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11.11: Van Gogh, Autorretrato con Oreja Vendada

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    Detalle de la cara de Van Gogh. El artista tiene una expresión solemne. En el cuadro, ha utilizado verdes y azules para indicar sombra.
    Figura\(\PageIndex{1}\). Vincent van Gogh, Autorretrato con oreja vendada (detalle), 1889, óleo sobre lienzo, 60 × 49cm (Courtauld Galleries, Londres)

    El hombre desafortunado

    El siguiente reporte apareció en la revista de Arles Le Forum Republicain el 30 de diciembre de 1888:

    El domingo pasado, a las 11:30 de la noche, Vincent Vaugogh [sic], pintor de origen holandés, llamó en el Burdel No. 1, pidió a una mujer llamada Rachel y le entregó.. su oído, diciendo: “Guarda este objeto con tu vida”. Después desapareció. Al ser informados de la acción, que sólo podía ser la de un lamentable loco, la policía acudió al día siguiente a su casa y lo descubrió tirado en su cama aparentemente al punto de morir. El desafortunado hombre ha sido trasladado de urgencia al hospital.

    Los relatos de lo que ocurrió esa noche varían. Sin embargo, cualesquiera que sean las circunstancias exactas, cualesquiera que sean las motivaciones subyacentes podrían haber obligado a van Gogh a hacerlo, el episodio efectivamente puso fin a una de las relaciones laborales más famosas de la historia del arte, ya que Paul Gauguin abordó el tren a París al día siguiente.

    Durante nueve semanas habían vivido juntos compartiendo hospedajes en la Casa Amarilla, a las afueras de las murallas del casco antiguo de Arles en el sur de Francia, estimulándose mutuamente como colaboradores y como rivales también. El sueño había sido montar “un estudio en el Sur”, como lo expresó van Gogh, una comunidad de artistas, consigo mismo y Gauguin, los padres fundadores, todos trabajando en armonía con la naturaleza y, como esperaba, entre ellos.

    ¿Una Cara Valiente?

    El cuadro, terminado dos semanas después del evento, a menudo se lee como una despedida de ese sueño. Para Steven Naifeh y Gregory White Smith, los biógrafos más recientes del artista, sin embargo, el retrato fue ante todo una súplica a los médicos de van Gogh.

    Un autorretrato. Van Gogh lleva un sombrero forrado de piel y una chaqueta verde oscuro. Detrás de él en la pared, cuelga un retrato japonés. El retrato presenta a dos mujeres, una agachada y la otra de pie. Las dos mujeres están representadas con mucho menos detalle que el rostro de Van Gogh.
    Figura\(\PageIndex{2}\). Vincent van Gogh, Autorretrato con oreja vendada, 1889, óleo sobre lienzo, 60 × 49cm (Courtauld Galleries, Londres)

    Se muestra al artista de perfil de tres cuartos parado en una habitación de la Casa Amarilla vistiendo un abrigo cerrado y un gorro de piel. Su oreja derecha está vendada. De hecho era su oreja izquierda la que estaba vendada, siendo la pintura una imagen especular. A su derecha hay un caballete con un lienzo sobre él. Apenas visible, un tenue contorno debajo revela lo que parece ser un bodegón que parece haber sido pintado. La parte superior del caballete ha sido recortada por el borde del lienzo y el sombrero de la niñera para formar una forma de bifurcación. A su izquierda hay una ventana enmarcada de color azul, y en parte oscurecida por la cresta degollada de su mejilla, una impresión japonesa en madera muestra dos geishas en un paisaje con el monte Fuji al fondo.

    Naifeh y White Smith argumentan que van Gogh, tras su liberación del hospital, estaba ansioso por persuadir a sus médicos de que efectivamente estaba perfectamente en forma y capaz de cuidarse y que, a pesar de su lapso momentáneo, no sería necesario que lo comprometieran, como se había sugerido, a uno de los asilos locos locales; de ahí el abrigo y el sombrero de invierno, para mantener el calor como habían aconsejado, y con la ventana entreabierta todavía recibiendo ese aire fresco tan necesario en su sistema. El vendaje también, que habría sido empapado en alcanfor, sugiere que ambos acepta lo sucedido y está feliz, literalmente, de tomar su medicina. La misma nota de optimismo estoico, si se desea leer la pintura de esta manera, también se encuentra en las cartas a su hermano Theo, en las que van Gogh, lejos de abandonar su sueño de un “estudio en el Sur”, habla de continuar con el proyecto, expresando el deseo de que más artistas vengan a Arles, incluso proponiendo que Gauguin y él podrían “empezar de nuevo”.

    Sin embargo, claro, independientemente de que Van Gogh estuviera o no dispuesto a admitirlo, el proyecto definitivamente había llegado a su fin. Y aunque por poco tiempo sí llegó a seguir viviendo en la Casa Amarilla, a las pocas semanas, actuando sobre una petición entregada a las autoridades locales y firmada por 30 de sus vecinos, fue trasladado por la fuerza y llevado al Hospital Arles donde fue encerrado en una celda de aislamiento. En mayo van Gogh se comprometió al asilo privado en Saint-Remy un pequeño pueblo al norte de Arles y en poco más de un año estaba muerto.

    Una obsesión por el arte japonés

    Aunque el argumento de Naifeh y White Smith es convincente, cómo el artista se contabiliza en sus cartas y cómo se expresa en la pintura, son cosas diferentes. Por mi parte, lo más interesante de la imagen es lo que revela sobre la práctica artística de van Gogh y particularmente su obsesión por el arte japonés: “Todo mi trabajo hasta cierto punto se basa en el arte japonés”, escribió en julio de 1888.

    Tres años antes, mientras estaba en la ciudad portuaria de Amberes en Bélgica, paseaba por los mercados allí donde estaban fácilmente disponibles grabados en madera de la escuela Ukiyo-e, los llamados “artistas del mundo flotante” y podían comprarse por solo unos pocos céntimos. Estos primeros vislumbres del arte de Japón llegaron en un momento crucial de la carrera del artista: a medio camino entre su Holanda natal donde se había educado en la tradición realista de artistas como Jozef Israëls, con su paleta oscura y terrosa y simpatía por los pobres rurales, y París donde se encontraría la colorida urbanidad de los impresionistas.

    Para van Gogh, los artistas de Japón ofrecieron el punto de encuentro perfecto de la teoría y la práctica. El más famoso de ellos fue Hokusai, “los Dickens de Japón”, que compartía la pasión del holandés por representar la vida de los pobres. Fue esta dimensión compasiva del arte japonés la que van Gogh esperaba aportar al Impresionismo, un movimiento que —para cuando llegó a París en 1886— ya había absorbido la inventiva visual de la escuela Ukiyo-e.

    A medida que pasaba el tiempo, los enlaces iban aún más lejos. En sus dos años de estancia en París, la ciudad de los extraños, era el compañerismo sobre todo lo que anhelaba, y así llegó a imaginar a los impresionistas, entre cuyas filas afirmaba pertenecer, para ser como imaginaba a los japoneses, un cuerpo unido de artistas, compartiendo las mismas metas e ideales. Fue esto lo que impulsó el viaje hacia el sur. Al llegar a Arles le escribió a su hermano, declarando su esperanza de que “otros artistas se levanten en este animado país y hagan por ello lo que los japoneses han hecho por los suyos”. Y de nuevo, mientras decoraba su nueva casa con pinturas de girasoles, le escribió a Theo: “Ven ahora, ¿no es casi una verdadera religión la que nos enseñan los simples japoneses, que viven en la naturaleza como si ellos mismos fueran flores”.

    Retrato de busto de Van Gogh. Está vestido con una chaqueta granate y se representa frente a un fondo sólido de color verde azulado. Van Gogh es descalzo, y tiene barba. Su rostro es angular, con una nariz especialmente afilada.
    Figura\(\PageIndex{3}\). Vincent van Gogh, Autorretrato (Dedicado a Gauguin), 1888, 65 × 52 cm (Fogg Art Museum, Cambridge)

    Fue en Arles donde leyó la novela Madame Chrysanthème de Pierre Loti, mejor conocida hoy como la fuente literaria de la ópera Madame Butterfly de Puccini. Si bien su heroína abnegada se abrió paso grácilmente hacia las fantasías orientalistas de van Gogh, la descripción de Loti de los sacerdotes budistas inspiró su propio Autorretrato (Dedicado a Paul Gauguin), una pintura que dibuja la dirección que esperaba que siguieran los dos artistas.

    Qué muy diferente es el Autorretrato con Oreja Vendada a este retrato anterior. Con su ambientación formal; los repetidos triángulos, por ejemplo, en forma de su abrigo, la parte superior del caballete y la vista ofrecida del propio monte Fuji, otorgando a la pintura su calidad aspiracional, su empuje ascendente. Y sin embargo, el sentimiento dominante seguramente es transmitido por los marcos internos: la ventana, el lienzo y la impresión, cada uno de los cuales aparece condensado y algo forzado en la pintura, como si dobladeteara a la niñera.

    Tres mujeres aparecen en primer plano del estampado, mientras que dos se pueden ver en un bote en el río de fondo. Las tres mujeres a la vanguardia están todas en diferentes niveles: una está de pie y mirando al cielo, otra está arrodillada, mientras mira hacia atrás a la mujer de pie. El tercero es agacharse sobre una mesa que se encuentra detrás de las dos mujeres. La paleta de colores es simple, usando principalmente un azul, un rojo rosado y toques de aguamarina pálida. La escena está enmarcada con flores y pájaros.
    Figura\(\PageIndex{4}\). Sato Torakiyo (editor), Geishas en un paisaje, c 1870—80, Grabado en madera a color, 60 × 43cm, Museo Courtauld, Londres

    El estampado japonés como Van Gogh lo pintó en Autorretrato con Oreja Vendada difiere del original. Comparándolos vemos cómo van Gogh desplazó la composición hacia la derecha, descartando deliberadamente una de las figuras a favor de la garza, cuyo pico afilado asoma como para apuñalar la oreja del artista. Frente a ella, la lona apretada a la izquierda con su huella fantasmal de flores coronada por el tenedor del caballete establece un paralelo formalmente satisfactorio pero psicológicamente inquietante. ¿Hay alguna pista en todo esto, aunque inconscientemente expresada, de que el sueño de una comunidad de artistas en Arles se ha vuelto en su contra?

    Quizás, pero entonces por supuesto siempre está el color de van Gogh: la alegre aplicación del pigmento sobre la tela, el glorioso uso del empaste, grueso y veloz; esa fabulosa técnica de eclosión, en lugares que evocan las texturas que representa, el tejido del abrigo, los hilos del vendaje, el pelaje del sombrero. Y anotar la matriz tonal de trazos que conforman el rostro: violeta, verde, rojo, marrón, naranja, amarillo pajizo; los negros centrados en esas pupilas penetrantes.

    Matisse fumando una pipa. Los trazos de la pintura son amplios y claramente visibles, con crestas elevadas que crean una textura más áspera en el rostro del artista.
    Figura\(\PageIndex{5}\). André Derain, Henri Matisse, 1905, óleo sobre lienzo, 71 × 60cm (Tate Modern, Londres)

    Un anhelo de ser probado cuerdo o un sincero grito de angustia, lo que sea que leamos en la imagen sobre van Gogh el hombre, desde un punto de vista puramente histórico del arte, es aquí en su pincelada y en su paleta donde se descubre la fuente de las “desarmonías deliberadas” de André Derain. Qué apropiado entonces que fue mientras estaba de vacaciones en el sur de Francia, un lugar favorito de ese movimiento modernista temprano al que pertenecía —los fauves— que Derain pintara a su amigo y compañero artista Matisse; suficiente tal vez para decir que la esperanza y predicción de Van Gogh de que “otros artistas se levantarán en este país animado” no estaba tan salvajemente fuera de lugar después de todo.

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