7.4: Breve historia

El gran barrido del primer siglo del jazz suele dividirse libremente en cinco períodos generales:

1. Los orígenes de la música y el surgimiento de sus primeros maestros.
2. La llamada “Era del Swing” cuando la música era la música popular de Estados Unidos (y también de gran parte del mundo).
3. El surgimiento del bebop a principios de la década de 1940.
4. El movimiento vanguardista de finales de los cincuenta y principios de los sesenta.
5. El movimiento de “fusión” de la década de 1970 y más allá, en el que el jazz absorbió influencias de una variedad de otras tradiciones musicales, entre ellas el rock.

Sin embargo, aunque es necesaria cierta categorización para dar sentido al camino único y fascinante de esta música a través de la historia, tales clasificaciones deben usarse con cuidado, ya que un estilo más nuevo no necesariamente reemplaza a uno más antiguo. Es posible, de hecho, escuchar prácticamente cualquier estilo de jazz que se toca en el siglo ^XXI; algunos músicos miran hacia atrás a la obra de artistas anteriores, mientras que otros continúan empujando la música a nuevos reinos, a menudo absorbiendo elementos de otros géneros (incluyendo la música mundial y el hip-hop) a lo largo del manera.

Jazz Temprano

Aunque a menudo se promociona a Nueva Orleans como “El lugar de nacimiento del jazz”, en realidad es imposible limitar la aparición de la música a una sola ubicación geográfica. Es claro que las tradiciones de la música vernácula que se alimentarían del jazz emergente se estaban desarrollando en todo el país a principios del ^siglo XIX. Sin embargo, Nueva Orleans suministró un estilo distintivo de jazz, y la mayoría de los mejores practicantes tempranos de la música (Louis Armstrong, Sidney Bechet, Ferdinand “Jelly Roll” Morton y otros) vinieron de este vibrante crisol cultural, donde blues, música clásica, ragtime, música de iglesia y otras tradiciones combinados para ayudar a crear la música irresistible, en gran parte improvisada, que arrasó al país en la década de 1920. Las primeras grabaciones de jazz fueron realizadas en realidad en Nueva York en 1917 por un grupo blanco, The Original Dixieland Jazz Band, un conjunto formado por italianos americanos de Nueva Orleans, pero el verdadero nacimiento de la grabación de jazz suele remontarse a las magníficas grabaciones realizadas en 1923 por King Oliver y His Creole Jazz Banda, en la que Armstrong tocó segunda corneta al plomo de Oliver. Al unirse a la migración de muchos afroamericanos a ciudades del norte durante la llamada “Gran Migración” del Sur a finales de la adolescencia y principios de la década de 1920, Oliver, Armstrong, Morton y muchos otros músicos construyeron carreras en Chicago, donde floreció la música y algunas de las primeras obras maestras de Armstrong y Se registraron Morton. Muchas de estas representaciones incluyen lo que se ha conocido como “improvisación colectiva” —todo el mundo parece improvisar simultáneamente en una textura densamente polifónica— aunque ahora sabemos que una cantidad considerable de planeación entró en estas “improvisaciones”. Armstrong, sin embargo, en parte con el aliento de su esposa Lillian Hardin Armstrong, pronto emergió como uno de los más grandes músicos del país, y desde sus grabaciones pioneras de mediados y finales de la década de 1920, el jazz ha sido considerado en gran parte (correcta o erróneamente) un arte que celebra al virtuoso solista.

La Era del Swing

En la década de 1930, la ciudad de Nueva York se convirtió en el centro de la actividad del jazz, ya que ha permanecido hasta nuestros días. Además, en parte debido a la enorme demanda de música dance (el país estaba en medio de la Depresión y la danza —junto con las películas— proporcionaba un escape de las sombrías realidades de la vida cotidiana) y los importantes recintos en los que se reservaban músicos de jazz, las bandas de jazz se hicieron más grandes, a menudo con enteros secciones de caña e instrumentos de metal. Además, el saxofón —considerado en gran parte un instrumento de broma en la década de 1920— surgió como el instrumento de jazz por excelencia (quizás por su versatilidad y similitud con la voz humana). Esta fue la época de la big band de jazz, y de grupos como los dirigidos por Duke Ellington, Benny Goodman y Count Basie. También fue el apogeo del arreglista de jazz, quien asumió la responsabilidad de diseñar partes específicas para los miembros de la banda (muchas veces en notación) así como incorporar la improvisación, porque la creación colectiva de música ya no era factible en un grupo de 15 o más músicos. Muchos de los mayores solistas de la época —los saxofonistas Coleman Hawkins, Lester Young, Johnny Hodges y Ben Webster, los clarinetistas Goodman y Artie Shaw, los trompetistas Roy Eldridge, Red Allen y Cootie Williams (así como Armstrong, por supuesto )— tocaron con estas grandes bandas. Big band jazz barrió la nación, convirtiéndose en el tipo de música dance más popular de la escena, y resultando en la creación de miles de discos. Además, la radio, que había comenzado a tener un impacto en la cultura estadounidense en la década de 1920, explotó en uno de los medios de comunicación más importantes del país.

Bebop

En gran parte debido a las dificultades financieras provocadas por la Segunda Guerra Mundial, la popularidad y viabilidad económica del jazz de big band comenzaron a disminuir en la década de 1940. Pero una gran cantidad de jóvenes músicos ya habían comenzado a experimentar con nuevos enfoques de la música, ya sea por aburrimiento, una sensación de que los músicos afroamericanos estaban siendo explotados en grandes bandas, o simplemente la tendencia natural de las mentes creativas a evolucionar. Estos desarrollos fueron en gran parte indocumentados, ya que a menudo se llevaban a cabo en sesiones improvisadas nocturnas e informales. Además, a principios de la década de 1940 la Unión de Músicos pidió la prohibición de todas las grabaciones (en protesta por el hecho de que los músicos no estaban siendo retribuidos por la transmisión de sus discos), por lo que el cambio de mar que se estaba gestando en el jazz quedó en gran parte sin grabar. Sin embargo, para 1945 el trompetista Dizzy Gillespie y el saxofonista alto Charlie “Bird” Parker, junto con los pianistas Thelonious Monk y Bud Powell y los bateristas Max Roach y Kenny Clarke, habían redefinido esencialmente el jazz. Aunque su música, que se conoció como “bebop”, permaneció firmemente arraigada en tradiciones del jazz pasadas, promovieron un regreso a la música de ensambles pequeños y expandieron enormemente las posibilidades armónicas, rítmicas y melódicas del jazz. También parecían sugerir que el jazz se tomara más en serio como una forma de arte, en lugar de música dance (aunque Gillespie comentó una vez, cuando un oyente se quejaba de que no podía bailar para bebop, “¡TÚ no puedes bailar con ello!”). Esta música de la década de 1940 creó la base de casi todo el jazz moderno, y vio una importante separación entre la música y el baile social. Además, la popularidad del jazz comenzó a ser suplantada por los modismos emergentes de R&B y R&R.

La Vanguardia

Los músicos de jazz continuaron explorando el terreno abierto por Parker y Gillespie y otros durante la década de 1950. Algunos crearon música aún más alejada de la música popular y accesible de la década de 1930, mientras que otros intentaron contrarrestar lo que veían como los aspectos más “cerebrales” del bebop tocando música más arraigada en el blues y el gospel. En 1959, un grupo liderado por la saxofonista y compositora Ornette Coleman (que había estado tocando ante un público pequeño y en gran parte hostil de la costa oeste) llevó sus estilos inventivos a Nueva York. La música de Coleman a menudo eliminaba por completo las ideas habituales de improvisar en una melodía o progresión de acordes. La obra de Coleman y sus compatriotas se suele denominar “Free Jazz” (el nombre de un álbum que Coleman grabó en 1960) pero el modismo no era tan flojo como su nombre indica, con frecuencia un centro tonal o motivo que proporciona un importante principio organizador, y un diálogo cercano entre los diversos músicos un característica crucial del efecto general de la música. Sin embargo, la música de Coleman, que también revolucionó los papeles de los diversos instrumentos en el conjunto, fue muy controvertida, al igual que su propio tono instrumental vanguardista, a menudo duro y su técnica idiosincrásica, que algunos vieron como evidencia de una mala formación musical. Algunos músicos rechazaron por completo los nuevos estilos, mientras que otros —sobre todo, quizás, el saxofonista John Coltrane— fueron fuertemente influenciados por ellos. Incluso el trompetista Miles Davis, aunque al parecer no es fanático del jazz vanguardista, parece haber incorporado algunos de sus rasgos en la obra de su famoso quinteto de los sesenta, que contó con el saxofonista Wayne Shorter, el bajista Ron Carter, el baterista Tony Williams y el pianista Herbie Hancock.

Fusión y Jazz-Rock

En 1969 Miles Davis hizo el movimiento altamente polémico de incluir instrumentos eléctricos en sus álbumes In A Silent Way y Bitches Brew, agregando así estructuras rítmicas alineadas con el rock y el soul. Muchos acusaron a Davis de “vender” —de tratar de complacer a los gustos musicales populares de la época— pero aunque Davis estaba ciertamente interesado en expandir su audiencia cada vez menor, también escuchó fascinantes posibilidades en la obra de Sly and the Family Stone, James Brown y Jimi Hendrix. Muchos alumnos de los grupos “eléctricos” de Miles pasaron a formar bandas de fusión propias: la teclista Chick Corea con Return to Forever, Wayne Shorter y el teclista Joe Zawinul con Weather Report, el guitarrista John McLaughlin con The Mahavishnu Orchestra y Herbie Hancock con un grupo que produjo la enorme popular álbum Headhunters en 1973. Aunque muchos críticos se quejaban de que su música “no era jazz”, sí mantenía la improvisación y las conexiones con el blues que siempre había sido parte de la tradición del jazz.

La década de 1980 y más allá

En las últimas tres décadas se ha visto la extensión de muchas de las corrientes de la historia del jazz, así como la promoción del jazz como un arte digno de discurso académico. En la década de 1980, Wynton Marsalis, nacido en Nueva Orleans, él mismo ex alumno del baterista Art Blakey's Jazz Mensajeros, surgió como uno de los voceros más importantes de la música. Aunque ampliamente criticado por muchos como musicalmente conservador, ha hecho mucho por la promoción del jazz en todo el mundo, especialmente en su papel de director del programa de jazz del Lincoln Center. Como siempre lo ha hecho, el arte del jazz sigue evolucionando y reflejando climas políticos y económicos cambiantes, además de absorber otra música que emerge en la era ahora digital.