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2.3: Formas de arte

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    Debido a los límites de la naturaleza, los objetos de arte se limitan a las dimensiones del espacio y el tiempo. Por esta razón, los objetos de arte se clasifican en tres categorías: arte bidimensional, arte tridimensional y arte cuatridimensional. Cada categoría tiene divisiones derivadas principalmente de diferencias entre los materiales y enfoques utilizados. A lo largo de la historia, los objetos de arte generalmente encajan claramente en una clasificación discreta. En el siglo XIX, sin embargo, los artistas comenzaron a explorar los límites de los nuevos materiales así como los límites de las categorías en las que caían para ver si eran reales o arbitrarios.

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    Figura 2.1 | Replicación de Muro de León Cueva Chauvet. Autor: Usuario “HTO” Fuente: Wikimedia Commons Licencia: Dominio público

    2.3.1 Arte bidimensional

    El arte bidimensional ocurre en superficies planas, como papel, lienzo o incluso paredes de cuevas. Este arte se puede dividir en tres categorías principales: dibujo, pintura y grabado. Todo el arte que ocurre sobre una superficie plana es una o una combinación de estas tres actividades.

    2.3.1.1 Dibujo

    El término dibujo describe tanto un objeto visual como una actividad. A primera vista, el dibujo parece consistir en hacer marcas de contraste en una superficie plana. El término implica algo más, sin embargo. Uno puede “sacar” agua de un pozo o ser “atraído” a una persona carismática. Hay algo en la palabra “dibujar” que se relaciona con extraer o delinear, el “sacar” de una esencia. Dibujar un objeto es observar su apariencia y transferir esa observación a un conjunto de marcas. Los antiguos pintores rupestres realmente “dibujaron” a los animales que veían a su alrededor basándose en su profunda familiaridad con su naturaleza esencial. (Figura 2.1) Entonces, en este contexto, el dibujo es una combinación de observación y marcaje.

    El dibujo se suele hacer, pero no siempre, con medios monocromáticos, es decir, con materiales secos de un solo color como carbón, crayón conté, metalpoint o grafito. El color se puede introducir usando pasteles. Además de estos materiales secos, también se puede utilizar tinta de flujo libre para hacer dibujos. Estos materiales han sido altamente refinados durante siglos para servir a fines artísticos específicos.

    El carbón vegetal está hecho de madera u otro material orgánico que haya sido quemado en ausencia de oxígeno. Este proceso deja un polvo de carbón negro relativamente puro. Los artistas comprimen este polvo seco, o pigmento, con un aglutinante, una sustancia pegajosa como la resina de pino o pegamento hecho del colágeno de pieles de animales, para hacer bloques de carbón de mano de diversas resistencias y grados de dureza. Este carbón comprimido se utiliza para hacer marcas muy oscuras, generalmente sobre papel. El carbón comprimido es un desafío de borrar.

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    Figura 2.2 | Edmond Aman-Jean

    El carbón también viene en una forma llamada carbón de sauce o vid. Esta forma de dibujar carbón deja una marca muy ligera ya que simplemente se trata de ramitas quemadas. Generalmente se usa para bocetos impermanentes porque no se pega fácilmente al papel o lienzo y se borra fácilmente. Tanto los dibujos de carbón comprimido como los de vid se manchan fácilmente y deben protegerse con un fijador que adhiera el carbón a la superficie de dibujo y cree una barrera resistente a las manchas.

    El crayón Conté es un material de dibujo manual similar al carbón comprimido. Los crayones Conté son barras de grafito o carbón combinadas con cera o arcilla que vienen en una variedad de colores, desde el blanco hasta el sanguíneo (rojo intenso) hasta el negro, así como un rango de dureza. Harder conté se utiliza para los detalles y variedades más suaves para áreas amplias. Este retrato de Georges-Pierre Seurat (1859-1891, Francia) fue dibujado en crayón negro conté sobre papel texturizado para romper la imagen en marcas discretas. (Figura 2.2)

    Metalpoint es el uso de metales maleables como plata, peltre y oro para hacer marcas de dibujo en superficies preparadas. (Figura 2.3) La superficie debe tener un “diente” o rugosidad para sujetar las marcas. Cualquier objeto de plata u oro puro puede ser utilizado para esto, aunque los artistas de hoy favorecen el alambre de plata y oro que se sostiene en lápices mecánicos para el proceso.

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    El grafito es una forma cristalina de carbono. En el siglo XVI, se descubrió en Inglaterra un gran depósito de grafito puro, y se convirtió en la fuente principal de este material de dibujo. Por su color plateado, originalmente se pensó que era una forma de plomo, aunque no hay plomo real en los lápices. Hoy en día el grafito en polvo se mezcla con arcilla para controlar la dureza.

    Los pasteles son similares al carbón comprimido pero, en lugar de carbón finamente pulverizado, se utilizan pigmentos de color finamente molidos y un aglutinante para crear bloques de colores manuales. (Figura 2.4) Los pigmentos en polvo se manchan fácilmente, por lo que la imagen creada debe mostrarse bajo vidrio o cubrirse con un fijador. Edgar Degas (1834-1917, Francia) es famoso por la sutil pero distinta estratificación de color que pudo lograr en sus dibujos en colores pastel. (Figura 2.5)

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    Los pasteles al óleo son barras semisólidas de pintura al óleo de alto pigmento que se utilizan como crayones. Originalmente estaban ventilados para marcar el ganado, pero los artistas rápidamente se dieron cuenta de su potencial estético. Los pasteles al óleo son una manera conveniente de aplicar y mezclar pigmentos a base de aceite muy texturizados sobre cualquier superficie sin usar pinceles tradicionales. Los colores son vibrantes, y las marcas son gesturales e inmediatas por lo que los dibujos al óleo pastel pueden mostrar la “mano” del artista de manera directa, como se puede ver aquí en East Palatka Onions, un dibujo al óleo pastel de 1983 de Mary Ann Currier (n. 1927, USA). (Cebollas de Palatka Oriental, Mary Ann Currier: ketorg.cdn.ket.org/wp-content/uploads/2016/07/curri- er-ep-onions1100px.jpg)

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    La tinta es la combinación de un pigmento coloreado, generalmente carbón negro o grafito, y un aglutinante suspendido en un líquido y aplicado con una pluma o brocha. A lo largo del tiempo se ha utilizado una amplia gama de sustancias para hacer tinta, incluyendo negro de lámpara o hollín, huesos de animales quemados, nueces biliares y óxido de hierro. El pigmento debe ser finamente molido y mantenido unido con un aglutinante. Existe una larga tradición de dibujos a tinta de bellas artes. Si bien el ejemplo dado data del siglo XIV, los dibujos a tinta más antiguos provienen de China en el siglo III a. C. y se realizan en seda y papel. (Figura 2.6)

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    2.3.1.2 Pintura

    La pintura es una forma especializada de dibujo que se refiere al uso de pinceles para aplicar líquidos de colores a un soporte, generalmente lienzo o papel, pero a veces paneles de madera, placas metálicas y paredes. Por ejemplo, Leonardo da Vinci pintó a Mona Lisa sobre un panel de madera. (Figura 2.7) La pintura está compuesta por tres ingredientes principales: pigmentos, aglutinantes y solventes. Los pigmentos coloreados se suspenden en un aglutinante pegajoso para aplicarlos y hacer que se adhieran al soporte. Los solventes disuelven el aglutinante para eliminarlo pero también se pueden usar en cantidades más pequeñas para hacer que la pintura sea más fluida. Al igual que con el dibujo, diferentes tipos de pintura tienen que ver mayormente con el material que se está utilizando. Óleo, acrílico, acuarela, encáustica, fresco y témpera son algunos de los diferentes tipos de pintura. En su mayor parte, los pigmentos o agentes colorantes en las pinturas siguen siendo los mismos. Lo que distingue a un tipo de pintura de otro es la carpeta.

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    La pintura al óleo fue descubierta en el siglo XV y utiliza aceites vegetales, principalmente aceite de linaza y aceite de nuez, como agente aglutinante. El aceite de linaza fue elegido por su color claro y su capacidad para secarse lenta y uniformemente. La trementina se usa generalmente como solvente en la pintura al óleo. El medio tiene estrictas reglas de aplicación para evitar el agrietamiento o la delaminación (dividiendo en capas). Adicionalmente, la pintura al óleo puede oxidarse y oscurecerse o amarillearse con el tiempo si no se elabora correctamente. Se ha encontrado que algunos pigmentos son fugitivos, lo que significa que pierden su color con el tiempo, especialmente cuando se exponen a la luz solar directa. Esto se puede ver en un detalle de la Mona Lisa de Leonardo donde ahora “faltan” las cejas y las pestañas de la figura. (Figura 2.8)

    La pintura acrílica es relativamente moderna y utiliza polímero acrílico soluble en agua como agente aglutinante. El agua es el disolvente. El acrílico se seca muy rápido y se puede utilizar para acumular capas gruesas de pintura en poco tiempo. Un problema con el acrílico es que los colores pueden cambiar sutilmente a medida que se seca, haciendo que este medio sea menos adecuado para retratos u otros proyectos donde el color preciso es vital. Sin embargo, la pintura acrílica es preferida a la pintura al óleo por muchos artistas hoy en día, en parte debido a su mayor facilidad de uso y limpieza, y porque su rápido tiempo de secado permite al artista trabajar a un ritmo más rápido.

    La pintura en acuarela suspende pigmentos coloreados en goma arábiga soluble en agua destilada del árbol de Acacia como aglutinante. Las pinturas de acuarela se mezclan con agua y se cepillan sobre una superficie absorbente, generalmente papel. Antes de la era industrial, la acuarela se utilizaba como medio de boceto al aire libre porque era más portátil que la pintura al óleo, la cual tenía que prepararse para su uso y no podía conservarse por largos periodos ni transportarse fácilmente. (Figura 2.9) Hoy, sin embargo, muchos artistas utilizan la acuarela como medio principal.

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    Encáustic utiliza cera de abejas fundida como aglutinante y debe aplicarse a soportes rígidos como la madera con cepillos calentados. La ventaja de la encáustica es que se mantiene fresca y vibrante a lo largo de los siglos. Las pinturas encáusticas del antiguo Egipto que datan del período de ocupación romana (finales del siglo I aC-siglo III d.C.) tienen un color tan brillante como cuando se pintaron por primera vez. (Figura 2.10)

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    Fresco es el proceso de pintar sobre yeso; es una tecnología de larga duración. Hay dos tipos de fresco: el buon fresco, o fresco “bueno”, es pintar sobre yeso húmedo, y el fresco secco, o fresco seco, se realiza después de que el yeso se haya secado. Las pinturas realizadas con la técnica de buon fresco se convierten en parte de la pared debido a que el yeso húmedo absorbe el pigmento a medida que se aplica. (Figura 2.11) La única manera de corregir una pintura buon fresco es astillarla de la pared y comenzar de nuevo. El buon fresco se debe hacer en secciones. Cada sección se llama giornate, que es italiano para “un día de trabajo”. Debido a que se realiza sobre yeso seco, el fresco secco es más indulgente, pero también menos permanente ya que los cambios en los niveles de humedad o daños en la pared pueden dañar la pintura. Debido al aire seco y al clima estable, hay murales al fresco secco creados ya en 3,000 a. C. en tumbas del antiguo Egipto que permanecen en gran parte intactos. (Figura 2.12)

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    La pintura al temple existe desde hace siglos. La versión más popular de la pintura durante la Edad Media fue la témpera de huevo, en la que se mezclaron pigmentos de color seco con yema de huevo y se aplicaron rápidamente sobre una superficie estable en capas de pinceladas cortas. La témpera de huevo es un medio difícil de dominar porque la mezcla de yema de huevo se seca muy rápidamente, y los errores no se pueden corregir sin dañar la superficie de la pintura. El nacimiento de Venus de San- dro Botticelli (1445-1510, Italy) es una pintura al temple de huevo. (Figura 2.13)

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    2.3.1.3 Imprenta

    Una impresión es una imagen hecha transfiriendo pigmento de una matriz a una superficie final, a menudo pero no siempre papel. La impresión permite realizar múltiples copias de una obra de arte. Múltiples copias de una obra de arte individual se llaman edición.

    Hay cuatro tipos principales de grabado: relieve, huecograbado, planográfico y stencil. Las impresiones en relieve se realizan eliminando material de la matriz, la superficie en la que se ha tallado la imagen, que a menudo es madera, linóleo o metal. (Fig. 2.14) La superficie restante se cubre con tinta o pigmento, y luego se presiona papel sobre la superficie, recogiendo la tinta. La tipografía es un proceso de impresión en relieve que transfiere tinta al papel pero también sangra una impresión en la superficie del papel, creando una textura a la impresión que a menudo se considera un signo de alta calidad.

    Las impresiones huecográficas se realizan cuando un diseño se raya en una matriz, generalmente una placa de metal. La tinta se limpia a través de la superficie y se acumula en los arañazos. El exceso de tinta se limpia y el papel se presiona sobre la placa, recogiendo la tinta de los arañazos. Las impresiones en huecograbado también pueden incluir textura.

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    Las impresiones planográficas se realizan alterando químicamente una matriz para aceptar o rechazar selectivamente el agua. Originalmente, la piedra caliza se utilizó para este proceso ya que repele naturalmente el agua pero se puede cambiar químicamente para absorberla. En la litografía de matriz de piedra, los dibujos a lápiz de grasa negra se realizan sobre un bloque plano de piedra caliza, que luego se trata con ácido nítrico. (Figura 2.15) El ácido nítrico no disuelve la piedra, sino que la cambia químicamente para que absorba agua. Se quita el lápiz de grasa y se humedece la piedra. Donde el lápiz de grasa protegió la piedra del ácido, la piedra caliza repele el agua y permanece seca. A continuación, la tinta a base de aceite se enrolla sobre la piedra. Donde la piedra esté seca, la tinta se pegará, pero donde la piedra esté mojada, la tinta no lo hará. La imagen se “lleva” a la oscuridad deseada pasando un rodillo cubierto de tinta sobre ella, luego se imprime presionando papel sobre la superficie para recoger la tinta. La mayor parte de la impresión comercial hoy en día es la impresión litográfica, utilizando placas de aluminio en lugar de bloques de piedra caliza, o impresión offset, donde la imagen entintada se transfiere de una placa de metal a un cilindro de goma y luego al papel. (Figura 2.16)

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    Las impresiones de stencil se realizan pasando tintas a través de una matriz porosa de malla fina. En la serigrafía, por ejemplo, la tela de seda se monta firmemente sobre un marco rígido. Las áreas de la tela están bloqueadas para formar una imagen. El marco forrado de tela se coloca sobre papel, lienzo o tela. Luego se tira de tinta a través del marco con una cuchilla de goma. Donde la tela está bloqueada, la tinta no se transfiere. Donde la tela es transparente, la tinta se empuja a través de la superficie receptora.

    Es importante poder distinguir entre impresiones originales y reproducciones. Las impresiones originales son estampados hechos a mano. Dado que cada impresión es sutilmente diferente debido a su carácter hecho a mano, cada impresión se considera una obra de arte original. (Figura 2.17) Las ediciones de las impresiones originales pueden variar desde unas pocas hasta docenas o cientos de copias. Las reproducciones se producen mecánicamente. Se fotografía una obra de arte original; la fotografía se transfiere luego a una plancha de impresión en una prensa mecánica. Cada impresión es casi idéntica, y las ediciones pueden llegar a miles o decenas de miles. (Figura 2.18)

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    El valor de una impresión individual depende de una serie de factores, incluyendo si es una impresión original o una reproducción y el número de impresiones en una edición. Recientemente se ha popularizado un nuevo tipo de impresión, la gicleé. Esto es esencialmente una impresión digital de inyección de tinta. Quienes compran impresiones gicleé deben tener cuidado de que en su producción solo se utilicen papel sin ácido y tintas de archivo. Las fibras que hacen el papel pueden provenir de muchas fuentes diferentes, algunas de las cuales contienen ácido que volverá el papel amarillo con la edad. Con el tiempo, los pigmentos de tinta pueden ser fugitivos, perder intensidad de color o incluso cambiar de tono. Estos efectos bajarán el valor de la impresión. El papel libre de ácido y las tintas de archivo resisten estos defectos y conservan la apariencia original del objeto artístico, manteniendo así su valor.

    2.3.2 Arte tridimensional

    El arte tridimensional va más allá de la superficie plana para abarcar altura, ancho y profundidad. Existen cuatro métodos principales utilizados en la producción de arte en tres dimensiones. Todo el arte tridimensional utiliza uno o una combinación de estos cuatro métodos: tallar, modelar, fundir o ensamblar. Una forma de arte tridimensional que surgió en el siglo XX es la instalación, una obra en la que el espectador está rodeado dentro de un espacio o se mueve por un espacio que ha sido modificado por el artista.

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    La escultura puede ser independiente, “redonda”, o puede ser una escultura en relieve que se proyecta desde una superficie de fondo. Hay dos categorías de escultura en relieve: bajo relieve y alto relieve. En bajo relieve, la cantidad de proyección desde la superficie de fondo es limitada. Un buen ejemplo de escultura en bajo relieve serían las monedas, como estos antiguos tipos romanos que datan de c. 300 a. C. a c. 400 d.C. (Figura 2.19) Además, gran parte del arte mural egipcio es de bajo relieve. (Figura 2.20) La escultura en alto relieve es cuando más de la mitad de la forma esculpida se proyecta desde la superficie del fondo. Este método generalmente crea un efecto llamado socavado, en el que parte de la superficie proyectada está separada de la superficie de fondo. Las escenas mitológicas representadas en el Partenón, un antiguo templo griego, (Figura 2.21) y la serie Corporate Wars (Corporate Wars, Robert Longo: media.Mutualart.com/images/2 009_07/24/0205/582184/49777ffa-d61f-42aa- a3f1-9c47ed564b05_g.Jpeg) de Robert Longo (n. 1953, USA) son ambas ejemplos de alto relieve usando socavado.

    La escultura puede ser independiente, “redonda”, o puede ser una escultura en relieve que se proyecta desde una superficie de fondo. Hay dos categorías de escultura en relieve: bajo relieve y alto relieve. En bajo relieve, la cantidad de proyección desde la superficie de fondo es limitada. Un buen ejemplo de escultura en bajo relieve serían las monedas, como estos antiguos tipos romanos que datan de c. 300 a. C. a c. 400 d.C. (Figura 2.19) Además, gran parte del arte mural egipcio es de bajo relieve. (Figura 2.20) La escultura en alto relieve es cuando más de la mitad de la forma esculpida se proyecta desde la superficie del fondo. Este método generalmente crea un efecto llamado socavado, en el que parte de la superficie proyectada está separada de la superficie de fondo. Las escenas mitológicas representadas en el Partenón, un antiguo templo griego, (Figura 2.21) y la serie Corporate Wars (Corporate Wars, Robert Longo: media.Mutualart.com/images/2 009_07/24/0205/582184/49777ffa-d61f-42aa- a3f1-9c47ed564b05_g.Jpeg) de Robert Longo (n. 1953, USA) son ambas ejemplos de alto relieve usando socavado.

    Screen Shot 2019-10-03 a las 2.23.24 PM.pngScreen Shot 2019-10-03 a las 2.23.05 PM.pngEl modelado es un proceso aditivo en el que se construyen materiales de fácil conformación como arcilla o yeso para crear una forma final. Algunas formas modeladas comienzan con una armadura, o soporte interno rígido a menudo hecho de alambre. Un ar- maduro permite que se construya un material blando o fluido como la arcilla húmeda, que colapsaría bajo su propio peso. Este método de esculpir incluye la mayoría de las esculturas clásicas de retrato en terracota, o arcilla horneada. (Figura 2.22) La arcilla se presta al modelado y, por lo tanto, es un medio popular para trabajos de este tipo, aunque la arcilla también puede ser tallada y fundida.

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    El tallado es la remoción de material para formar un objeto de arte. El tallado es un proceso sustractivo que suele comenzar con un bloque de material, más comúnmente piedra. Las herramientas, generalmente con punta metálica o metálica, se utilizan para desmenuzar la piedra hasta que emerge la forma final. (Figura 2.23) La principal preocupación en el tallado, además de lograr la forma correcta, es tener cuidado de no astillar demasiado material, ya que no se puede reemplazar una vez que se ha retirado. (Figura 2.24) Es posible que la forma final de algunas esculturas de piedra tallada resulte no solo de la intención del artista, sino también de los sutiles cambios causados por variaciones impredecibles en la piedra que hacen que el artista “cambie de rumbo” cuando se le quitó demasiada piedra. Esta posibilidad no es sugerir que escultores capacitados desconozcan los límites de su medio: los artistas a menudo encuentran sorpresas y los innovadores a veces pueden trabajar soluciones que las incorporen.

    Captura de pantalla 2019-10-03 en 2.35.56 PM.pngCaptura de pantalla 2019-10-03 a las 2.37.50 PM.png

    Diferentes tipos de piedra varían en dureza así como color y apariencia. No toda la piedra es apta para esculpir. El mármol, una forma de piedra caliza, era el preferido por los antiguos griegos y romanos por su suavidad e incluso color. (Figura 2.25) Diorita, esquisto (una forma de pizarra) y Greywacke (una forma de granito) fueron preferidos por los cultivos egipcios y mesopotámicos por su dureza y permanencia. (Figura 2.26) Los chinos han utilizado tradicionalmente jade, una piedra dura y quebradiza que se encuentra en numerosos tonos, más comúnmente verde, para indicar sabiduría, poder y riqueza. (Figura 2.27)

    La madera también se usa a menudo como material de tallado. Debido a las variaciones en el tamaño de grano y textura, diferentes especies de madera tienen diferentes cualidades escultóricas. En general, la madera es apreciada por su flexibilidad y facilidad de conformación, aunque reacciona a los cambios de humedad y carece de permanencia. Durante la era Heian (794-1185 d.C.), el artista japonés Jocho utilizó madera unida para construir su escultura del Buda sentado. (Figura 2.28)

    La fundición es un proceso que reemplaza, o sustituye, un material escultórico inicial como cera o arcilla con otro material, generalmente más permanente, como el bronce, una aleación o mezcla de cobre y estaño. La fundición también es un proceso que permite crear múltiples versiones del mismo objeto.

    Captura de pantalla 2019-10-03 en 2.40.01 PM.pngEn el proceso de cera perdida, se modela una escultura original, a menudo en arcilla, recubierta con cera y luego cubierta de yeso para crear un molde. Cuando el yeso se seca, se calienta para fundir la cera, que se vierte fuera del molde. Luego se vierte metal fundido en el espacio dentro del molde entre el recubrimiento de cera (ahora perdido) y la forma esculpida original. Cuando el metal se ha enfriado y solidificado, el yeso se rompe para revelar el objeto de metal fundido. (Figura 2.29) Para crear múltiples versiones del objeto, el molde debe hacerse de tal manera que se pueda volver a mover sin ser destruido. (Figura 2.30) Esta operación se logra generalmente separando un molde en varias secciones mientras se está colando el original. Los moldes seccionales también se utilizan para fundir objetos originales que no se pueden derretir o quitar del molde. Para fundir la forma, se retira el original y luego se vuelven a unir las secciones. En algunos casos, las esculturas complejas se funden en varias piezas y las secciones metálicas resultantes se sueldan juntas.

    El montaje, o ensamblaje, es un tipo de escultura bastante reciente. Antes de la época moderna, tallar, fundir y modelar eran los únicos métodos aceptados para hacer escultura de bellas artes. Recientemente, los escultores han ampliado su enfoque y se han vuelto hacia el proceso de ensamblaje, uniendo manualmente objetos y materiales juntos. Los ensamblajes suelen estar compuestos por medios mixtos, proceso en el que se utilizan objetos y sustancias dispares para lograr el efecto deseado.

    Debido a que pasaba tiempo cerca de un taller de gabinetes, Louise Nevelson (1899-1988, Ucrania, vivía en Estados Unidos) recuperaba cortes de madera y otros objetos desechados para usar en su escultura. Su práctica artística implicó el uso de objetos encontrados. Considera la Catedral del Cielo de Nevelson. (Sky Cathedral, Louise Nevelson: http://www.moma.org/collection/works/81006) Llenó cajas de madera individuales con objetos encontrados. Luego organizó estas cajas en grandes conjuntos y las pintó de un solo color, generalmente negro o blanco. Cada caja de subunidad en la escultura se puede leer como un punto de vista separado o mundo separado. El efecto del conjunto es reconocer que tanto la unidad como la diversidad son posibles en una sola obra de arte.

    Captura de pantalla 2019-10-03 en 2.42.11 PM.pngCaptura de pantalla 2019-10-03 en 2.42.33 PM.png

    La instalación está relacionada con el montaje, pero la intención es transformar un espacio interior o exterior para crear una experiencia que rodee e involucre al espectador en una interacción sin guión con el entorno. El espectador se sumerge entonces en el arte, en lugar de experimentar el arte desde la distancia. Por ejemplo, Carsten Höller (n. 1961, Bélgica, vive en Suecia) instaló Test Site en el Turbine Hall, un espacio abierto de cinco pisos, en la Tate Modern de Londres. (Figura 2.31) Parte de una serie de diapositivas que Höller creó en museos de todo el mundo, quiso animar a los visitantes a utilizar los medios de transporte prácticos, aunque poco convencionales, y, al hacerlo, a experimentar la pérdida momentánea de control y cualquier respuesta emocional que cada individuo sintiera.

    Captura de pantalla 2019-10-03 a las 3.00.31 PM.pngUna instalación que está destinada a una ubicación particular se denomina instalación específica del sitio. Buenos ejemplos de instalaciones específicas del sitio serían Arco inclinado de Richard Serra (n. 1939, USA), (Arco inclinado, Richard Serra: https://en.Wikipedia.org/wiki/ Archivo:Tilted_arc_es.jpg); Lightning Field de Walter De Maria (1935-2013, USA), (Lightning Field, Walter de Maria: sculpture1.wikispaces. com/file/view/walter_de_maria_lightning_ field_1977.jpg/310921734/800x686/walter_de_ Maria_Lightning_Field_1977.jpg); Espiral Jetty de Robert Smithson (1938-1973, USA), (Figura 2.32); y Cadillac Ranch del grupo de arte conocido como Ant Granja. (Figura 2.33) En parte debido a la gran escala de muchas de estas obras, la instalación es una forma cada vez más popular de arte público.

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    El arte cinético es el arte que se mueve o parece moverse. Generalmente este arte es escultórico. Buenos ejemplos de obras cinéticas son los móviles suspendidos y que se mueven libremente de Alexander Calder (1898-1976, EE. UU.) que están destinados a cambiar de forma como parte de su diseño. (Nénuphars Rouges, Alexander Calder: http://www.wikiart.org/en/alexander-calder/ rojo-lily-pads-n-nuphars-rouges-1956? utm_source=returned&utm_medium=referral&utm_ campaign=referral) Homenaje a Nueva York fue una obra de arte cinético Jean Tinguely (1925-1991, Suiza) pretendía autodestruirse, aunque nunca cumplió su propósito porque un departamento de bomberos local intervino y detuvo el proceso. (Homenaje a Nueva York, Jean Tinguely: http://www.wikiart.org/en/jean-tingu... -nueva-york-1960) Reuben Margolin (USA) es un artista contemporáneo que utiliza ondas que se cruzan para crear esculturas bellamente onduladas. Da clic en el siguiente enlace para ver un video de Margolin's Square Wave: https://www.youtube.com/watch?v=4UQtDbybSWc. Comenzando con materiales simples como tubos de toalla de papel, giratorios de pesca y línea de pesca, y luego pasando a esculturas más grandes y complejas usando materiales más permanentes como madera, metal y alambre, Margolin ha hecho una carrera creando esculturas que fluyen meditativamente.

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    2.3.3 Arte Cuatridimensional

    El arte de cuatro dimensiones o arte basado en el tiempo es un modo relativamente nuevo de práctica artística que incluye video, mapeo de proyección, performance y arte de nuevos medios. Captura de pantalla 2019-10-03 a las 3.14.53 PM.png

    El videoarte utiliza la tecnología relativamente nueva de las imágenes en movimiento proyectadas. Estas imágenes pueden ser exhibidas en monitores electrónicos o proyectadas sobre paredes o incluso edificios; utilizan la luz como medio. Las primeras construcciones en video de Nam June Paik (1932-2006, Corea del Sur, vivió USA) son un buen ejemplo. En Violonchelo TV, los monitores de video se ensamblan en forma de violonchelo. (Violonchelo TV, Nam June Paik: http://a141.idata.over-blog.com/356x... -TV-Cello.jpg) Cuando se dibujó un arco sobre este objeto, aparecieron en las pantallas imágenes de una mujer tocando un violonchelo.

    El mapeo de proyección es otro uso de la proyección de video. Uno o más objetos dos o tridimensionales (a menudo edificios) se mapean espacialmente en un programa virtual que luego permite que la imagen se ajuste a la superficie del objeto sobre el que se proyecta. (Figura 2.34) Evan Roth (n. 1978, EUA, vive en Francia) crea graffiti como videoproyección y luego fotografía los resultados; así, la obra es temporal. Este método de realidad aumentada espacialmente ha sido utilizado por numerosos artistas (y anunciantes) para “etiquetar” todo, desde los espacios públicos hasta el rostro humano, sin dejar marcas permanentes.

    El arte performance es arte en el que el medio del artista es una acción. Las obras de performance generalmente están documentadas por la fotografía, pero la obra está en el acto mismo. Cut Piece es una obra de performance Yoko Ono (n. 1933, Japón, vive en Estados Unidos) creada originalmente en 1964 en la que los miembros de la audiencia recibieron tijeras para cortar piezas de su ropa mientras la artista se sentaba en un escenario. (Cut Piece, Yoko Ono: es.wikipedia. org/wiki/File:Cutpieceono.jpeg) A medida que la artista dejaba caer pasivamente sus prendas, los participantes y los espectadores tenían el control de su transformación de enteros a segmentados.

    El arte de los nuevos medios generalmente se refiere a obras interactivas como el arte digital, la animación por computadora, los videojuegos, la robótica y la impresión 3D, donde los artistas exploran el potencial expresivo de estas nuevas tecnologías creativas. La conectividad internacional de Internet ha marcado el comienzo de una globalización del intercambio de información que incluye las artes. Un ejemplo del uso de los nuevos medios en el arte serían 10,000 Moving Cities de Marc Lee (n. 1969, Suiza). En este trabajo, un espectador lleva unos auriculares de proyección de video en los que se proyectan imágenes de una ciudad elegida sobre una arquitectura urbana digital. El espectador puede moverse dentro del nuevo espacio a través del movimiento de la cabeza. También se capturan y proyectan imágenes de redes sociales en tiempo real y texto de la ciudad elegida.


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