1.3: ¿A quién se le considera artista? ¿Qué significa ser artista?

En gran parte del mundo actual, se considera que un artista es una persona con el talento y las habilidades para conceptualizar y hacer obras creativas. Tales personas son señaladas y apreciadas por sus ideas artísticas y originales. Sus obras de arte pueden tomar muchas formas y encajar en numerosas categorías, como arquitectura, cerámica, arte digital, dibujos, técnica mixta, pinturas, fotografías, grabados, escultura y textiles. De mayor importancia, los artistas son los individuos que tienen el deseo y la capacidad de imaginar, diseñar y fabricar las imágenes, objetos y estructuras que todos encontramos, usamos, ocupamos y disfrutamos cada día de nuestras vidas.

Hoy en día, como ha sido el caso a lo largo de la historia y a través de las culturas, existen diferentes títulos para quienes hacen y construyen. Un artesano o artesano, por ejemplo, puede producir artes decorativas o utilitarias, como edredones o cestas. A menudo, un artesano o artesano es un trabajador calificado, pero no el inventor de la idea o forma original. Un artesano o artesano también puede ser alguien que crea sus propios diseños, pero no trabaja en formas artísticas ni con materiales tradicionalmente asociados a las llamadas Bellas Artes, como la pintura y la escultura. Un artesano podría, en cambio, fabricar joyas, forjar hierro o soplar vidrio en patrones y objetos de su propia concepción. Tales piezas inventivas y expertas a menudo se categorizan hoy en día como Fine Craft o Craft Art.

En muchas culturas a lo largo de gran parte de la historia, quienes produjeron, adornaron, pintaron y construyeron no fueron considerados artistas como pensamos en ellos ahora. Eran artesanos y artesanos, y su papel era hacer los objetos y construir las estructuras para las que fueron contratados, según el diseño (propio o el de otro) pactado con quienes trabajaban. Eso no quiere decir que no estuvieran entrenados. En la Europa medieval, o la Edad Media (siglos XV-XV), por ejemplo, un artesano generalmente comenzó alrededor de los doce años como aprendiz, es decir, un estudiante que aprendió todos los aspectos de una profesión de un maestro que tenía su propio taller. Los aprendizajes duraron de cinco a nueve años o más, e incluyeron oficios de aprendizaje que iban desde la pintura hasta la cocción, y la mampostería hasta la fabricación de velas. Al término de ese periodo, un aprendiz se convirtió en jornalero y se le permitió formar parte del gremio artesanal que supervisaba la capacitación y los estándares para quienes trabajaban en ese oficio. Para alcanzar el estatus completo en el gremio, un oficial tuvo que completar su “obra maestra”, demostrando la habilidad y la artesanía suficientes para ser nombrado maestro.

Tenemos poca información sobre cómo los artistas se formaron en muchos otros períodos de tiempo y culturas, pero podemos comprender lo que significaba ser artista al observar ejemplos de obras de arte que se produjeron. Estatua sentada de Gudea representa al gobernante del estado de Lagash en el sur de Mesopotamia, hoy Irak, durante su reinado, c. 2144-2124 a. C. (Figura 1.10).

Figura 1.10 Gudea, Autor: Museo Met, (OASC).

Gudea es conocida por construir templos, muchos en la principal ciudad del reino, Girsu (hoy Telloh, Irak), con estatuas que se retratan a sí mismo en ellos. En estas obras, se encuentra sentado o de pie con ojos amplios, miradores pero por lo demás una expresión tranquila en su rostro y las manos cruzadas en un gesto de oración y saludo. Muchas de las estatuas, incluida la que se muestra aquí, están talladas en diorita, una piedra muy dura favorecida por los gobernantes del antiguo Egipto y el Cercano Oriente por su rareza y las líneas finas que se pueden cortar en ella. La capacidad de cortar líneas tan precisas permitió al artesano que talló esta obra distinguir entre y enfatizar cada dedo en las manos apretadas de Gudea así como los patrones circulares en su estilizado sombrero de pastor, los cuales indican la dedicación del líder al bienestar y seguridad de su gente.

Si bien la escultura de Gudea fue claramente tallada por un hábil artesano, no tenemos registro de esa persona, ni de la gran mayoría de los artesanos y constructores que trabajaron en el mundo antiguo. Para quién trabajaron y qué crearon son los registros de sus vidas y su arte. No se valoraba a los artesanos por adoptar un enfoque original y diferenciarse al crear una estatua de un gobernante como Gudea: su éxito se basaba en su capacidad de trabajar dentro de los estándares de cómo se representaba la forma humana y específicamente cómo debía verse un líder dentro de esa cultura en ese momento. Los ojos grandes, almendrados y la forma compacta, en forma de bloque, de la figura, por ejemplo, son típicos de la escultura de esa época. Esta escultura no pretende ser una semejanza individual de Gudea; más bien, es una representación de los rasgos característicos, pose y proporciones que se encuentran en todo el arte de esa época y lugar.

Los objetos hechos de arcilla eran mucho más comunes en el mundo antiguo que los hechos de metal o piedra, como la Estatua Sentada de Gudea, que eran mucho más costosos, consumían mucho tiempo y eran difíciles de fabricar. En Europa se han encontrado figuras humanas modeladas en arcilla que datan de 29.000-25,000 a. C., y la cerámica más antigua conocida, encontrada en la provincia de Jiangxi, China, data de c. 18,000 a.C. Los recipientes hechos de arcilla y horneados en hornos se fabricaron por primera vez en el Cercano Oriente c. 8,000 a. C., casi 6,000 años antes de que se tallara la Estatua Sentada de Gudea. Se utilizaron macetas de cerámica (arcilla endurecida por calor) para el almacenamiento y numerosas necesidades diarias. Eran objetos utilitarios hechos por artesanos anónimos.

Entre los antiguos griegos, sin embargo, la cerámica se elevó al nivel de una forma de arte. Pero, el estatus de los individuos que crearon y pintaron las macetas no lo hizo. A pesar de que su trabajo pudo haber sido buscado, estos alfareros y pintores seguían siendo considerados artesanos. Los orígenes de la cerámica que pueden describirse como distintivamente griegos datan de c. 1,000 a. C., en lo que se conoce como el período protogeométrico. A lo largo de los siguientes cientos de años, las formas de las vasijas y los tipos de motivos decorativos y temas pintados en ellas se asociaron con la ciudad donde se produjeron, y luego específicamente con los individuos que elaboraron y decoraron las macetas. Los tipos de macetas firmadas por el alfarero y el pintor eran generalmente vasijas grandes, elaboradamente decoradas o especializadas que se utilizaban con fines rituales o ceremoniales.

Ese es el caso del Premio Panatenaico Ánfora, 363-362 a.C., firmado por Nikodemos, el alfarero, y atribuido al Pintor de la Procesión de Bodas, cuyo nombre no se conoce pero se identifica a través de similitudes con otras macetas pintadas (Figura 1.11). El Panatenaia fue un festival celebrado cada cuatro años en honor a Atenea, la diosa patrona de Atenas, Grecia, que se representa en el ánfora, un frasco alto, de dos mangos con cuello estrecho. Al otro lado de la jarra de almacenamiento, Nike, la diosa de la victoria, corona al ganador de la competencia de boxeo por la que esta olla —que contiene precioso aceite de oliva de los árboles sagrados de Atena—fue premiada por la ciudad de Atenas. Sólo se contrató a los mejores alfareros y pintores para hacer ollas que formaban parte de una ceremonia tan importante y con un premio tan significativo. Si bien la gran mayoría de los artesanos nunca se identificaron en su obra, estos notables individuos fueron apartados y reconocidos por su nombre. Las firmas de los creadores demostraron el deseo de la ciudad de otorgar un premio de la más alta calidad; actuaron como promoción para el alfarero y pintor en ese momento, y los han inmortalizado desde entonces. No hay que olvidar, sin embargo, que el premio dentro del bote se consideró mucho más importante que el buque o los hábiles artesanos que la crearon.

Figura 1.11 Premio Panatenaico Ánfora con Tapa, Artista: Nikodemos, Autor: The J. Paul Getty Museum, (contenido abierto)

China estuvo unida y gobernada por mongoles del norte, primero bajo Kublai Kahn, en el período conocido como la dinastía Yuan (1271-1368). La pintura de pergamino a mano Pear Blossoms fue creada con tinta y colores sobre papel alrededor de 1280 por Qian Xuan (c. 1235-antes de 1307, China). (Figura 1.12) Tras el establecimiento del gobierno mongol, Qian Xuan abandonó su objetivo de obtener un cargo como escolar-oficial, ya que se conocían a los burócratas altamente educados que gobernaban China, y se volvían a la pintura. Formó parte de un grupo de artistas conocidos como estudio-pintores, o literatos. El trabajo de los estudiosos pintores era deseable para muchos admiradores del arte porque se consideraba más personal, expresivo y espontáneo que las pinturas uniformes y realistas de artistas profesionales formados. El sofisticado y profundo conocimiento de la filosofía, la cultura y las artes, incluida la caligrafía, los hizo bienvenidos entre sus compañeros académicos y en la corte. Formaron parte de la clase élite de líderes, quienes siguieron las largas y nobles tradiciones dentro de las enseñanzas confucianas de expresarse con sabiduría y gracia, especialmente en el arte de la poesía.

Figura 1.12 Flores de pera, Artista: Qian Xuan, Autor: Met Museum, (OASC)

China estuvo unida y gobernada por mongoles del norte, primero bajo Kublai Kahn, en el período conocido como la dinastía Yuan (1271-1368). La pintura de pergamino a mano Pear Blossoms fue creada con tinta y colores sobre papel alrededor de 1280 por Qian Xuan (c. 1235-antes de 1307, China). (Figura 1.12) Tras el establecimiento del gobierno mongol, Qian Xuan abandonó su objetivo de obtener un cargo como escolar-oficial, ya que se conocían a los burócratas altamente educados que gobernaban China, y se volvían a la pintura. Formó parte de un grupo de artistas conocidos como estudio-pintores, o literatos. El trabajo de los estudiosos pintores era deseable para muchos admiradores del arte porque se consideraba más personal, expresivo y espontáneo que las pinturas uniformes y realistas de artistas profesionales formados. El sofisticado y profundo conocimiento de la filosofía, la cultura y las artes, incluida la caligrafía, los hizo bienvenidos entre sus compañeros académicos y en la corte. Formaron parte de la clase élite de líderes, quienes siguieron las largas y nobles tradiciones dentro de las enseñanzas confucianas de expresarse con sabiduría y gracia, especialmente en el arte de la poesía.

Qian Xuan fue uno de los primeros erudito-pintores en unir pintura y poesía, como lo hace en Pear Blossoms:

Todo solo junto a la barandilla de la veranda,

Lágrimas empapando las ramas,

A pesar de que su rostro no está adornado,

sus viejos encantos permanecen;

Detrás de la puerta cerrada, en una noche lluviosa,

cómo se llena de tristeza.

Qué diferente se veía bañada en olas doradas

de luz de luna, antes de que cayera la oscuridad.

El poema no pretende ilustrar o describir su pintura de la rama con su delicado y joven follaje y flores; más bien, las líneas onduladas e irregulares de las hojas y las curvas suavemente desplegadas de las flores están destinadas a sugerir comparaciones con la rapidez con que pasa el tiempo, las delicadas flores pronto se desvanecerán, y evocan recuerdos de tiempos pasados.

En la China del siglo XIII, como ha sido el caso a lo largo de gran parte de la historia de ese país, la importancia de una pintura está estrechamente asociada con la identidad del artista, y con los estudiosos y coleccionistas que fueron dueños de la obra durante los siglos posteriores. Sus identidades son conocidas por los sellos, o sellos en rojo que actúan como firma, cada uno agregado a la obra de arte. Los temas específicos y la forma en que fueron representados se asociaron con el artista, y a menudo se referían en obras posteriores de otros artistas como una señal de respeto y reconocimiento de la habilidad y experiencia del maestro anterior. En Pear Blossoms, como solía ser el caso, el poema, y la caligrafía en la que el artista lo escribió, formaban parte de la composición original de todo el pergamino pintado. Los sellos anexos y las notas escritas por estudiosos y coleccionistas posteriores continuaron añadiendo a la composición, y a su belleza y significado, durante los siguientes setecientos años.

Cuando James Abbott McNeill Whistler (1834-1903, USA, vivió Inglaterra) pintó Arreglo en color carne y negro, Retrato de Theodore Duret en 1883, estaba haciendo referencias a las marcas de los fabricantes que los alfareros chinos y japoneses usaban como firmas en sus cerámicas en el monograma que adoptó para su obra: a diseño estilizado de una mariposa basada en sus iniciales. (Figura 1.13) Whistler comenzó a firmar su obra con la figura reconocible pero alterada de una mariposa, que a menudo parecía estar bailando, en la década de 1860. Había comenzado a coleccionar porcelana y estampados japoneses, y estaba tremendamente influenciado por sus colores, patrones y composiciones, que reflejaban los principios japoneses de la belleza en el arte, incluyendo la simplicidad elegante, la tranquilidad, la sutileza, la naturalidad, la belleza subestimada y la asimetría o irregularidad.

Figura 1.13 Arreglo en color carne y negro: Retrato de Theodore Duret, Artista: James Abbott McNeill Whistler, Autor: Met Museum, (OASC)

Whistler fue uno de los numerosos artistas estadounidenses y europeos en la segunda mitad del siglo XIX que se sintieron obligados a romper con lo que creían que eran las limitaciones inhibidoras en cómo y qué se enseñaba a los estudiantes de arte y en el sistema de exposiciones de arte tradicional. Para Whistler y otros, tales restricciones eran intolerables; como artistas, se les debe permitir seguir libremente sus propias voces y actividades creativas. Al adoptar los principios japoneses de la belleza en el arte, Whistler podría perseguir lo que llamó “Arte por el arte”. Es decir, pudo crear arte que no sirviera más que expresar lo que él, como artista, encontraba elevado, armonioso y agradable a la vista, a la mente y al alma:

El arte debe ser independiente de todo claptrap—debe estar solo, y apelar al sentido artístico del ojo o del oído, sin confundirlo con emociones totalmente ajenas a él, como la devoción, la piedad, el amor, el patriotismo, y similares. Todos estos no tienen ningún tipo de preocupación con ello; y por eso insisto en llamar a mis obras “arreglos” y “armonías” 4.

Distinguir al artista de esta manera, como alguien con calificaciones y sensibilidades especiales en desacuerdo con los estándares culturales e intelectuales imperantes, estuvo lejos del papel que desempeñó un estudio-pintor como Qian Xuan en la China del siglo XIII. La obra que Qian Xuan creó estuvo de acuerdo con los estándares imperantes, mientras que Whistler solía pensar en sí mismo y en su arte como en conflicto con las convenciones de su época. Continuando con una noción o categorización del artista que había estado presente en Europa desde el siglo XVI (y, posteriormente, Estados Unidos), Whistler era el genio singular, creativo, cuyo arte a menudo era incomprendido y no necesariamente aceptado.

Ese fue efectivamente el caso. En 1878, Whistler ganó una demanda por difamación contra el crítico de arte John Ruskin, quien describió la pintura de 1875 de Whistler, Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket, como “arrojar una olla de pintura en la cara del público”. (Figura 1.14) Hacia 1880, tras ese procedimiento rencoroso, Whistler a menudo añadía un aguijón largo a su monograma de mariposa, simbolizando tanto la gentil belleza de su arte como la naturaleza contundente, a veces punzante, de su personalidad.

4 James Abbott McNeill Whistler, El suave arte de hacer enemigos (Nueva York: Frederick Stokes & Brother, 1908), www. gutenberg.org/files/24650/24650-h/24650-h.html