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1.5: ¿Por qué hacemos arte?

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    Algunas de las primeras evidencias de actividad humana reconocible incluyen no solo cosas prácticas como herramientas de piedra y pozos de fuego, sino también objetos decorativos utilizados para el adorno personal. Por ejemplo, estas pequeñas cuentas hechas perforando conchas de caracol de mar, que se encuentran en la cueva de Blombos en la costa sureste de Sudáfrica, datan de la Edad de Piedra Media, 101,000-70,000 a.C. (Figura 1.19) Sólo podemos especular sobre las intenciones de nuestros ancestros lejanos, pero es claro que sus vidas incluyeron la práctica de concebir y producir objetos de arte. Una cosa que parecemos compartir con esos parientes lejanos es el impulso de hacer arte.

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    Figura 1.19 Cueva Blombos Nassarius kraussianus cuentas de concha marina y reconstrucción de encordado de cuentas, Autor: Marian Vanhaeren y Christopher S. Henshilwood, (CC BY-SA 3.0)

    Una cultura puede definirse como un grupo de personas que están de acuerdo en lo que es importante. Hoy en día coexisten muchas culturas y subculturas humanas diferentes; podemos encontrar en ellas una amplia gama de ideas sobre el arte y su lugar en la vida cotidiana. Un objetivo principal de los artistas aborígenes australianos, por ejemplo, es “mapear” el mundo que los rodea. (Figura 1.20) En esta pintura sobre corteza, símbolos pictóricos cuentan la historia de la gran serpiente cazadora en colores como el rojo para la arena del desierto y el amarillo para el sol. (Figura 1.21) De manera similar, aunque con diferentes materiales, las pinturas budistas de arena conocidas como mandalas presentan un mapa del cosmos. Estos diagramas circulares también representan la relación del individuo con el todo y los niveles de conciencia humana. (Figura 1.22)

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    Figura 1.20 Símbolos del “mapa” aborigen australiano, Autor: Jeffrey LeMieux, (CC BY-SA 4.0)

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    Figura 1.21 Pintura de Arena, Autor: Sailko, (CC BY-SA 3.0)

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    Figura 1.22 Rueda del Tiempo Kalachakra Sand Mandala, Artista: Losang Samten, Autor: Steve Osborne, (CC BY-SA 3.0)

    La necesidad de hacer arte se puede dividir en dos amplias categorías: la necesidad personal de expresar ideas y sentimientos, y las necesidades de la comunidad de afirmar valores comunes. En las siguientes secciones, veremos algunas de estas motivaciones para comprender e identificar más claramente la intención del artista en las obras de arte que encontramos.

    Debemos reconocer que cada persona ha vivido una vida única, así cada persona sabe algo del mundo que nadie más ha visto. Hoy en día, el trabajo de los artistas es contarnos lo que han llegado a conocer —individualmente o como parte de su comunidad— utilizando el material artístico o el medio más adecuado a sus habilidades. Si bien copiar las obras de otros es una buena formación, se trata simplemente de reelaborar lo que ya se ha revelado. La originalidad, sin embargo, es más valorada en el arte contemporáneo. Georgia O'Keeffe (1887-1986, EE. UU.) explicó su punto de vista sobre este asunto cuando escribió: (Figura 1.23)

    Fue en el otoño de 1915 cuando primero tuve la idea de que lo que me habían enseñado era de poco valor para mí excepto por el uso de mis materiales como lenguaje: carboncillo, lápiz, pluma y tinta, acuarela, pastel y óleo. Me había vuelto fluido con ellos cuando era tan joven que simplemente eran otro idioma que manejaba fácilmente. Pero, ¿qué decir con ellos? Me habían enseñado a trabajar como otros, y después de pensarlo cuidadosamente decidí que no iba a pasar mi vida haciendo lo que ya se había hecho.. Decidí que era una tonta muy estúpida por no por fin pintar como quería y decir lo que quería cuando pintó.5

    5 O'Keeffe 1976, sin paginar.

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    Figura 1.23 Serie 1, No. 8, Artista: Georgia O'Keeffe, (Dominio público, “Prosfilaes”)

    1.5.1 La necesidad personal de crear

    Muchas obras de arte surgen de una decisión personal de poner un sentimiento, idea o concepto en forma visual. Dado que los sentimientos varían ampliamente, el arte resultante toma una amplia gama de formas. Esta aproximación al arte proviene del deleite del individuo en la experiencia. Garabatos viene a la mente como un ejemplo muy básico de tal deleite. Las obras expresionistas abstractas de Pollock, también conocidas como pinturas de acción, son mucho más que garabatos, aunque pueden parecerse a tales en la superficie. (Ritmo otoño-Número 30, Jackson Pollock: http://www.metmuseum.org/art/collection/search/488978?=&imgno=0&tabname=online-resources; Número 10, Jackson Pollock: http://www.wikiart.org/en/jackson-pollock/number-10-1949) Fueron el resultado de muchos niveles de el pensamiento artístico pero en un nivel básico fueron una combinación de deleite en el acto de pintar y en el descubrimiento personal que ese acto posibilitó.

    Algo de arte está destinado a proporcionar comentarios personales. Las obras de arte que ilustran un punto de vista o experiencia personal pueden cumplir con este propósito. Persépolis, novela gráfica de Marjane Satrapi (n. 1969, Irán) publicada en 2000, relata sus experiencias y pensamientos durante la revolución iraní de 1979, y es un ejemplo de tal comentario personal. (Keys to Paradise: https://imaginedlandscapes.files.wordpress.com/2014/02/pi-102.jpg) Satrapi es uno de los principales defensores de la novela gráfica, un nuevo enfoque de la creación artística. En una crítica irónica de cómo diferentes partes de la sociedad iraní se vieron afectadas por la guerra, Satrapi compara las figuras contorsionadas de jóvenes iraníes que mueren en una explosión de zona de combate con los movimientos de baile en su celebración de secundaria.

    Las obras de arte se pueden crear así como un medio de explorar la propia experiencia, una forma de sacar a la superficie emociones ocultas para que sean reconocidas y entendidas con mayor claridad. El término para este proceso es catarsis.

    Las obras de arte catárticas pueden surgir de percepciones de dolor, bien, mal o injusticia, como en La balsa de la medusa de Théodore Géricault (1791-1824, Francia), que fue una acusación del gobierno francés de su época tras el hundimiento de un barco. (Figura 1.24) Cuando Whistler, por otro lado, se convirtió en un defensor del “Arte por el arte”, estaba rechazando influencias externas como los estándares artísticos y sociales contemporáneos para “purificar” el arte de la corrupción externa. (ver Figura 1.18) La idea de quitar la influencia de la creación del arte es moderna. Gran parte del arte realizado antes del siglo XIX fue producido con el apoyo y bajo la dirección de autoridades religiosas, políticas y culturales de la comunidad en general.

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    Figura 1.24 La balsa de la Medusa, Artista: Jean Louis Théodore Géricault, (Dominio público)

    1.5.2 Necesidades y propósitos comunales

    A lo largo de la historia y la geografía, vemos comunidades religiosas y políticas que se mantienen estables a pesar de la constante presión de fuentes internas y externas. Una forma en que las comunidades mantienen la estabilidad es en la producción de obras de arte que identifiquen valores y experiencias comunes dentro de esa comunidad y así acerquen a las personas.

    La arquitectura, los monumentos, los murales y los íconos son guías visibles para la participación de la comunidad en las artes y a menudo utilizan convenciones de creación de imágenes. Una convención es una forma acordada de pensar, hablar o actuar en un contexto social. Hay muchos tipos de convenciones, entre ellas las convenciones visuales. Un buen ejemplo en el arte visual sería un sentido de dirección convencional. En las culturas occidentales, el texto generalmente se lee de izquierda a derecha. Por lo tanto, cuando miran obras de arte, los espectadores occidentales tienden a “ingresar” una imagen en la parte superior izquierda y proceder hacia la derecha. Se piensa que los objetos que aparecen en el lado izquierdo de una imagen son “los primeros”, mientras que los que aparecen a la derecha se piensa que son “posteriores”. Dado que los textos asiáticos siguen una convención diferente, y tienden a leerse de derecha a izquierda, un espectador asiático asumiría inconscientemente lo contrario.

    La arquitectura, especialmente de los edificios públicos, es una expresión de los valores de una comunidad. Los juzgados, bibliotecas, ayuntamientos, escuelas, bancos, fábricas y cárceles están diseñados para fines comunitarios, y sus formas se asocian fuertemente con su función: las formas arquitectónicas se convierten en convenciones. El uso de estilos antiguos de arquitectura puede ser como referencias a los valores de culturas anteriores. En Estados Unidos, por ejemplo, muchos edificios gubernamentales están diseñados con imponentes fachadas de piedra utilizando columnas clásicas griegas y romanas que simbolizan fuerza y estabilidad. Edificios del gobierno federal como el Capitolio de Estados Unidos y la Corte Suprema (Figura 1.25) fueron diseñados para que la comunidad asociara los antiguos ideales griegos y romanos de virtud e integridad con las actividades dentro de esos edificios más modernos.

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    Figura 1.25 Edificio de la Corte Suprema de Estados Unidos, Fotógrafo: Empleado del Gobierno de Estados Unidos, (Dominio Público)

    Muchos arquitectos del siglo XX, sin embargo, han seguido el principio rector del arquitecto estadounidense Louis Sullivan (1856-1924, EE.UU.), que “la forma sigue a la función”. En su diseño de la Bauhaus, Walter Gropius (1883-1969, Alemania) rechazó la decoración superflua y se centró en cambio en el uso eficiente y funcional del espacio y el material. (Figura 1.26) La principal escuela de arte, artesanía y arquitectura en Alemania desde 1919-1933, las enseñanzas de la Bauhaus, o “casa de construcción”, han influido fuertemente en el diseño doméstico e industrial a nivel internacional desde entonces.

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    Figura 1.26 El edificio Bauhaus en Dessau, Alemania, (Dominio público, “Mewes”)

    Las comunidades pueden recordar a los ciudadanos las virtudes públicas conmemorando a los individuos que exhibieron esas cualidades en los monumentos. Desde la antigüedad, comúnmente han sido estatuas de tales individuos colocadas en pedestales, columnas o dentro de la arquitectura. La Estatua Ecuestre de Bartolomeo Colleoni de Andrea del Verrocchio (1435-1488, Italia) es un buen ejemplo de este tipo de monumentos. (Figura 1.27) Creada para la ciudad de Venecia, Italia, durante el Renacimiento italiano, la escultura de Colleoni a caballo lo muestra como el guerrero audaz y victorioso que fue. Pero Los burgueses de Calais de Auguste Rodin (1840-1917, Francia) y Vietnam War Memorial de Maya Lin (n. 1959, EUA) son monumentos que violan esa norma de larga data. Rodin colocó a los burgueses, o ciudadanos líderes, a nivel del suelo para humanizar a los seis hombres que se ofrecieron como sacrificios para salvar su ciudad; lo hizo con el fin de bajar sus luchas internas al nivel de los ojos del espectador. (Figura 1.28) El monumento conmemorativo de Lin se encuentra bajo el nivel del suelo, y muestra los nombres de los aproximadamente 58.000 estadounidenses que murieron en la guerra de Vietnam. (Figura 1.29) Estas elecciones reflejan la creencia de que la Guerra de Vietnam se llevó a cabo inicialmente “bajo la superficie”, es decir, desconocida para la mayoría de los estadounidenses, y para recordar a los visitantes que su costo fue pagado por individuos reales, no soldados anónimos. Estas dos obras de arte son poco convencionales y originales en su concepción y ejecución.

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    Figura 1.27 Colleoni a caballo, Artista: Andrea del Verrocchio, (CC BY-SA 3.0, “Waysider1925")

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    Figura 1.28 Burghers of Calais, Artista: Auguste Rodin, (CC BY 3.0, “Razimantv”)

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    Figura 1.29 Muro Memorial a los Veteranos de Vietnam, Artista: Maya Lin, (CC BY-SA 3.0, “Mariordo”)

    Desde la antigüedad, se han creado murales, pinturas en paredes, tanto en lugares públicos como privados. Los antiguos egipcios combinaron imágenes con escritura en pinturas murales para conmemorar a los líderes pasados. Algunos de estos murales fueron borrados intencionalmente cuando el líder cayó en desgracia. Los murales romanos se encontraban con mayor frecuencia dentro de casas y templos. El mural romano ubicado en un dormitorio de la Villa de P. Fannis Synistor fue desenterrado en Pompeya, Italia. (Figura 1.30) Representa vistas paisajísticas y arquitectónicas entre una hilera de columnas (pintadas), como si se vieran desde el interior de la villa, o casa de campo.

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    Figura 1.30 Cubiculo (recámara) de la Villa de P. Fannis Synistor en Boscoreale, Autor: Rogers Fund, (OASC, Met Museum)

    La Última Cena de Leonardo da Vinci (1452-1519, Italy, France) y el techo de la Capilla Sixtina de Michelangelo (1475- 1564, Italy) son murales del Renacimiento italiano. Fueron creados para una pared en un refectorio, o comedor, de un monasterio (Figura 1.31) y para el techo de la capilla del Papa. (Figura 1.32) Ambos representan escenas cruciales en las enseñanzas de la Iglesia Católica, la principal organización religiosa y política europea de la época. Debido a que muchas personas en su momento eran analfabetas, las imágenes jugaron un papel importante en la educación sobre su historia religiosa y doctrinas.

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    Figura 1.31 La última cena, Artista: Leonardo da Vinci, (Dominio público, “Tebrida”)

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    Figura 1.32 El techo de la Capilla Sixtina, Artista: Miguel Ángel, Autor: Patrick Landy, (CC BY 3.0)

    Hoy en día se pueden encontrar ejemplos más modernos de murales en todo el mundo. Diego Rivera (1886-1967, México) fue un artista de renombre mundial que ejecutó murales a gran escala en México y Estados Unidos. Sus murales de Detroit Industry constan de veintisiete paneles instalados originalmente en el Instituto de Artes de Detroit. (Figura 1.33) Los dos paneles más grandes representan a trabajadores que fabrican un motor V8 en la fábrica de Ford Motor Company. Otros paneles más pequeños muestran avances en ciencia, tecnología y medicina involucrados en la cultura industrial moderna, retratando la creencia de Rivera de que el pensamiento conceptual y el trabajo físico son interdependientes. Estas obras ahora se consideran un hito nacional. La Gran Muralla de Los Ángeles diseñada por Judith Baca (n. 1946, EE. UU.) y ejecutada por cientos de miembros de la comunidad mide trece pies de altura y recorre más de media milla a través de la ciudad. (La Gran Muralla de Los Ángeles, Judith Baca: http://sparcinla.org/wp-content/uploads/2012/12/ great-wall_m.jpg) Su tema es la historia del sur de California “vista a través de los ojos de las mujeres y las minorías” 6. El mural es parte de un impulso mayor en Los Ángeles para adornar al público espacios con murales que informan y educan a la población.

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    Figura 1.33 Detroit Industry, North Wall, Artista: Diego Rivera, (Dominio público, “Cactus.man”)

    El término icono proviene de la palabra griega eikon, o “ser como”, y se refiere a una imagen o semejanza que se utiliza como guía para el culto religioso. Las figuras sagradas representadas en iconos son pensadas por los creyentes para tener poderes especiales de curación u otra influencia positiva. Un icono también puede ser una persona o cosa que representa simbólicamente una cualidad o virtud. Un buen ejemplo es la imagen de San Sebastián. San Sebastián era un capitán de la guardia romana que se convirtió al cristianismo y fue condenado a muerte ante un escuadrón de arqueros. (Figura 1.34) Sobrevivió a sus heridas, y los primeros cristianos atribuyeron este milagro al poder de su religión. (Más tarde fue apedreado hasta la muerte.) A finales de la Edad Media durante la plaga generalizada en Europa, se encargaron regularmente imágenes de San Sebastián para los hospitales debido a la leyenda de su milagrosa curación y la esperanza de que las imágenes fueran curativas.

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    Figura 1.34 El martirio de San Sebastián, Artista: Giacinto Diana, (Dominio Público)

    Un ejemplo de ícono no religioso o secular podría ser el busto de bronce del famoso entrenador de fútbol Knute Rockne en la Universidad de Notre Dame en Indiana. (Figura 1.35) La nariz de la escultura de bronce es de oro brillante porque muchos consideran de buena suerte frotarla, por lo que recibe un pulido constante por parte de los alumnos antes de los exámenes.

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    Figura 1.35 Knute Rockne, Artista: Nison Tregor, Autor: Matthew D. Britt, (CC BY-SA-NC 3.0)

    Hemos tocado sólo brevemente las cuestiones de qué es el arte, quién es un artista y por qué la gente hace arte. La historia nos muestra que la gente ha definido el arte y los artistas de manera diferente en varios tiempos y lugares, pero que la gente de todas partes hace arte por muchas razones diferentes. Y, estos objetos de arte comparten un propósito común: todos están destinados a expresar un sentimiento o idea que es valorado ya sea por el artista individual o por la comunidad en general.


    This page titled 1.5: ¿Por qué hacemos arte? is shared under a CC BY-SA license and was authored, remixed, and/or curated by Pamela Sachant, Peggy Blood, Jeffery LeMieux, & Rita Tekippe (GALILEO Open Learning Materials) .