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7.3: Introducción al Barroco

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    La silla de San Pedro está ornamentadamente tallada y elevada por encima de la congregación y el clero en la iglesia. Está hecho a proporciones más grandes que la vida. Está rodeado de representaciones doradas y de madera de nubes, santos y luz solar. Hay una ventana en el centro del dorado sobre la silla. El sol queda atrapado en la ventana.
    Figura\(\PageIndex{1}\). Gian Lorenzo Bernini, Catedral Petri (o Cátedra de San Pedro), bronce dorado, oro, madera, vidrieras, 1647—53 (ábside de la Basílica de San Pedro, Ciudad del Vaticano, Roma)

    Roma: De la “Puta de Babilonia” a la resplandeciente Esposa de Cristo

    Cuando Martín Lutero clavó sus 95 tesis a las puertas de la Catedral de Wittenburg en 1517 protestando por la corrupción de la Iglesia Católica, inició un movimiento que transformaría el panorama religioso, político y artístico de Europa. Para el próximo siglo, Europa estaría en crisis a medida que se determinaran nuevas fronteras políticas y religiosas, a menudo a través de sangrientos conflictos militares. Apenas en 1648, con la firma del Tratado de Westfalia, los conflictos entre protestantes y católicos disminuyeron en Europa continental.

    Martín Lutero centró su crítica en lo que veía como la codicia y el abuso de poder de la Iglesia. Llamó a Roma, la sede del poder papal, “la prostituta de Babilonia” adornada con galas de arte caro, gran arquitectura y suntuosos banquetes. La Iglesia respondió a la crisis de dos maneras: abordando internamente temas de corrupción y defendiendo las doctrinas rechazadas por los protestantes. Así, si bien las dos primeras décadas del siglo XVI fueron un periodo de gasto lujoso para el papado, las décadas medias fueron un período de austeridad. Como señaló un visitante de Roma en la década de 1560, toda la ciudad se había convertido en convento. La piedad y el ascetismo gobernaron el día.

    A finales del siglo XVI, la Iglesia Católica volvió a sentirse optimista, incluso triunfante. Había salido de la crisis con renovado vigor y claridad de propósito. Pastorear a los fieles, instruirlos sobre doctrinas católicas e inspirar comportamientos virtuosos, tomó protagonismo. Deseoso de reconstruir la reputación de Roma como ciudad santa, el Papado se embarcó en extensas campañas de construcción y decoración destinadas a resaltar sus orígenes antiguos, sus creencias y su autoridad divinamente sancionada. A los ojos de los fieles católicos, Roma no era una prostituta infiel, sino una novia pura, bellamente adornada para su unión con su esposa divina.

    Dos pinturas se muestran en esta fotografía de la capilla. Cada cuadro tiene un marco intrincadamente tallado. La Asunción también está flanqueada con columnas corintias talladas en mármol.
    Figura\(\PageIndex{2}\). Vista de la Capilla Cerasi en Santa Maria del Popolo en Roma con retablo de Annibale Carracci, La Asunción de la Virgen, 1600—01, óleo sobre lienzo, 96 pulg × 61 pulgadas y a la derecha, Caravaggio Conversión de San Pablo (Conversión de Saulo), 1601, 91 in × 69 pulgadas

    El arte de la persuasión: instruir, deleitar, mover

    Si bien los protestantes criticaron duramente el culto a las imágenes, la Iglesia Católica abrazó ardientemente el poder religioso del arte. Las artes visuales, argumentó la Iglesia, jugaron un papel clave en la orientación de los fieles. Ciertamente eran tan importantes como la palabra escrita y hablada, y quizás aún más importante, ya que eran accesibles tanto para los aprendidos como para los no aprendidos. Para ser efectivo en su papel pastoral, el arte religioso tenía que ser claro, persuasivo y poderoso. No sólo tenía que instruir, tenía que inspirar. Tenía que conmover a los fieles para sentir la realidad del sacrificio de Cristo, el sufrimiento de los mártires, las visiones de los santos.

    Todas las figuras en el dolor son muy expresivas. Cristo está arrodillado en el suelo, mostrando su rostro dolor y aceptación. Dos romanos están usando palos para presionar la corona de espinas en la cabeza de Cristo. Un hombre vestido con ropa de época renacentista observa la escena, con la espalda hacia el espectador.
    Figura\(\PageIndex{3}\). Caravaggio, La coronación con espinas, 1602—04, óleo sobre lienzo, 165.5 × 127 cm (Museo Kunsthistorisches, Viena). Visualiza esta pintura de cerca en el Google Art Project.

    El énfasis de la Iglesia en el papel pastoral del arte llevó a los artistas a experimentar con medios nuevos y más directos de involucrar al espectador. Artistas como Caravaggio recurrieron a un realismo poderoso y dramático, acentuado por audaces contrastes de luz y oscuridad, y composiciones muy recortadas que realzan la inmediatez física y emocional de la narrativa representada. Otros artistas, como Annibale Carracci (quien también experimentó con el realismo), finalmente se asentaron en un lenguaje visual más clásico, inspirado en la paleta vibrante, las formas idealizadas y las composiciones equilibradas del Alto Renacimiento. Otros, como Giovanni Battista Gaulli, recurrieron a atrevidas hazañas de ilusionismo que difuminaban no solo los límites entre la pintura, la escultura y la arquitectura, sino también los que existían entre el mundo real y el representado. Al hacerlo, lo divino se hizo físicamente presente y palpable. Ya sea a través de un realismo impactante, un movimiento dinámico o una exuberante ornamentación, el arte del siglo XVII está destinado a impresionar. Su objetivo es convencer al espectador de la verdad de su mensaje impactando los sentidos, despertando las emociones y activando, incluso compartiendo el espacio del espectador.

    Esta pintura también es conocida como la Adoración o la Adoración. El punto focal de la pintura es una luz brillante, que representa a Cristo y su gloria. Adoradores rodean esta luz. La pintura del techo está destinada a incluir a los espectadores (especialmente a las congregaciones). Para lograrlo, el pintor ha mostrado figuras a diferentes distancias, algunas pareciendo estar en nuestro espacio, elevándose hacia el cielo con otras. El mural está rodeado de un marco dorado.
    Figura\(\PageIndex{4}\). Giovanni Battista Gaulli, también conocido como il Baciccio, El triunfo del nombre de Jesús, Il Gesù techo fresco, 1672—1685

    Los Reyes Católicos y sus Territorios

    Los monarcas de España, Portugal y Francia también abrazaron los elementos más ornamentados del arte del siglo XVII para celebrar el catolicismo. En España y sus colonias, los gobernantes invirtieron vastos recursos en elaboradas fachadas de iglesias, impresionantes capillas y tabernáculos cubiertos de oro, y esculturas policromadas sorprendentemente realistas. En los Países Bajos españoles, donde el arte sacro había sufrido terriblemente como consecuencia de la iconoclasia protestante (la destrucción del arte), los líderes cívicos y religiosos priorizaron el adorno de las iglesias a medida que la región recuperaba su identidad católica. Reamueblar los altares de las iglesias de Amberes mantuvo ocupado el taller de Peter Paul Rubens durante muchos años. Los monarcas europeos también adoptaron este vocabulario artístico para proclamar su propio poder y estatus. Luis XIV, por ejemplo, encargó los espléndidos edificios y jardines de Versalles como expresión visual de su derecho divino a gobernar.

    Fotografía de 5 pinturas, cuatro de ellas aproximadamente a la altura del hombre que se encuentra de pie frente a ellas en la fotografía. El quinto es el doble del tamaño de los demás. Las pinturas representan diversas escenas y temas.
    Figura\(\PageIndex{5}\). Vista de pinturas de Peter Paul Rubens en la Alte Pinakothek, Munich

    El Norte Protestante

    Leyster se ha pintado en el acto de completar un retrato de un juglar. Su cuerpo se vuelve hacia la pintura, pero su rostro está hacia el espectador. Ella sostiene una paleta de pintura y un pincel, mientras mira al espectador con media sonrisa.
    Figura\(\PageIndex{5}\). Judith Leyster, Autorretrato, c. 1630, óleo sobre lienzo, 651 × 746 cm (Galería Nacional de Arte, Washington). Visualiza esta pintura de cerca en el Google Art Project.

    En los países protestantes, y especialmente en la recién independiente República Holandesa (la actual Holanda), el clima artístico cambió radicalmente a raíz de la Reforma.

    Dos de las fuentes más ricas de mecenazgo —la monarquía y la Iglesia— ya se habían ido. En su lugar surgió una clase media cada vez más próspera ansiosa por expresar su estatus, y su nuevo sentido de orgullo nacional, a través de la compra del arte.

    A mediados del siglo XVII había surgido un nuevo mercado para satisfacer los gustos artísticos de esta clase. La demanda ahora era de pinturas a menor escala adecuadas para exhibir en casas particulares. Estas pinturas incluyeron temas religiosos para la contemplación privada, como se ve en las conmovedoras pinturas y grabados de narrativas bíblicas de Rembrandt, así como retratos que documentan semejanzas individuales.

    Una pintura de naturaleza muerta casi fotorrealista. Hay una mesa rematada con platillos y lo que parece ser los restos de una comida grande. El mantel ha sido parcialmente retirado de la mesa. El material arrugado y plegado se extiende de formas extremadamente realistas.
    Figura\(\PageIndex{6}\). Willem Claesz Heda, Pieza para banquete con Pastel de Picada, 1635, óleo sobre lienzo, 42 × 43-3/4 pulgadas (Galería Nacional de Arte, Washington). Visualiza esta pintura de cerca en el Google Art Project.

    Pero, el mayor cambio en el mercado fue el dramático aumento en la popularidad de paisajes, bodegones y escenas de la vida cotidiana (conocida como pintura de género). En efecto, la proliferación de estos temas como géneros artísticos independientes fue una de las aportaciones más significativas del siglo XVII a la historia del arte occidental. En todos estos géneros, los artistas revelaron un gran interés en replicar la realidad observada, ya sea la luz del paisaje holandés, la expresión momentánea en un rostro o las variadas texturas y materiales de los objetos que los holandeses recolectaron mientras cosechaban los beneficios de su imperio mercantil en expansión. Estas obras demostraron tanto virtuosismo artístico e inmediatez física como las grandes decoraciones de los palacios e iglesias de la Europa católica.

    Barroco: la palabra, el estilo, la época

    Una pintura monocromática con marrones. San Francisco casi parece ser una talla de madera. Se para con túnicas religiosas, mirando hacia los cielos.
    Figura\(\PageIndex{7}\). Francisco de Zurbarán, San Francisco de Asís Según la Visión del Papa Nicolás V, c. 1640, óleo sobre lienzo, 110.5 × 180.5 cm (Museo Nacional de Arte de Catalunya, Barcelona). Visualiza esta pintura de cerca en el Google Art Project.

    En el contexto de la historia europea, el período de c. 1585 a c. 1700/1730 suele llamarse época barroca. La palabra “barroco” deriva de las palabras portuguesas y españolas para una perla grande de forma irregular (“barroco” y “barrueco”, respectivamente). Los críticos del siglo XVIII fueron los primeros en aplicar el término al arte del siglo XVII. No fue un término de alabanza. A los ojos de estos críticos, que favorecían la moderación y el orden del Neoclasicismo, las obras de Bernini, Borromini y Pietro da Cortona parecían extrañas, absurdas, incluso enfermas, es decir, deformadas, como una perla imperfecta.

    A mediados del siglo XIX, la palabra había perdido sus implicaciones peyorativas y se utilizó para describir las cualidades ornamentadas y complejas presentes en muchos ejemplos del arte, la música y la literatura del siglo XVII. Eventualmente, el término llegó a designar el periodo histórico en su conjunto. En el contexto de la pintura, por ejemplo, el marcado realismo de los retablos de Zurbaran, la intimidad tranquila de los interiores domésticos de Vermeer y el clasicismo contenido de los paisajes de Poussin son todos “barrocos” (ahora con una “B” mayúscula para indicar el período histórico), independientemente de la ausencia de lo estilístico rasgos originalmente asociados con el término.

    San Juan se sienta reclinado en el suelo mientras escribe con papeles a su lado izquierdo. Detrás de él hay un paisaje con árboles, montañas y ruinas de edificios.
    Figura\(\PageIndex{8}\). Nicolas Poussin, Paisaje con San Juan, 1640, óleo sobre lienzo, 39-1/2 × 53-5/8 pulgadas (Instituto de Arte de Chicago). Visualiza esta pintura de cerca en el Google Art Project.

    Los estudiosos continúan debatiendo la validez de esta etiqueta, admitiendo la utilidad de tener una etiqueta para este periodo histórico distinto, al tiempo que reconocen sus limitaciones para caracterizar la variedad de estilos artísticos presentes en el siglo XVII.

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