce el nombre en la historia, se debe jugar su leitmotiv. Para ayudar al proceso creativo, podrías darle a los estudiantes un ritmo corto y sencillo para trabajar con el fin de crear el motivo. Luego toca el leitmotiv en un instrumento que ayude a describir a ese personaje. El leitmotiv del rey, por ejemplo, podría ser 4 notas de cuarto tocadas en un sonido de trompeta en un teclado, o usar un intervalo de 5 en cualquier instrumento para sonar regio y majestuoso.

Efectos de sonido

A continuación, identifique ubicaciones en la historia donde se puedan usar efectos de sonido. Una corriente corriente podría ser un glissando en un xilófono; el trueno se puede tocar con batería; pasos con un bloque de madera, etc.

Percusión Corporal y Voz

Luego agrega percusión corporal (aplausos, pisadas fuertes) o sonidos vocales (gemidos por viento, gritos y gritos) para aumentar el nivel de creatividad y emoción en la historia.

Introducción y Final

Agrega una canción corta con letras que estén basadas en la historia, para ser cantadas e interpretadas por todos en la apertura y cierre de la historia.

Por último, asigne un narrador, partes para hablar o actuar, y junto con tus instrumentos y efectos de sonido, tienes una interpretación completa que incorpora composición musical y creatividad junto con las artes del lenguaje y el teatro.

REFERENCIAS

Bakan, M. (2011). Músicas del mundo: Tradiciones y transformaciones. Nueva York, NY: McGraw-Hill.

Elder, J. (n.d.). Usar música amigable con el cerebro en el aula. Recuperado a partir de https://letsgetengaged.wikispaces.co...view/Music.pdf

Riley, S. (2012). Agitar el boceto: Un libro de trabajo de integración artística. Westminster, MD: Autor. Silverstein, L., & Layne, S. (2014). ¿Qué es la integración artística? Recuperado a partir de http://artsedge.kennedycenter.org/ed...ts-integration