9.21: Arnold Schoenberg

Arnold Schoenberg nació en Viena. No provenía de una familia musical y fue en gran parte autodidacta en música, aprendiendo el violín y el violonchelo sin beneficio de estudiar con un buen maestro. Su educación formal terminó cuando las circunstancias financieras posteriores a la muerte de su padre lo obligaron a tomar un trabajo como empleado bancario, pero continuó persiguiendo sus intereses en la literatura, la filosofía y la música por su cuenta. Schoenberg se sintió atraído por el fermento que caracterizó los movimientos artísticos e intelectuales alrededor del cambio de siglo y se alió con la vanguardia vienesa. Sus primeras composiciones están claramente en deuda con influencias románticas tardías, pero un estilo más personal, caracterizado por el cromatismo extremo y la complejidad polifónica, surgió en una efusión de obras escritas en sus treinta. Entre 1915 y 1923, Schoenberg dejó de componer, dedicándose a la formulación de su teoría de la composición de doce tonos en la que se basan todas sus obras posteriores a 1923. En 1925 fue nombrado profesor de composición en la Academia de las Artes de Berlín, lo que proporcionó un ambiente de apoyo para el arte experimental. Esta situación cambió radicalmente cuando Hitler llegó al poder en 1933. Schoenberg, vulnerable a la persecución como artista y por su origen judío, emigró con su familia desde Alemania, aterrizando primero en Gran Bretaña y finalmente inmigrando a Estados Unidos. Enseñó en la Universidad de California en Los Ángeles hasta su retiro en 1944, y continuó componiendo hasta su muerte.

Desde la época medieval, la teoría de la música occidental se había basado en el concepto de un centro clave, o tónico, en melodías y armonías, y en la distinción entre consonancia y disonancia en la relación entre voces en la música de dos o más partes. Se trata de principios seminales que forman los fundamentos de la música religiosa del Renacimiento, las fugas y cantatas de Bach, las sinfonías de Beethoven, las óperas de Mozart y Verdi, y otras obras maestras de la música artística occidental. A finales del ^siglo XIX, sin embargo, había un sentido entre los músicos progresistas de que el sistema mayor/menor y los procedimientos compositivos y formas que había producido habían seguido su curso. Fue en esta atmósfera de búsqueda de enfoques alternativos donde Schoenberg ideó una nueva teoría de la composición. Quizás su falta de formación formal en una disciplina donde complejos problemas de forma, contrapunto y armonía, instrumentación y notación han requerido tradicionalmente años de estudio con un maestro lo liberaron para pensar fuera de las convenciones establecidas. En cualquier caso, el “método de composición con doce tonos” de Schoenberg fue una desviación radical de los procedimientos compositivos tradicionales. Central en el método es su idea revolucionaria de que todos los doce tonos en los que se divide la octava en la música occidental deben ser tratados como iguales. En otras palabras, ningún tono dominaría como tónico. La composición de una obra según el método de Schoenberg comienza con la creación de una fila de tonos que contiene los doce tonos. Esta fila es la célula germinal de la que se derivan todos los materiales melódicos, armónicos y contrapuntales. Los principios para configurar una fila de tonos y las complejas formas en que puede manipularse se formulan en los escritos teóricos de Schoenberg. Debido a la ausencia de un centro clave, la música de doce tonos a menudo se llama “atonal”, término al que Schoenberg objetó, o “serie” porque la técnica compositiva implica la manipulación de una fila de tonos, o serie.

Si bien doce tonos describe el procedimiento compositivo de Schoenberg, su estilo se clasifica como expresionista. El expresionismo fue un movimiento de principios del ^siglo XX que buscó revelar a través del arte la realidad irracional, subconsciente y los impulsos primordiales reprimidos postulados y analizados en los escritos de Freud. En lugar de representar impresiones recibidas del mundo exterior, pintores como Wassily Kandinsky, Oskar Kokoschka, Edvard Munch y Max Beckmann, y escritores como August Strindberg, Frank Wedekind, Stefan George y Franz Kafka exploraron las imágenes sombrías y distorsionadas, las visiones alucinatorias e irracionales terrores del subconsciente. Histeria, aislamiento y alienación, lo grotesco y macabro fueron temas favoritos de los artistas expresionistas. El propio Schoenberg empezó a pintar en 1908 y, a lo largo de su vida, creó cuadros imaginativamente intensos aunque técnicamente aficionados, entre ellos varios autorretratos. En la música de Schoenberg y otros compositores expresionistas, la implacable intensidad emocional es atribuible a líneas melódicas dentadas y altamente disjuntas; instrumentos en rangos extremos; tensión no resuelta mediante la evitación de sonoridades consonantes; textos que tratan sobre violencia y comportamiento anormal; y exageración y distorsión de los acentos naturales del habla.

Schoenberg aplicó la técnica de doce tonos a cada tipo de género al que contribuyó: ópera; vocal coral y solista; orquestal, cámara y teclado. Su música, nunca de fácil acceso ni fácil de escuchar, siempre ha despertado polémica, incluso hostilidad, tanto por motivos estéticos como intelectuales. Se sintió atraído por temas y formas de expresión que resonaban con un devoto, aunque pequeño, seguidores, y nunca buscó entretener ni ganar popularidad con un público amplio. En sus propias palabras:

Hay relativamente pocas personas que son capaces de entender, puramente musicalmente, lo que la música tiene que decir. Tales oyentes entrenados probablemente nunca han sido muy numerosos, pero eso no impide que el artista cree solo para ellos. El gran arte presupone la mente alerta del oyente educado.