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13.30: Orígenes del expresionismo abstracto

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    ¿Qué hay en un Nombre?

    El grupo de artistas conocidos como Expresionistas Abstractos surgió en Estados Unidos en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Como sugiere el término, su trabajo se caracterizó por imágenes no objetivas que aparecían cargadas emocionalmente de significado personal. Los artistas, sin embargo, rechazaron estas implicaciones del nombre.

    Insistieron en que sus sujetos no eran “abstractos”, sino imágenes primarias, profundamente arraigadas en el inconsciente colectivo de la sociedad. Sus pinturas no expresaban mera emoción. Comunicaron verdades universales sobre la condición humana. Por estas razones, otro término, el New York School, ofrece un descriptor más preciso del grupo, ya que aunque algunos finalmente se trasladaron, su estética distintiva encontró su forma por primera vez en la ciudad de Nueva York.

    La pintura se compone principalmente con un fondo bronceado y un piso marrón en la parte inferior. Varias formas delicadas se combinan un poco en cuatro formas verticales. La forma más prominente y concreta se compone de formas de color azul pálido que se curvan hacia adentro y hacia afuera, creando una forma de reloj de arena de varios niveles.
    Figura\(\PageIndex{1}\). Mark Rothko, Remolino lento al borde del mar, 1944, óleo sobre lienzo, 191.4 × 215.2 cm (MoMA)

    El auge de la Escuela de Nueva York refleja el contexto cultural más amplio de mediados del siglo XX, especialmente el alejamiento de Europa como centro de innovación intelectual y artística en Occidente. Gran parte del significado de Abstracción El expresionismo proviene de su estatus como el primer movimiento de arte visual estadounidense en ganar aclamación internacional.

    Arte para un mundo en la ruina

    Barnett Newman escribió:

    Sentimos la crisis moral de un mundo desordenado, un mundo destruido por una gran depresión y una feroz Guerra Mundial, y era imposible en ese momento pintar el tipo de pinturas que estábamos haciendo: flores, desnudos reclinados y gente tocando el violonchelo. [1]

    Aunque se distinguen por estilos individuales, los expresionistas abstractos comparten intereses artísticos e intelectuales comunes. Si bien no expresamente políticos, la mayoría de los artistas sostenían fuertes convicciones basadas en ideas marxistas de igualdad social y económica. Muchos se habían beneficiado directamente del empleo en el Proyecto de Arte Federal de la Administración del Progreso de Obras. Allí, encontraron influencias en estilos regionalistas de artistas estadounidenses como Thomas Hart Benton, así como el Realismo Socialista de muralistas mexicanos como Diego Rivera y José Orozco.

    El crecimiento del fascismo en Europa había traído una ola de artistas inmigrantes a Estados Unidos en la década de 1930, lo que dio a los estadounidenses un mayor acceso a las ideas y prácticas del modernismo europeo. Buscaron formación en la escuela fundada por el pintor alemán Hans Hoffmann, y de Josef Albers, quien dejó la Bauhaus en 1933 para dar clases en el experimental Black Mountain College de Carolina del Norte, y más tarde en la Universidad de Yale. Esta presencia europea dejó en claro las innovaciones formales del cubismo, así como los matices psicológicos y las técnicas de pintura automática del surrealismo.

    Mientras que el surrealismo había encontrado inspiración en las teorías de Sigmund Freud, los expresionistas abstractos miraban más al psicólogo suizo Carl Jung y sus explicaciones de arquetipos primitivos que formaban parte de nuestra experiencia humana colectiva. También gravitaron hacia la filosofía existencialista, popularizada por intelectuales europeos como Martin Heidegger y Jean-Paul Sartre.

    Ante las atrocidades de la Segunda Guerra Mundial, el existencialismo apeló a los expresionistas abstractos. La posición de Sartre de que las acciones de un individuo pueden dar sentido a la vida sugiere la importancia del proceso creativo del artista. A través de la lucha física del artista con sus materiales, una pintura misma podría finalmente llegar a servir como una marca duradera de la propia existencia. Cada uno de los artistas involucrados con el expresionismo abstracto eventualmente desarrolló un estilo individual que puede reconocerse fácilmente como evidencia de su práctica artística y contribución.

    ¿Qué aspecto tiene?

    Si bien el expresionismo abstracto informó la escultura de la fotografía de David Smith y Aaron Siskind, el movimiento está más estrechamente vinculado a la pintura. La mayoría de las pinturas expresionistas abstractas son de gran escala, incluyen imágenes no objetivas, carecen de un punto focal claro y muestran signos visibles del proceso de trabajo del artista, pero estas características no son consistentes en todos los ejemplos.

    Un hombre y una mujer parados frente a Mujer I en exhibición en un museo. la obra de de Kooning muestra a una mujer sentada. La piel de la mujer es principalmente gris, y su cuerpo está simplificado y no anatómicamente proporcionado.
    Figura\(\PageIndex{2}\). Willem de Kooning, Mujer, I, 1950—52, óleo sobre lienzo, 192.7 veces; 147.3 cm (MoMA)

    En el caso de Woman I de Willem de Kooning, las pinceladas visibles y el pigmento aplicado densamente son típicos del estilo “Action Painting” del Expresionismo Abstracto también asociado a Jackson Pollock y Franz Kline. Mirando a la Mujer I, podemos imaginar fácilmente a De Kooning en el trabajo, usando fuertes gestos de corte, agregando masas de pintura para crear superficies muy construidas que podrían ser trabajadas físicamente y reelaboradas con su pincel y su paleta. La imagen central de De Kooning es claramente reconocible, reflejando la tradición del desnudo femenino a lo largo de la historia del arte. Nacido en Holanda, de Kooning se formó en la tradición académica europea a diferencia de sus colegas estadounidenses. A pesar de que produjo muchas obras no objetivas a lo largo de su carrera, su formación temprana podría ser un factor en su frecuente regreso a la figura.

    En contraste con la apariencia dinámica del arte de De Kooning, Mark Rothko y Barnett Newman ejemplifican lo que a veces se llama el estilo “Color Imagist” o “Color Field” del expresionismo abstracto. Estos artistas también produjeron imágenes a gran escala, no objetivas, pero su trabajo carece de la intensidad energética y la calidad gestual de Action Painting.

    Un lienzo azul con un rectángulo granate brillante y profundo en el tercio superior, con un rectángulo azul ligeramente más claro debajo de él, con un rectángulo púrpura oscuro desaturado debajo de ese.
    Figura\(\PageIndex{3}\). Mark Rothko, No. 61 (Roya y Azul), 1953. Óleo sobre lienzo (1903—1970) Colección Panza. MOCA

    Las pinturas maduras de Rothko ejemplifican esta tendencia. Sus rectángulos sutilmente renderizados parecen flotar contra su fondo. Para artistas como Rothko, estas imágenes estaban destinadas a fomentar la meditación y la reflexión personal. Adolph Gottlieb, escribiendo con Rothko y Newman en 1943, explicó: “Nosotros favorecemos la simple expresión del pensamiento complejo”. [2]

    Vir Heroicus Sublimis de Barnett Newman ilustra este noble objetivo. En esta pintura, Newman confió en “cremalleras”, líneas verticales que puntúan el campo pintado del fondo para cumplir una doble función. Si bien resaltan visualmente la extensión de color contrastante a su alrededor, reflejan metafóricamente nuestra propia presencia como individuos dentro de nuestro entorno potencialmente abrumador. La pintura de Newman evoca la noción del siglo XVIII de lo Sublime, un concepto filosófico relacionado con la comprensión espiritual del lugar de la humanidad entre las fuerzas mayores del universo.

    Un gran lienzo rectangular rojo que es aproximadamente el doble de largo que alto. Hay tres franjas delgadas, todas las cuales van de arriba a abajo. La primera línea blanca que aparece cerca de la marca de un tercio de la pintura, la segunda línea negra que aparece cerca de la marca de dos tercios de la pintura, y la última línea amarilla que aparece cerca del borde derecho de la pintura.
    Figura\(\PageIndex{4}\). Barnett Newman, Vir Heroicus Sublimis, 1950, MoMA

    El legado del expresionismo abstracto

    A lo largo de la década de 1950, el expresionismo abstracto se convirtió en la influencia dominante en los artistas tanto en Estados Unidos como en el extranjero. El gobierno de Estados Unidos adoptó su estilo distintivo como reflejo de la democracia estadounidense, el individualismo y los logros culturales, y promovió activamente exposiciones internacionales del expresionismo abstracto como una forma de propaganda política durante los años de la Guerra Fría. Sin embargo, a muchos artistas les resultó difícil replicar la autenticidad emocional implícita en las innovaciones estilísticas de de Kooning y Pollock. Su obra apareció estudiada y carecía de la misma vitalidad de los pioneros de primera generación. Otros vieron los matices metafísicos del expresionismo abstracto en desacuerdo con una sociedad cada vez más preocupada por una mentalidad de consumidor, alimentada por el éxito económico y la proliferación de los medios de comunicación. Tales reacciones conducirían inevitablemente al surgimiento del Pop, el Minimalismo, y el surgimiento de una serie de nuevos desarrollos artísticos a mediados del siglo XX.


    1. Barnett Newman, “Response to the Reverend Thomas F. Mathews”, en Apocalipsis, lugar y símbolo (Revista del Primer Congreso sobre Religión, Arquitectura y Artes Visuales), 1969.
    2. Carta de Mark Rothko y Adolph Gottlieb a Edward Alden Jewell Editor de arte, New York Times, 7 de junio de 1943.

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