1.2.2: Historia del Arte- Hombres Artistas en el Renacimiento

Filippo Brunelleschi

Durante el Renacimiento, un gran cuerpo de arte se atribuyó predominantemente a artistas masculinos ya que los hombres escribieron historia. Historia, el nombre solo —el suyo y la historia combinados—fue escrito por hombres sobre sus contrapartes descontando las fronteras sociales y culturales que denigran a las mujeres. Se ha establecido que las mujeres no tenían acceso a la educación ni a trabajar como artistas. Estaban sistemáticamente escritos fuera de la historia dando toda la gloria a los artistas masculinos.

Filippo Brunelleschi (1377-1446) nació en Francia y se convirtió en uno de los arquitectos más conocidos que reinventaron la arquitectura. Fue aprendiz del Arte dela Seta (Gremio de Comerciantes de la Seda) y se convirtió en un maestro escultor trabajando en bronce. Brunelleschi era de una familia adinerada y recibió una educación pesada en matemáticas, dándole los antecedentes necesarios para construir la infame cúpula.

Al inicio del Renacimiento, la arquitectura fue un resurgimiento del clasicismo, alejándose del diseño gótico convencional y el estilo de construcción. Los contrafuertes voladores del pasado, los edificios góticos no podían construirse lo suficientemente altos ni lo suficientemente sustanciales como para soportar la enorme cúpula propuesta. Los contrafuertes voladores eran poco comunes en Italia y se consideraban frontones espantosos unidos a edificios. Brunelleschi fue a Roma para estudiar las ruinas del Monte Palatino, aprendiendo los elementos característicos de la arquitectura. [14] Utilizando lo que aprendió en Roma, Brunelleschi utilizó la perspectiva para dibujar y crear pinturas realistas con precisión tridimensional. Gracias a Brunelleschi, la Santísima Trinidad de Masaccio fue posible con una ilusión precisa y detallada de un plano bidimensional tridimensional.

En Florencia, Italia, la Cattedrale di Santa Maria del Fiore (Catedral de Santa María de la Flor) (1.2.2.1), la iglesia principal, comenzó en 1296 con base en el estilo de construcción gótica. El diseño del edificio incluía una inmensa cúpula octogonal en un extremo del edificio. Bosques enteros fueron despejados, y grandes losas de mármol fueron extraídas para construir una tremenda y magnífica iglesia. Debió ser imposible de construir, y desde hace más de 200 años, nadie pudo producir un plan viable para terminar la cúpula dejando la iglesia abierta a los elementos y a la naturaleza.

Para 1418, la iglesia aún no se había completado, y los constructores se enfrentaron a una serie de obstáculos, siendo la cúpula la más grande. Después de un siglo de construcción de la nueva catedral, la cúpula se convirtió en el rompecabezas arquitectónico más notable de la época. [15] Se propuso un concurso para encontrar un arquitecto constructor para terminar la cúpula. “Quien desee realizar algún modelo o diseño para la bóveda de la Cúpula Principal... deberá hacerlo antes de que finalice el mes de septiembre [1914].” [16]

 

Figura\(\PageIndex{1}\): Cattedrale di Santa Maria del Fiore, Florencia, Italia de Florian Hirzinger, CC BY-SA 4.0

 

De los muchos planes presentados, solo una propuesta mostró alguna promesa, un modelo que presentaba una respuesta magnífica, audaz y poco convencional al problema de la bóveda de un gran espacio, el diseño de Brunelleschi. Su diseño radical fue construir dos cúpulas, una dentro de la otra utilizando un sistema de doble pared a partir de ladrillos ligeros colocados en un patrón de espiga (1.2.2.2). Las soluciones de Brunelleschi fueron ingeniosas. El problema de esparcimiento se resolvió con un conjunto de cuatro cadenas horizontales internas de piedra y hierro, que sirven como aros de barril, incrustados dentro de la cúpula interna: una en la parte superior, otra en la parte inferior, con los dos restantes uniformemente espaciados entre ellas. Una quinta cadena, hecha de madera, se colocó entre la primera y la segunda de las cadenas de piedra. Dado que la cúpula era octogonal en lugar de redonda, una simple cadena, apretando la cúpula como un aro de barril, habría puesto toda su presión en las ocho esquinas de la cúpula. Las cadenas necesitaban ser octágonos rígidos, lo suficientemente rígidos como para mantener su forma para no deformar la cúpula ya que la tenían unida. [17]

 

Figura\(\PageIndex{2}\): Dibujo Cigoli de El Duomo Florencia, Dominio Público

       

Muchas máquinas de nueva creación fueron inventadas para izar los materiales, incluidas las miles de vigas de arenisca de 772 kg. El Castello (1.2.2.3), una grúa con mástil de madera en el centro y travesaños horizontales, se controló con tornillos y contrapesos. Tenía tres velocidades y también era reversible, ahorrando incontables tiempo y dinero.

 

Figura\(\PageIndex{3}\): Dibujo de Castello, Dominio Público

 

La cúpula, de 43.2 metros de altura, utilizó medidas matemáticas precisas para colocar el ladrillo y las areniscas. Continuó en espiral hacia arriba, agregando soporte mientras el peso se desplazaba hacia afuera a los soportes de cúpula. Brunelleschi tuvo que diseñar, crear y utilizar numerosas máquinas de elevación para elevar los materiales a los trabajadores. La cúpula era una maravilla matemática y arquitectónica, y los visitantes aún pueden subir a la linterna para disfrutar de magníficas vistas de Florencia.

Brunelleschi fue la primera persona en Europa en recibir una patente para el diseño e implementación de un sistema de elevación utilizado para transportar ladrillos, piedra, mortero y herramientas hasta las grandes alturas de la cúpula. La obra comenzó en 1420 y se completó dieciséis años después para convertirse en la primera cúpula construida sin una estructura temporal de madera.

Donato di Niccolo di Betto

Donato di Niccolo di Betto (alias Donatello) (1386-1466), nació en Florencia, el centro del nuevo movimiento renacentista, y uno de los artistas originales del Renacimiento Temprano. Estudiando escultura clásica en Roma, creó algunos de los desnudos masculinos independientes más icónicos, los primeros desde la antigüedad. Donatello trabajó en muchos medios, entre ellos el bronce, la arcilla, la cera y la piedra, y desarrolló una manera de tallar en bajorrelieve ya que muchos de sus encargos eran grandes relieves arquitectónicos.

El santo de Luis de Toulouse (1.2.2.4) es una de las primeras esculturas de bronce sobrevivientes de Donatello ubicada en el refectorio del Museo di Santa Croce en Florencia. La escultura caracteriza al santo franciscano en su juventud, vestido con ropa pesada para significar su riqueza. Donatello utilizó el método de cera perdida para fundir el bronce complejo. Fundido en once piezas distintas, estaba hueco por dentro, incluyendo el dorso de la estatua. El rico bronce dorado lleva un crozier como gesto de bendición como si se dirigiera a la gente de Florencia. Algunos estudiosos creen que la figura tenía un proceso de dorado que cubría la pieza en oro fino y mercurio para darle un brillo similar al oro.

 

Figura\(\PageIndex{4}\): San Luis de Toulouse (1423-1425, bronce dorado, 2.26 x 0.85 m) de Sailko CC BY 3.0

  

Concebido enteramente en redondo, David de Donatello (1.2.2.5) fue creado en la postura tradicional de una escultura independiente. Fue una de las primeras desde las estatuas griegas y romanas del pasado antiguo, haciendo que esta estatua fuera revolucionaria y emocionante de ver. La postura relajada del contrapposto del cuerpo alto y ágil del joven David descansa sobre una pierna y su espada, dejando que la otra pierna se incline hacia adelante sobre la cabeza de Goliat. David tiene una sonrisa encantadora; sus manos están a su lado contra una piel lisa y pulida, y sus largos mechones rizados fluyen por debajo de su casco. La provocativa estatua se encontraba sobre una columna en medio del patio del Palazzo Medici en lugar de la plaza del pueblo, lo que indica que puede haber sido polémico exhibir una figura masculina desnuda en esta época del siglo XV. Donatello se adelantó sin duda a su tiempo como artista, liderando la revolución renacentista de aceptación y cualidades humanistas en el arte.

Figura\(\PageIndex{5}\): David (ca 1435-1440, bronce, 158 cm) de Patrick A. Rodgers, CC BY-SA 2.0

 

Jan van Eyck

Jan van Eyck (1390—1441) fue un pintor renacentista del norte de Brujas y uno de los primeros inventores de la pintura al óleo. A principios de la década de 1420, van Eyck se convirtió en el pintor del duque de Borgoña, produciendo obras tanto religiosas como seculares. En 1432, van Eyck y su hermano Hubert van Eyck comenzaron a construir y pintar un monumental políptico llamado La Adoración del Cordero Místico, mejor conocido hoy como el Retablo de Gante (1.2.2.6). La obra consta de 24 paneles pintados separados en ambos lados y articulados entre sí para ser abiertos o cerrados para contar una historia. El retablo cerrado de 3.35 metros representa los paneles centrales pintados como una capilla, las ventanas que dan al pueblo de Gante.

 

Figura\(\PageIndex{6}\): Retablo de Gante cerrado (1430-1432, óleo sobre madera, 350 cm x 223 cm) Dominio Público

 

Organizado en dos filas verticales, el retablo cerrado retrata la anunciación dispersa con iconografías religiosas, como la paloma blanca sobre la cabeza de María que representa al Espíritu Santo. Al abrir el retablo (1.2.2.7), estalla de color: Dios vestido con una túnica de terciopelo rojo rodeado de un trono dorado. María se vistió con un vestido de terciopelo azul y San Juan Bautista con rica ropa verde sentada junto a Dios. Flanqueando a María y Juan se encuentra el coro, completo con un órgano ornamentadamente tallado. En plena desnudez, Adán y Eva están en los dos paneles exteriores revelando su vulnerabilidad.

Los paneles inferiores se dividen en cinco secciones centradas en el Cordero de Dios en un prado rodeado de ángeles y profetas terrenales, apóstoles y otras personas de la iglesia cerca de la fuente de la vida en primer plano. A diferencia de los paneles superiores, los paneles inferiores se colocan afuera y se extienden sobre los cinco paneles. La escena al aire libre muestra un hermoso campo verde con un cielo azul y nubes tenues ancladas por el sol en medio directo de los paneles. La atención al detalle y la claridad son generalmente poco importantes; sin embargo, los van Eyck's eran miniaturistas y sabían lo vitales que eran los detalles finitos en una pintura. Una innovación significativa es el uso único de la iluminación utilizando capas transparentes de esmaltes. Los paneles contienen sutiles sombras de iluminación como una ilusión de una catedral bien iluminada; sin embargo, la iluminación dramática se destaca en el espacio iluminado por velas.

 

Figura\(\PageIndex{7}\): Retablo de Gante abierto (1430-1432, óleo sobre madera, 3.4 x 5.2 m) Dominio público

 

Johannes Gensfleisch Zur Laden zum Gutenberg

Johannes Gensfleisch Zur Laden zum Gutenberg (1398-1468) en 1436, inventó la prensa de impresión de tipo móvil (1.2.2.8) en Europa. Inventor, artesano, herrero y editor, era bien educado y pertenecía a una familia adinerada. Los libros durante la Europa del siglo XIV fueron cada uno único, los monjes en los monasterios copiaban cada uno a mano. Gutenberg vio una oportunidad cuando las bibliotecas se abrieron por primera vez, y los académicos querían acceder a muchas copias de los mismos libros. Gutenberg comenzó a experimentar con el texto, cortándolo en letras individuales, pegándolos a pequeños bloques de madera para usar como sellos, cada bloque entintado individualmente. Después inventó el texto metálico y un molde de bloques de letras, por lo que todo el texto era igual en tamaño, dando a los tipógrafos la capacidad de formar líneas o páginas de impresión. El formulario fue entintado y prensado a mano sobre papel. Gutenberg utilizó un diseño similar a las prensas de vino o manzana con un diseño de tornillo para presión.

 

Figura\(\PageIndex{8}\): Modelo de la imprenta, por vlasta2, CC BY 2.0

Si bien Gutenberg se le atribuye en la mayoría de los libros de texto la invención de la prensa de tipo móvil, en 1040 CE, Bi Sheng en China inventó el tipo móvil usando porcelana. [18] Durante la dinastía Song del Norte, se produjeron importantes avances tecnológicos, y el papel moneda se imprimió primero con el tipo de metal cobre. Anteriormente los chinos inventaron otros métodos impresos. El primer libro impreso fechado (868 d.C.) (1.2.2.9) se centró en el Buda y sus nueve discípulos en la corte imperial donde enseña sobre la naturaleza ilusoria de todos los fenómenos, incluido el “yo”.

Figura\(\PageIndex{9}\): Página de Diamond Sutra (868 CE, tinta sobre papel) Dominio público

 

Gutenberg y su personal trabajaron imprimiendo la Biblia en texto negro durante dos años, iluminados a mano con tintas de colores. La primera edición de 180 libros idénticos tuvo mucho éxito e inició la revolución de la impresión. Dos años después de que Gutenberg inventara la prensa, la producción de libros aumentó y el analfabetismo cayó. Si bien una imprenta se inventó en China y Corea unos siglos antes, la tecnología no había migrado a Europa. La imprenta de Gutenberg es considerada como uno de los inventos más críticos de la historia europea.

 

Tomm aso di Ser Giovanni di Simone (también conocido como Masaccio)

Tommaso di Ser Giovanni di Simone (alias Masaccio) (1401-1428) fue uno de los mejores pintores del periodo quattrocento del Renacimiento. Durante su breve período como pintor, influyó profundamente en otros artistas y sus métodos de usar la perspectiva, cambiando para siempre la pintura occidental. Masaccio pintó libre de diseños de época gótica y ha sido descrito como un pintor de la verdad; desafortunadamente, murió a la corta edad de veintiséis años. Alejándose del estilo gótico tradicional y plano, Masaccio utilizó la perspectiva (del latín al “transparente”) en su pintura, una desviación de los métodos de pintura estándar. Su uso de una perspectiva lineal de un punto cambió la pintura y el dibujo para siempre. La Trinidad (1.2.2.10), ubicada en la pared de la nave de Santa María Novella, fue la primera pintura en seguir el nuevo sistema de perspectiva de un punto de Brunelleschi. [19]

 

Figura\(\PageIndex{10}\): Trinidad (1426-1428, fresco, 667 x 317 cm) Dominio público

  

El punto de fuga (1.2.2.11) comienza como un conjunto de líneas paralelas como una vía de tren, desapareciendo hacia el otro lado de la imagen. Los arcos triunfales romanos en el Foro Romano pueden haber sido la inspiración para la Trinidad de Masaccio. Sus bóvedas de cañón se dibujan con la perspectiva exacta que muestra el artesonado retrocediendo al fondo. La ilusión realista del espacio crea profundidad con el uso de las columnas y el techo. Cristo en la cruz es el centro de la pintura, el cuerpo pintado de forma musculosa mirando hacia abajo a María. Todo el cuadro se encuentra encima de una tumba abierta con la inscripción: “Como soy ahora, así serás tú. Como estás ahora, así que una vez fui yo”. El increíble espacio cavernoso muestra el punto de perspectiva justo debajo del fondo de la cruz. Los importantes avances que Masaccio utilizó en esta pintura influyeron en los grandes artistas del Renacimiento.

 

Figura\(\PageIndex{11}\): Perspectiva de la Trinidad, Dominio Público

 

 

Alessandro di Mariano di Vanni Filpepi (también conocido como Sandro Botticelli)

Alessandro di Mariano di Vanni Filpepi (también conocido como Sandro Botticelli) (1445-1510) fue un pintor renacentista temprano que asistió a la escuela florentina bajo el patrocinio de Lorenzo de Medici. Botticelli aprendió a los catorce años a fray Filippo Lippi y se encontró en medio de la edad de oro del arte renacentista. Se convirtió en uno de los artistas más buscados y estimados en Italia durante su vida. El Papa en Roma convocó a Botticelli a pintar las paredes de la Capilla Sixtina en el Vaticano. Usando el fresco como su médium, las paredes comenzaron a cobrar vida con las escenas religiosas.

Botticelli regresó a Florencia en 1478 y comenzó su período más creativo de la pintura, produciendo el Nacimiento de Venus (1.2.2.12) ubicado en el Museo de los Uffizi. Una de las pinturas más icónicas del Renacimiento. El cuadro está basado en una antigua diosa del amor, y una estatua griega de Medici tenía en su colección. Venus, nacida en el mar, está de pie sobre una concha marina flotando con gracia hacia la orilla con la ayuda del Dios del Viento, Zephyr. Mientras la sopla suavemente hacia la orilla, las flores atrapan el viento en el aire. Botticelli incluso incluyó las gorras blancas de suaves olas alrededor del caparazón, y Venus se encuentra con Hora, el Dios de la Primavera, con una túnica roja que fluye cubierta de flores contra una tierra llena de árboles.

 

Figura\(\PageIndex{12}\): El nacimiento de Venus (1484-1486, témpera sobre lienzo, 172.5 x 278.9 cm) Dominio público

 

El fondo es poco realista y no tiene la profundidad que se ve en la pintura de Masaccio. Una ilusión apasionante, los cuerpos no asentados en tierra, apareciendo flotantes, poco característicos de los artistas renacentistas. El cuerpo y la cara sensuales (1.2.2.13) de Venus están pintados en suaves colores pastel y carecen de profundidad. Su rostro estaba melancólico, y su cabello se movía por el viento, toda una pintura temática inusual según los estándares renacentistas.

 

Figura\(\PageIndex{13}\): Cerca de Venus, Dominio Público

 

Leonardo di ser Piero da Vinci (también conocido como Leonardo da Vinci)

Leonardo di ser Piero da Vinci (también conocido como Leonardo da Vinci) (1452-1519) es uno de los polímatos más famosos del Renacimiento, incluyendo pintores, arquitectos, científicos, matemáticos, astrónomos, botánicos, escritores, ingenieros, inventores, músicos y escultores. Leonardo Da Vinci nació en una prominente familia toscana y se mudó a Florencia a los diecisiete años para comenzar su carrera artística. Leonardo se unió al gremio de artistas y pronto floreció en la atmósfera intelectual. Da Vinci rebotó de patrón a patrón, pintando, dibujando y diseñando. Dibujó anatomía de cadáveres robados, aprendiendo cómo funcionaban el cuerpo y el cerebro y dibujaba imágenes elaboradamente detalladas de los elementos del cuerpo humano, incluido un feto en el útero. Leonardo tenía una insaciable curiosidad por el conocimiento, lo que llevó a miles de dibujos en las ciencias.

Leonardo Da Vinci dejó un gran cuerpo de dibujos de sus conceptos científicos para que los estudiáramos. Uno puede imaginar a Leonardo observando el mundo natural, mirando cada detalle y pensando en cada línea. Antes incluso de levantar un pincel, Leonardo completó una serie de dibujos, estableciendo el escenario para la pintura real. Leonardo sólo pintó veinticuatro cuadros en su vida; sin embargo, fue un prolífico ilustrador y escritor. Su guión italiano fue escrito al revés y se puede leer fácilmente frente a un espejo.

Leonardo diseñó y diseñó una amplia variedad de herramientas, máquinas y otros inventos conceptuales. Uno de los dibujos más icónicos es el Hombre de Vitruvio (1.2.2.14), dibujado en 1492, con tinta sobre papel, el hombre rodeado de un círculo basado en proporciones humanas ideales. En las revistas de Leonardo, página tras página describe dibujos de máquinas voladoras, instrumentos musicales, bombas, cañones y muchos otros. El marco central del ornitóptero de potencia humana muestra una estructura ligera diseñada para permitir que una persona vuele. Las alas mecánicas le dan al ornitóptero su poder de elevación.

 

Figura\(\PageIndex{14}\): Hombre de Vitruvio (1492, tinta y lavado sobre papel, 34.6 x 25.5 cm) Dominio público

 

Quizás la obra más famosa de la carrera de da Vinci es la Última Cena (1.2.2.15) en la pared del refectorio en el Monasterio Maria delle Grazie de Milán. El fresco comenzó a deteriorarse a principios del ^siglo XVI ya que da Vinci utilizó témpera en lugar de pintura mientras experimentaba con diferentes medios. El escenario escénico alberga a la gente comiendo detrás de una gran mesa con lino blanco que domina la escena. La perspectiva de la pintura aterriza en el ojo derecho de Cristo, enfatizándolo como la figura central. [20] Cada apóstol se muestra en modo estático después de que se le haya dicho sobre la traición; se levantan las manos, y algunos se levantan de la silla con incredulidad. Judas está parado detrás de la mesa con una bolsa de dinero.

Durante muchos siglos, la restauración ha sido un proceso continuo para la Última Cena. Los frescos son generalmente varias capas de yeso, y luego la pintura se aplica sobre la superficie húmeda para crear una unión permanente en la pared. Da Vinci cubrió la pared con yeso y luego una capa de pintura blanca plomo antes de pintar con colores. El blanco de plomo es tóxico y oxidado, volviéndose de un color marrón claro. A finales del siglo ^XX, una restauración de veintiún años eliminó la suciedad, los aceites y las capas de goma laca aplicadas para detener el deterioro. El refectorio se convirtió en una habitación sellada con un ambiente climatizado para proteger la Última Cena.

Figura\(\PageIndex{15}\): La Última Cena (1495-1498, témpera sobre gesso, brea y masilla, 700 x 880 cm) Dominio público

 

Otra pintura impresionante, es el retrato de Cecilia Gallerani, la dueña del duque de Milán como la Dama de un armiño (1.2.2.16). El pequeño cuadro está sobre un panel de madera de nogal que representa a Gallerani en media altura sosteniendo un armiño de mascota. Ella mira hacia la derecha con los hombros ligeramente girados hacia la izquierda, mirando más allá de los límites de la lona mientras acaricia a la mascota. El panel fue pintado con gesso blanco y luego marrones oscuros aplicados en el método Sfumato de capas de esmaltes. Parece materializarse desde el fondo oscuro a medida que la luz brilla sobre sus delicados rasgos y mascota.

 

Figura\(\PageIndex{16}\): Dama con armiño (1490, óleo y témpera sobre tabla, 54.8 x 40.3 cm) Dominio público

     

La obra de Leonardo sigue guiando e inspirando a artistas, filósofos y científicos siglos después de su muerte. El genio de la obra e impulso por el conocimiento de Da Vinci lo coloca en la parte superior de la lista de grandes artistas de todos los tiempos. El enigma de la Mona Lisa (1.2.2.17) sigue siendo uno de los misterios de Leonardo. Todo el mundo quiere saber quién era ella, es un autorretrato disfrazado, son sus números pintados en sus ojos, se encuentran entre las muchas teorías sobre la pintura. Se suponía que iba a ser un retrato de la esposa de un comerciante de telas, un retrato que Leonardo no le dio al comerciante. La imagen está pintada de media longitud mientras se sienta en una silla, vestida con ropa sin remarcar. Hay una apariencia de ventana detrás de ella mientras muestra la sonrisa emblemática. La maravilla completa de la pintura es lo que nos atrae a la pintura.

Figura\(\PageIndex{17}\): Mona Lisa (1503-1506, óleo sobre madera, 77 x 53 cm) Dominio público

 

Alberto Durero

Albrecht Durer (1452-1519) fue un tallador, pintor y grabador alemán, que estableció una reputación en toda Europa cuando tenía veintitantos años. Durer creó un vasto cuerpo de obra con motivos clásicos y retratos religiosos; uno de sus grabados más famosos es Melencolia I (1.2.2.18), una composición alegórica con muchos temas icónicos. El grabado se completó en 1514 e incluía herramientas de carpintero, un cuadrado mágico, un reloj de arena que mostraba el tiempo agotado, una escala, una brújula y la figura alada abatida en primer plano con la cabeza apoyada en la mano. Melencolia I está vinculada a la astrología, la teología y la filosofía, sugiriendo que es un autorretrato del propio artista, tal vez una idea de las limitaciones del reino terrestre y la incapacidad de imaginar estados avanzados de contemplación conceptual.

 

Figura\(\PageIndex{18}\): Melencolia I (1524, grabado, 24 x 18.8 cm) Dominio público

 

Durero siempre creyó que podía lograr proporciones y medidas perfectas en sus figuras y pintó su autorretrato (1.2.2.19) a principios del 1500 d.C. La posición de Durero es sencilla y mira directamente al espectador con una cara sombría. De media longitud y excepcionalmente simétrico, aparece del fondo oscuro vistiendo un abrigo marrón forrado de piel, apretando a mano el borde izquierdo. Los rizos intrincadamente pintados con reflejos dorados muestran el peinado de los tiempos con una barba corta y bien arreglada. El buen aspecto robusto se suma a la ilusión demostrando el talento excepcional de este joven.

 

Figura\(\PageIndex{19}\): Autorretrato de Albrecht Durer (1500, óleo sobre lima, 67.1 x 48.9 cm) Dominio público

 

Un estudio de flores silvestres es uno de los estudios realistas de naturaleza acuarela de Durero en Great Piece of Turf (1.2.2.20). Se pintó sobre un fondo de color crema un extenso parche de flores aún arraigadas en el suelo. La suciedad gris parduzco revela algunas de las raíces en primer plano. Es muy detallado con la adición de un bolígrafo y tintas. Los elementos de las tres piezas de arte demuestran un nivel de habilidad y su apreciación por los detalles elevando a Durer a un artista maestro.

 

Figura\(\PageIndex{20}\): Gran Pieza de Césped (1503, acuarela, pluma y tinta, 40.4 x 31.1 cm) Dominio público

 

Miguel Ángel di Lodovico Buonarroti Simoni (también conocido como Miguel Ángel)

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (alias Miguel Ángel) (1475-1564) nació durante el alto Renacimiento, uno de los artistas más famosos como escultor, pintor, arquitecto, ingeniero y poeta. Su genio incomparable y sus habilidades artísticas y su estilo orgánico dieron vida al mármol, reflejado en todas las estatuas que creó. Uno de sus primeros encargos importantes fue una estatua de la Pieta (1.2.2.21) para uno de los altares laterales en la iglesia de San Pedro en Roma. El escritor de la época declaró: “Ningún escultor... jamás podría alcanzar este nivel de diseño y gracia, ni siquiera él, ni siquiera con trabajo manual, terminar, pulir y cortar el mármol tan hábilmente como lo hizo aquí Miguel Ángel, porque en esta estatua se revela todo el valor y poder de la escultura”. [21] Los pliegues de su vestido aparecen para acunar el cuerpo sin vida de Cristo, un cuerpo esculpido en exquisito y sublime detalle, su rostro tierno en la muerte.

 

Figura\(\PageIndex{21}\): Pieta (1498-1499, mármol, 174 x 195 cm) CC BY-SA 3.0

 

David (1.2.2.22), una de las obras maestras más impresionantes de mármol Carrera blanco lustroso, fue la escultura más masiva de Miguel Ángel, medía 4.10 metros y exhibiendo a un joven perfecto, musculoso, contemplativo, y listo para la pelea. Generalmente, la mayoría de los artistas retratan a David después de la batalla con Goliat, cuya cabeza yace en el suelo. No obstante, David de Miguel Ángel queda atrapado en la tensa posición previa a la batalla.

 

Figura\(\PageIndex{22}\): David (1501-1504, mármol, 517 x 199 cm) CC BY-SA 3.0

Los detalles tallados por Miguel Ángel (1.2.2.23) eran mucho más avanzados que otros escultores; en sus manos, los tendones son visibles debajo de la piel, las venas corriendo por su brazo.

Figura\(\PageIndex{23}\): Pierna y mano, CC BY-SA 3.0

La mirada en el rostro de David (1.2.2.24) es profunda en el pensamiento de la próxima batalla, convocando el coraje pero expresando el suave velo del miedo.

Figura\(\PageIndex{24}\): Cabezal, CC BY-SA 3.0

                 

Miguel Ángel también fue un gran pintor a pesar de que pensaba que la pintura debía dejarse a otros; sin embargo, sabía que tenía que pintar el techo de la Capilla Sixtina (1.2.2.25) o enfrentar la ira del papa. El techo tiene más de 20 metros de altura, y Miguel Ángel diseñó andamios para pararse bajo el techo curvo y pintar. Inició la obra en 1508, dibujando figuras y preparando el techo para los frescos.

 

Figura\(\PageIndex{25}\): Capilla Sixtina (1508-1512, fresco, 40.9 x 13.4 m) CC BY-SA 3.0

 

El techo central consta de nueve paneles del Libro del Génesis, comenzando desde la historia de la creación hasta Noé y el diluvio. El panel central es la icónica mano extendida de Dios (1.2.2.26), dando vida a Adán, cuyo dedo se extendió a Dios pero no del todo conmovedor, creando el magnetismo entre el hombre y Dios.

 

Figura\(\PageIndex{26}\): Creación de Adán, dominio público

La sibila libia (1.2.2.27), con sus rasgos helenísticos, es una de las figuras más profundas en el techo. Pintada con su vestido regio naranja, está levantando un libro grande de la estantería. Los poderosos brazos y la espalda están retorciendo el cuerpo, haciendo que su ropa se pliegue a medida que fluyen alrededor de sus piernas, creando una ilusión de tensión.

Figura\(\PageIndex{27}\): Sibila libia, dominio público

                                                

Para pintar el estilo fresco, Miguel Ángel cubrió una pequeña sección del techo en yeso y luego lo pintó en el yeso húmedo, que se secó en pocos días, revelando la imagen final. Una y otra vez, Miguel Ángel pintó mientras bajaba lentamente por el techo, cuatro largos años sobre el andamio, con el cuello levantado hacia arriba hasta completar el fresco de techo más icónico del mundo.

En 1979, se inició la restauración en la Capilla Sixtina para limpiar y reparar los frescos del techo y reacondicionarlos a su gloria anterior como los dio a conocer por primera vez Miguel Ángel. El proceso de restauración se inició en 1980 para limpiar el hollín y la suciedad de 500 años y reparar grietas en el yeso, un proceso de larga duración que no se completó hasta 1994. La imagen (1.2.2.28) de Daniel en el lado izquierdo es como apareció la imagen después de 500 años de suciedad, y a la derecha es el resultado del proceso de restauración para restablecer la belleza original. El legado de Miguel Ángel continúa mucho más allá del Renacimiento y ha seguido siendo recordado como uno de los más grandes artistas de todos los tiempos.

 

Figura\(\PageIndex{28}\): Restauración en techo, Dominio público

 

Raffaello Sanzio da Urbino (también conocido como Rafael)

Raffaello Sanzio da Urbino (también conocido como Rafael) (1483-1520) fue un pintor italiano residente en Florencia, contemporáneo de Leonardo y Miguel Ángel. Era hijo de un pintor y se le introdujo en la filosofía humanista de la época. A pesar de que murió a la temprana edad de treinta y siete años, dejó un considerable cuerpo de trabajo. El legado más increíble de Rafael fue la Stanze di Raffaello (1.2.2.29), ubicada en el Palacio Apostólico, junto a la Capilla Sixtina, donde Miguel Ángel pintaba simultáneamente el techo de la capilla. La biblioteca era una pequeña sala, y Rafael pintó un fresco alegórico diferente en cada pared que representaba las cuatro ramas del conocimiento humano: filosofía, teología, poesía y justicia.

 

Figura\(\PageIndex{29}\): Stanza della Segnatura (1508-1517, fresco) Dominio público

 

El primer cuadro de Rafael en la pared este pintó la famosa Escuela de Atenas (1.2.2.30), retratando el conocimiento futuro. En el centro de la pintura, Aristóteles en azul y marrón y Platón en rojo y morado, sosteniendo sus libros, caminando hacia adelante. En la esquina inferior izquierda, Pitágoras está demostrando la importancia de las matemáticas. Hay estatuas de dioses griegos antiguos a ambos lados de los grandes artesonados que unen la antigüedad con el Renacimiento.

 

Figura\(\PageIndex{30}\): Escuela de Atenas, Dominio Público

El segundo cuadro sobre la pared oeste, La disputa (1.2.2.31), representa la teología dividida horizontalmente en vida terrenal y vida celestial. En la mitad superior, Cristo es representado en un banco de nubes, rodeado de santos. Las figuras espirituales en la mitad inferior representan a los papas, sacerdotes y líderes de la iglesia, reuniendo el conocimiento celestial a través de la hostia divina.

Figura\(\PageIndex{31}\): La disputa, dominio público

 

El tercer cuadro sobre la pared sur, El cardenal y las virtudes teológicas (1.2.2.32) ilustra las cualidades cardinales como personificadas por tres mujeres: Fortaleza, Prudencia y Templanza. Fortaleza es sostener una rama de un roble sacudido por el cupido, Caridad. Prudence mira a un espejo mostrando dos caras con el cupido Hope sosteniendo una antorcha, y Temperance guarda al cupido Faith.

 

Figura\(\PageIndex{32}\): Las virtudes cardinales y teológicas, dominio público

El cuarto cuadro en la pared norte, El Parnaso (1.2.2.33), ilustra el Parnaso de Montaña donde reside Apolo. Veintisiete personas de Grecia flanquean a Apolo en el centro bajo un laurel, tocando un instrumento musical. Las nueve musas que retratan el arte, nueve poetas de la antigüedad y nueve poetas contemporáneos flanquean a Apolo.

Figura\(\PageIndex{33}\): El Parnaso, Dominio Público

 

Las cuatro pinturas juntas cuentan una historia del viaje al período renacentista. La armonía compositiva es evidente en todos los frescos, y el contrapunto visual de los diferentes grupos de personas crea un conjunto superior de frescos. Todos estos frescos demuestran el enfoque único e ilustrativo de Rafael sobre la pintura.

Tizia no Vecelli (también conocido como Tiziano)

Tiziano Vecelli (también conocido como Tiziano) (1490-1576) fue un pintor italiano de una familia noble que ayudó a establecer la escuela de arte veneciana durante el Renacimiento. Tiziano es bien conocido por su uso dinámico del color, representando una tela hermosa y realista en sus pinturas. Exitoso desde temprana edad, su considerable cuerpo de trabajo abarca décadas y demuestra el crecimiento y madurez de su arte.

La Asunción de la Virgen (1.2.2.34) fue pintada durante el periodo de alto dominio de Tiziano. El cuadro es excepcionalmente alto y uno de los retablos más grandes de Tiziano. Asistida por ángeles, María se mueve del mundo terrenal al mundo celestial. Las figuras sobredimensionadas en la parte inferior de la pintura tienen las manos extendidas tratando de ayudar a María en su ascenso al cielo. El escorzo de María se rinde exquisitamente y mirando hacia las nubes, un halo de luz dorada luminosa la rodea. La unificación de tres escenas separadas —el cielo, la tierra y el ascenso— son individualmente desafiantes, pero Tiziano pinta a la perfección las tres juntas.

 

Figura\(\PageIndex{34}\): Asunción de la Virgen (1516-1518, óleo sobre tabla, 690 x 360 cm) Dominio público

 

Hans Holbein el Joven

 

Hans Holbein el Joven (1497—1543) fue un pintor y grabador del Renacimiento del Norte que trabajó principalmente en Basilea. En su juventud, pintó retratos religiosos, diseñó vitrales para iglesias e imprimió libros, convirtiéndose en un instrumento para cambiar la forma en que se planeaban los libros. Holbein podría llamarse realista como en Los embajadores (1.2.2.35), un panel a tamaño real con el embajador de Francisco I de Francia de pie junto al obispo de Lavaur. Los dos hombres se apoyan en una mesa alta con símbolos y paradojas, entre ellas un cráneo anamórfico. Entre los iconos se encuentra una selección de instrumentos científicos, incluyendo una esfera de pastor, un reloj de sol poliédrico, un cuadrante, dos globos y un torquete. [22] Holbein también pintó varios textiles, entre ellos cortinas, prendas y una alfombra en el estante superior. El mosaico del piso puede ser del diseño del piso en la Abadía de Westminster. Las dos figuras, una vestida con vestimenta secular (izquierda) y otra con ropa clerical (derecha), implicaban un trasfondo religioso y científico. El laúd, un instrumento musical del Renacimiento, se encuentra junto al himnario abierto, sugiriendo oposición al cambio.

 

Figura\(\PageIndex{35}\): Los Embajadores (1533, óleo sobre madera de encino, 209 x 207 cm) Dominio público

El rasgo más destacado de la pintura es el cráneo anamórfico (1.2.2.36) en primer plano, una invención durante este tiempo. Mientras uno paseaba por la pintura, el cráneo se ve en perspectiva relativa, recordándonos la mortalidad. Es interesante notar que el piso de mosaico se vuelve anamórfico cuando el cráneo está a la vista.

Figura\(\PageIndex{36}\): Primer plano del cráneo, Dominio público

Holbein fue empleado como Pintor del Rey en 1537, pintando el retrato de Eduardo VI (1.2.2.37) cuando era niño, uno de sus retratos más significativos. El futuro rey era un niño de apenas dos años, agarrando un sonajero de oro mientras agitaba la otra mano. Holbein “dota a sus cuidadores de una poderosa presencia física que se mantenía cada vez más bajo control por la reserva psicológica y la elegancia de superficie apropiada a un entorno de corte”. Eduardo VI parecía un niño muy pequeño pero se posó en una posición con el severo comportamiento de un adulto mientras se para detrás de un púlpito cubierto de terciopelo fino. El icónico retrato está cubierto con una tela musgosa de color verde-gris para el fondo resaltando la ropa roja y dorada del joven príncipe. Hasta la camiseta interior ha sido adornada con oro en el escote. Holbein establece una técnica para renderizar los detalles del vestido, particularmente notable en las mangas de seda y los intrincados pergaminos negros. El retrato fue un regalo para el rey Eduardo V.

 

Figura\(\PageIndex{37}\): Eduardo VI (1538, óleo sobre tabla, 56.8 x 44.0 cm) Dominio público

 

Jacopo Robusti (también conocido como Tintoretto)

Jacopo Robusti (aka Tintoretto) (1518-1594), un artista veneciano, fue uno de los grandes pintores manieristas italianos del Renacimiento. Tintoretto asistió a la escuela veneciana de arte y fue influenciado por Miguel Ángel, Vasari y Giorgione cuando pintó (1.2.2.38) Gloria del Paradiso. El estilo de pintura de Tintoretto es figuras excesivamente musculosas, gestos dramáticos y su audaz uso de la perspectiva. [23] Su obra de arte cantando, Paradiso, es la culminación de la obra de su vida, la mayor pintura sobre lienzo.

La pintura eclidia la galería central Palacio Ducal en Venecia y representa una escena del cielo religioso. El centro de la pintura retrata a un arcángel radiante que abre los cielos empíreos para que las almas asciendan. Más de 500 figuras dominan la escena, centrándose directamente en María como Reina del Cielo y su hijo, Jesús. Las dos figuras reinantes están flanqueadas por arcángeles, Miguel manejando la balanza de la justicia y Gabriel portando lirios. [24] La armonía de las esferas celestes barre en general arcos de figuras santas a través del muro, dando derecho al Dux de Venecia a tener la máxima autoridad del cielo.

El Paradiso se sometió a una restauración en la década de 1980, enrollando el lienzo y transportándolo a un laboratorio de conservación. La limpieza de la pintura duró tres años, y la belleza que Tintoretto pintó hace 500 años se muestra tan brillante como entonces.

 

Figura\(\PageIndex{38}\): Gloria del Paradiso (1588, óleo sobre lienzo, 22.6 x 9.1 m) Dominio público

 

 

Pieter Bruegel el Viejo

Pieter Bruegel el Viejo (1525—1569) fue el artista más significativo del Renacimiento del Norte, pintando un gran género de paisajes y escenas campesinas. La obra nos da un vistazo a la vida de la gente común, a diferencia de los retratos religiosos de reyes que hemos visto hasta la fecha. Viajó a Italia para estudiar pintura durante tres años y luego vivió en Amberes por el resto de su corta vida. Amberes presentó a Bruegel como un recurso abundante para la pintura, a menudo en un entorno paisajístico. Fue un maestro de la perspectiva y las visiones de largo alcance de muchas personas y animales. Las vívidas representaciones de la vida del pueblo incluían la agricultura, la cosecha, los festivales, las bodas y otras características sociales del ^siglo XVI.

El baile de la boda (1.2.2.39) ilustra a 125 invitados a la boda. Durante el ^siglo XVI, la novia, bailando con su padre, vestía de negro, y los hombres vestían portabebales. Los colores brillantes de la mejor ropa de la gente del pueblo unifican a los bailarines en la pista de baile de hierba verde musgo. El baile lúdico simbolizaba la fertilidad, aunque en contra de las reglas religiosas y considerado como un mal social y parte de una serie de los Siete Pecados Capitales. [25] Una pintura colorida y realista da un vistazo a la vida en Amberes.

 

Figura\(\PageIndex{39}\): Baile nupcial al aire libre (1566, óleo sobre tabla, 119.4 x 157.5 cm) Dominio público

The Harvester (1.2.2.40) es un género de la vida cotidiana, y somos transportados directamente a un día de verano en los Países Bajos. El paisaje comienza en el primer plano derecho, con cosechadoras que consumen la comida del mediodía debajo del dosel de un árbol mientras otros están balanceando la hoz. La perspectiva viaja por la colina hacia el mar en la distancia lejana. El profundo amarillo otoñal del heno llena la mitad inferior de la pintura mientras que el cielo domina el tercio superior.

Figura\(\PageIndex{40}\): Los Cosechadores (1565, óleo sobre madera, 119 x 152 cm) Dominio Público

 

El movimiento renacentista inspiró a los artistas a crear de nuevas formas utilizando diferentes métodos, conceptos y materiales. La perspectiva lineal se hizo importante con el retroceso de las líneas paralelas para crear movimiento, una ilusión de espacio tridimensional sobre una hoja de papel o pintura. Cuando estaba diseñando la cúpula para el Duomo de Florencia, Filippo Brunelleschi desarrolló una metodología para dibujar sus planos y demostrar perspectiva. Miguel Ángel utilizó magistralmente el escorzo para crear perspectiva exagerando la parte del objeto más cercana al espectador. El David de Miguel Ángel es un excelente ejemplo de cómo utilizó el escorzo.

La era del Renacimiento fue uno de los períodos más críticos en Europa para desarrollar la conciencia humana, el individualismo y la autoconciencia, un audaz contraste con la Edad Media que dominó Europa durante siglos. El Renacimiento inició la conversación sobre ciencia, arte, matemáticas, ingeniería y avance cultural. Fue un periodo de rejuvenecimiento de la antigüedad, época en la que la innovación dirigía el movimiento artístico.

El Renacimiento toleró que una minoría de mujeres fueran aprendizadas como artistas consumadas. Las mujeres artistas podían aceptar encargos por sus pinturas cuando las mujeres eran propiedad de sus padres o de su esposo. Las pinturas descubiertas hoy están siendo acreditadas a algunas mujeres artistas conocidas, dándoles finalmente la correcta atribución. En general, el Renacimiento en Europa agregó realismo como con el David de Miguel Ángel, profundidad como con la Trinidad de Masaccio, emoción como en la Última Cena de Suor Plautilla Nelli, todas innumerables piezas de arte que somos providenciales para ver hoy.

 

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[14] Manso, H. (2010). Filippo Brunelleschi. Grove Art en línea. dio:10.1093/GAO/9781884446054.Artículo. , T011773.

[15] Rey, R. (2000). Cúpula de Brunelleschi. (p. 5) Penguin Putman Publishing.

[16] Rey, R. (2000). Cúpula de Brunelleschi. Cubierta. Penguin Putman Publishing.

[17] Ermengem, Kristiaan Van. “Duomo di Firenze, Florencia”. Una visión de las ciudades. Recuperado 5 de febrero 2016.

[18] Needham, J. (1994). La ciencia y civilización más cortas en China. Prensa de la Universidad de Cambridge (4) (p. 14)

[19] Adams, L. (2001). Arte renacentista italiano. Prensa Westview. (p. 90).

[20] Zollner, F. (2000). Leonardo. Editorial Taschen. (p. 50).

[21] Vasari, G,. Las vidas de los artistas, Oxford University Press; Edición de reedición (2008), p. 424.

[22] Dekker, E. & Lippincott, K. (1999). Los instrumentos científicos en los Embajadores de Holbein: Un reexamen. Revista de los Institutos Warburg y Courtauld. El Instituto Warburg. (62) (93—125).

[23] Zuffi, S. (2004). Mil años de pintura, Milán, Italia. Electa. (p. 427).

[24] El paraíso de Jacopo y Domenico Tintoretto en el Plazzo Ducale. Recuperado de: https://www.savevenice.org/project/j...retto-paradise

[25] Quist, R. (2004). El tema de la música en las escenas de banquetes del Renacimiento Norte. (p. 166).