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14.18: Warhol, Oro Marilyn Monroe

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    La Dra. Beth Harris y el Dr. Steven Zucker brindan una descripción, perspectiva histórica y análisis de Gold Marilyn Monroe de Andy Warhol.

    Miniatura para el elemento incrustado “Warhol, Gold Marilyn Monroe”

    El enlace a este video se proporciona en la parte inferior de esta página.

    Andy Warhol, Gold Marilyn Monroe, 1962, tinta serigráfica, tinta serigráfica sobre pintura de polímero sintético sobre lienzo, 71.25 × 57 in. (211.4 × 144.7 cm), (MoMA).

    Cultura Popular, Arte “Popular”

    A primera vista, el arte pop puede parecer glorificar la cultura popular elevando las latas de sopa, las tiras cómicas y las hamburguesas al estatus de bellas artes en las paredes de los museos. Pero, de nuevo, una segunda mirada también puede sugerir una crítica a las prácticas de marketing masivo y la cultura de consumo que surgieron en Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial.

    Gold Marilyn Monroe (1962) de Andy Warhol refleja claramente esta ironía inherente del Pop. La imagen central sobre un fondo dorado evoca una tradición religiosa de iconos pintados, transformando a la estrella de Hollywood en una Madonna bizantina que refleja nuestra obsesión por la celebridad. Notablemente, la referencia espiritual de Warhol fue especialmente conmovedora dado el suicidio de Monroe unos meses antes.

    Al igual que los fanáticos religiosos, los fanáticos de la actriz adoraban a su ídolo; sin embargo, la descuidada serigrafía de Warhol llama la atención sobre el artificio de la glamorosa fachada de Marilyn y la coloca junto a otras mercancías comercializadas en masa como una lata de sopa o una caja de almohadillas Brillo.

    Génesis del Pop

    Ante esta luz, no es de extrañar que el término “Pop Art” surja por primera vez en Gran Bretaña, que sufrió grandes penurias económicas después de la guerra. A finales de la década de 1940, artistas del “Grupo Independiente”, comenzaron a apropiarse por primera vez de imágenes idealizadas del estilo de vida estadounidense que encontraron en revistas populares como parte de su crítica a la sociedad británica. [1]

    Los orígenes del Pop Art, sin embargo, se remontan aún más atrás. En 1917, Marcel Duchamp aseveró que cualquier objeto —incluido su notorio ejemplo de urino— podía ser arte, siempre y cuando el artista lo pretendiera como tal. Los artistas de la década de 1950 construyeron sobre esta noción para desafiar las fronteras que distinguen al arte de la vida real, en disciplinas de la música y la danza, así como en el arte visual.

    El deseo de Robert Rauschenberg de “trabajar en la brecha entre el arte y la vida”, por ejemplo, lo llevó a incorporar objetos como almohadas de cama, llantas e incluso una cabra rellena en su “combinar pinturas” que fusionaban características de la pintura y la escultura. De igual manera, Claes Oldenberg creó The Store, una instalación en un escaparate vacante donde vendió esculturas crudamente elaboradas de bienes de consumo de marca.

    Estos artistas “proto-pop” reaccionaban, en parte, contra la rígida estructura crítica y las elevadas filosofías que rodeaban al expresionismo abstracto, el movimiento artístico dominante de la época; pero su obra reflejaba también los numerosos cambios sociales que se producían a su alrededor.

    La cultura de consumo de posguerra se agarra (y nunca se deja ir)

    Los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial vieron un enorme crecimiento en la economía estadounidense, que, combinada con innovaciones en tecnología y medios de comunicación, generó una cultura de consumo con más tiempo de ocio e ingresos prescindibles que nunca. La industria manufacturera que se había expandido durante la guerra ahora comenzó a producir en masa de todo, desde laca para el cabello y lavadoras hasta nuevos convertibles brillantes, que los anunciantes afirmaron que todos traerían la máxima alegría a sus dueños.

    Significativamente, el desarrollo de la televisión, así como los cambios en la publicidad impresa, pusieron un nuevo énfasis en las imágenes gráficas y los logotipos de marca reconocibles, algo que ahora damos por sentado en nuestro mundo visualmente saturado.

    Fue en este contexto artístico y cultural donde los artistas pop desarrollaron su estilo distintivo de principios de la década de 1960. Caracterizado por imágenes claramente renderizadas de la materia popular, parecía asaltar los estándares de la pintura moderna, que había abrazado la abstracción como reflejo de verdades universales y expresión individual.

    Ironía y hierro-ons

    En contraste con la pintura que gotea y las pinceladas cortantes del expresionismo abstracto, e incluso del Arte Proto-Pop, los artistas pop aplicaron su pintura para imitar el aspecto de las técnicas de impresión industrial. Este enfoque irónico está ejemplificado por los puntos Benday pintados metódicamente de Lichtenstein, un proceso mecánico utilizado para imprimir cómics de pulpa.

    A medida que avanzaba la década, los artistas se alejaban de la pintura hacia el uso de técnicas industriales. Warhol comenzó a hacer serigrafías, antes de alejarse más del proceso al hacer que otros hicieran la impresión real en su estudio, acertadamente llamado “La Fábrica”. De igual manera, Oldenburg abandonó sus primeras instalaciones y actuaciones, para producir las esculturas a gran escala de rebanadas de pastel, barras de labios y pinzas para la ropa que es mejor conocido por hoy.


    1. El crítico Lawrence Alloway y el artista Richard Hamilton suelen ser acreditados por acuñar el término, posiblemente en el contexto del famoso collage de Hamilton de 1956, ¿qué es lo que hace que el hogar de hoy sea tan diferente, tan atractivo? Realizada para anunciar la exposición de 1956 del Grupo Independiente “This Is Tomorrow”, en Londres, la imagen presenta de manera destacada a un hombre semidesnudo musculoso, sosteniendo a un Tootsie Pop posicionado fálicamente.

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