2.13: Lectura- Definición del Arte

Hemos explorado cómo la definición de arte ha cambiado a lo largo de la historia y los múltiples factores complejos que pueden estar en juego en la asignación de valor al arte. A pesar de esta dificultad, la discusión continua en torno a la definición de arte continúa evolucionando dentro de nuestra sociedad a menudo compleja y globalmente comprometida.

Algunas teorías contemporáneas que definen el arte

Muchos han argumentado que es un error incluso tratar de definir el arte o la belleza, que no tienen esencia, y así no pueden tener definición.

Campbell's Tomate Juice Box, 1964, Andy Warhol, Pintura de polímero sintético y tinta serigráfica sobre madera, 10 pulgadas x 19 pulgadas x 9 1/2 pulgadas (25.4 x 48.3 x 24.1 cm), Museum of Modern Art, Nueva York. © 2007 Fundación Andy Warhol/Uso Justo

Andy Warhol exhibió esculturas de madera de Cajas Brillo como arte.

Un enfoque contemporáneo es decir que el “arte” es básicamente una categoría sociológica que cualesquiera que sean las escuelas de arte y museos, y los artistas se salgan con la suya se considera arte independientemente de las definiciones formales. Esta teoría institucional del arte ha sido defendida por George Dickie. La mayoría de la gente no consideraba arte un orinal comprado en la tienda o una representación escultórica de una Caja Brillo hasta que Marcel Duchamp y Andy Warhol (respectivamente) los colocaron en el contexto del arte (por ejemplo, la galería de arte), lo que luego proporcionó la asociación de estos objetos con los valores que definen el arte.

Los proceduralistas suelen sugerir que es el proceso por el cual se crea o se ve una obra de arte lo que la convierte en, arte, no cualquier característica inherente de un objeto, o cuán bien recibida es por las instituciones del mundo del arte después de su introducción a la sociedad en general. Para John Dewey, por ejemplo, si el escritor pretendía que una pieza fuera un poema, es una si otros poetas la reconocen o no. Mientras que si exactamente el mismo conjunto de palabras fuera escrito por un periodista, pretendiéndolas como notas taquigráficas para ayudarle a escribir un artículo más largo después, estas no serían un poema.

León Tolstoi, en cambio, afirma que lo que hace que algo sea arte o no es cómo lo experimenta su audiencia (contexto de audiencia o espectador), no por la intención de su creador.

Funcionalistas, como Monroe Beardsley argumentan que si una pieza cuenta como arte depende de la función que desempeñe en un contexto particular. Por ejemplo, el mismo jarrón griego puede desempeñar una función no artística en un contexto (llevar vino), y una función artística en otro contexto (ayudándonos a apreciar la belleza de la figura humana).

Disputas contemporáneas sobre la definición del arte

El filósofo David Novitz ha argumentado que los desacuerdos sobre la definición de arte rara vez son el corazón del problema, más bien que “las preocupaciones e intereses apasionados que los humanos revisten en su vida social” son “tanto una parte de todas las disputas clasificatorias sobre el arte” (Novitz, 1996). Según Novitz, las disputas clasificatorias son más a menudo disputas sobre nuestros valores y hacia dónde estamos tratando de ir con nuestra sociedad que sobre el arte. Por ejemplo, cuando el Daily Mail criticó la obra de Damien Hirst y Tracey Emin argumentando “Desde hace mil años el arte ha sido una de nuestras grandes fuerzas civilizadoras. Hoy, ovejas encurtidas y camas sucias amenazan con hacer bárbaros de todos nosotros” no están adelantando una definición o teoría sobre el arte, sino cuestionando el valor de la obra de Hirst y Emin. Por otra parte, Thierry de Duve sostiene que las disputas sobre la definición de arte son una consecuencia necesaria de la presentación de Marcel Duchamp de un readymade como obra de arte.

Polémica en torno al arte conceptual

La obra del artista francés Marcel Duchamp de los años 1910 y 1920 allanó el camino para los artistas conceptuales, proporcionándoles ejemplos de obras prototípicamente conceptuales (los readymades, por ejemplo) que desafiaban las anteriores categorizaciones del arte. El arte conceptual surgió como un movimiento durante la década de 1960. La primera ola del movimiento “arte conceptual” se extendió desde aproximadamente 1967 hasta 1978. Los primeros artistas del “concepto” como Henry Flynt, Robert Morris y Ray Johnson influyeron en el último movimiento ampliamente aceptado de artistas conceptuales como Dan Graham, Hans Haacke y Douglas Huebler.

Más recientemente, los “Young British Artists” (YBA), liderados por Damien Hirst, saltaron a la fama en la década de 1990 y su trabajo es visto como conceptual, a pesar de que se apoya mucho en el objeto de arte para hacer su impacto. El término se utiliza en relación con ellos sobre la base de que el objeto no es la obra de arte, o a menudo es un objeto encontrado, que no ha necesitado habilidad artística en su producción. Tracey Emin es vista como una YBA destacada y una artista conceptual, a pesar de que ha negado que lo sea, y ha enfatizado su expresión emocional personal.

Ejemplos recientes de arte conceptual

• 1991: Charles Saatchi financia a Damien Hirst y al año siguiente en la Galería Saatchi exhibe su La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo, un tiburón en formaldehído en una vitrina.
• 1993: Vanessa Beecroft realiza su primera actuación en Milán, Italia, utilizando chicas jóvenes para actuar como segunda audiencia en la exhibición de su diario de comida.
• 1999: Tracey Emin está nominada al Premio Turner. Parte de su exhibición es My Bed, su cama despeinada, rodeada de detritos como condones, bragas manchadas de sangre, botellas y sus pantuflas de dormitorio.
• 2001: Martin Creed gana el Premio Turner por The Lights Going On and Off, una habitación vacía donde se encienden y apagan las luces.
• 2002: Miltos Manetas confronta la Bienal Whitney con su WhitneyBiennial.com.
• 2005: Simon Starling gana el Premio Turner por Shedboatshed, un cobertizo de madera que había convertido en barco, flotó por el Rin y volvió a convertirse en un cobertizo.

El grupo de artistas Stuckistas, fundado en 1999, se proclamó “pintura figurativa procontemporánea con ideas y arte anticonceptual, principalmente por su falta de conceptos”. También lo llamaron pretencioso, “poco destacable y aburrido” y el 25 de julio de 2002, en una manifestación, depositaron un ataúd afuera de la galería White Cube, marcado como “La muerte del arte conceptual”. En 2003, la Galería Internacional Stuckism exhibió un tiburón preservado bajo el título A Dead Shark Isn't Art, haciendo referencia claramente a la obra de Damien Hirst

En 2002, Ivan Massow, presidente del Instituto de Artes Contemporáneas calificó al arte conceptual de “pretencioso, autoindulgente, astuto” y en “peligro de desaparecer por su propio culo...”. En consecuencia, Massow se vio obligado a renunciar. Al cierre del año, la ministra de Cultura, Kim Howells, egresada de una escuela de arte, denunció el Premio Turner como “tonterías frías, mecánicas, conceptuales”.

En octubre de 2004, la Galería Saatchi dijo a los medios de comunicación que “la pintura sigue siendo la forma más relevante y vital que los artistas eligen comunicarse”. Después de esto, Charles Saatchi comenzó a vender obras destacadas de su colección YBA (Young British Artists).

Disputas sobre Nuevos Medios

Los juegos de computadora se remontan a 1947, aunque no llegaron a gran parte de la audiencia hasta la década de 1970. Sería difícil y extraño negar que la computadora y los videojuegos incluyen muchos tipos de arte (teniendo en cuenta, por supuesto, que el concepto “arte” en sí está, como se indicó, abierto a una variedad de definiciones). Los gráficos de un videojuego constituyen arte digital, arte gráfico y probablemente videoarte; la banda sonora original de un videojuego constituye claramente música. Sin embargo es un punto de debate si el videojuego en su conjunto debe considerarse una obra de arte de algún tipo, quizás una forma de arte interactivo.

El crítico de cine Roger Ebert, por ejemplo, ha dejado constancia afirmando que los videojuegos no son arte, y por razones estructurales siempre será inferior al cine, pero luego, admite su desconocimiento en el área cuando afirmó que “nunca jugará un juego cuando haya un buen libro para leer o una buena película para ser vigilado.”. El diseñador de videojuegos Hideo Kojima ha argumentado que jugar un videojuego no es arte, sino que los juegos sí tienen estilo artístico e incorporan arte. El diseñador de videojuegos Chris Crawford argumenta que los videojuegos son arte. El columnista de Esquire Chuck Klosterman también sostiene que los videojuegos son arte. Tadhg Kelly sostiene que el juego en sí no es arte y que la diversión es una constante requerida para todos los juegos por lo que el arte en los juegos es el arte de la ubicación y el lugar más que de la interacción.