7.3: Introducción al Barroco
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Roma: De la “Puta de Babilonia” a la resplandeciente Esposa de Cristo
Cuando Martín Lutero clavó sus 95 tesis a las puertas de la Catedral de Wittenburg en 1517 protestando por la corrupción de la Iglesia Católica, inició un movimiento que transformaría el panorama religioso, político y artístico de Europa. Para el próximo siglo, Europa estaría en crisis a medida que se determinaran nuevas fronteras políticas y religiosas, a menudo a través de sangrientos conflictos militares. Apenas en 1648, con la firma del Tratado de Westfalia, los conflictos entre protestantes y católicos disminuyeron en Europa continental.
Martín Lutero centró su crítica en lo que veía como la codicia y el abuso de poder de la Iglesia. Llamó a Roma, la sede del poder papal, “la prostituta de Babilonia” adornada con galas de arte caro, gran arquitectura y suntuosos banquetes. La Iglesia respondió a la crisis de dos maneras: abordando internamente temas de corrupción y defendiendo las doctrinas rechazadas por los protestantes. Así, si bien las dos primeras décadas del siglo XVI fueron un periodo de gasto lujoso para el papado, las décadas medias fueron un período de austeridad. Como señaló un visitante de Roma en la década de 1560, toda la ciudad se había convertido en convento. La piedad y el ascetismo gobernaron el día.
A finales del siglo XVI, la Iglesia Católica volvió a sentirse optimista, incluso triunfante. Había salido de la crisis con renovado vigor y claridad de propósito. Pastorear a los fieles, instruirlos sobre doctrinas católicas e inspirar comportamientos virtuosos, tomó protagonismo. Deseoso de reconstruir la reputación de Roma como ciudad santa, el Papado se embarcó en extensas campañas de construcción y decoración destinadas a resaltar sus orígenes antiguos, sus creencias y su autoridad divinamente sancionada. A los ojos de los fieles católicos, Roma no era una prostituta infiel, sino una novia pura, bellamente adornada para su unión con su esposa divina.
El arte de la persuasión: instruir, deleitar, mover
Si bien los protestantes criticaron duramente el culto a las imágenes, la Iglesia Católica abrazó ardientemente el poder religioso del arte. Las artes visuales, argumentó la Iglesia, jugaron un papel clave en la orientación de los fieles. Ciertamente eran tan importantes como la palabra escrita y hablada, y quizás aún más importante, ya que eran accesibles tanto para los aprendidos como para los no aprendidos. Para ser efectivo en su papel pastoral, el arte religioso tenía que ser claro, persuasivo y poderoso. No sólo tenía que instruir, tenía que inspirar. Tenía que conmover a los fieles para sentir la realidad del sacrificio de Cristo, el sufrimiento de los mártires, las visiones de los santos.
El énfasis de la Iglesia en el papel pastoral del arte llevó a los artistas a experimentar con medios nuevos y más directos de involucrar al espectador. Artistas como Caravaggio recurrieron a un realismo poderoso y dramático, acentuado por audaces contrastes de luz y oscuridad, y composiciones muy recortadas que realzan la inmediatez física y emocional de la narrativa representada. Otros artistas, como Annibale Carracci (quien también experimentó con el realismo), finalmente se asentaron en un lenguaje visual más clásico, inspirado en la paleta vibrante, las formas idealizadas y las composiciones equilibradas del Alto Renacimiento. Otros, como Giovanni Battista Gaulli, recurrieron a atrevidas hazañas de ilusionismo que difuminaban no solo los límites entre la pintura, la escultura y la arquitectura, sino también los que existían entre el mundo real y el representado. Al hacerlo, lo divino se hizo físicamente presente y palpable. Ya sea a través de un realismo impactante, un movimiento dinámico o una exuberante ornamentación, el arte del siglo XVII está destinado a impresionar. Su objetivo es convencer al espectador de la verdad de su mensaje impactando los sentidos, despertando las emociones y activando, incluso compartiendo el espacio del espectador.
Los Reyes Católicos y sus Territorios
Los monarcas de España, Portugal y Francia también abrazaron los elementos más ornamentados del arte del siglo XVII para celebrar el catolicismo. En España y sus colonias, los gobernantes invirtieron vastos recursos en elaboradas fachadas de iglesias, impresionantes capillas y tabernáculos cubiertos de oro, y esculturas policromadas sorprendentemente realistas. En los Países Bajos españoles, donde el arte sacro había sufrido terriblemente como consecuencia de la iconoclasia protestante (la destrucción del arte), los líderes cívicos y religiosos priorizaron el adorno de las iglesias a medida que la región recuperaba su identidad católica. Reamueblar los altares de las iglesias de Amberes mantuvo ocupado el taller de Peter Paul Rubens durante muchos años. Los monarcas europeos también adoptaron este vocabulario artístico para proclamar su propio poder y estatus. Luis XIV, por ejemplo, encargó los espléndidos edificios y jardines de Versalles como expresión visual de su derecho divino a gobernar.
El Norte Protestante
En los países protestantes, y especialmente en la recién independiente República Holandesa (la actual Holanda), el clima artístico cambió radicalmente a raíz de la Reforma.
Dos de las fuentes más ricas de mecenazgo —la monarquía y la Iglesia— ya se habían ido. En su lugar surgió una clase media cada vez más próspera ansiosa por expresar su estatus, y su nuevo sentido de orgullo nacional, a través de la compra del arte.
A mediados del siglo XVII había surgido un nuevo mercado para satisfacer los gustos artísticos de esta clase. La demanda ahora era de pinturas a menor escala adecuadas para exhibir en casas particulares. Estas pinturas incluyeron temas religiosos para la contemplación privada, como se ve en las conmovedoras pinturas y grabados de narrativas bíblicas de Rembrandt, así como retratos que documentan semejanzas individuales.
Pero, el mayor cambio en el mercado fue el dramático aumento en la popularidad de paisajes, bodegones y escenas de la vida cotidiana (conocida como pintura de género). En efecto, la proliferación de estos temas como géneros artísticos independientes fue una de las aportaciones más significativas del siglo XVII a la historia del arte occidental. En todos estos géneros, los artistas revelaron un gran interés en replicar la realidad observada, ya sea la luz del paisaje holandés, la expresión momentánea en un rostro o las variadas texturas y materiales de los objetos que los holandeses recolectaron mientras cosechaban los beneficios de su imperio mercantil en expansión. Estas obras demostraron tanto virtuosismo artístico e inmediatez física como las grandes decoraciones de los palacios e iglesias de la Europa católica.
Barroco: la palabra, el estilo, la época
En el contexto de la historia europea, el período de c. 1585 a c. 1700/1730 suele llamarse época barroca. La palabra “barroco” deriva de las palabras portuguesas y españolas para una perla grande de forma irregular (“barroco” y “barrueco”, respectivamente). Los críticos del siglo XVIII fueron los primeros en aplicar el término al arte del siglo XVII. No fue un término de alabanza. A los ojos de estos críticos, que favorecían la moderación y el orden del Neoclasicismo, las obras de Bernini, Borromini y Pietro da Cortona parecían extrañas, absurdas, incluso enfermas, es decir, deformadas, como una perla imperfecta.
A mediados del siglo XIX, la palabra había perdido sus implicaciones peyorativas y se utilizó para describir las cualidades ornamentadas y complejas presentes en muchos ejemplos del arte, la música y la literatura del siglo XVII. Eventualmente, el término llegó a designar el periodo histórico en su conjunto. En el contexto de la pintura, por ejemplo, el marcado realismo de los retablos de Zurbaran, la intimidad tranquila de los interiores domésticos de Vermeer y el clasicismo contenido de los paisajes de Poussin son todos “barrocos” (ahora con una “B” mayúscula para indicar el período histórico), independientemente de la ausencia de lo estilístico rasgos originalmente asociados con el término.
Los estudiosos continúan debatiendo la validez de esta etiqueta, admitiendo la utilidad de tener una etiqueta para este periodo histórico distinto, al tiempo que reconocen sus limitaciones para caracterizar la variedad de estilos artísticos presentes en el siglo XVII.
Colaboradores
- El barroco: arte, política y religión en la Europa del siglo XVII. Autor: Dr. Esperanca Camara. Proporcionado por: Khan Academy. Ubicado en: https://web.archive.org/web/20140215033011/http://smarthistory.khanacademy.org/1600-1700-the-Baroque.html. Licencia: CC BY-NC-SA: Atribución-NoComercial-CompartirIgual