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18.6: Italia en el periodo gótico

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    Pintura Italiana: 1200—1400

    A principios del Renacimiento, los pintores comenzaron a abrazar estilos naturalistas, creando imágenes con atención a la forma y al espacio.

    Objetivos de aprendizaje

    Identificar los artistas y estilos destacados en Italia durante el Renacimiento temprano

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • La Escuela Florentina de Pintura se caracteriza por el naturalismo en la pintura en Florencia que comenzó a surgir en el siglo XIII.
    • El período comprendido entre 1200 y 1400 en Italia proporciona un importante puente en la historia del arte entre el período medieval y los estilos bizantino y gótico, y el período moderno temprano y los estilos renacentistas.
    • Los pintores comenzaron a abrazar los estilos más naturalistas. Volviendo a las figuras clásicas, crearon imágenes que retrataban emociones fuertes y que prestaban atención a las relaciones entre figuras. Su pintura expresaba un tipo de realismo no presente en los estilos bizantinos.

    Términos Clave

    • témpera: Un método de pintura donde el artista mezcla pigmento con agua y un aglutinante, generalmente huevo.
    • Renacimiento: El renacimiento del siglo XIV del arte clásico, la arquitectura, la literatura y el aprendizaje que se originó en Italia y se extendió por toda Europa durante los dos siglos siguientes.

    La Escuela Florentina de Pintura se caracteriza por el naturalismo en el arte que comenzó a surgir en Florencia en el siglo XIII. Esto sentó las bases para lo que se convertiría en el gran período del arte florentino en siglos posteriores que incluiría la obra de grandes artistas como Miguel Ángel, Fra Angelico, Botticelli, Donatello y Lippi.

    Sin embargo, el arte en Florencia y el norte de Italia durante el período comprendido entre 1200 y 1400 todavía estaba en transición; era un puente en la historia del arte entre la época medieval y los estilos bizantino y gótico, y el período moderno temprano y estilos renacentistas. A veces referido como el período proto-renacentista, el arte y la arquitectura en el norte de Italia proporcionaron importantes pistas sobre las tendencias que se afianzarían a lo largo de los próximos siglos en el resto de Europa.

    Ciudades estados y ducados como Pisa, Milán, Lucca y Florencia fueron los principales hogares de estos desarrollos. A pesar de los numerosos desafíos que se plantearon durante el periodo, como los continuos estragos de la Peste Negra, estas ciudades-estado vivieron periodos de estabilidad política y crecimiento económico, lo que proporcionó una buena base para una nueva experimentación en el arte.

    En Florencia, las familias líderes prosperaron bajo el crecimiento económico promovido a través del comercio. Cada una de estas familias líderes competía por el poder, pero también por el protagonismo cultural, y se convirtieron en grandes mecenas de las artes (siendo la familia Medici el primer ejemplo).

    Al mismo tiempo, hubo grandes cambios ocurriendo en el arte tanto en términos de estilos como de filosofías. Un cambio importante fue el enfoque al individuo en las prácticas religiosas, lo que también se tradujo en un mayor enfoque naturalista y humanista en el arte.

    Florencia

    Los pintores de esta ciudad abrazaron de todo corazón los estilos naturalistas. Volviendo a las figuras clásicas, crearon imágenes con atención para retratar emociones fuertes y relaciones entre figuras, pintura que expresaba un tipo de realismo no presente en los estilos bizantinos.

    Un pintor que demostró el cambio que se estaba dando en la pintura florentina durante este tiempo es Cimabue (c.1240-1302). En su Maesta el espectador podrá observar elementos tanto del anterior estilo bizantino de la pintura, como del emergente estilo renacentista. La obra conserva el fondo dorado que era familiar en los iconos bizantinos, y sus figuras son renderizadas en un estilo bizantino. No obstante, Cimabue hizo esfuerzos para crear espacio en esta obra, lo que se convertiría en un aspecto importante en el arte renacentista. Sus ángeles que rodean a la Virgen y el Niño se superponen entre sí para indicar el espacio y Cimabue prestó gran atención al trono de la Virgen para crear también una representación realista del espacio.

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    Cimabue, Maesta, c.12801285. : La obra de Cimabue refleja los cambios que ocurrieron en la pintura florentina durante este período, al demostrar tanto el estilo bizantino más antiguo como el estilo renacentista emergente.

    Los artistas pudieron trabajar en Florencia al menos en parte debido a los influyentes gremios de arte, incluido el gremio de pintores Arte dei Medici e Spezeiali. Estos gremios también se convirtieron en importantes mecenas de las artes, y se hicieron cargo del mantenimiento y mejoras de edificios religiosos.

    Siena

    La escuela de pintura de Siena fue más conservadora que la pintura en Florencia, pero no obstante importante, floreciendo entre los años 1200 y 1400. Algunos de los pintores importantes de esta época incluyeron a Duccio y sus alumnos Ambrogio Lorenzetti, Simone Martini y Matteo di Giovanni.

    Duccio di Buoninsegna es uno de los pintores sieneses más conocidos de la época. Su obra a menudo se adornaba con el uso de pan de oro y joyas, demostrando cómo Siena se enfocaba en la materialidad física del trabajo. Su trabajo en témpera de huevo también utilizó colores más brillantes, redondeó rasgos en rostros y manos, y jugó con colores claros y oscuros para resaltar las figuras debajo de las cortinas creando una forma natural, que era muy diferente a las figuras bizantinas pero importante para los artistas renacentistas emergentes.

    La obra de Duccio se consideró bastante emotiva, con un renovado enfoque en la narración a través de las interacciones de figuras en las imágenes y la selección de fuertes interpretaciones de historias bíblicas. El retablo Maestà (1308—1310) es una de sus grandes obras. Compuesta por múltiples pinturas y encargada por la ciudad de Siena, la pieza representa la vida de la Virgen María y Cristo. La rodilla de la Virgen sobresale hacia el espectador, ya que Duccio ha creado un sentido realista de la forma, un elemento esencial del estilo renacentista emergente. Si bien su obra conserva el fondo dorado y los halos dorados tan importantes en el arte bizantino (y para los mecenas sieneses), este arte actúa como puente entre la época medieval tardía y el Renacimiento temprano.

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    Duccio, Maestà, 1308—1311: La obra de Duccio demuestra el estilo renacentista emergente, visto en la forma desarrollada de las figuras, así como los estilos bizantinos más antiguos y la preferencia sienesa por la materialidad con el uso del oro.

    Pintura Italiana: Giotto

    Giotto fue uno de los pintores más venerados de su tiempo y un importante puente entre los períodos medieval y renacentista.

    Objetivos de aprendizaje

    Describir el uso del naturalismo, la narración y la perspectiva de Giotto en su obra

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • Giotto di Bondone nació a finales de los años 1200 en la región italiana de Florencia. Pasaría a convertirse en uno de los pintores más venerados de su tiempo y un importante puente entre los períodos medieval y renacentista.
    • Los frescos de la Capilla de la Arena en Padua, que representan escenas de la vida de la Virgen María y Jesús, son algunas de las obras maestras más conocidas de Giotto.
    • Los estudiosos debaten qué obras deben atribuirse a Giotto y cuáles obras deben atribuirse a sus asistentes u otros artistas que trabajan en su estilo.
    • La contribución distintiva de Giotto a la historia del arte fue un regreso a un estilo que hace referencia directa al mundo natural; sus pinturas tenían como objetivo capturar el realismo de la forma humana.

    Términos Clave

    • fresco: La técnica de aplicar pigmento, mezclado con agua, sobre yeso húmedo. A medida que el pigmento y el yeso se secan se fusionan y la pintura se convierte físicamente en parte de la pared.

    Giotto di Bondone nació a finales de los años 1200 en la región italiana de Florencia. Pasaría a convertirse en uno de los pintores más venerados de su tiempo, y en un importante puente entre los períodos medieval y renacentista.

    Los frescos de la Capilla de la Arena fueron encargados por el patrón Enrico Scrovegni y representan escenas de la vida de la Virgen María y Jesús. Son las obras maestras más conocidas de Giotto.

    Judas se muestra besando a Jesús en el centro con muchos hombres a su alrededor en movimiento.

    El beso de Judas: Una de las escenas más dramáticas de los frescos de la Capilla de la Arena de Giotto representa el momento en que Judas traiciona a Cristo identificándolo con soldados romanos.

    Los estudiosos debaten sobre qué obras deben atribuirse a Giotto y cuáles obras deben atribuirse a asistentes u otros artistas. Por ejemplo, Giotto parece haber aprendido con el pintor florentino Cimabue en Roma y pudo haber sido responsable de porciones de la Capilla de Asís. No obstante, no hay documentación que confirme su trabajo en Asís.

    La contribución distintiva de Giotto a la historia del arte fue un retorno a un estilo que hace referencia directa al mundo natural, un estilo que no había sido enfatizado por pintores medievales o bizantinos. Mientras que los estilos medieval y bizantino favorecieron figuras planas, alargadas y la falta de perspectiva natural Giotto devolvió la pintura a un estilo que pretendía plasmar el naturalismo de la forma humana.

    Otra fortaleza de la obra de Giotto fue su habilidad para contar historias. Fue hábil en la selección de interpretaciones fuertes de historias bíblicas y en atraer a los espectadores a los aspectos más ricos visual y espiritualmente de la historia. Este enfoque en las relaciones entre figuras, así como un renovado interés por la perspectiva y el dibujo de vida, son algunos de los aspectos que llegarían a ser prominentes en la pintura renacentista.

    Arquitectura Italiana 1200-1400

    El estilo gótico fue el estilo arquitectónico líder en Italia durante este periodo de tiempo. Sin embargo, los arquitectos italianos interpretaron la arquitectura gótica de manera diferente a la que hicieron en Francia, resultando en algunas diferencias regionales clave.

    Objetivos de aprendizaje

    Discutir la arquitectura de Florencia, Italia, durante la Edad Media y la arquitectura de la Catedral de Florencia

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • Si bien el estilo gótico francés ganó popularidad en muchas partes de Europa, el estilo gótico se interpretó de manera diferente en Italia.
    • Los edificios góticos en ciudades como Florencia carecen de las vidrieras que caracterizan a las estructuras góticas francesas y en su conjunto carecen de la verticalidad enfatizada de las catedrales góticas francesas.
    • La Catedral de Florencia es un ejemplo del estilo gótico en Italia.

    Términos Clave

    • lanceta: Un arco alto y estrecho con un arco puntiagudo en su parte superior.
    • contrafuerte volador: Un contrafuerte que se destaca de la estructura que soporta, y está conectado a él por un arco (volante).

    Florencia: Arquitectura y Metalistería

    La arquitectura gótica se desarrolló en Francia y se caracterizó por arcos lancetas o puntiagudos utilizados tanto para ventanas como para puertas. Estos permitieron tanto paredes más delgadas como ventanas más grandes. Los vitrales que parecían sustituir por completo a las paredes son el sello distintivo de la arquitectura gótica francesa. Otras características del estilo gótico incluyen el mayor uso de contrafuertes voladores para sostener paredes, y un desplazamiento hacia columnas más esbeltas y ornamentadas, y techos abovedados.

    Si bien el estilo gótico francés ganó popularidad en muchas partes de Europa, el estilo gótico se interpretó de manera diferente en Italia. Los edificios góticos en ciudades como Florencia carecen de las vidrieras que caracterizan a las estructuras góticas francesas y en su conjunto carecen de la verticalidad enfatizada de las catedrales góticas francesas.

    Catedral de Florencia

    La Catedral de Florencia es un gran ejemplo del estilo gótico en Italia. Iniciada en 1296, la Catedral está construida en estilo gótico ya que la arquitectura renacentista aún no se había desarrollado.

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    Catedral de Florencia, iniciada en 1296: La Catedral se muestra iluminada por la noche, mostrando su estilo gótico y su gran cúpula.

    Como lo demuestra la vista exterior de la Catedral, las estructuras góticas italianas no incorporaban las vidrieras, que se habían vuelto tan esenciales para las estructuras góticas francesas. El interior de la Catedral, incluyendo las bóvedas de la ingle y los arcos apuntados, demuestra con bastante claridad los elementos góticos de su arquitectura.

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    Catedral de Florencia, Vista interior, iniciada 1296: En el interior de la Catedral, se pueden observar los elementos góticos, como las bóvedas de la ingle y los arcos apuntados.

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