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24.3: El Periodo Edo

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    Pintura Escolar Rinpa en el Periodo Edo

    En los primeros años del periodo Edo, algunas de las mejores expresiones de Japón en la pintura fueron producidas por la Escuela Rinpa.

    Objetivos de aprendizaje

    Identificar atributos clave de la pintura Rinpa durante el periodo Edo

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • En los primeros años del periodo Edo, el impacto total de las políticas de Tokugawa aún no se había sentido, y algunas de las mejores expresiones de Japón en arquitectura y pintura fueron producidas por la Escuela Rinpa.
    • Los artistas de Rinpa trabajaron en diversos formatos, entre ellos pantallas, abanicos, pergaminos colgantes, libros impresos en madera, lacados, cerámicas y textiles kimono. Muchas pinturas de Rinpa fueron utilizadas en las puertas correderas y paredes (fusuma) de casas nobles.
    • En 1615, Hon'ami Kōetsu fundó la Escuela de Pintura Rinpa al establecer una comunidad artística de artesanos apoyados por ricos mecenas comerciantes en el noreste de Kioto.
    • El colaborador de Kōetsu, Tawaraya Sōtatsu, mantuvo un taller en Kioto y produjo pinturas comerciales como abanicos decorativos y pantallas plegables; Sōtatsu se especializó en papel decorado, a lo que Kōetsu agregó caligrafía.
    • Al igual que Kōetsu, Sōtatsu persiguió el género clásico Yamato-e, pero también fue pionero en una nueva técnica con contornos audaces y llamativos esquemas de color.
    • La Escuela Rinpa fue reavivada en la era Genroku (1688—1704) por Ogata Kōrin y Ogata Kenzan; la innovación de Kōrin fue representar la naturaleza como un abstracto utilizando numerosas gradaciones de color y tonalidad y mezclando colores en la superficie para lograr efectos excéntricos.

    Términos Clave

    • lacado: Un objeto decorativo recubierto con laca.
    • Swordsmith: Un hacedor de espadas.

    Antecedentes: El Periodo Edo

    En el periodo Edo () o Tokugawa () entre 1603 y 1868, Japón estuvo bajo el dominio del shogunato Tokugawa, una forma de dominio militar encabezada por el shogun. El periodo se caracterizó por el crecimiento económico, el estricto orden social, las políticas exteriores aislacionistas, el aumento de la protección ambiental y el disfrute popular de las artes. Fue establecido oficialmente en Edo el 24 de marzo de 1603 por Tokugawa Ieyasu (1543—1616). El periodo llegó a su fin con la Restauración Meiji el 3 de mayo de 1868, tras la caída de Edo a fuerzas leales al Emperador.

    Uno de los temas dominantes en el periodo Edo fueron las políticas represivas del shogunato y los intentos de los artistas por escapar de estas estenosis. La principal de estas restricciones fue el cierre del país a los extranjeros y la imposición de estrictos códigos de conducta que afectaban muchos aspectos de la vida, entre ellos la ropa que uno llevaba, la persona con la que se casaba y las actividades que uno podía o no debía realizar. En los primeros años del periodo Edo, sin embargo, el impacto total de las políticas de Tokugawa aún no se había sentido, y algunas de las mejores expresiones de Japón en arquitectura y pintura fueron producidas por la Escuela Rinpa.

    La Escuela Rinpa

    Estilo y Técnica

    Los artistas de Rinpa trabajaron en diversos formatos, entre ellos pantallas, abanicos, pergaminos colgantes, libros impresos en madera, lacados, cerámicas y textiles kimono. Muchas pinturas de Rinpa fueron utilizadas en las puertas correderas y paredes (fusuma) de casas nobles. La materia y el estilo a menudo se tomaron prestados de las tradiciones del período Heian de Yamato-e, con elementos de pinturas a tinta Muromachi, pinturas de flores y pájaros de la dinastía Ming china y desarrollos de la escuela Kanō del período Momoyama. La pintura estándar estereotipada en el estilo Rinpa involucra temas naturales simples como pájaros, plantas y flores con el fondo relleno de pan de oro. El énfasis en el diseño refinado y la técnica se hizo más pronunciado a medida que se desarrolló el estilo Rinpa.

    Desarrollo de la Escuela

    Rinpa es una de las principales escuelas históricas de la pintura japonesa. En 1615, Hon'ami Kōetsu fundó una comunidad artística de artesanos, apoyada por ricos mecenas mercantes de la secta budista Nichiren en Takagamine, en el noreste de Kioto. Los comerciantes, que eran los más bajos de las cuatro clases sociales y a menudo considerados miembros improductivos de la sociedad, eran cada vez más confiados por los samuráis para la producción de bienes de consumo y obras artísticas. Tanto la élite acomodada de la ciudad mercantil como las antiguas familias aristocráticas de Kioto favorecieron las artes que seguían las tradiciones clásicas, y Kōetsu se vio obligado a producir numerosas obras de cerámica, caligrafía y lacado. El colaborador de Kōetsu, Tawaraya Sōtatsu, mantuvo un taller en Kioto y produjo pinturas comerciales como abanicos decorativos y pantallas plegables. Sōtatsu se especializó en la elaboración de papel decorado con fondos dorados o plateados, que Kōetsu ayudó añadiendo caligrafía.

    Los fundadores: Hon'ami Kōetsu y Tawaraya Sōtatsu

    Ambos artistas procedían de familias de trascendencia cultural. Kōetsu provenía de una familia de espadacheros que habían servido a la corte imperial y grandes señores de la guerra y shogunes. El padre de Kōetsu evaluó espadas para el clan Maeda, al igual que el propio Kōetsu. Sin embargo, Kōetsu estaba menos preocupado por las espadas y más interesado en la pintura, caligrafía, lacado y la ceremonia del té japonesa (más tarde creó varios cuencos de té de cerámica Raku). Su propio estilo de pintura era extravagante, recordando el estilo aristocrático de la época Heian.

    Sōtatsu también persiguió el mismo género clásico de Yamato-e que Kōetsu, pero fue pionero en una nueva técnica con contornos audaces y llamativos esquemas de color. Dos de sus obras más famosas incluyen las pantallas plegables Wind and Thunder Gods (Fūjin Raijin-zu), ubicadas en el templo Kennin-ji en Kioto, y Matsushima () en la Freer Gallery en Washington, DC.

    Esta porción representa al dios del viento como una figura oscura y animada sobre un fondo dorado.

    Trabajo escolar temprano de Rinpa: Porción de Fūjin Raijin-zu (Dioses del Viento y del Trueno) de Sōtatsu. Siglo XVII.

    Ogata Kōrin y Ogata Kenzan

    La escuela Rinpa fue reavivada en la era Genroku (1688—1704) por Ogata Kōrin y su hermano menor Ogata Kenzan, hijos de un próspero comerciante textil de Kioto. La innovación de Kōrin fue representar la naturaleza como un resumen, utilizando numerosas gradaciones de color y tonalidad, mezclando colores en la superficie para lograr efectos excéntricos y usando generosamente sustancias preciosas como el oro y la perla.

    La obra maestra de Kōrin Los ciruelos rojos y blancos (Kōhakubai-zu, c. 1714-15) se encuentra ahora en el Museo de Arte MOA en Atami, Shizuoka. Como composición dramática, estableció la dirección de Rinpa para lo que resta de su historia. Kōrin colaboró con Kenzan en diseños de pintura y caligrafía en la cerámica de su hermano. Kenzan siguió siendo alfarero en Kioto hasta después de la muerte de Kōrin en 1716, cuando comenzó a pintar profesionalmente. Otros artistas de Rinpa activos en este periodo fueron Tatebayashi Kagei, Tawaraya Sōri, Watanabe Shikō, Fukae Roshū y Nakamura Hōchū.

    Mientras que las flores de ciruelo colgan sobre un arroyo.

    Porción de Kōhakubai-zu de Ogata Kōrin: Ciruelos rojos y blancos de Kōrin (1714-15) establecieron la dirección de Rinpa para el resto de su historia.

    Sakai Hōitsu

    Rinpa fue revivido nuevamente en Edo del siglo XIX por Sakai Hōitsu (1761-1828), un artista de la Escuela Kanō cuya familia había sido uno de los patrocinadores de Ogata Kōrin. Sakai publicó una serie de 100 grabados en xilografía basados en pinturas de Kōrin, y su pintura Grasas de verano y otoño (Natsu akikusa-zu) está pintado en la parte posterior de la pantalla de Dioses del viento y del trueno de Kōrin y ahora se encuentra en el Museo Nacional de Tokio.

    Pintura de la Escuela Kanō en el Período Edo

    La Escuela Kanō, que tenía un estilo naturalista, era el estilo dominante del período Edo (1603 — 1868).

    Objetivos de aprendizaje

    Describir las características definitorias de la Escuela Kano durante el Período Edo, y distinguirla de la pintura literaria

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • La Escuela Kanō comenzó reflejando una renovada influencia de la pintura china, y continuó produciendo pinturas a pincel monocromáticas al estilo chino a lo largo de los años.
    • Sin embargo, la escuela desarrolló simultáneamente un estilo de colores brillantes y firmemente delineado para paneles grandes, que reflejaban distintivamente tradiciones japonesas.
    • La escuela fue apoyada por el shogunato, representando efectivamente un estilo de arte oficial; bajo el periodo Edo en el que el arte y la cultura estaban estrictamente regulados, esto monopolizaba esencialmente el campo de la pintura.
    • Los artistas de la Escuela Kanō trabajaron principalmente para la nobleza, los shoguns y los emperadores, cubriendo una amplia gama de estilos, temas y formatos.
    • Si bien inicialmente innovadores, a partir del siglo XVII, los artistas de la escuela se volvieron cada vez más conservadores y académicos en su enfoque.

    Términos Clave

    • Escuela Kanō: Una de las escuelas más famosas de la pintura japonesa, y el estilo dominante de la pintura desde finales del siglo XV hasta 1868, cuando comenzó el período Meiji.
    • literatos: Gente bien educada, literaria; intelectuales interesados en la literatura.

    Resumen: La escuela Kanō

    La Escuela Kanō () fue el estilo de pintura dominante durante el periodo Edo. La propia familia Kanō produjo una serie de artistas importantes a lo largo de varias generaciones, y un gran número de artistas no relacionados se formaron en talleres de la escuela. Algunos artistas se casaron dentro de la familia y cambiaron de nombre, mientras que otros fueron adoptados, creando una familia conocida por sus innovaciones artísticas.

    El estilo de la escuela

    La escuela comenzó reflejando una renovada influencia de la pintura china, y continuó produciendo pinturas a pincel monocromáticas al estilo chino a lo largo de los años. Sin embargo, desarrolló simultáneamente un estilo de colores brillantes y firmemente delineado para paneles grandes, que reflejaban distintivamente tradiciones japonesas. Kanō Motonobu, pintor japonés y miembro de la Escuela Kano, es particularmente conocido por expandir el repertorio de la escuela a través de sus audaces técnicas artísticas y mecenazgo. Muchas de las obras durante este período combinaron la contundente calidad del trabajo del período Momoyama anterior con la representación tranquila de la naturaleza y el uso más refinado del color típico del actual período Edo.

    La escuela fue apoyada por el shogunato, representando efectivamente un estilo de arte oficial; bajo el periodo Edo en el que el arte y la cultura estaban estrictamente regulados, esto monopolizaba esencialmente el campo de la pintura. La Escuela Kanō se basó en la tradición china de la pintura literaria de erudito-burócratas, pero los pintores Kanō eran artistas firmemente profesionales: se les pagaba muy generosamente si tenían éxito y recibían formación formal en taller en el taller familiar (similar a los pintores europeos del Renacimiento o Barroco periodo). Los pintores Kanō trabajaron principalmente para la nobleza, los shoguns y los emperadores, cubriendo una amplia gama de estilos, temas y formatos. Si bien inicialmente innovadores, a partir del siglo XVII, los artistas de la escuela se volvieron cada vez más conservadores y académicos en su enfoque.

    Paisaje representa una cascada en el fondo que fluye hacia un cuerpo de agua en primer plano. Un par de árboles con flores blancas se inclinan sobre el agua.

    Kanō Tan'yu, Paisaje primaveral (1672): Tan'yū encabezó la sucursal Kajibashi de la Escuela Kanō en Edo y pintó en muchos castillos, incluido el palacio imperial. Utilizó un estilo menos audaz pero extremadamente elegante, que tendía a volverse rígido y académico en manos de imitadores menos talentosos.

    La gama de formas, estilos y temas que se establecieron a principios del siglo XVII continuaron desarrollándose y refinándose sin grandes innovaciones durante los próximos dos siglos. Si bien la Escuela Kanō fue la más exitosa en Japón, las distinciones entre su trabajo y el trabajo de otras escuelas tendían a disminuir con el tiempo, ya que todas las escuelas trabajaban en una variedad de estilos y formatos, haciendo que la atribución de obras sin firmar a menudo no estuviera clara. Al final del periodo Edo y el inicio del periodo Meiji (1868), la Escuela Kanō se había dividido en muchas ramas diferentes.

    Pintura Literati Japonesa en el Período Edo

    Una tendencia artística importante durante el periodo Edo fue la escuela bunjinga o Nanga, una especie de pintura literaria altamente influenciada por los literatos chinos.

    Objetivos de aprendizaje

    Discuten la pintura literaria en Edo Japón y su deuda con China

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • Las pinturas japonesas de bunjinga, generalmente en tinta negra monocromática, a veces con colores claros y casi siempre que representan paisajes chinos o temas similares, fueron modeladas según la pintura literaria china.
    • Debido a la política del sakoku del periodo Edo, los artistas literatos japoneses se quedaron con una visión incompleta de las ideas literati chinas, y el estilo bunjinga surgió de una fusión de ideales chinos y japoneses.
    • Los literatos japoneses no eran miembros de una burocracia académica e intelectual como sus homólogos chinos; mientras que los literatos chinos eran académicos que aspiraban a ser pintores, los literatos japoneses eran pintores formados profesionalmente que aspiraban a ser académicos e intelectuales.
    • Las pinturas de Bunjinga casi siempre representaban temas tradicionales chinos, y los artistas se centraban casi exclusivamente en paisajes, pájaros y flores.
    • A medida que Japón quedó expuesto a la cultura occidental al final del período Edo, muchos artistas bunjinga comenzaron a incorporar elementos estilísticos del arte occidental en los suyos.

    Términos Clave

    • sakoku: La política de relaciones exteriores de Japón en la que se aplicaban estrictas regulaciones al comercio y relaciones exteriores por el shogunato; la política establecía que, con excepción de ciertas circunstancias, ningún extranjero podía entrar ni ningún ciudadano japonés podía salir del país bajo pena de muerte; la política fue promulgada por el shogunato Tokugawa entre 1633—1639 y permaneció vigente hasta 1853, con la llegada de los Barcos Negros del Comodoro Matthew Perry y la apertura forzosa de Japón al comercio occidental.
    • Bunjinga: Una escuela de pintura japonesa que floreció a finales del periodo Edo entre artistas que se consideraban literatos, o intelectuales; también conocidos como Nanga.

    Ascenso de Bunjinga

    Una tendencia importante en el periodo Edo fue el ascenso del género bunjinga, una especie de pintura literaria, también conocida como la Escuela Nanga o Escuela de Pintura del Sur. Este género comenzó como una imitación de los pintores escolarios-aficionados chinos de la dinastía Yuan, cuyas obras y técnicas llegaron a Japón a mediados del siglo XVIII. Posteriormente, los artistas bunjinga modificaron considerablemente tanto las técnicas como el tema de este género para crear una mezcla de estilos japonés y chino. Ejemplos de este estilo incluyen Ike no Taiga, Uragami Gyokudo, Yosa Buson, Tanomura Chikuden, Tani Buncho y Yamamoto Baiitsu.

    Un paisaje detallado que representa un río que atraviesa colinas con chozas dispersas por todas partes. Dos pescadores se sientan en un bote en el río.

    Pesca en primavera de Ike no Taiga (1747): Las pinturas de Bunjinga representaban con mayor frecuencia temas tradicionales chinos. Los artistas se enfocaron casi exclusivamente en paisajes, aves y flores.

    Como parte de la Escuela Nanga, el estilo bunjinga de la pintura japonesa floreció a finales del periodo Edo entre artistas que se consideraban literatos, o intelectuales. Si bien cada uno de estos artistas era único e independiente, todos compartieron una admiración por la cultura tradicional china. Sus pinturas, generalmente en tinta negra monocromática, a veces con colores claros, y casi siempre representando paisajes chinos o temas similares, fueron modelados según pinturas literarias chinas, llamadas wenrenhua. La poesía u otras inscripciones también fueron un elemento importante de estas pinturas y muchas veces fueron agregadas por amigos del artista, más que por el propio artista.

    Influencia de China

    La pintura literaria china se centró en expresar el ritmo de la naturaleza en lugar de la representación realista de la misma. No obstante, se animó al artista a mostrar una fría falta de afecto por la pintura, como si él, como intelectual, estuviera por encima de preocuparse profundamente por su obra. En última instancia, este estilo de pintura fue consecuencia de la idea del intelectual, o literato, como maestro de todas las artes tradicionales centrales: la pintura, la caligrafía y la poesía.

    Bajo la política de sakoku del periodo Edo, Japón quedó aislado casi por completo del mundo exterior. Su contacto con China persistió, aunque esto fue muy limitado. Lo poco que hizo su camino en Japón fue importado a través de Nagasaki o producido por el pueblo chino que allí vivía. En consecuencia, los artistas bunjinga que aspiraban a los ideales y estilos de vida de los literatos chinos se quedaron con una visión bastante incompleta de las ideas y el arte de los literatos chinos. Bunjinga creció, por lo tanto, de lo que sí llegó a Japón desde China, incluyendo manuales de pintura chinos impresos en madera y un surtido de pinturas que varían ampliamente en calidad.

    Dos figuras se sientan cerca del borde de un acantilado, una frente a la otra.

    Anhelo de un lugar placentero en las montañas del corazón de Kameda Bôsai, 1816: Kameda Bôsai (1752—1826) fue un conocido pintor literato japonés.

    Bunjinga también fue moldeado por las grandes diferencias en la cultura y el ambiente de los literatos japoneses en comparación con sus homólogos chinos. La forma se definió, en gran medida, por su rechazo a otras grandes escuelas de arte como las Escuelas Kano y Tosa. Además, los propios literatos no eran miembros de una burocracia académica, intelectual, como lo fueron sus homólogos chinos. Si bien los literatos chinos eran académicos que aspiraban a ser pintores, los literatos japoneses eran pintores formados profesionalmente que aspiraban a ser académicos e intelectuales.

    A diferencia de otras escuelas de arte que transmiten su estilo específico a sus alumnos, cada artista bunjinga mostró elementos únicos en sus creaciones, y muchos divergieron mucho de los elementos estilísticos empleados por sus antepasados. A medida que Japón quedó expuesto a la cultura occidental al final del periodo Edo, algunos artistas bunjinga comenzaron a incorporar elementos estilísticos del arte occidental en los suyos.

    Los ocho inmortales se muestran en diversas poses y movimientos, interactuando con una criatura desconocida.

    8 Inmortales daoístas de Tani Bunchō: Tani Bunchō (1763-1841) fue un pintor y poeta literato japonés.

    Grabaciones en madera de Ukiyo-e en el periodo Edo

    Con el auge de la cultura popular en el período Edo, un estilo de grabados en madera llamado ukiyo-e se convirtió en una forma de arte importante.

    Objetivos de aprendizaje

    Describa los grabados en madera ukiyo-e de Edo Japón, y el medio social que representaron más famoso

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • Con el auge de la cultura popular en el período Edo, un estilo de grabados en madera llamado ukiyo-e se convirtió en una forma de arte importante.
    • Sus técnicas fueron afinadas para producir estampados coloridos de todo, desde noticias diarias hasta libros escolares. El tema abarcó desde los actores kabuki y el demimonde hasta cortesanas y paisajes famosos.
    • Las impresiones de Ukiyo-e comenzaron a producirse a fines del siglo XVII, con Harunobu produciendo la primera impresión policromada en 1764.
    • La figura artística dominante del siglo XIX fue la contemporánea de Hokusai, Hiroshige, creador de estampados paisajísticos románticos y algo sentimentales.

    Términos Clave

    • Hiroshige: (1797—1858) Un artista ukiyo-e japonés y uno de los últimos grandes artistas de esa tradición.
    • ukiyo-e: Una impresión japonesa en madera o pintura que representa la vida cotidiana.
    • Katsushika Hokusai: (1760—1849) Un artista japonés famoso por su serie de grabados en madera Treinta y seis Vistas del monte Fuji, que incluye quizás el grabado japonés en madera más famoso, La gran ola de Kanagawa.

    Visión general

    Con el auge de la cultura popular en el período Edo, un estilo de grabados en madera llamado ukiyo-e se convirtió en una forma de arte importante. Sus técnicas fueron afinadas para producir estampados coloridos de todo, desde noticias diarias hasta libros escolares. El tema abarcó desde actores y cortesanas kabuki hasta paisajes famosos. Hacia 1800, el ukiyo-e floreció junto a la pintura Rinpa y literati.

    La escuela de arte más conocida en Occidente es la de las pinturas ukiyo-e y grabados en madera del semimonde—el mundo del teatro Kabuki y el distrito burdel. Las impresiones de Ukiyo-e comenzaron a producirse a fines del siglo XVII y requirieron un proceso altamente involucrado que incluyó un diseñador, grabador, impresor y editor. Suzuki Harunobu produjo la primera impresión policromada (multicolor) en 1764, y los diseñadores de impresión de la próxima generación, entre ellos Torii Kiyonaga y Utamaro, crearon representaciones elegantes y a veces perspicaces de cortesanas.

    Artistas notables

    La obra más conocida de ukiyo-e del periodo Edo es la serie de impresión en madera. Treinta y seis Vistas del monte Fuji (Fugaku Sanjūroku-kei, c. 1831), que incluye la impresión internacionalmente reconocida La gran ola de Kanagawa, fue creada durante la década de 1820 por Katsushika Hokusai (1760—1849). Hokusai fue influenciado por pintores como Sesshu y otros estilos de la pintura china. Si bien el trabajo de Hokusai previo a esta serie es ciertamente importante, no fue hasta esta serie que obtuvo un amplio reconocimiento. También fue la impresión de La Gran Ola la que inicialmente recibió, y sigue recibiendo, aclamación y popularidad en el mundo occidental.

    La imagen representa una enorme ola amenazando a los barcos frente a las costas de la prefectura de Kanagawa. Representa el área alrededor del monte Fuji, y la montaña misma aparece al fondo.

    The Great Wave off Kanagawa, el grabado más famoso de Hokusai, el primero de la serie Treinta y seis Vistas del monte Fuji: Aunque se usa a menudo en la literatura sobre tsunamis, no hay razón para sospechar que Hokusai pretendía que se interpretara de esa manera. Las olas en esta obra a veces se refieren erróneamente como tsunami (), pero con mayor precisión se las llama okinami (), grandes olas off-shore.

    La figura artística dominante del siglo XIX fue la contemporánea de Hokusai, Hiroshige, creador de estampados paisajísticos románticos y algo sentimentales. Los extraños ángulos y formas a través de los cuales Hiroshige solía ver paisajes, con su énfasis en planos planos y contornos lineales fuertes, tuvieron un profundo impacto en artistas occidentales como Edgar Degas y Vincent van Gogh. A través de obras de arte conservadas en museos occidentales, estos mismos grabadores ejercerían más tarde una poderosa influencia en las imágenes y enfoques estéticos utilizados por los primeros poetas modernistas como Ezra Pound y Richard Aldington.

    imagen

    El Tōkaidō vertical de Hiroshige representa a Hakone. : Esta impresión muestra a viajeros y porteadores cruzando un paso empinado en las montañas en la estación Hakone en la carretera Tōkaidō.

    Ukiyo-e estaba estrechamente vinculado al estilo bunjinga, o literato, de pintura que surgió durante el mismo período. Así como los artistas ukiyo-e optaron por representar figuras de la vida fuera de las estenosis del shogunato Tokugawa, los artistas bunjinga recurrieron a la cultura china y basaron sus pinturas en las de erudito-pintores chinos. Los ejemplos de este estilo incluyen Ike no Taiga, Yosa Buson, Tanomura Chikuden y Yamamoto Baiitsu.

    Pintura Zenga en el Periodo Edo

    Zenga es el término japonés para la práctica y el arte de la pintura budista zen y la caligrafía, que se desarrolló durante el período Edo.

    Objetivos de aprendizaje

    Describir Zenga y su relación con el budismo zen

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • Zenga es un estilo de caligrafía y pintura japonesa a base de tinta.
    • En muchas instancias de Zenga, caligrafía e imágenes se combinan en una misma pieza; la caligrafía denota un poema, o dicho, que enseña algún elemento del camino del Zen.
    • La pintura con pincel en Zenga es característicamente simple, audaz y abstracta.
    • De acuerdo con los caminos individuales hacia la iluminación, casi cualquier tema puede prestarse a Zenga; sin embargo, el enso, los palos y el monte. Fuji son los elementos más comunes.

    Términos Clave

    • Ensō: Una palabra japonesa que significa “círculo” y un concepto fuertemente asociado al Zen.
    • Zenga: El término japonés para la práctica y el arte de la pintura budista zen y la caligrafía.

    Visión general: Zenga Painting

    Zenga es el término japonés para la práctica y el arte de la pintura y caligrafía budistas zen; se asocia a la ceremonia del té japonesa y también a diversas artes marciales. Como sustantivo, Zenga es un estilo de caligrafía japonesa y pintura realizada en tinta. En muchos casos, tanto la caligrafía como la imagen se fusionarán dentro de una misma pieza. La caligrafía denota un poema o dicho que enseña algún elemento del camino del Zen; la pintura a pincel es característicamente simple, audaz y abstracta.

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    Ejemplo de pintura Zen, periodo Edo: Esta caligrafía de pergamino japonesa de Bodhidharma dice: “El zen apunta directamente al corazón humano, ve dentro de tu naturaleza y conviértete en Buda”. El rostro de un hombre se dibuja bajo la caligrafía. Fue creado por Hakuin Ekaku (1685 a 1768).

    Desarrollo de Zenga

    Aunque el budismo zen había llegado a Japón a finales del siglo XII, el arte de Zenga no se hizo propio hasta el comienzo del periodo Edo en 1600. De acuerdo con los caminos individuales hacia la iluminación, casi cualquier tema puede y se ha prestado a Zenga; sin embargo, los elementos más comunes representados fueron el ensō, los palos y el monte. Fuji. En el budismo zen, un ensō es un círculo que se dibuja a mano en una o dos pinceladas desinhibidas para expresar un momento en el que la mente es libre de dejar que el cuerpo cree. El ensō simboliza la iluminación absoluta, la fuerza, la elegancia, el universo y el mu (el vacío), y se caracteriza por un minimalismo nacido de la estética japonesa.

    imagen

    Ensō: Aunque casi cualquier tema puede y se ha prestado a las pinturas de Zenga, uno de los elementos más comunes representados fue el ensō, un símbolo de la iluminación.

    La estética japonesa utilizada en las pinturas de Zenga estaba conformada por un conjunto de antiguos ideales que incluyen wabi (belleza transitoria y cruda), sabi (la belleza de la pátina natural y el envejecimiento) y yūgen (gracia y sutileza profundas). Estos ideales, junto con otros, sustentan gran parte de las normas culturales y estéticas japonesas sobre lo que se considera de buen gusto o hermoso. La estética japonesa abarca ahora una variedad de ideales; algunos de ellos son tradicionales, mientras que otros son modernos y a veces influenciados por otras culturas.

    Manualidades en el Periodo Edo

    Las artesanías japonesas tradicionales asociadas con el período Edo incluyen temari (un balonmano de juguete para niños), fabricación de muñecas, lacado y tejido.

    Objetivos de aprendizaje

    Nombra las artesanías tradicionales japonesas desarrolladas durante el periodo Edo

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • El oficio de hacer temari o balonmano evolucionó hasta convertirse en un arte a principios del periodo Edo. Estas bolas estaban hechas de tiras de seda antigua de kimono y exquisitamente bordadas con complejas costuras decorativas.
    • Otra artesanía que se desarrolló durante el periodo Edo, cuando Japón estaba cerrado a la mayor parte del comercio internacional, fue la elaboración de muñecas; un mercado de individuos ricos pagaría por los conjuntos de muñecas más hermosos para sus hogares o como regalos.
    • La lacada japonesa alcanzó su apogeo en el siglo XVII, cuando se utilizó la laca para decorar una gama de artículos cotidianos; el famoso lacquerer Ogata Korin introdujo un mayor uso del peltre y nácar en la laca.
    • Otras artesanías importantes durante el período Edo incluyen el tejido nishijin, la muerte de yuzen y la producción de wadokei o relojes japoneses.

    Términos Clave

    • Hinamatsuri: Un festival tradicional de muñecas japonesas que se celebra cada año el 3 de marzo.
    • Edo: Antiguo nombre de Tokio.
    • temari: Una artesanía folclórica nacida en el antiguo Japón del deseo de divertir y entretener a los niños con un balonmano de juguete.
    • gofun: Una sustancia lisa parecida a la porcelana hecha de concha de ostra molida.
    • laca: Un material brillante y resinoso utilizado como recubrimiento superficial.

    Temari

    De las muchas y variadas artesanías tradicionales de Japón, la estrechamente asociada con el período Edo (1600—1868) es la antigua artesanía del temari. Temari significa “balonmano” en japonés, y es una artesanía folclórica nacida en el antiguo Japón del deseo de divertir y entretener a los niños con un balonmano de juguete. Se dice que Temari tiene sus orígenes en Kemari (fútbol), traído a Japón desde China hace unos 1400 años. Estas bolas se construyeron a partir de los restos de kimonos viejos; se arrugaron trozos de tela de seda para formar una bola rugosa, y esta bola preliminar se envolvió posteriormente en tiras adicionales de tela. La elaboración del temario se convirtió gradualmente en un arte, y las costuras inicialmente puramente funcionales asumieron una calidad decorativa y detallada a lo largo de los años, mostrando intrincados bordados.

    La creación de temarios creció como pasatiempo para las mujeres nobles en la primera parte del período Edo, con mujeres de la aristocracia y clase alta compitiendo en la creación de pelotas cada vez más intrincadas y hermosas. A lo largo de los años y región por región, las mujeres de Japón exploraron el oficio y lo mejoraron. Se agregaron ruidosos al interior de las bolas, los diseños japoneses imitaban los colores de la naturaleza y los colores brillantes de la seda kimono se utilizaron para coser patrones llamativos.

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    Temari: Las bolas Temari son una forma de arte popular que se originó en China y se introdujo en Japón alrededor del siglo VII d.C.

    Fabricación de Muñecas

    Otro oficio que se desarrolló durante el periodo Edo, mientras que Japón estuvo cerrado a la mayor parte del comercio internacional, fue la fabricación de muñecas. Durante este tiempo, había un mercado de individuos adinerados que pagarían por los juegos de muñecas más hermosos para exhibirlos en sus hogares o como valiosos regalos. Conjuntos de muñecas llegaron a incluir figuras más grandes y elaboradas. El comercio competitivo finalmente fue regulado por el gobierno, lo que significa que los fabricantes de muñecas podrían ser arrestados o desterrados por infringir leyes que restringían materiales y alturas.

    Las muñecas Hina son las muñecas para Hinamatsuri, el festival de muñecas que se celebra anualmente el 3 de marzo. Pueden estar hechos de muchos materiales, pero la clásica muñeca hina tiene un cuerpo piramidal de elaborados textiles de muchas capas rellenos de paja y/o bloques de madera; manos de madera tallada (y en algunos casos pies) cubiertas con gofun; una cabeza de madera tallada o compo de madera moldeada cubierta con gofun, con ojos de vidrio montados (aunque antes de 1850, los ojos fueron tallados en el gofun y pintados); y cabello humano o de seda. Un conjunto completo comprende al menos 15 muñecas que representan personajes específicos, con muchos accesorios (dogu); sin embargo, un conjunto básico consiste en un par macho-hembra, a menudo referido como el Emperador y la Emperatriz.

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    Hinamatsuri Hina Dolls, el emperador con dos doncellas: Fabricación fina de muñecas desarrollada durante el periodo Edo (1603-1867).

    Lacado

    La lacada japonesa alcanzó su apogeo en el siglo XVII durante el periodo Edo. La laca se utilizó tanto para objetos únicamente decorativos como para artículos cotidianos, como peines, mesas, botellas, reposacabezas, cajas pequeñas y estuches para escribir. El lacador-pintor más famoso de la época fue Ogata Korin, quien fue el primer artista en utilizar nácar y peltre en mayores cantidades en lacado.

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    Caja de Escritura Lacada de Ogata Korin, ca. 1700. : Esta caja de escritura hecha de madera lacada en negro con decoraciones de oro, maki-e, conchas de abulón, plata y tiras de plomo corroídas data del siglo XVIII y refleja la habilidad del pintor y lacquerista Edo Ogata Korin.

    Otras Artesanías

    Varias técnicas de tejido y teñido japoneses también prosperaron durante el período Edo. El tejido Nishijin implicaba tejer muchos tipos diferentes de hilo de colores juntos para formar diseños decorativos. En el yuzen, o el método pasta-resistir de morir, se aplicaron diseños a los textiles utilizando plantillas y pasta de arroz, dando como resultado la imitación de brocados aristocráticos, que fueron prohibidos a los plebeyos por leyes del periodo Edo.

    Otra artesanía de la época Edo que reflejaba el interés del Japón contemporáneo por los fenómenos eléctricos y las ciencias mecánicas fue el desarrollo de wadokei, o relojes japoneses. Estos eran típicamente hechos de latón o hierro en el diseño del reloj de la linterna y conducidos por pesos.

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