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Lectura seleccionada
Las artes visuales son formas artísticas como la cerámica, el dibujo, la pintura, la escultura, el grabado, el diseño, la artesanía, la fotografía, el video, el cine y la arquitectura (UVA, n.d.). Muchas disciplinas artísticas (artes escénicas, arte conceptual, artes textiles) involucran aspectos de las artes visuales así como artes de otro tipo. Las artes visuales son para fines visuales en la naturaleza; sin embargo, las artes visuales también incluyen artes aplicadas como el diseño industrial, diseño gráfico, diseño de moda, diseño de interiores, arte decorativo, caligrafía, diseño de joyas y artesanía en madera (Las diferentes formas de arte, n.d.). En este capítulo se exploran las siguientes formas de artes visuales: dibujo, pintura, grabado, caligrafía, fotografía, realización cinematográfica, arte por computadora y escultura.
Dibujo
El dibujo es un medio para hacer una imagen, utilizando cualquiera de una amplia variedad de herramientas y técnicas. Generalmente implica hacer marcas en una superficie aplicando presión de una herramienta o moviendo una herramienta a través de una superficie usando medios secos como lápices de grafito, pluma y tinta, pinceles entintados, lápices de colores de cera, crayones, carbones, pasteles y marcadores. También se utilizan herramientas digitales que simulan los efectos de estas. Las principales técnicas utilizadas en el dibujo son: dibujo lineal, rayado, rayado, rayado aleatorio, garabato, punteado y mezcla. Un artista que sobresale en el dibujo es referido como dibujante o dibujante.
El dibujo se remonta al menos a 16.000 años a representaciones rupestres paleolíticas de animales como los de Lascaux en Francia y Altamira en España. En el antiguo Egipto, los dibujos a tinta sobre papiro, que a menudo representaban a personas, se usaban como modelos para la pintura o escultura. Dibujos sobre jarrones griegos, inicialmente geométricos, posteriormente desarrollados a la forma humana con alfarería de figuras negras durante el siglo VII a.C. (History of Drawing, n.d.). Con el papel llegando a ser común en Europa en el siglo XV, el dibujo fue adoptado por maestros como Sandro Botticelli, Rafael, Miguel Ángel y Leonardo da Vinci que a veces trataban el dibujo como un arte por derecho propio y no como una etapa preparatoria para la pintura o la escultura (Dibujo, n.d.).
Pintura
La pintura es la práctica de aplicar pintura, pigmento, color u otro medio sobre una superficie sólida. El medio se aplica comúnmente a la base con un cepillo, pero se pueden usar otros implementos, como cuchillos, esponjas y aerógrafos. La pintura tomada literalmente es la práctica de aplicar pigmento suspendido en un portador (o medio) y un agente aglutinante (un pegamento) a una superficie (soporte) como papel, lienzo o una pared. Sin embargo, cuando se usa en un sentido artístico significa el uso de esta actividad en combinación con el dibujo, la composición u otras consideraciones estéticas para manifestar la intención expresiva y conceptual del practicante.
La pintura también se utiliza para expresar motivos e ideas espirituales. Los sitios de este tipo de pintura van desde obras de arte que representan figuras mitológicas en cerámica hasta La Capilla Sixtina hasta el cuerpo humano mismo. Al igual que el dibujo, la pintura tiene sus orígenes documentados en cuevas y en caras rocosas. Los mejores ejemplos, que algunos creen que tienen 32 mil años de antigüedad, se encuentran en las cuevas de Chauvet y Lascaux en el sur de Francia. En tonos de rojo, marrón, amarillo y negro, las pinturas en las paredes y techos son de bisontes, ganado vacuno, caballos y ciervos.
Pinturas de figuras humanas se pueden encontrar en las tumbas del antiguo Egipto. En el gran templo de Ramsés II, Nefertari, su reina, es representada siendo dirigida por Isis (Historia de la Pintura, n.d.) (Figura 4.1). Los griegos contribuyeron a la pintura pero gran parte de su trabajo se ha perdido. Una de las mejores representaciones restantes son los retratos helenísticos de la momia Fayum. Otro ejemplo es el mosaico de la batalla de Issus en Pompeya (Figura 4.2), que probablemente se basó en una pintura griega. El arte griego y romano contribuyeron al arte bizantino en el siglo IV a.C., que inició una tradición en la pintura de iconos.
La pintura y pintores renacentistas
Aparte de los manuscritos iluminados producidos por los monjes durante la Edad Media, la siguiente contribución significativa al arte europeo fue de pintores renacentistas italianos. Desde Giotto en el siglo XIII hasta Leonardo da Vinci y Rafael a principios del siglo XVI, este fue el período más rico en el arte italiano ya que se utilizaron las técnicas de claroscuro para crear la ilusión del espacio 3-D (Pintura en el arte renacentista, n. d) (Figura 4.3). Los pintores del norte de Europa también fueron influenciados por la escuela italiana. Jan van Eyck de Bélgica, Pieter Bruegel the Elder de los Países Bajos y Hans Holbein the Younger de Alemania se encuentran entre los pintores más exitosos de la época. Utilizaron la técnica de acristalamiento con aceites para lograr profundidad y luminosidad.
El siglo XVII fue testigo del surgimiento de los grandes maestros holandeses como el versátil Rembrandt que fue especialmente recordado por sus retratos y escenas bíblicas, y Vermeer que se especializó en escenas interiores de la vida holandesa (Figura 4.4).
El barroco comenzó después del Renacimiento, desde finales del siglo XVI hasta finales del siglo XVII. Entre los principales artistas del Barroco figuraban Caravaggio, quien hacía un fuerte uso del tenebrismo. Peter Paul Rubens fue un pintor flamenco que estudió en Italia, trabajó para iglesias locales en Amberes y también pintó una serie para Marie de' Medici. Annibale Carracci tomó influencias de la Capilla Sixtina y creó el género de la pintura ilusionista en el techo. Gran parte del desarrollo que ocurrió en el Barroco se debió a la Reforma Protestante y a la Contrarreforma resultante. Gran parte de lo que define el barroco es la iluminación dramática y las imágenes generales (Hills, 2011).
Pinturas Impresionistas
El impresionismo comenzó en Francia en el siglo XIX con una asociación floja de artistas como Claude Monet (Figura 4.5), Pierre-Auguste Renoir y Paul Cézanne, quienes aportaron un nuevo estilo libremente cepillado a la pintura, a menudo eligiendo pintar escenas realistas de la vida moderna afuera en lugar de en el estudio. Esto se logró a través de una nueva expresión de rasgos estéticos demostrados por las pinceladas y la impresión de la realidad. Lograron una intensa vibración de color mediante el uso de colores puros, sin mezclar y pinceladas cortas. El movimiento influyó en el arte como dinámica, moviéndose a través del tiempo y ajustándose a las nuevas técnicas encontradas y a la percepción del arte. La atención al detalle se volvió menos prioritaria para lograr, al tiempo que exploraba una visión sesgada de los paisajes y la naturaleza al ojo de los artistas (Impresionismo, n.d.; Impresionismo en las Artes Visuales, n.d.).
Pinturas Post-Impresionista
Pinturas de Simbolismo, Expresionismo y Cubismo
Edvard Munch, un artista noruego, desarrolló su enfoque simbólico a finales del siglo XIX, inspirado en el impresionista francés Manet. El grito (1893), su obra más famosa, es ampliamente interpretada como una representación de la ansiedad universal del hombre moderno. En parte como resultado de la influencia de Munch, el movimiento expresionista alemán se originó en Alemania a principios del siglo XX cuando artistas como Ernst Kirschner y Erich Heckel comenzaron a distorsionar la realidad por un efecto emocional. Paralelamente, el estilo conocido como cubismo se desarrolló en Francia como artistas enfocados en el volumen y espacio de estructuras afiladas dentro de una composición. Pablo Picasso y Georges Braque fueron los principales defensores del movimiento. Los objetos se rompen, analizan y vuelven a ensamblar en forma abstracta. Para la década de 1920, el estilo se había convertido en surrealismo con Dalí y Magritte (Modern Art Movements, n.d.).
Grabado
El grabado es crear, con fines artísticos, una imagen sobre una matriz que luego se transfiere a una superficie bidimensionales (plana) por medio de tinta (u otra forma de pigmentación). Excepto en el caso de un monotipo, se puede utilizar la misma matriz para producir muchos ejemplos de la impresión.
Históricamente, las principales técnicas (también llamadas medios) involucradas son la xilografía, el grabado lineal, el grabado, la litografía y la serigrafía (serigrafía, serigrafía) pero hay muchas otras, incluidas las técnicas digitales modernas. Normalmente, la impresión se imprime en papel, pero otros medios van desde tela y vitela hasta materiales más modernos. Las principales tradiciones de grabado incluyen la de Japón (ukiyo-e). Los grabados en la tradición occidental producidos antes de 1830 se conocen como grabados antiguos maestros. En Europa, desde alrededor del 1400 d.C., se utilizó para impresiones maestras sobre papel mediante técnicas de impresión desarrolladas en los mundos bizantino e islámico. Michael Wolgemut mejoró la xilografía alemana desde aproximadamente 1475, y Erhard Reuwich, un holandés, fue el primero en usar la eclosión cruzada. A finales de siglo, Albrecht Durero llevó la xilografía occidental a una etapa que nunca ha sido superada, aumentando el estatus de la xilografía de una sola hoja (La imagen impresa en Occidente, n.d.).
En China, el arte del grabado se desarrolló hace unos 1.100 años como ilustraciones junto con texto cortado en bloques de madera para impresión sobre papel (Figura 4.8). Inicialmente las imágenes eran principalmente religiosas pero en la dinastía Song, los artistas comenzaron a cortar paisajes. Durante las dinastías Ming (1368-1644) y Qing (1616-1911), la técnica se perfeccionó tanto para grabados religiosos como artísticos (La historia del grabado en China, n.d.) (Figura 4.9).
La impresión en madera en Japón (japonés:, moku hanga) es una técnica mejor conocida por su uso en el género artístico ukiyo-e; sin embargo, también se utilizó muy ampliamente para imprimir libros en el mismo período. La impresión en madera se había utilizado en China durante siglos para imprimir libros, mucho antes de la llegada del tipo móvil, pero solo fue ampliamente adoptada en Japón sorprendentemente tarde, durante el período Edo (1603-1867). Aunque similar a la xilografía en el grabado occidental en algunos aspectos, el moku hanga difiere mucho en que se utilizan tintas a base de agua (a diferencia de la xilografía occidental, que utiliza tintas a base de aceite), lo que permite una amplia gama de colores vivos, esmaltes y transparencia de color (Figura 4.10).
Caligrafía
La caligrafía es un arte visual relacionado con la escritura. Es el diseño y ejecución de letras con un instrumento de punta ancha, pincel u otros instrumentos de escritura (Mediaville, 1996). Una práctica caligráfica contemporánea puede definirse como “el arte de dar forma a los signos de manera expresiva, armoniosa y hábil” (Mediaville, 1996, p. 18).
La caligrafía moderna abarca desde inscripciones y diseños funcionales hasta obras de bellas artes donde las letras pueden o no ser legibles (Mediaville, 1996). La caligrafía continúa floreciendo en las formas de invitaciones de boda e invitaciones a eventos, diseño de fuentes y tipografía, diseño de logotipos originales con letras a mano, arte religioso, anuncios, diseño gráfico y arte caligráfico encargado, inscripciones en piedra cortada y documentos conmemorativos. También se utiliza para accesorios e imágenes en movimiento para cine y televisión, testimonios, certificados de nacimiento y defunción, mapas y otras obras escritas (Geddes & Dion, 2004; Propfe, 2005).
Las principales herramientas para un calígrafo son la pluma y el pincel. Las plumas de caligrafía (Figura 4.11) escriben con puntas que pueden ser planas, redondas o puntiagudas (Child, 1985; Lamb, 1976; Reaves & Schulte, 2006). Para algunos fines decorativos, se pueden usar plumas de punta múltiple, cepillos de acero. Sin embargo, también se han creado obras con rotuladores y bolígrafos, aunque estos trabajos no emplean líneas angulares. Hay algunos estilos de caligrafía, como la escritura gótica, que requieren una pluma de punta corta.
La tinta de escritura suele ser a base de agua y es mucho menos viscosa que las tintas a base de aceite utilizadas en la impresión. El papel de alta calidad, que tiene buena consistencia de absorción, permite líneas más limpias (Teoría estética, n.d.) aunque a menudo se usa pergamino o vitela, ya que se puede usar un cuchillo para borrar imperfecciones y no se necesita una caja de luz para permitir que las líneas pasen a través de él. Normalmente, las cajas de luz y las plantillas se utilizan para lograr líneas rectas sin que las marcas de lápiz menoscaben la obra. El papel rayado, ya sea para una caja de luz o para uso directo, suele ser rayado cada cuarto o media pulgada, aunque ocasionalmente se utilizan espacios en pulgadas.
La escritura caligráfica con pinceles se encuentra más en la caligrafía de Asia Oriental (Figura 4.12; Figura 4.13). La escritura tradicional de Asia oriental utiliza los Cuatro Tesoros del Estudio (/): los pinceles de tinta conocidos como máob() para escribir caracteres chinos, tinta china, papel de arroz y piedra de entintar, conocidos como los Cuatro Amigos del Estudio (coreano:, translit. ) en Corea. Además de estas cuatro herramientas, también se utilizan almohadillas de escritorio y pisapapeles.
La forma, tamaño, estiramiento y tipo de cabello del pincel de tinta, el color, la densidad de color y la densidad de agua de la tinta, así como la velocidad de absorción de agua del papel y la textura superficial son los principales parámetros físicos que influyen en el resultado final. La técnica del calígrafo también influye en el resultado. El trabajo del calígrafo está influenciado por la cantidad de tinta y agua que deja tomar el pincel, luego por la presión, inclinación y dirección que le da al pincel, produciendo trazos más delgados o audaces, y bordes lisos o dentados. Finalmente, la velocidad, las aceleraciones, las desaceleraciones de los movimientos, giros y ganchillos del escritor, y el orden de trazo dan el “espíritu” a los personajes, al influir en gran medida en sus formas finales.
Fotografía
La fotografía es el proceso de hacer imágenes por medio de la acción de la luz. Los patrones de luz reflejados o emitidos por los objetos se registran en un medio sensible o chip de almacenamiento a través de una exposición cronometrada. El proceso se realiza a través de obturadores mecánicos o exposición cronometrada electrónicamente de fotones en dispositivos de procesamiento químico o digitalización conocidos como cámaras.
La palabra proviene de las palabras griegas φως phos (“luz”), y γραφις graphis (“stylus”, “pincel”) o γραφη graphê, que en conjunto significa “dibujar con luz” o “representación por medio de líneas” o “dibujo”. Tradicionalmente, el producto de la fotografía ha sido llamado fotografía. El término foto es una abreviatura; muchas personas también las llaman fotos. En la fotografía digital, el término imagen ha comenzado a sustituir a fotografía. (El término imagen es tradicional en óptica geométrica.)
Cinematografía
El cine es el proceso de hacer una película cinematográfica, desde una concepción inicial e investigación, pasando por el guion, el rodaje y la grabación, la animación u otros efectos especiales, la edición, el trabajo sonoro y musical y finalmente la distribución a un público; se refiere ampliamente a la creación de todo tipo de películas, que abarca el documental, las cepas del teatro y la literatura en el cine, y las prácticas poéticas o experimentales, y a menudo se utiliza para referirse a procesos basados en video también.
Arte Informático
Los artistas visuales ya no se limitan a los medios de arte tradicionales. Las computadoras se han utilizado como una herramienta cada vez más común en las artes visuales desde la década de 1960. Los usos incluyen la captura o creación de imágenes y formas, la edición de esas imágenes y formas (incluida la exploración de múltiples composiciones) y el renderizado o impresión final (incluida la impresión 3D).
El arte de la computadora es cualquiera en el que las computadoras jugaron un papel en la producción o exhibición. Dicho arte puede ser una imagen, sonido, animación, video, CD-ROM, DVD, videojuego, sitio web, algoritmo, performance o instalación de galería. Muchas disciplinas tradicionales están integrando ahora tecnologías digitales y, como resultado, se han difuminado las líneas entre las obras de arte tradicionales y las obras de nuevos medios creadas con computadoras. Por ejemplo, un artista puede combinar la pintura tradicional con el arte algorítmico y otras técnicas digitales. Como resultado, definir el arte informático por su producto final puede ser difícil. Sin embargo, este tipo de arte comienza a aparecer en las exposiciones de los museos de arte, aunque aún no ha demostrado su legitimidad como forma en sí misma y esta tecnología se ve ampliamente en el arte contemporáneo más como una herramienta que como una forma como ocurre con la pintura.
El uso de la computadora ha difuminado las distinciones entre ilustradores, fotógrafos, editores de fotos, modeladores 3D y artistas artesanales. El sofisticado software de renderizado y edición ha llevado a desarrolladores de imágenes con múltiples habilidades. Los fotógrafos pueden convertirse en artistas digitales. Los ilustradores pueden convertirse en animadores. La artesanía puede ser asistida por computadora o usar imágenes generadas por computadora como plantilla. El uso de imágenes prediseñadas por computadora también ha hecho que la clara distinción entre artes visuales y diseño de página sea menos obvia debido al fácil acceso y edición de imágenes prediseñadas en el proceso de paginación de un documento, especialmente para el observador no calificado.
Escultura
La escultura es una obra de arte tridimensional creada dando forma o combinando material duro o plástico, sonido o texto y/o luz, comúnmente piedra (ya sea roca o mármol), arcilla, metal, vidrio o madera. Algunas esculturas son creadas directamente por hallazgo o tallado; otras son ensambladas, construidas juntas y cocidas, soldadas, moldeadas o fundidas. Las esculturas a menudo se pintan. A una persona que crea esculturas se le llama escultor.
Debido a que la escultura implica el uso de materiales que pueden ser moldeados o modulados, se considera una de las artes plásticas. La mayor parte del arte público es la escultura. Muchas esculturas juntas en un entorno de jardín pueden ser conocidas como un jardín de esculturas.
Los escultores no siempre hacen esculturas a mano. Con la creciente tecnología en el siglo XX y la popularidad del arte conceptual sobre el dominio técnico, más escultores recurrieron a los fabricantes de arte para producir sus obras de arte. Con la fabricación, el artista crea un diseño y paga a un fabricante para que lo produzca. Esto permite a los escultores crear esculturas más grandes y complejas a partir de materiales como cemento, metal y plástico, que no podrían crear a mano. Las esculturas también se pueden hacer con tecnología de impresión 3-D.
Corte de Papel
El corte de papel o corte de papel es el arte de los diseños de papel. El arte ha evolucionado de manera única en todo el mundo para adaptarse a diferentes estilos culturales. Una distinción tradicional que la mayoría de estilos comparten en común es que los diseños se cortan de una sola hoja de papel (Figura 4.14; Figura 4.15; Figura 4.16) a diferencia de múltiples hojas contiguas como en collage.
El corte de papel, Jianzhi (), es un estilo tradicional de corte de papel en China y se originó a partir de patrones de corte para ricos bordados chinos y luego se convirtió en un arte popular en sí mismo. Jianzhi se practica en China desde al menos el siglo VI d.C. Jianzhi tiene una serie de usos distintos en la cultura china, casi todos los cuales son para fines de salud, prosperidad o decoración. El rojo es el color más utilizado. Los esquejes de Jianzhi a menudo tienen un gran énfasis en los caracteres chinos que simbolizan los animales del zodíaco
Figura 4.15. El corte de papel es en un estilo prácticamente idéntico a la forma original del siglo VI.
Aunque el corte de papel es popular en todo el mundo, solo el corte de papel chino fue incluido en las Listas del Patrimonio Cultural Inmaterial de la UNESCO, que fue en 2009 (Chinese Paper Cut, n.d.). El corte de papel chino fue reconocido y catalogado porque tiene una historia de más de 1500 años y representa valores culturales de la gente en toda China.
El corte moderno de papel se ha convertido en una industria comercial. El corte de papel sigue siendo popular en la China contemporánea, especialmente durante eventos especiales como el Año Nuevo Chino o bodas (McCormick & White, 2011, p. 285).
Origami
Origami () de ori que significa “plegado”, y kami que significa “papel” (kami cambia a gami debido al rendaku)) es el arte del plegado de papel, que a menudo se asocia con la cultura japonesa. En el uso moderno, la palabra “origami” se utiliza como término inclusivo para todas las prácticas de plegado, independientemente de su cultura de origen. El objetivo es transformar una hoja plana cuadrada de papel en una escultura terminada a través de técnicas de plegado y escultura. Los practicantes de origami modernos generalmente desalientan el uso de cortes, pegamento o marcas en el papel.
Papel Origami
Casi cualquier material laminar (plano) puede ser utilizado para plegar; el único requisito es que contenga un pliegue. La pequeña cantidad de pliegues básicos de origami se puede combinar de diversas maneras para hacer diseños intrincados. El modelo de origami más conocido es la grúa de papel japonesa (Figura 4.17). En general, estos diseños comienzan con una hoja cuadrada de papel (Figura 4.18) cuyos lados pueden ser de diferentes colores, estampados o patrones. El origami tradicional japonés, que se practica desde el periodo Edo (1603-1867), a menudo ha sido menos estricto sobre estas convenciones, a veces cortando el papel o usando formas no cuadradas para empezar. Los principios del origami también se utilizan en stents, empaques y otras aplicaciones de ingeniería (Merali, 2011).
Figura 4.18. Una grúa y papeles del mismo tamaño utilizados para doblarlo.
Ideas de Integración de las Artes Visuales en el Aula
Integrar las artes visuales en el aula no es tan desalentador como uno podría pensar. Las artes visuales se prestan al aprendizaje naturalista, holístico y auténtico. La integración de las artes visuales no significa integrar el arte por el bien de otra materia, sino integrar el arte por el bien de las artes para mejorar la experiencia de aprendizaje general de los estudiantes (Harris, 2011).
Para comenzar, piense en los fundamentos de las artes visuales como la línea, la forma y el color. Para enseñar el vocabulario palabras de color, se sugiere la siguiente terminología: saturación (la cantidad de intensidad que muestra un color, ya sea muy brillante o tenue), tonalidades (color utilizado en cualquier diseño en cualquier píxel), tono/valor (la cantidad de luminosidad en un color colocado a lo largo de un espectro de negro (sin tono) a blanco ( tono más alto), tonos (los tonos se crean tomando un tono y agregando negro puro para crear un nuevo color más profundo) y tintes (similares excepto que agrega blanco puro para crear un nuevo color) (La ciencia detrás de la teoría del color del diseño, n.d.).
Para integrar con éxito las artes visuales en el aula, es importante que los maestros salgan de la propia caja a nuevas ideas y nuevos aprendizajes; es importante tener “pensamiento interdisciplinario, trabajos colaborativos e intencionales, reflexiones escritas, revisiones, documentación, exposiciones y críticas- siendo todo crucial hacia el aprendizaje y la instrucción holísticos y auténticos” (Harris, 2011, p. 21). Las artes visuales pueden integrarse en cualquier tema; sin embargo, requiere de los esfuerzos del maestro para planificar, investigar y reflexionar (Harris, 2011).
Cuando las artes visuales se agregan al proceso de aprendizaje, el aprendizaje del contenido se vuelve más tangible, personal y significativo. Las artes visuales permiten a los estudiantes participar en el aprendizaje práctico y el aprendizaje basado en la investigación. Las artes visuales se suman a la expresión personal y creatividad de los estudiantes en el proceso de aprendizaje. En otras palabras, los estudiantes se involucran en el proceso de aprendizaje para niveles más profundos de aprendizaje cuando se integran las artes visuales. Son muchas las actividades que pueden ayudar a los maestros a dar un impulso a la integración de las artes visuales en el aula. A continuación se presentan algunas ideas de actividades para integrar las artes visuales en áreas de contenido:
Actividad 1: Cuaderno de Da Vinci: el profesor muestra las imágenes a los alumnos y luego los alumnos buscan imágenes para hacer una lluvia de ideas en imágenes para pensamientos y temas para el Cuaderno. El profesor debe asegurarse de que las imágenes sean apropiadas para su edad antes de permitir que los estudiantes naveguen por la Esta actividad se puede integrar en cualquier área temática (Koonlaba, 2015).
Actividad 2: Proyecto de Escultura de Papel. Los estudiantes crean proyectos de escultura de papel. Esto podría integrarse en historia, escritura, artes del lenguaje, ciencias y matemáticas (Koonlaba, 2015).
Actividad 3: Arte Pop. Siempre es muy popular entre los estudiantes. Las imágenes simples son fáciles de imitar para ellos. También está involucrando en áreas de contenido (Koonlaba, 2015).
Actividad 4: Clase Cómic. Crea un cómic de clase combinando piezas de arte de los estudiantes y hacer que trabajen juntas para escribir una historia con un comienzo, un medio y un final (Koonlaba, 2015).
Actividad 5: Proyecto de Arte Pirámide. Una Pirámide se puede pintar/dibujar/esbozar. Esto podría ser utilizado para conectar el arte en el área de contenido de matemáticas y estudios sociales.
Actividad 6: Cartel/Folleto/Anuncio Proyecto. Pide a los alumnos que creen un póster, folleto o anuncio. Estos proyectos de arte pueden ser excelentes productos alternativos de evaluación; también son una gran herramienta para enseñar a los estudiantes sobre diseño gráfico (Hayes, n.d.).
Actividad 7: Una obra de arte. Pide a los alumnos que dibujen o hagan un collage sobre un tema específico que estén estudiando en cualquier área de contenido. Las caricaturas son geniales para incorporar el arte visual con eventos actuales en los estudios sociales (Hayes, n.d.).
REFERENCIAS
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Niño, H. (Ed.). (1985). El manual del calígrafo. Marlboro, Nueva Jersey: Taplinger Publishing Co.
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Merali, Z. (2011, 17 de junio). Ingeniero de origami flexiona para crear materiales más fuertes y ágiles. Ciencia, 332 (6036), 1376-1377. doi:10.1126/ciencia.332.6036.1376
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