12.1: Una guía para principiantes

Arte Contemporáneo, una introducción

por DR. VIRGINIA B. Spivey

“Conseguir” Arte Contemporáneo

Es irónico que mucha gente diga que no “consigue” el arte contemporáneo porque, a diferencia de la pintura de tumbas egipcias o la escultura griega, el arte hecho desde 1960 refleja nuestro propio pasado reciente. Habla de los dramáticos cambios sociales, políticos y tecnológicos de los últimos 50 años, y cuestiona muchos de los valores y suposiciones de la sociedad, una tendencia del posmodernismo, un concepto que a veces se utiliza para describir el arte contemporáneo. Lo que hace que el arte de hoy sea especialmente desafiante es que, al igual que el mundo que nos rodea, se ha vuelto más diverso y no se puede definir fácilmente a través de una lista de características visuales, temas artísticos o inquietudes culturales.

Figura\(\PageIndex{1}\): Chica Mirando a: Andy Warhol, Campbell's Soup Cans, 1962, polímero sintético sobre 32 lienzos cada uno de 20 x 16″ (El Museo de Arte Moderno) (foto: Steven Zucker)

El minimalismo y el arte pop, dos grandes movimientos artísticos de principios de la década de 1960, ofrecen pistas sobre las diferentes direcciones del arte a finales del siglo XX y XXI. Ambos rechazaron las expectativas establecidas sobre las cualidades estéticas del arte y la necesidad de originalidad. Los objetos minimalistas son formas geométricas de repuesto, a menudo hechas de procesos y materiales industriales, que carecen de detalles superficiales, marcas expresivas y cualquier significado discernible. El arte pop tomó su tema de fuentes bajas como los cómics y la publicidad. Al igual que el minimalismo, su uso de técnicas comerciales eliminó el contenido emocional implícito en el enfoque individual del artista, algo que había sido importante para la generación anterior de pintores modernos. El resultado fue que ambos movimientos difuminaron efectivamente la línea que distingue a las bellas artes de los aspectos más ordinarios de la vida, y nos obligaron a reconsiderar el lugar y propósito del arte en el mundo.

Estrategias de cambio

El minimalismo y el arte pop allanaron el camino para que los artistas posteriores exploraran preguntas sobre la naturaleza conceptual del arte, su forma, su producción y su capacidad de comunicarse de diferentes maneras. A finales de los sesenta y setenta, estas ideas condujeron a una “desmaterialización del arte”, cuando los artistas se apartaron de la pintura y la escultura para experimentar con nuevos formatos como la fotografía, el cine y el video, el arte escénico, las instalaciones a gran escala y las obras de tierra. Aunque algunos críticos de la época predijeron “la muerte de la pintura”, el arte hoy abarca una amplia gama de medios tradicionales y experimentales, entre ellos obras que se basan en la tecnología de Internet y otras innovaciones científicas.

Figura\(\PageIndex{2}\): John Baldessari, No haré más arte aburrido, 1971, litografía, 22-7/16 x 30-1/16″ (El Museo de Arte Moderno). Copyright John Baldessari, cortesía del artista.

Los artistas contemporáneos continúan utilizando un variado vocabulario de formas abstractas y representacionales para transmitir sus ideas. Es importante recordar que el arte de nuestro tiempo no se desarrolló en un vacío; más bien, refleja las preocupaciones sociales y políticas de su contexto cultural. Por ejemplo, artistas como Judy Chicago, que se inspiraron en el movimiento feminista de principios de la década de 1970, abrazaron imágenes y formas de arte que tenían conexiones históricas con las mujeres.

En la década de 1980, los artistas se apropiaron del estilo y los métodos de la publicidad en los medios masivos para investigar temas de autoridad cultural y políticas de identidad. Más recientemente, artistas como Maya Lin, quien diseñó el Muro Memorial de Veteranos de Vietnam en Washington D.C., y Richard Serra, que se asoció vagamente con el Minimalismo en la década de 1960, han adaptado características del arte minimalista para crear nuevas esculturas abstractas que fomenten una interacción más personal y respuesta emocional entre los espectadores.

Estas estrategias cambiantes para involucrar al espectador muestran cómo el significado del arte contemporáneo existe más allá del objeto mismo. Su significado se desarrolla a partir del discurso cultural, la interpretación y una gama de entendimientos individuales, además de los problemas formales y conceptuales que primero motivaron al artista. De esta manera, el arte de nuestros tiempos puede servir como catalizador para un proceso continuo de discusión abierta e indagación intelectual sobre el mundo actual.

Imágenes Smarthistory para la enseñanza y el aprendizaje:

Figura\(\PageIndex{3}\): Más imágenes Smarthistory...

El caso para copiar

por THE ART ASIGNMENT

Video\(\PageIndex{1}\): Ponente <span class=” video-caption” >: Sarah Urist Green</span>

Los YBA: Los jóvenes artistas británicos con sede en Londres

por ROSE AIDIN

Figura\(\PageIndex{4}\): Rachel Whiteread, Memorial del Holocausto, Judenplatz, Viena, acero y hormigón, 2000

“Jóvenes artistas británicos” (o YBA como rápidamente se conocieron) es ahora algo así como un nombre inapropiado. Para este grupo de artistas ya no se puede describir como jóvenes —en su mayoría ahora tienen cincuenta años— y son muy internacionales, y apenas comparten un estilo común. Sin embargo, este pequeño grupo de artistas con sede en Londres, que saltaron a la fama en los noventa, cambió el mundo del arte internacional. El fenómeno YBA contribuyó directamente al clima de aceptación del arte moderno y contemporáneo en el Reino Unido, lo que permitió el éxito de la Tate Modern cuando se inauguró en 2000. Los YBA siguen siendo una fuerza poderosa en el mundo del arte internacional de hoy.

Me encontré por primera vez con los Jóvenes Artistas Británicos como periodista independiente que cubría las artes para la prensa convencional a finales de los noventa. Para entonces el arte ya no se limitaba a las reseñas de una sola columna en páginas de artes remotas, como lo había sido durante décadas. En cambio, el arte contemporáneo se salpicó sobre el frente y presenta páginas. El Turner Prize anual de arte contemporáneo de la Tate se había convertido en noticia principal, con la ceremonia de premiación transmitida en vivo por televisión, y durante un tiempo embriagador, Londres fue el centro del mundo creativo internacional, todo gracias en gran parte a los YBA.

Entonces, ¿quiénes y qué son los YBA?

Los YBA eran un grupo suelto y dispar, muy asociado con Londres en la década de 1990 y el período de mayor orgullo por la cultura popular británica apodado “Cool Britannia”. Entre los artistas de YBA se encontraban Jake y Dinos Chapman, Tracey Emin, Damien Hirst, Gary Hume, Sarah Lucas, Chris Ofili, Marc Quinn, Sam Taylor-Johnson, Mark Wallinger y Rachel Whiteread. Muchos de los artistas habían estudiado juntos en el Goldsmiths College of Art de Londres, que había abolido la separación tradicional entre las formas de arte (pintura, escultura, fotografía, grabado) y se centró en el arte conceptual, sin embargo no hay un solo estilo o enfoque YBA. La obra puede ser impactante, conceptual o incluso tradicional en sus rasgos formales: el vínculo principal entre los YBA fue social y actitudinal.

La mayoría de los artistas provenían de orígenes no establecidos, habían crecido con Margaret Thatcher como primera ministra y, tal vez como resultado, habían adquirido un enfoque emprendedor, “can-do” del arte y la vida. Entonces, en sus veinte y treinta años, estos artistas eran a menudo glamorosos y generalmente les encantaba ir de fiesta, y el mundo del arte de los noventa —y “Cool Britannia” —estaba feliz de darles rienda suelta.

Damien Hirst, Freeze y Charles Saatchi

Entonces, ¿cómo llegaron a existir los YBA? Damien Hirst era cabecilla de facto de los YBA. En 1988, mientras estudiaba en Goldsmiths College, Hirst curó y promovió una exposición “pop up” en un almacén vacío de obras de él y sus compañeros, titulada Freeze. Charles Saatchi, un titán publicitario y coleccionista de arte, compró obras de Hirst's Freeze show y de los incipientes representantes de artistas. En 1992, la frase “Young British Artists” fue utilizada por primera vez por la revista Art Forum para describir al grupo, y cuando Saatchi exhibió su trabajo en su espacio de 30,000 pies cuadrados en una fábrica de pinturas convertidas en el norte de Londres ese mismo año, tituló el espectáculo Young Artistas Británicos. Y así nació un nuevo movimiento. La obra era nueva, fresca y emocionante: inmediatamente accesible al público, pero también con altas resonancias artísticas y referencias.

El pescado más caro sin patatas fritas

Figura\(\PageIndex{5}\): Damien Hirst, La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo, 1991, vidrio, acero pintado, silicona, monofilamento, tiburón y solución de formaldehído (colección privada) en Sensation: Young British Artists from the Saatchi Colección, el Museo de Brooklyn, 2 de octubre de 1999—9 de enero de 2000

Figura\(\PageIndex{6}\): Damien Hirst, La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien que vive en la Galería Saatchi, 1991

Damien Hirst La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien que vive de 1991, un tiburón suspendido y conservado en un tanque de formaldehído, lució sensacional en el escenario estilo almacén de la Galería Saatchi en los Young British Artists de 1992 exposición. El periódico sensacionalista Sun publicó una historia sobre la pieza titulada “¿50.000 libras por pescado sin papas fritas?” y “el tiburón” se convirtió en un icono del arte y la cultura de los noventa. En consecuencia, Hirst fue preseleccionado para el Premio Turner de ese año, y en 1995 se le otorgó el premio, que le fue entregado por Charles Saatchi. El astro YBA estaba firmemente en el ascendente.

La exhibición del Premio Turner de Hirst incluyó a Madre e Hijo Divididos (1993), una vaca y un ternero cortados por la mitad y conservados en una vitrina de formaldehído. El trabajo causó indignación entre el público británico amante de los animales. Hirst comentó: “Recuerdo lo que dijo Warhol: no lees tus reseñas, las pesas”. Bien podría haber agregado otro de los aforismos de Warhol: “Ganar dinero es arte. Y trabajar es arte. Y el buen negocio es el mejor arte”.

YBA en el corazón del establecimiento

Figura\(\PageIndex{7}\): Sensación: Jóvenes artistas británicos de la Galería Saatchi en la Royal Academy, Londres

Fue Charles Saatchi nuevamente, maestro tanto de presentación como de cobertura mediática, quien posicionó firmemente a los YBA en la corriente principal de la cultura popular con la exposición Sensation de 1997, que llenó a la Royal Academy de Londres con 110 obras de 42 artistas de la colección personal de Saatchi . Fue el año en que murió la princesa Diana y Tony Blair se convirtió en Primer Ministro. El país estaba maduro para un cambio. Las pulgadas de columna del YBA se convirtieron en millas de columna: la exposición fue visitada por 285 mil personas, casi la mitad de ellas menores de treinta años. Se había creado una nueva audiencia y clima para el arte moderno. El arte contemporáneo estaba ahora en el primer plano de la conciencia pública.

El camino a la Tate Modern

Hasta que Tate Modern abrió sus puertas en 2000, Londres era la única gran ciudad europea sin una galería pública de arte moderno y contemporáneo. Gran Bretaña era decididamente filisteo sobre lo visual como personificado por una polémica en 1976 desencadenada por la exhibición de Carl Andre Equivalent VIII (1966) como una reciente adquisición en la Tate Gallery en Millbank (ahora Tate Britain). The Evening Standard se refirió a la escultura como un “montón de ladrillos”. La indignación pública y la protesta se centraron en el gasto del “dinero de los contribuyentes” en esta obra Minimalista hecha de ladrillos manufacturados. Evidentemente, muy necesario cambiar antes de que un museo de arte moderno fuera bienvenido en Londres. Se requerirían fondos privados para que las colecciones públicas adquieran arte moderno y contemporáneo, y en última instancia para apoyar un museo londinense dedicado a su exhibición.

En 1984 se fundó el Premio Turner anual de arte nuevo de la Tate con el objetivo a largo plazo de crear un clima abierto y comprensivo para el arte moderno y contemporáneo. A mediados de los noventa, gracias al alto perfil y poder de atracción de Young British Artists nominados, el Turner Prize se había convertido en un importante evento anual, con un número récord de visitantes a la exhibición de artistas preseleccionados de la Tate, y sus cenas de gala y ceremonias de entrega de premios asistieron ávidamente y cubierto, con gente como Madonna presentando el premio. El propósito del Premio Turner se logró, gracias en gran parte a los YBA, y el público se preparó para la apertura de la Tate Modern.

“El arte es poder”

Figura\(\PageIndex{8}\): Tate Modern desde el Puente del Milenio, foto: Michael Day (CC BY-NC 2.0)

Cuando Tate Modern (un museo dedicado al arte moderno y contemporáneo) se inauguró en Londres en mayo de 2000, su fiesta de lanzamiento para 4,000 personas fue la entrada más popular de la ciudad, y se transmitió en vivo por la BBC. Se decía que las invitaciones estaban cambiando de manos por hasta 1,000 libras y algunos salieron de la ciudad en lugar de admitir que no estaban en la lista. “Todo el mundo” estaba ahí, sin embargo, fueron los Jóvenes Artistas Británicos quienes habían hecho tanto con su talento, energía y glamour para llevar el foco del mundo del arte a Londres por primera vez en siglos (y crear un clima de aceptación para el arte contemporáneo), quienes proporcionaron el polvo de estrellas. Los YBA aseguraron que la fiesta de apertura de la Tate Modern fuera el lugar para estar y el museo fuera un éxito instantáneo, con un número de visitantes muy superior a lo previsto.

Como dijo el dúo artístico Gilbert & George cuando abrieron el edificio ese mismo día frente a la Reina de Inglaterra, “El arte es poder”. Los YBA gobernaron el establecimiento: los artistas eran famosos y todos querían saber más sobre ellos. Y así, por un tiempo, fue como me gané la vida. Entonces todo de pronto llegó a su fin, con el 11-S como marcador. Poco después de los ataques de la torre gemela, Charles Saatchi cerró la galería privada que tanto había hecho para incubar el movimiento YBA, y había una sensación de seguir adelante. Entré en la enseñanza y ahora enseño el trabajo de muchos de los artistas que entrevisté. Los jóvenes adultos a los que enseño están constantemente fascinados por el trabajo de los YBas, que les habla con mucha fuerza, y me convence de que incluso ahora —mucho después de que las fiestas y la escena se hayan desvanecido— la obra misma perdurará y soportará la prueba del tiempo.

Recursos adicionales:

Tate sobre los jóvenes artistas británicos

Damien Hirst: Arte y vida (video)

La Galería Saatchi sobre Sensación en la Real Academia

Tate en El Premio Turner

Archivo Tate sobre el Equivalente VIII de Carl Andre y la “controversia de los ladrillos”

Archivo Tate sobre la apertura de Tate Modern

Rose Aidin, “El rey del regreso”, La revista Saturday Telegraph (2 de octubre de 2001)

Rose Aidin, “El comerciante de cuadrados de Brit Art sigue adelante”, The Guardian (22 de septiembre de 2002)

“Tate Gallery compra pila de ladrillos, ¿o es arte? ,” The New York Times (20 de febrero de 1976)