4.1: Pitch

El tono en la música se refiere a las vibraciones de las ondas sonoras. Estas vibraciones se miden en hercios (ciclos por segundo). Por lo tanto, un tono musical es un sonido producido a cierto número de ciclos por segundo (Wade, 2013). Cuanto más rápida sea la vibración, mayor será el paso resultante. De igual manera, cuanto más lenta sea la tasa de vibración, menor será el paso. Los tonos musicales se pueden dividir en dos categorías: tono determinado e indeterminado.

Los tonos musicales contienen una mezcla de ondas sonoras. Al que domina el sonido se le conoce como el tono “fundamental”. Todas las otras ondas que son producidas por un tono son referidas (en el mundo de la música) como armónicos. Cuando un tono tiene un conjunto de armónicos que permiten que una nota fundamental domine el sonido es un tono determinado. El tono indeterminado ocurre cuando los armónicos de una nota no están alineados o hay fundamentos contradictorios y por lo tanto ninguna vibración “única” domina el sonido. Otra forma de pensar sobre este concepto es saber que los instrumentos que tienen determinados tonos tocan notas a las que normalmente se les da nombres (letra, número o solfeo). Los instrumentos de tono determinado incluyen (pero no se limitan a): voz, piano, guitarra, marimba, instrumentos de viento de madera, metales, cordófonos, etc... Los instrumentos de tono indeterminado son instrumentos como gongs gamelan, snare drums, platillos, triángulo, etc... Estos instrumentos se utilizan generalmente para mantener un ritmo, para acentuar, o para agregar color.

Cuando un tono tiene un conjunto de armónicos que vibran junto con lo fundamental en relaciones simples (ver Figura 2) entonces hace un tono armónico. La mayoría de los instrumentos musicales que tienen un tono determinado son armónicos (cordófonos, aerófonos, la mayoría de los aparatos eléctricos). Cuando los armónicos del tono son en su mayoría inarmónicos (no en proporciones simples) entonces el tono es discernible pero el timbre es único (timbales, percusión de mazo, cuencos cantantes, gongos afinados). La Figura 2 ilustra los armónicos armónicos. Las longitudes de onda ilustradas también ilustran las posibles notas que se pueden tocar en aerófonos de longitud fija (corneta, botella, concha de caracola, etc.).

Afinación

Pitágoras de Samos (del teorema de Pitágoras) describió por qué algunas notas musicales vibran bien juntas (armonizan) y otras no. Usamos longitudes de cuerda para ilustrar sus hallazgos. Si dos cuerdas fueran proporcionadas físicamente en una proporción de 2 a 1 (una cuerda es exactamente dos veces la longitud de la primera) y todos los demás factores son iguales entonces las vibraciones de las notas musicales producidas por estas cuerdas también existirán en una proporción de 2 a 1. Por ejemplo: si la cuerda larga produce un tono a 110 hercios, entonces la más corta produciría un tono a 220 hercios. Esta proporción de 2 a 1 es tan armoniosa que llamamos a estas dos notas separadas el mismo nombre de tono. La diferencia entre dos tonos del mismo nombre de nota (o relación 2 a 1) se llama octava. En pocas palabras y octava es el intervalo entre dos tonos que tienen el mismo nombre de nota. Un intervalo musical es la distancia entre dos notas/tonos. En la Figura 1 la distancia entre dos notas cualesquiera del mismo nombre de letra se denomina octava.

Figura 1: Teclado de piano con nombres de notas de letras

Esta relación 2/1 octava también se ilustra en la Figura 2 en las dos longitudes de onda inferiores.

Figura 2: Partes armónicas/serie armónica

Todos los instrumentos no están afinados igual o incluso con los mismos conjuntos de tono. Cuando los instrumentos se afinan para hacer las proporciones científicamente puras (a la manera de la Figura 2) esto se llama entonación justa. Si bien el oído prefiere intervalos puros no son prácticos para mucha música occidental. En el mundo occidental la mayoría de los instrumentos no están sintonizados solo a la entonación. En cambio, los instrumentos occidentales suelen afinarse para igualar el temperamento. En igual temperamento la octava se divide en doce tonos equidistantes. Cuando se hace esto se pierde la pureza de las proporciones científicas. Esto significa que los instrumentos de tono fijo como teclados y guitarras no están completamente “en sintonía” de acuerdo a la entonación. Esta afinación “impura” es necesaria para reproducir música que se mueve entre diferentes escalas/áreas clave. En la música occidental algunos géneros de música utilizan solo la entonación. Este es principalmente el caso cuando los instrumentos no tienen tono fijo (acordes sin trastes de la familia del violín, voz humana). Algunos géneros que utilizan afinación científica/entonación justa son la armonía de barbería, la música de coro y los cuartetos de cuerda. Algunos pop modernos altamente producidos y música electrónica de baile utilizan solo la entonación. La computadora ahora se usa para producir mucha música que tiene intervalos “puros”. La música india también utiliza solo entonación. A pesar de que hay varios instrumentos de tono fijo y trastes (como el sitar) utilizados en la música india, la entonación no es un problema porque no hay movimiento entre diferentes áreas clave.

En el mundo occidental se pone énfasis en la afinación a un conjunto de tono estándar. Esto permite a los músicos tocar sus instrumentos en diferentes géneros y conjuntos. El uso del piano en diversos géneros lo ilustra. La mayoría de los instrumentos estadounidenses están sintonizados hoy en día al estándar A 440 (A 442 en Europa y Asia). Esto a menudo se conoce como “pitch de concierto”. En estudios de grabación y clubes de música se utilizan sintonizadores digitales para ayudar a mantener los instrumentos en sintonía. Estos sintonizadores se pueden enganchar en el instrumento, enchufarse a los aparatos eléctricos o descargarse a teléfonos inteligentes. Antes del uso de sintonizadores electrónicos, los diapasones y las tuberías de paso eran comunes. Los grandes conjuntos acústicos suelen sintonizar juntos antes de reproducir música. En las orquestas un oboe toca “pitch de concierto” (A 440) por cada sección de instrumentos a igualar antes de que el director “tome el podio”. La mayoría de los instrumentos pueden hacer un ligero ajuste para elevar el tono si es demasiado bajo (plano) o bajar el tono si es demasiado alto (agudo). Cuando todos los instrumentos han igualado el tono (están en sintonía) entonces comienza el concierto. El acto de tocar muchos instrumentos hace que se salgan de sintonía. El desplume continuo o el arqueamiento de las cuerdas afloja la tensión sobre ellas, haciéndolas planas. La temperatura y la humedad también afectan el tono de muchos instrumentos. Los instrumentos de viento de latón y madera tienden a tocar fuerte en climas cálidos y planos en condiciones más frías. Esto afecta a las bandas de música, que a menudo actúan en condiciones climáticas extremas que van desde el sol caluroso de un espectáculo de medio tiempo de fútbol de finales de verano hasta el aire frío en un desfile navideño.

En otras culturas no se prioriza tener un tono estándar. Donde se encuentra el terreno de juego puede depender de las normas culturales. Como afirma Cathy Kiroe-Smith en Musical Journeys, 2013, “En muchos países africanos, por ejemplo, el tono es más una aproximación que una ciencia y los intérpretes tocarán instrumentos independientemente de que estén perfectamente en sintonía con los instrumentos tocados por otros intérpretes o no”. En Indonesia cada conjunto gamelano se afina únicamente en relación con los instrumentos que hay dentro. Esto significa que no hay dos conjuntos gamelan que tengan la misma afinación. Debido a esto, los instrumentos individuales de un gamelan no se pueden interpretar con otro gamelan. Este también fue el caso de las panpipas tradicionales sikuri donde las comunidades desarrollarían su propia afinación. Las pipas siku contemporáneas a menudo se afinan a tonos occidentales. Otros instrumentos tradicionales que se tocan solos a menudo no están sujetos a afinación estandarizada. Esto es cierto para las flautas solistas que se encuentran en todo el mundo. Los órganos de la iglesia en Europa están sintonizados con una variedad de presentaciones de conciertos que van desde la A 425 hasta la A 456. Los cantantes pueden hacer los ajustes a estos tonos con facilidad, mientras que los instrumentos de tono fijo como pianos, percusión de teclado y cordófonos con trastes están limitados en órganos con los que podrían actuar.

entonación

Tener un buen sentido de la entonación significa que uno puede reconocer si un tono se produce a la frecuencia adecuada. Esta es una habilidad que casi todos pueden desarrollar dado el tiempo y la práctica. En la cultura estadounidense el término “tono sordo” a menudo se aplica incorrectamente a alguien que aún no ha desarrollado un buen sentido de la entonación. La sordera tonal es un trastorno musical llamado amusia. Lo opuesto a la sordera de tono es el tono perfecto. El tono perfecto es una condición rara a través de la cual alguien que lo tiene puede reconocer vibraciones exactas sin una referencia. Los investigadores estiman que el tono perfecto ocurre en aproximadamente 1 de cada 10,000 personas (Sachs et al. 1995, 621). Los instrumentos con tono indeterminado (batería) y/o fijo (piano, guitarra, computadora) no requieren desarrollo de entonación al nivel de otros instrumentos. El desarrollo de la entonación lleva mucho tiempo y es parte de la razón de la separación de los programas de cuerda de los programas de viento, percusión y coro en las escuelas estadounidenses.

Melody

Melody es una colección de tonos que se tocan en sucesión. La melodía suele ser el punto focal del oyente cuando experimenta la música. Si bien puede haber melodías abstractas, en la mayoría de los géneros las melodías son una “melodía” que se utiliza para identificar la pieza musical. Si vas a contarle a alguien sobre una canción o pieza que escuchaste probablemente empezarías cantando la melodía para ellos.

Al escuchar música con un oído para el análisis de la melodía el primer paso es identificar el/los instrumento (s) que la están interpretando. En los géneros populares la melodía suele ser el conjunto de notas que son interpretadas con letras por la voz humana. En grandes conjuntos la melodía a menudo cambia a diferentes instrumentos y agrupaciones de timbre. En algunos casos la melodía se canta en armonía (o armonizada). Esto significa que los instrumentos tocan la melodía a diferentes tonos pero a intervalos y ritmos similares. El resultado suele ser acordes/armonía.

La segunda consideración al escuchar melodía es si la melodía es o no precompuesta o improvisada. La improvisación es el proceso de componer e interpretar música al mismo tiempo. Si bien algo de música es invención espontánea (free jazz) la mayor parte de la improvisación es producto de un entrenamiento y práctica muy disciplinados (Bakan 2012, 29). Algunos géneros (Jazz, Blues) tienen secciones de melodía que se improvisan y otras que están precompuestas. Otra práctica que a menudo se improvisa sobre melodías precompuestas es la ornamentación de la melodía. Los ornamentos son “decoraciones” culturales de la melodía de formas estilizadas al agregar pequeños giros, giros y notas extra a la melodía. Esta es una práctica común en las tradiciones árabes, indias, asiáticas orientales, celtas y africanas occidentales.

Escalas y modos melódicos

La tercera consideración al analizar la melodía es considerar qué colección de tonos hay en la melodía. La mayoría de las veces las melodías se construyen sobre escalas. Una escala o modo melódico es una serie de tonos que se presentan en orden ascendente y descendente. Las escalas se utilizan para construir piezas musicales. Cuando estas escalas tienen más reglas para la interpretación y las asociaciones extra-musicales se les llama modos.

Como se mencionó anteriormente, los intervalos son la distancia entre dos notas musicales. Algunos intervalos son más importantes que otros. Esto se debe a que algunos intervalos son más consonantes/agradables al oído que otros. Las longitudes de onda de la Figura 2 muestran una relación que se mueve hacia arriba alejándose de la consonancia en la parte inferior. La octava es el intervalo más importante. Lo siguiente en importancia son los intervalos “perfectos” de un cuarto y un quinto. El tercero mayor, el tercero menor y luego el segundo mayor siguen los intervalos perfectos. Los intervalos más disonantes/menos importantes son el segundo menor y el tritono. En la práctica occidental la octava se divide por doce medios pasos iguales o segundos menores (también llamados semitonos). En la Figura 1 hay doce notas entre cada tono del mismo nombre de letra. Cuando los doce tonos se tocan en orden ascendente y descendente se llama escala cromática. Debido a que la escala cromática contiene solo un intervalo (1⁄2 paso) no hay sentido de que una nota sea más importante que las otras. Esto significa que la escala cromática se utiliza a menudo para expresar una calidad no establecida o cambiante.

Escalas Diatónicas Mayores y Menores

Las escalas que se utilizan para la mayoría de la música occidental son las dos formas de la escala diatónica. Las escalas diatónicas son escalas de siete notas que contienen una serie de pasos enteros y medios. Debido a que tienen intervalos diferentes hay un pitch home que es el pitch de descanso o pitch “home” dentro de la escala. Esta nota se llama el tónico. En la escala diatónica C la nota C es el tono tónico. Las escalas diatónicas se pueden construir sobre las doce notas como tónico. Hay dos formas de la escala diatónica llamadas mayor diatónica y menor diatónica. Cada uno consiste en una serie de pasos enteros y medios como se ilustra en la Figura 3. Un paso entero equivale a dos medios pasos.

Figura 3:3 Escalas Diatónicas Mayores, 3 Escalas Diatónicas Menores

Las melodías de la mayoría de las canciones de la tradición occidental se construyen utilizando las notas de las escalas mayor o menor. Generalmente se entiende culturalmente que las notas de la escala mayor suenan “felices” o “ligeras” mientras que las notas de la escala menor suenan “tristes” o “abajo”. Si uno toca todas las teclas blancas (naturales) de un piano de C a C entonces será una escala de Do mayor. C Mayor es la única escala mayor que se puede jugar sin tocar las accidentales (teclas negras). De igual manera, la escala A menor se juega en todos los naturales de la A a la A. La figura 4 da todas las claves mayores y menores con las correspondientes firmas clave (número de objetos punzantes o planos).

Figura 4: El círculo de quintas

Por Just plain Bill (Obra propia) [GFDL (http://www.gnu.org/copyleft/fdl.html) vía Wikimedia Commons

Hay una jerarquía de tonos en cada escala. El tono más importante es el grado de primera escala y se llama tónico. El tono dominante es el segundo tono más importante. Es el quinto grado de escala diatónica. Subdominante se construye en el grado de cuarta escala y también se considera importante.

Al referirse a los lanzamientos es estándar ahora en el oeste usar nombres de letras. Tradicionalmente, la mayoría de las culturas utilizan algún sistema de solfeo. Solfeo utiliza sílabas para nombrar tonos en relación con escalas. En la escala mayor diatónica occidental las sílabas solfeo son do, re, mi, fa, sol, la, ti, do con la nota tónica siendo do. La ventaja de aprender solfeo es que los cantantes pueden cantar la misma melodía en todas las teclas sin ajustar los nombres de las notas.

Escala Pentatónica

La escala pentatónica es una escala que ha sido utilizada por muchas culturas. La escala pentatónica tiene cinco notas. La forma menor de esta escala tiene un ^3º menor, escalón entero, escalón entero, ^3º menor, escalón entero. Esta escala se puede tocar en todas las teclas negras de un piano comenzando y terminando en mi bemol. La forma mayor de esta escala contiene las notas de una escala diatónica mayor sin los grados de cuarta y séptima escala. En diferentes formas, la escala pentatónica se utiliza como escala primaria en gran parte de la música africana subsahariana, la música asiática del lejano oriente y la música gamelana de Indonesia. Los sistemas gamelanos de afinación pelog y eslendro utilizan escalas pentatónicas que no tienen nada que ver con la división occidental de la octava.

Escala de Blues

La escala de blues más común es una escala pentatónica menor con una nota añadida. Esta escala se puede tocar sobre cualquier acorde en una “progresión de acordes de blues”. Esto lo hace esencial tanto para los géneros blues como para el jazz. Ver figura 5.

Figura 5: Escalas pentatónicas en Do Menor y Azules en C