3.11: La Era Clásica
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Introducción
Las fechas del periodo Clásico en la música occidental son generalmente aceptadas como entre 1750 y 1820 aproximadamente. Sin embargo, el término se emplea en sentido coloquial como sinónimo de música artística occidental, que describe una variedad de estilos musicales occidentales desde el siglo IX hasta la actualidad, y especialmente del XVI o XVII al XIX. Este artículo trata sobre el periodo específico de 1730 a 1820.
El periodo clásico cae entre el barroco y el romántico. Los compositores más conocidos de esta época son Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven y Franz Schubert; otros nombres notables incluyen a Luigi Boccherini, Muzio Clementi, Antonio Soler, Antonio Salieri, François Joseph Gossec, Johann Stamitz, Carl Friedrich Abel, Carl Philipp Emanuel Bach, y Christoph Willibald Gluck. Ludwig van Beethoven también es considerado como un compositor romántico o un compositor que formó parte de la transición a lo Romántico.
Franz Schubert es también una especie de figura transicional, al igual que Johann Nepomuk Hummel, Mauro Giuliani, Friedrich Kuhlau, Fernando Sor, Luigi Cherubini, Jan Ladislav Dussek y Carl Maria von Weber. El período a veces se conoce como la era del clásico vienés o clasicismo (alemán: Wiener Klassik), ya que Wolfgang Amadeus Mozart, Joseph Haydn, Antonio Salieri y Ludwig van Beethoven trabajaron en algún momento en Viena, y Franz Schubert nació ahí.
Clasicismo
A mediados del siglo XVIII, Europa comenzó a avanzar hacia un nuevo estilo en la arquitectura, la literatura y las artes, generalmente conocido como Clasicismo. Este estilo buscaba emular los ideales de la antigüedad clásica, especialmente los de la Grecia clásica. Si bien seguía estrechamente vinculado a la cultura de Corte y al absolutismo, con su formalidad y énfasis en el orden y la jerarquía, el nuevo estilo también era más limpio, es decir más ordenado. Favorecía divisiones más claras entre las partes, contrastes y colores más brillantes, y simplicidad en lugar de complejidad. Además, el tamaño típico de las orquestas comenzó a aumentar.
El notable desarrollo de las ideas en la “filosofía natural” ya se había establecido en la conciencia pública. En particular, la física de Newton se tomó como paradigma: las estructuras deben estar bien fundadas en axiomas y estar bien articuladas y ordenadas. Este gusto por la claridad estructural comenzó a afectar a la música, que se alejó de la polifonía estratificada de la época barroca hacia un estilo conocido como homofonía, en el que la melodía se toca sobre una armonía subordinada. Este movimiento significó que los acordes se convirtieron en una característica mucho más frecuente de la música, aunque interrumpieran la suavidad melódica de una sola parte. Como resultado, la estructura tonal de una pieza musical se hizo más audible.
El nuevo estilo también se vio alentado por los cambios en el orden económico y la estructura social. Conforme avanzaba el siglo XVIII, la nobleza se convirtió en los principales mecenas de la música instrumental, mientras que el gusto público prefería cada vez más la ópera cómica. Esto condujo a cambios en la forma en que se interpretaba la música, el más crucial de los cuales fue el paso a grupos instrumentales estándar y la reducción de la importancia del continuo —el suelo rítmico y armónico de una pieza musical, típicamente interpretada por un teclado (clavicordio u órgano) y potencialmente por varios otros instrumentos. Una forma de rastrear el declive del continuo y sus acordes figurados es examinar la desaparición del término obbligato, significando una parte instrumental obligatoria en una obra de música de cámara. En las composiciones barrocas, se podían agregar instrumentos adicionales al continuo según preferencia; en las composiciones clásicas, todas las partes se notaron específicamente, aunque no siempre se anotaron, por lo que el término “obbligato” se volvió redundante. Para 1800, estaba prácticamente extinto.
Los cambios económicos también tuvieron el efecto de alterar el equilibrio de disponibilidad y calidad de los músicos. Mientras que en el Barroco tardío un compositor importante tendría todos los recursos musicales de un pueblo para aprovechar, las fuerzas disponibles en un pabellón de caza eran más pequeñas y más fijas en su nivel de habilidad. Esto fue un impulso a tener principalmente partes simples para tocar, y en el caso de un grupo virtuoso residente, un impulso a escribir partes espectaculares, idiomáticas para ciertos instrumentos, como en el caso de la orquesta de Mannheim. Además, el apetito por un suministro continuo de música nueva, arrastrada desde el barroco, hizo que las obras tuvieran que ser interpretables con, en el mejor de los casos, un ensayo. En efecto, incluso después de 1790 Mozart escribe sobre “el ensayo”, con la implicación de que sus conciertos solo tendrían uno.
Dado que la textura polifónica ya no era el foco principal de la música (excluyendo la sección de desarrollo) sino una sola línea melódica con acompañamiento, hubo mayor énfasis en anotar esa línea para dinámicas y fraseo. La simplificación de la textura hizo que ese detalle instrumental fuera más importante, y también hizo más importante el uso de ritmos característicos, como las fanfarrias de apertura llamativas, el ritmo de la marcha fúnebre, o el género del minueto, para establecer y unificar el tono de un solo movimiento.
Formas como el concierto y la sonata se definieron más fuertemente y se les dieron reglas más específicas, mientras que la sinfonía se creó en este período (esto se atribuye popularmente a Joseph Haydn). El concierto grosso (un concierto para más de un músico) comenzó a ser sustituido por el concierto para solista (un concierto con un solo solista), y por lo tanto comenzó a darle más importancia a la capacidad del solista particular para presumir. Había, por supuesto, algunos concerti grossi que quedaron, el más famoso de los cuales fue Sinfonia Concertante para Violín y Viola de Mozart en mi bemol mayor.
Característica principal
La música clásica tiene una textura más ligera y clara que la música barroca y es menos compleja. Es principalmente homofónica-melodía por encima del acompañamiento cordal (pero el contrapunto de ninguna manera se olvida, sobre todo más adelante en la época). También hace uso del estilo galant en la época clásica que se dibujó en oposición a las estenosis del estilo barroco, enfatizando la elegancia ligera en lugar de la seriedad digna y grandeza impresionante del barroco.
La variedad y el contraste dentro de una pieza se hicieron más pronunciados que antes. Variedad de claves, melodías, ritmos y dinámicas (usando crescendo, diminuendo y sforzando), junto con frecuentes cambios de humor y timbre fueron más comunes en el periodo Clásico que en el Barroco. Las melodías tendían a ser más cortas que las de la música barroca, con frases claras y cadencias claramente marcadas. La orquesta aumentó en tamaño y alcance; el continuo clavecín cayó fuera de uso, y el viento de madera se convirtió en una sección autónoma. Como instrumento solista, el clavecín fue sustituido por el piano (o fortepiano). La música de piano primitiva era de textura ligera, a menudo con acompañamiento bajo Alberti, pero más tarde se hizo más rica, más sonora y más potente.
Se le dio importancia a la música instrumental, los principales tipos fueron la sonata, el trío, el cuarteto de cuerda, la sinfonía, el concierto, la serenata y el divertimento. La forma de sonata se desarrolló y se convirtió en la forma más importante. Se utilizó para construir el primer movimiento de la mayoría de las obras a gran escala, pero también otros movimientos y piezas individuales (como oberturas).
- Autor: Elliott Jones. Proporcionado por: Colegio Santa Ana. Ubicado en: http://www.sac.edu. Licencia: CC BY: Atribución
- Periodo clásico (música). Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: http://en.wikipedia.org/wiki/Classical_period_(music). Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual