1.3: Manierismo (1520 a 1590 CE)
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Maniera en italiano era un nuevo estilo, Manierismo, pasando de las versiones clásicas del Renacimiento, aportando imágenes menos enfocadas en la belleza del equilibrio y la simetría perfecta a rasgos alargados con figuras expresivas e inusualmente posicionadas. En lugar de una representación idealizada y armoniosa, los artistas del Manierismo utilizaron disonancia, desequilibrio y figuras ambiguas. El estilo comenzó en Florencia y Roma y se trasladó por toda Italia, una posición contraria al estilo formal y al idealismo definido por los artistas renacentistas y se trasladó a un posicionamiento inusual o ideado en extrañas yuxtaposiciones. Los colores se colocaron en lugares extraños utilizando la luz para definir el contraste exagerado. Algunos de los pintores renacentistas posteriores exhibieron estilos manierismo en El juicio final de Miguel Ángel con personajes extrañamente musculosos en posiciones torturadas. El estilo del manierismo se encontró tanto en esculturas como en pinturas con poses y detalles complejos.
El arte renacentista se basaba en proporciones perfectas y simetría, ideas clásicas de belleza. Una pintura en el Renacimiento estaba fundamentada y centrada, las figuras dispuestas en posiciones perfectas, casi idealizadas. Las pinturas de manierismo a menudo estaban descentradas y los puntos focales se centraban en lugares inusuales e inesperados. Las imágenes a menudo estaban desequilibradas y disonantes, retorcidas o extendidas. Una comparación de imágenes similares del Renacimiento y el Manierismo proporciona el contraste entre los períodos.
Tanto Da Vinci (1452—1519) como Tintoretto (ca. 1518-1594) pintaron las imágenes de la Última Cena; Da Vinci (1.3.2) como pintor clásico renacentista, cada figura colocada en perfecto posicionamiento, proporcionando la ventana la posición central detrás de la figura de Cristo. Cada lado se equilibró en planos horizontal y vertical. Las túnicas de colores se movían por el centro de la pintura; solo se retrató a las personas prominentes de la historia. Tintoretto (1.3.1) pintado al estilo del manierismo, la primera diferencia notable es el número de personas en la pintura, incluidos los ángeles volando por la parte superior. La figura de Cristo tiene una luz a su alrededor. A pesar de que se le coloca en medio del cuadro, las figuras del lado izquierdo son más prominentes y parecen desequilibrar el centro. La mesa también se coloca en diagonal, moviendo el ojo en lugar de la mesa estructurada plana en la versión Da Vinci. La mujer en primer plano con el vaso grande tiene una pose exagerada, apareciendo lista para lanzar el cuenco. Las figuras en la pintura de Tintoretto aparecen en movimiento caótico en lugar de movimiento plano, estático y predecible como Da Vinci. La luz en la versión de Da Vinci viene de afuera, mientras que se desconoce la luz en la de Tintoretto. La pequeña lámpara de gas en la parte superior se ilumina hacia arriba; sin embargo, la mesa y el dorso de algunas figuras tienen una fuente de luz antinatural.
El cuadro de Rafael (1483-1520) de El entierro (1.3.3) muestra las proporciones clásicas del Renacimiento; cada figura es de tamaño perfecto y en posición para ayudar a la figura de Cristo, o la entristecida María, su madre. La escena se centra en cada figura frente al sujeto al que están asistiendo con la figura de Cristo diagonalmente a través de la pintura. El cielo claro cae, ayudando a centrar las imágenes con cinco cabezas a cada lado de la pintura. Los colores de las figuras y su vestimenta reflejan el estándar del período renacentista.
El cuadro de La deposición de la cruz (1.3.4) de Pontormo (1494-1557) demuestra la ruptura con respecto a los estándares anteriores; las figuras están extrañamente posicionadas, y cada una mira diferentes eventos; incluso la figura de Cristo tiene una posición inusual para alguien fallecido. Las cabezas de las figuras son de tamaño insuficiente con posicionamiento discordante, cuellos demasiado largos o proporciones inusuales para sus cuerpos. Pontormo utilizó colores brillantes al azar, sin presentar punto focal, un remolino de ropa rosa y azul en toda la pintura con una túnica verde en la figura en la parte superior y la extraña ropa amarilla con piel rosa brillante en la figura en la parte inferior. Con las figuras retorciéndose en diferentes posiciones, la figura de Cristo se funde en la pintura en lugar de convertirse en un punto focal.
Madonna Colonna de Rafael (1.3.5) retrata la posición clásica de la idealizada Madonna renacentista mirando amorosamente al niño en su regazo. El cuadro tiene el color cielo estándar detrás de la madre llevando las figuras al primer plano con colores contrastantes de piel y ropa. En lugar de distribuir sus figuras en pares iguales a ambos lados de la Virgen, abarrotó a una multitud empujadora de ángeles en una esquina estrecha y dejó el otro lado bien abierto para mostrar la figura alta del profeta, tan reducida de tamaño a través de la distancia que apenas alcanza la rodilla de la Virgen. No puede haber duda, entonces, de que si esto es locura hay método en ella. El pintor quería ser poco ortodoxo. Quería demostrar que la solución clásica de perfecta armonía no es la única solución concebible... Parmigianino y todos los artistas de su tiempo que buscaron deliberadamente crear algo nuevo e inesperado, incluso a costa de la belleza 'natural' establecida por los grandes maestros, fueron quizás los primeros artistas 'modernos'. [1]
El cuadro de Parmigianino (1503-1540) de la Virgen con Cuello Largo (1.3.6) presenta una imagen diferente; los colores son oscuros y malhumorados, el niño sentado en el regazo de la Virgen tiene un cuerpo alargado y coloración de la piel que se asemeja a la muerte. La Madonna tiene un cuello largo que sostiene una cabeza proporcionalmente más pequeña. Detrás de ella hay una pequeña figura de pie junto a una columna, ambas imágenes poco convencionales en la pintura más grande.
Rosso Fiorentino
Uno de los pintores más destacados de Florencia, Rosso Fiorentino (1495 — 1540), fue instrumental en el desarrollo de las imágenes expresivas que se encuentran en las pinturas del Manierismo, incluyendo sus notables obras religiosas. Fue a Roma, al norte de Italia y Francia, donde influyó en el estilo francés y fue uno de los pintores más viajados de la época. Su obra sobredimensionada pintada con óleo sobre tabla, Descenso de la Cruz (1.3.7), es una inmensa altura de 375 cm con once figuras, todas esforzadas y retorcidas en el dolor. La imagen de Cristo se mezcla con el resto de las imágenes, ya no el punto focal como en la mayoría de las pinturas de crucifixión, sólo una de las figuras involucradas para sacarlo de la cruz.
En la parte superior de la pintura se encuentran los hombres musculosos esforzados tratando de determinar cómo sacar la figura de manera segura al suelo, todos ellos extrañamente equilibrados y ligeramente distorsionados en sus esfuerzos. “La luz no es una iluminación normal...: la escena está encendida como por un rayo, y en el destello cegador las figuras se congelan en sus actitudes e incluso en sus pensamientos, mientras que el gran cuerpo flameado del Cristo muerto, verde lípido con pelo y barba rojizos, cuelga peligrosamente mientras su peso muerto casi se desliza de las manos de los hombres que se esforzan en las escaleras”. [2] Las mujeres en el suelo esperan su Descenso, demostrando su dolor. El cuadro se equilibra a través del centro con la cruz y una escalera a cada lado y ropa naranja brillante en las figuras en la parte superior e inferior, haciendo que los pies de la imagen de Cristo balanceándose en la pequeña plataforma aparezcan para crear el punto focal.
Lavinia Fontana
Lavinia Fontana (1552-1614) fue considerada una pintora manierista boloñesa que trabajaba en Bolonia y Roma. Aprendió a pintar de su padre (Próspero Fontana), profesor de arte en la Escuela de Bolonia. Fontana es considerada como la primera artista femenina de su carrera en Europa occidental ya que confiaba en comisiones para sus ingresos [3] mientras su esposo criaba a sus once hijos. Incluso hizo que su esposo firmara un prenupcial declarando que seguiría pintando y viviendo en su casa familiar. Mientras sus homólogos pintaban en escenarios de corte o conventos, Fontana compitió con contemporáneos masculinos en el mercado abierto, allanando el camino para otras artistas femeninas. [4] Fue considerada la primera mujer que trabajó como artista de la misma manera que otros grandes artistas masculinos, operando su estudio, asistiendo a escuelas, trabajando en encargos y pintando en diversos géneros. Era común que las artistas femeninas pintaran retratos, especialmente de otras hembras, y Fontana hacía muchos retratos. Aún así, llegó mucho más allá de la práctica estándar y pintó obras significativas con temas mitológicos o religiosos, incluso agregando hembras desnudas, una imagen inaudita para una pintora. Durante su vida, tuvo once hijos, obtuvo el doctorado en la Universidad de Bolonia, fue admitida en la academia, se hizo famosa, y fue comisionada por el papa para pintar imágenes para su corte.
Fontana pintó aproximadamente 110 pinturas, incluyendo 23 retablos alrededor del norte de Italia. Apoyar a su familia fue un logro poco común; sin embargo, contó con la ayuda de su ciudad natal, Bolonia. La ciudad albergaba una academia liberalizadora, una organización política poco común y un patrocinio artístico diverso de la clase media, apoyando a las mujeres artistas. [5] Bolonia era más una ciudad democrática dirigida por un senado diverso que quería condescender a artistas. Las mujeres tenían acceso a la educación en una universidad ubicada en la localidad, de la cual Fontana era alumna.
Fontana era bien conocida por sus retratos detallados de mujeres, particularmente exitosos pintando encajes y joyas y las imágenes a menudo difíciles de las manos. Se desconoce el tema de Dama con Perro (1.3.8); sin embargo, el foco de la pintura fue la exhibición de la riqueza y cualidades de una buena esposa. Ella se sienta con su perro, símbolo de fidelidad, y su ropa elaborada y detallada representa a una esposa adinerada. Los hombres fueron retratados como estadistas, líderes militares, o en otros campos; una mujer sólo podía exhibir su ropa como logro.
Una de las pinturas insólitas de Fontana fue Retrato de la familia Gozzadini (1.3.9), obra encargada por la mujer de la falda roja. A pesar de que hay cinco personas en el cuadro, dos de las personas, su padre y su hermana fallecidos, fueron incluidos en el retrato. Las dos figuras en pie eran su esposo y su cuñado, los ejecutores del patrimonio de su padre, herencia que esperaba obtener. Ambas mujeres están vistiendo la exquisita ropa Fontana es conocida por pintar con gran detalle. Sobre la mesa está el perro requerido demostrando la fidelidad de la esposa.
Cristo con los símbolos de la pasión (1.3.10) muestra el estilo manierismo de Fontana; figuras retorcidas se amontonan alrededor del Cristo sobredimensionado. La influencia del reciente periodo renacentista se refleja en el fondo del paisaje, parte específica de una pintura renacentista. El cielo está desplazado en lugar de en el centro. Las cabezas de cada imagen son pequeñas y desproporcionadas con los cuerpos. La pintura del panel es pequeña, única y generalmente se usaría para devoción privada.
Según la Iglesia Católica, de los 23 retablos que Fontana pintó, la Assunzione della Vergine (1.3.11) es una escena clásica de la ascensión. Una Virgen María alegórica se eleva entre la tierra y el cielo, ascendiendo a las manos de Dios vestida con la típica túnica roja y las túnicas de color azul oscuro. El cielo azul da paso al aura resplandeciente del cielo arriba mientras varios Putti (ángeles) la guían hasta el paraíso. Fontana se mudó a Roma por invitación del Papa Clemente VIII, y su carrera se disparó. Recibió numerosos premios, honores y fue elegida miembro de la Accademia di San Luca de Roma.
Giuseppe Arcimboldo
Aunque Giuseppe Arcimboldo (1526-1593) pintó los temas religiosos habituales, sus imágenes de la cabeza humana formada a partir de la generosidad de la naturaleza fueron populares entre sus contemporáneos y todavía son conocidas hoy en día. Era de Milán y se convirtió en pintor de corte, siguiendo originalmente los principios del Renacimiento hasta adoptar las técnicas del manierismo. Para el emperador Maximiliano II, pintó las Cuatro Estaciones, cuadros de cabezas de perfil. Maximiliano se centró en la ciencia y creó jardines botánicos, cultivando plantas inusuales, temas a disposición de Arcimboldo para pintar.
Cualquiera que mire por primera vez las cabezas compuestas de Arcimboldo se siente sorprendido, sobresaltado y desconcertado; nuestra mirada se mueve de un lado a otro entre la forma humana general y la riqueza de los detalles individuales... Cualquier transformación o manipulación del rostro humano llama la atención, pero el efecto se acentúa cuando nos enfrentamos a monstruos donde, en lugar de ojos, bocas, narices y mejillas, encontramos flores o cerezas, guisantes, pepinos, melocotones, ramas rotas y mucho más. [6] Se cree que el invierno (1.3.12) es el más expresivo, con el tronco retorcido de un árbol y ramas rotas en la cara. Una naranja y un limón cuelgan frente a su pecho, una de las pocas frutas disponibles en invierno.
