1.6: Lectura- Elementos artísticos

El Punto

Un punto es el elemento visual en el que se basan todos los demás. Se puede definir como una singularidad en el espacio o, en términos geométricos, el área donde se encuentran dos coordenadas. Cuando un artista marca un punto simple en una superficie, (también conocido como el suelo), inmediatamente crea una relación figura-suelo. Es decir, dividen la obra entre su superficie y cualquier cosa que se le agregue. Nuestros ojos diferencian entre los dos, y su arreglo tiene todo que ver con cómo vemos una composición final. El punto en sí puede ser utilizado como una forma de crear formas. Por ejemplo, el puntillismo es un estilo de pintura hecho famoso por el artista francés Georges Seurat a finales del siglo XIX. Él y otros del grupo puntillista crearon pinturas yuxtaponiendo puntos —o puntos— de color que se mezclaban ópticamente para formar líneas, formas y formas dentro de una composición. Mira un detalle de La Parade de Cirque de Seurat para ver cómo funciona esto. Su gran lienzo Sunday Afternoon on the Grande Jatte es un testimonio del estilo puntillista y la estética. Su creación fue un proceso minucioso pero que generó nuevas formas de pensar sobre el color y la forma.

Georges Seurat, La Desfile de Cirque, detalle, 1887-89. El Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. CC BY-SA

Definiciones y Cualidades de Línea

Esencialmente, cuando pones dos o más puntos juntos creas una línea. Una línea puede definirse líricamente como un punto en movimiento. Hay muchos tipos diferentes de líneas, todas caracterizadas por que su longitud es mayor que su anchura. Las líneas pueden ser estáticas o dinámicas dependiendo de cómo el artista elija utilizarlas. Ayudan a determinar el movimiento, la dirección y la energía en una obra de arte. Vemos línea a nuestro alrededor en nuestra vida diaria; cables telefónicos, ramas de árboles, estelas de jet y caminos sinuosos son solo algunos ejemplos. Mire la fotografía a continuación para ver cómo la línea es parte de los entornos naturales y construidos.

Foto de la NASA. CC BY-NC

En esta imagen de una tormenta eléctrica podemos ver muchas líneas diferentes. Ciertamente las líneas dentadas y serpenteantes del relámpago en sí dominan la imagen, seguidas de las líneas rectas de los estándares de luz, los pilares que sostienen el paso elevado a la derecha y los rieles de guardia unidos a su costado. También hay líneas más sutiles, como la línea suavemente arqueada en la parte superior de la imagen y las sombras proyectadas por los postes y la figura de pie en el medio. Las líneas incluso están implícitas por la caída de gotas de agua en primer plano.

Las líneas de Nazca en las áridas llanuras costeras del Perú datan de casi 500 a. C. fueron rayadas en el suelo rocoso, representando animales a una escala increíble, tan grandes que se ven mejor desde el aire. Veamos cómo se hacen los diferentes tipos de línea.

Las Meninas de Diego Velázquez de 1656, ostensiblemente un retrato de la Infanta Margarita, hija del rey Felipe IV y la reina Mariana de España, ofrece una suntuosa cantidad de genio artístico; su tamaño de cizalla (casi diez pies cuadrados), estilo pictórico de naturalismo, efectos de iluminación, y el enigmáticas figuras colocadas a lo largo del lienzo —incluido el propio artista— es una de las grandes pinturas de la historia del arte occidental. Examinémoslo (abajo) para descubrir cómo Velázquez utiliza elementos básicos y principios del arte para lograr tal obra maestra.

Diego Velazquez, Las Meninas, 1656, óleo sobre lienzo, 125.2” x 108.7”. Prado, Madrid. CC BY-SA

Las líneas reales son las que están físicamente presentes. El borde de la barra de camilla de madera a la izquierda de Las Meninas es una línea real, al igual que los marcos de cuadros en el fondo y los elementos decorativos lineales en algunos de los vestidos de las figuras. ¿Cuántas otras líneas reales puedes encontrar en la pintura?

Las líneas implícitas son aquellas creadas conectando visualmente dos o más áreas juntas. El espacio entre la Infanta Margarita —la rubia figura central en la composición— y las meninas, o doncellas de honor, a la izquierda y a la derecha de ella, son líneas implícitas. Ambos establecen una relación diagonal que implica movimiento. Al conectar visualmente el espacio entre las cabezas de todas las figuras de la pintura tenemos una sensación de movimiento irregular que mantiene la parte inferior de la composición en movimiento, equilibrada contra las zonas superiores más oscuras y estáticas de la pintura. También se pueden crear líneas implícitas cuando dos áreas de diferentes colores o tonos se unen. ¿Se pueden identificar líneas más implícitas en la pintura? ¿Dónde? Las líneas implícitas también se encuentran en obras tridimensionales. La escultura del Laocoón de abajo, figura de la mitología griega y romana, está, junto con sus hijos, siendo estrangulada por serpientes marinas enviadas por la diosa Atenea como ira contra sus advertencias a los troyanos de no aceptar al caballo de Troya. La escultura establece líneas implícitas en movimiento a medida que las figuras se retuercen en agonía contra las serpientes.

Grupo Laocoon, copia romana del original griego, Museo Vaticano, Roma. Foto de Marie-Lan Nguyen. CC BY-SA

Las líneas rectas o clásicas proporcionan estructura a una composición. Se pueden orientar al eje horizontal, vertical o diagonal de una superficie. Las líneas rectas son por naturaleza visualmente estables, sin dejar de dar dirección a una composición. En Las Meninas, se pueden ver en los soportes de lona a la izquierda, los soportes de pared y puertas a la derecha, y en el fondo en matrices en los espacios de pared entre los cuadros enmarcados. Además, las pequeñas líneas horizontales creadas en los bordes de la escalera en el fondo ayudan a anclar todo el diseño visual de la pintura.

Líneas rectas, 11 de julio de 2012, Creador: Oliver Harrison. CC POR

Las líneas expresivas son curvas, agregando un carácter orgánico y más dinámico a una obra de arte. Las líneas expresivas suelen ser redondeadas y siguen caminos indeterminados. En Las Meninas se pueden ver en los delantales en los vestidos de las niñas y en el patrón de pata trasera doblada y abrigo del perro. Vuelva a mirar al Laocoon para ver líneas expresivas en las extremidades agitadas de las figuras y la forma sinuosa de las serpientes. En efecto, la escultura parece estar compuesta nada más que por líneas, formas y formas expresivas.

Líneas orgánicas, 11 de julio de 2012, Creador: Oliver Harrison. CC POR

Existen otros tipos de líneas que engloban las características de las anteriores pero, tomadas en conjunto, ayudan a crear elementos artísticos adicionales y composiciones más ricas y variadas. Consulte las imágenes y ejemplos a continuación para familiarizarse con este tipo de líneas.

El contorno o contorno es el más simple de estos. Crean un camino alrededor del borde de una forma. De hecho, los contornos definen formas.

Esquema, 11 de julio de 2012, Creador: Oliver Harrison. CC POR

Las líneas de contorno cruzadas siguen trayectorias a través de una forma para delinear diferencias en las entidades de superficie. Dan a las formas planas un sentido de forma (la ilusión de tres dimensiones), y también se pueden utilizar para crear sombreado.

Contorno cruzado, 11 de julio de 2012, Creador: Oliver Harrison. CC POR

Las líneas de sombreado se repiten a intervalos cortos en generalmente una dirección. Dan sombra y textura visual a la superficie de un objeto.

Hatch, 11 de julio de 2012, Creador: Oliver Harrison. CC POR

Las líneas de rayado proporcionan tono y textura adicionales. Se pueden orientar en cualquier dirección. Varias capas de líneas de rayado cruzado pueden dar un sombreado rico y variado a los objetos manipulando la presión de la herramienta de dibujo para crear un amplio rango de valores.

Crosshatch, 11 de julio de 2012, Creador: Oliver Harrison. CC POR

La calidad de línea es ese sentido de carácter incrustado en la forma en que una línea se presenta. Ciertas líneas tienen cualidades que las distinguen de otras. Las líneas dentadas y de bordes duros tienen un movimiento visual staccato, mientras que las líneas orgánicas y fluidas crean una sensación más cómoda. Las líneas serpenteantes pueden ser geométricas o expresivas, y se puede ver en los ejemplos cómo sus caminos indeterminados animan una superficie en diferentes grados.

A Line, 11 de julio de 2012, Creador: Oliver Harrison. CC POR

Si bien la línea como elemento visual generalmente juega un papel de apoyo en el arte visual, existen ejemplos maravillosos en los que la línea tiene un fuerte significado cultural como tema principal.

Las líneas caligráficas utilizan la rapidez y el gesto, más parecidos a los trazos de pintura, para impregnar una obra de arte con un carácter lírico y fluido. Para ver esta calidad de línea única, vea la obra del poeta y artista chino Dong Qichang, El poema de Du Fu, que data de la dinastía Ming (1555-1637). Un ejemplo más geométrico del Corán, creado en el estilo caligráfico árabe, data del ^siglo IX.

Ambos ejemplos muestran cómo los artistas utilizan la línea como una forma de escritura y una forma de arte visual. El artista estadounidense Mark Tobey (1890—1976) fue influenciado por la caligrafía oriental, adaptando su forma al acto de la pintura pura dentro de un estilo abstracto moderno descrito como escritura blanca.

Formas: Problemas Positivos, Negativos y Planares

Una forma se define como un área cerrada en dos dimensiones. Por definición, las formas son siempre implícitas y de naturaleza plana. Se pueden crear de muchas maneras, la más simple al encerrar un área con un contorno. También se pueden hacer rodeando un área con otras formas o colocando diferentes texturas una al lado de la otra, por ejemplo, la forma de una isla rodeada de agua. Debido a que son más complejas que las líneas, las formas hacen gran parte del trabajo pesado al organizar composiciones. Los ejemplos abstractos a continuación nos dan una idea de cómo se hacen las formas.

Shapes, 11 de julio de 2012, Creador: Oliver Harrison. CC POR

Refiriéndose de nuevo a Las Meninas de Velázquez, es fundamentalmente un arreglo de formas; orgánico y de bordes duros, claro, oscuro y tono medio, que solidifica la composición dentro de la forma más grande del lienzo. Mirándolo de esta manera, podemos ver cualquier obra de arte, ya sea bidimensional o tridimensional, realista, abstracta o no objetiva, solo en términos de formas.

Formas Positivas/Negativas y Figura/Relaciones Terrestres

Las formas animan las relaciones entre la figura y el suelo. Determinamos visualmente formas positivas (la figura) y formas negativas (el suelo). Una forma de entender esto es abrir la mano y separar los dedos. Tu mano es la forma positiva, y el espacio a su alrededor se convierte en la forma negativa. Esto también se puede ver en el ejemplo anterior. La forma formada por el contorno negro se vuelve positiva porque está encerrada. El área a su alrededor es negativa. El mismo arreglo visual va con el círculo gris y el cuadrado púrpura. Pero identificar formas positivas y negativas puede resultar complicado en una composición más compleja. Por ejemplo, los cuatro rectángulos azules de la izquierda tienen bordes que se tocan entre sí, creando así una forma blanca sólida en el centro. Los cuatro rectángulos verdes de la derecha en realidad no se conectan todavía todavía nos dan una forma implícita en el centro. ¿Cuál dirías que es la forma positiva? ¿Y los círculos rojos que rodean la forma de estrella gris? Recuerda que una forma positiva es aquella que se distingue del fondo. En Las Meninas las figuras se convierten en las formas positivas porque están iluminadas dramáticamente y mantienen nuestra atención contra el fondo oscuro. ¿Y la figura oscura de pie en la puerta? Aquí la forma oscura se convierte en la positiva, rodeada de un fondo blanco. Nuestros ojos siempre vuelven a esta figura como ancla de toda la composición de la pintura. En tres dimensiones, las formas positivas son las que conforman la obra real. Las formas negativas son los espacios vacíos alrededor, y a veces permeando a través de la obra misma. El Laocoon es un buen ejemplo de ello. Una obra moderna que utiliza formas con un efecto dramático es la Mujer reclinada que sueña de 1929 de Alberto Giacometti. En un estilo abstracto el artista teje formas positivas y negativas, el resultado es una sensación soñadora y flotante que irradia de la escultura.

Avión

Un plano se define como cualquier área de superficie en el espacio. En el arte bidimensional, el plano de la imagen es la superficie plana sobre la que se crea una imagen; una hoja de papel, lienzo estirado, panel de madera, etc. La orientación de una forma dentro del plano de imagen crea un plano implícito visualmente, inferyendo dirección y profundidad en relación con el espectador. El siguiente gráfico muestra tres ejemplos.

Shape Planes, 11 de julio de 2012, Creador: Oliver Harrison. CC POR

Tradicionalmente, el plano de la imagen se ha comparado con una ventana por la que el espectador mira a una escena más allá, el artista construye una imagen creíble que muestra profundidad implícita y relaciones planas. Paisaje con la caída de Ícaro, pintado por Pieter Breughel el Viejo en 1558 (abajo), nos presenta el trágico final del mito griego que involucra a Ícaro, hijo de Dédalo, quien, tratando de escapar de la isla de Creta con alas de cera, vuela demasiado cerca del sol y cae a la tierra. Breughel nos muestra un paisaje idílico con agricultores labrando sus campos, cada fila en terrazas un plano diferente de tierra, y pastores cuidando sus rebaños de ovejas en primer plano. Representa al ganado en posiciones que inferyen que se mueven en diferentes direcciones en relación con la “ventana” del plano de imagen. Miramos más allá para ver una recesión gradual hacia el mar y un término medio dominado por un barco a vela. Las curvas de las velas ondulantes implican dos o tres planos diferentes. El fondo de la pintura muestra la ilusión del espacio profundo, los enormes acantilados ahora pequeños en relación con el primer plano, y la nave distante cerca del centro como más pequeña y de tono más claro. En la grandeza de la escena Ícaro cae al mar desapercibido justo frente a la orilla a la parte inferior derecha, sólo sus piernas aún por encima del agua. El uso del artista de la descripción plana está relacionado con la idea del espacio y cómo se representa en dos dimensiones. Veremos el elemento del espacio justo por delante.

Paisaje con la caída de Ícaro, Peter Breughel el Viejo, 1558. Musee des Beaux-Arts, Bruselas. CC BY-SA

Espacio

El espacio es el área vacía que rodea objetos reales o implícitos. Los humanos categorizan el espacio: existe el espacio exterior, ese vacío ilimitado al que entramos más allá de nuestro cielo; el espacio interior, que reside en la mente y la imaginación de las personas, y el espacio personal, el área importante pero intangible que rodea a cada individuo y que se viola si alguien más se acerca demasiado. El espacio pictórico es plano y el ámbito digital reside en el ciberespacio. El arte responde a todo este tipo de espacios.

Claramente los artistas están tan preocupados por el espacio en sus obras como lo están, digamos, con el color o la forma. Hay muchas formas para que el artista presente ideas del espacio. Recuerde que muchas culturas tradicionalmente utilizan el espacio pictórico como una ventana para ver el tema realista a través, y a través de la materia presentan ideas, narrativas y contenido simbólico. La innovación de la perspectiva lineal, un constructo pictórico geométrico implícito que data de la Europa del siglo XV, nos permite la ilusión precisa del espacio tridimensional sobre una superficie plana, y parece retroceder en la distancia a través del uso de un horizonte línea y puntos de fuga. Vea cómo se configura la perspectiva en los ejemplos esquemáticos a continuación:

One Point Perspective, 11 de julio de 2012, Creador: Oliver Harrison. CC POR

La perspectiva de un punto ocurre cuando las líneas de retroceso parecen converger en un solo punto del horizonte y se usan cuando el frente plano de un objeto está orientado hacia el espectador. Nota: La perspectiva se puede usar para mostrar el tamaño relativo y la recesión en el espacio de cualquier objeto, pero es más efectiva con objetos tridimensionales de bordes duros como edificios.

Una obra clásica del Renacimiento con perspectiva de un punto es La última cena de Leonardo da Vinci de 1498. Da Vinci compone la obra localizando el punto de fuga directamente detrás de la cabeza de Cristo, atrayendo así la atención del espectador hacia el centro. Sus brazos reflejan las líneas de pared que retroceden, y, si las seguimos como líneas, convergerían en el mismo punto de fuga.

Leonardo da Vinci, La Última Cena, 1498. Fresco. Santa María de la Gracia. El trabajo es de dominio público.

La perspectiva de dos puntos ocurre cuando el borde vertical de un cubo está orientado hacia el espectador, exponiendo dos lados que retroceden en la distancia, uno a cada punto de fuga.

Perspectiva de dos puntos, 11 de julio de 2012, Creador: Oliver Harrison. CC POR

Vea la calle Paris Street, Rainy Weather de Gustave Caillebotte desde 1877 para ver cómo se utiliza la perspectiva de dos puntos para dar una visión precisa a una escena urbana. La composición del artista, sin embargo, es más compleja que solo su uso de la perspectiva. Las figuras se colocan deliberadamente para dirigir el ojo del espectador desde el frente derecho de la imagen hasta el borde frontal del edificio a la izquierda, que, como la proa de un barco, actúa como una navaja para hundir ambos lados hacia el horizonte. En medio de esta recesión visual un poste de luz se coloca firmemente en el medio para evitar que nuestra mirada salga por la parte posterior del cuadro. Caillebotte incluye el pequeño brazo metálico en la parte superior derecha del poste para dirigirnos nuevamente por un camino horizontal, ahora evitando que viajemos fuera de la parte superior de la lona. Tan relativamente sobra como lo es el lado izquierdo de la obra, el artista abarrota el lado derecho con formas y formas duras y orgánicas en un complejo juego de espacio positivo y negativo.

La perspectiva de tres puntos se utiliza cuando un artista quiere proyectar una “vista de pájaro”, es decir, cuando las líneas de proyección retroceden a dos puntos en el horizonte y un tercio ya sea muy por encima o por debajo de la línea del horizonte. En este caso las líneas paralelas que conforman los lados de un objeto no son paralelas al borde del suelo en el que trabaja el artista (papel, lienzo, etc).

Perspectiva de tres puntos (con puntos de fuga por encima y por debajo de la línea del horizonte que se muestran al mismo tiempo). Diseño por Shazz, CC BY

El sistema de perspectiva es una convención cultural muy adaptada a una idea tradicional de Europa occidental de la “verdad”, es decir, una interpretación precisa y clara de la realidad observada. Incluso después de la invención de la perspectiva lineal, muchas culturas tradicionalmente utilizan un espacio pictórico más plano, apoyándose en formas superpuestas o diferencias de tamaño en las formas para indicar esta misma verdad de observación. Examine la pintura en miniatura de la Corte Tercera del Palacio de Topkapi de la Turquía del siglo XIV para contrastar su espacio pictórico con el de perspectiva lineal. Está compuesto a partir de una serie de diferentes puntos de vista (a diferencia de puntos de fuga), todos muy planos al plano de imagen. Si bien la imagen general se ve desde arriba, las figuras y los árboles aparecen como recortes, pareciendo flotar en el aire. Observe que las torres en el extremo izquierdo y derecho están de lado al plano de la imagen. Por “incorrecta” que parezca, la pintura da una descripción detallada del paisaje y las estructuras en los terrenos del palacio.

Tercer Tribunal del Palacio Topkapi, del Hunername, 1548. Pintura en miniatura otomana, Museo Topkapi, Estambul. CC BY-SA

Después de casi quinientos años utilizando la perspectiva lineal, las ideas occidentales sobre cómo se representa el espacio con precisión en dos dimensiones pasaron por una revolución a principios del ^siglo XX. Un joven artista español, Pablo Picasso, se mudó a París, entonces capital del arte de la cultura occidental, y reinventó en gran parte el espacio pictórico con la invención del cubismo, marcado por su pintura Les Demoiselles d'Avignon en 1907. Fue influenciado en parte por las formas cinceladas, las superficies angulares y la desproporción de la escultura africana (refiérase a la Figura Masculina de Camerún) y los rostros tipo máscara de las primeras obras ibéricas. Para más información sobre esta importante pintura, escucha la siguiente pregunta y respuesta.

Un elemento de YouTube ha sido excluido de esta versión del texto. Puedes verlo en línea aquí: pb.libretexts.org/artapreciation/? p=32

Picasso, su amigo Georges Braque y un puñado de otros artistas lucharon por desarrollar un nuevo espacio que confiara, irónicamente, en la planitud del plano de la imagen para llevar y animar temas tradicionales incluyendo figuras, naturaleza muerta y paisaje. Los cuadros cubistas, y eventualmente las esculturas, se convirtieron en amalgamas de diferentes puntos de vista, fuentes de luz y construcciones planas. Era como si estuvieran presentando su tema de muchas maneras a la vez, todo el tiempo desplazando primer plano, término medio y fondo para que el espectador no esté seguro de dónde empieza uno y el otro termina. En entrevista, el artista explicó el cubismo de esta manera: “El problema ahora es pasar, dar la vuelta al objeto, y darle una expresión plástica al resultado. Todo esto es mi lucha por romper con el aspecto bidimensional*” (de Alexander Liberman, An Artist in His Studio, 1960, página 113). La reacción pública y crítica al cubismo fue comprensiblemente negativa, pero los experimentos de los artistas con las relaciones espaciales reverberaron con los demás y se convirtieron —junto con nuevas formas de usar el color— en una fuerza impulsora en el desarrollo de un movimiento de arte moderno que se basó en la planitud del plano de la imagen. En lugar de una ventana para mirar, la superficie plana se convierte en un terreno sobre el que construir arreglos formales de formas, colores y composiciones. Para otra perspectiva sobre esta idea, refiérase de nuevo a la discusión del módulo uno de 'abstracción'.

Se pueden apreciar los cambios radicales que el cubismo hizo en el paisaje de George Braque La Roche Guyon de 1909. Los árboles, las casas, el castillo y las rocas circundantes comprenden casi una sola forma compleja, escalonando el lienzo para imitar el lejano cerro en la cima, todo ello luchando hacia arriba e inclinándose hacia la derecha dentro de un espacio pictórico poco profundo.

George Braque, Castillo en La Roche Guyon, 1909. Óleo sobre lienzo. Stedelijk van Abbe Museum, Eindhoven, Países Bajos. Licenciado a través de GNU y Creative Commons

A medida que se desarrolló el estilo cubista, sus formas se volvieron aún más planas. La persiana solar de 1914 de Juan Gris muestra el bodegón que representa a través de la lona. Elementos del collage como el periódico refuerzan la planitud pictórica.

Juan Gris, The Sunblind, 1914. Gouache, collage, tiza y carboncillo sobre lienzo. Galería Tate, Londres. Imagen bajo licencia GNU Free Documentation License

No es tan difícil entender la importancia de esta nueva idea del espacio cuando se coloca en el contexto de avances comparables en la ciencia que rodean el cambio del siglo XIX. Los hermanos Wright salieron al aire con vuelo motorizado en 1903, el mismo año en que Marie Curie ganó el primero de dos premios Nobel por su trabajo pionero en radiación. Las nuevas ideas de Sigmund Freud sobre los espacios interiores de la mente y su efecto sobre el comportamiento se publicaron en 1902, y los cálculos de Albert Einstein sobre la relatividad, la idea de que el espacio y el tiempo están entrelazados, aparecieron por primera vez en 1905. Cada uno de estos descubrimientos se sumó a la comprensión humana y realligó la forma en que nos vemos a nosotros mismos y a nuestro mundo. En efecto, Picasso, hablando de su lucha por definir el cubismo, dijo “¡Ni siquiera Einstein tampoco lo sabía! La condición de descubrimiento está fuera de nosotros mismos; pero lo aterrador es que a pesar de todo esto, sólo podemos encontrar lo que sabemos” (de Picasso en Art, A Selection of Views de Dore Ashton, (Souchere, 1960, página 15).

El espacio tridimensional no sufre esta transformación fundemental. Sigue siendo un tirón visual entre los espacios positivos y negativos. Los escultores influenciados por el cubismo, sin embargo, desarrollan nuevas formas para llenar este espacio; obras abstractas y no objetivas que nos chanllengan a verlas en sus propios términos. Constantin Brancusi, escultor rumano residente en París, se convirtió en un artista destacado para defender las nuevas formas del arte moderno. Su escultura Bird in Space es un elegante ejemplo de cómo la abstracción y el arreglo formal se combinan para simbolizar el nuevo movimiento. La fotografía del estudio de Brancusi a continuación da más evidencia de la deuda de la escultura con el cubismo y la lucha “por dar la vuelta al objeto, para darle expresión plástica”.

Edward Steichen, estudio de Brancusi, 1920. Museo Metropolitano, Nueva York. Esta fotografía es de dominio público.

Ahora que hemos establecido líneas, formas y relaciones espaciales, podemos centrar nuestra atención en las cualidades superficiales y su importancia en las obras de arte. Valor (o tono), color y textura son los elementos utilizados para ello.

El valor es la relativa ligereza u oscuridad de una forma en relación con otra. La escala de valores, delimitada en un extremo por el blanco puro y en el otro por el negro, y entre una serie de tonos de gris progresivamente más oscuros, le da al artista las herramientas para realizar estas transformaciones. La escala de valores a continuación muestra las variaciones estándar en los tonos. Los valores cercanos al extremo más claro del espectro se llaman de clave alta, los del extremo más oscuro son de clave baja.

Value Scale, 11 julio 2012, Creador: Oliver Harrison, CC BY

En dos dimensiones, el uso del valor le da a una forma la ilusión de masa y le da a toda una composición una sensación de luz y sombra. Los dos ejemplos siguientes muestran el efecto que tiene el valor al cambiar una forma a una forma.

Formulario 2D, 11 de julio de 2012, Creador: Oliver Harrison, CC BY

3D Form, 11 julio 2012, Creador: Oliver Harrison, CC BY

Esta misma técnica da vida a lo que comienza como un simple dibujo lineal de la cabeza de un joven en La cabeza de una juventud y una mano derecha de Miguel Ángel de 1508. El sombreado se crea con línea (consulte nuestra discusión de línea anterior en este módulo) o tonos creados con un lápiz. Los artistas varían los tonos por la cantidad de resistencia que utilizan entre el lápiz y el papel en el que están dibujando. Las puntas de un lápiz de dibujo varían en dureza, cada una dando un tono diferente al de otra. Los lavados de tinta o color crean valores determinados por la cantidad de agua en la que se disuelve el medio.

El uso de alto contraste, colocando áreas de valor más claras contra otras mucho más oscuras, crea un efecto dramático, mientras que el bajo contraste da resultados más sutiles. Estas diferencias de efecto son evidentes en 'Guiditta y Oloferne' del pintor italiano Caravaggio, y en la fotografía Untitled de Robert Adams, Denver de 1970-74. Caravaggio utiliza una paleta de alto contraste a una escena ya dramática para aumentar la tensión visual para el espectador, mientras que Adams deliberadamente hace uso del bajo contraste para subrayar la drabness del paisaje que rodea a la figura en la bicicleta.

Caravaggio, Guidetta Decapita a Oloferne, 1598, óleo sobre lienzo. Galería Nacional de Arte Italiano, Roma. Esta obra es de dominio público

Color

El color es el elemento artístico más complejo debido a las combinaciones y variaciones inherentes a su uso. Los humanos responden a las combinaciones de colores de manera diferente, y los artistas estudian y usan el color en parte para dar la dirección deseada a su trabajo.

El color es fundamental para muchas formas de arte. Su relevancia, uso y función en una obra determinada dependen del medio de ese trabajo. Si bien algunos conceptos relacionados con el color son ampliamente aplicables a través de los medios, otros no lo son.

El espectro completo de colores está contenido en luz blanca. Los humanos perciben los colores de la luz reflejada en los objetos. Un objeto rojo, por ejemplo, se ve rojo porque refleja la parte roja del espectro. Sería un color diferente bajo una luz diferente. La teoría del color apareció por primera vez en el ^siglo XVII cuando el matemático y científico inglés Sir Isaac Newton descubrió que la luz blanca se podía dividir en un espectro pasándola a través de un prisma.

El estudio del color en el arte y el diseño a menudo comienza con la teoría del color. La teoría del color divide los colores en tres categorías: primaria, secundaria y terciaria.

La herramienta básica utilizada es una rueda de colores, desarrollada por Isaac Newton en 1666. Un modelo más complejo conocido como el árbol de colores, creado por Albert Munsell, muestra el espectro formado por conjuntos de tintes y sombras en planos conectados.

Hay una serie de enfoques para organizar los colores en relaciones significativas. La mayoría de los sistemas difieren solo en estructura.

Modelo Tradicional

La teoría tradicional del color es un intento cualitativo de organizar los colores y sus relaciones. Se basa en la rueda de colores de Newton, y sigue siendo el sistema más común utilizado por los artistas.

Rueda de Color Azul Amarillo Rojo. Publicado bajo la licencia GNU Free Documentation

La teoría tradicional del color utiliza los mismos principios que la mezcla de colores sustractivos (ver más abajo) pero prefiere diferentes colores primarios.

• Los colores primarios son rojo, azul y amarillo. Los encuentras equidistantes entre sí en la rueda de colores. Estos son los colores “elementales”; no se producen mezclando ningún otro color, y todos los demás colores se derivan de alguna combinación de estos tres.
• Los colores secundarios son naranja (mezcla de rojo y amarillo), verde (mezcla de azul y amarillo) y violeta (mezcla de azul y rojo).
• Los colores terciarios se obtienen mezclando un color primario y un color secundario. Dependiendo de la cantidad de color utilizado, se pueden obtener diferentes tonalidades como el rojo-naranja o el amarillo-verde. Los colores neutros (marrones y grises) se pueden mezclar usando los tres colores primarios juntos.
• El blanco y el negro se encuentran fuera de estas categorías. Se utilizan para aclarar u oscurecer un color. Un color más claro (hecho al agregarle blanco) se llama tinte, mientras que un color más oscuro (hecho agregando negro) se llama sombra.

Mezcla de colores

Un enfoque más cuantificable de la teoría del color es pensar en el color como resultado de que la luz se refleja en una superficie. Entendido de esta manera, el color puede representarse como una relación de cantidades de color primario mezcladas entre sí.

La teoría aditiva del color se utiliza cuando se proyectan luces de diferentes colores una encima de la otra. Los medios proyectados producen color al proyectar luz sobre una superficie reflectante. Donde la mezcla sustractiva crea la impresión de color al absorber selectivamente parte del espectro, la mezcla aditiva produce color por proyección selectiva de parte del espectro. Las aplicaciones comunes de la teoría del color aditivo son la iluminación de teatro y pantallas de televisión. El color RGB se basa en la teoría del color aditivo.

• Los colores primarios son rojo, azul y verde.
• Los colores secundarios son amarillo (mezcla de rojo y verde), cian (mezcla de azul y verde) y magenta (mezcla de azul y rojo).
• Los colores terciarios se obtienen mezclando los colores anteriores a diferentes intensidades.

El blanco es creado por la confluencia de los tres colores primarios, mientras que el negro representa la ausencia de todo el color. La ligereza u oscuridad de un color viene determinada por la intensidad/densidad de sus diversas partes. Por ejemplo: un gris de tono medio podría producirse proyectando una luz roja, una azul y una verde en el mismo punto con 50% de intensidad.

Representación de Color Aditivo. Esta imagen es de dominio público.

Las primarias son rojas, verdes y azules. El blanco es la confluencia de todos los colores primarios; el negro es la ausencia de color.

La teoría sustractiva del color (“color de proceso”) se utiliza cuando una sola fuente de luz está siendo reflejada por diferentes colores colocados uno encima de otro. El color se produce cuando partes del espectro de la fuente de luz externa son absorbidas por el material y no se reflejan de nuevo al ojo del espectador. Por ejemplo, un pintor aplica pintura azul sobre un lienzo. La composición química de la pintura permite que todos los colores del espectro sean absorbidos excepto el azul, que se refleja desde la superficie de la pintura. El color sustractivo funciona como el reverso de la teoría del color aditivo. Las aplicaciones comunes de la teoría sustractiva del color se utilizan en las artes visuales, la impresión en color y el procesamiento de positivos y negativos fotográficos. Los colores primarios son rojo, amarillo y azul.

• Los colores secundarios son naranja, verde y violeta.
• Los colores terciarios se crean mezclando un color primario con un color secundario.
• El negro se mezcla usando los tres colores primarios, mientras que el blanco representa la ausencia de todos los colores. Nota: debido a las impurezas en color sustractivo, es imposible crear un verdadero negro a través de la mezcla de primarias. Debido a esto el resultado se acerca más al marrón. Similar a la teoría del color aditivo, la ligereza y oscuridad de un color está determinada por su intensidad y densidad.

Mezcla de Color Sustractiva. Publicado bajo la licencia GNU Free Documentation

Las primarias son azules, amarillas y rojas.

Atributos de color

Hay muchos atributos al color. Cada uno tiene un efecto sobre cómo lo percibimos.

• El matiz se refiere al color en sí, pero también a las variaciones de un color.
• Valor (como se discutió anteriormente) se refiere a la relativa ligereza u oscuridad de un color al lado de otro. El valor de un color puede marcar la diferencia en cómo se percibe. Un color sobre un fondo oscuro aparecerá más claro, mientras que ese mismo color sobre un fondo claro aparecerá más oscuro.
• El tono se refiere a la gradación o cambios sutiles que se realizan en un color cuando se mezcla con un gris creado al agregar dos complementos (ver Color Complementario a continuación). Se pueden ver varios tonos de color mirando el árbol de colores mencionado en el párrafo anterior.
• La saturación se refiere a la pureza e intensidad de un color. Las primarias son las más intensas y puras, pero disminuyen a medida que se mezclan para formar otros colores. La creación de tintes y matices también disminuye la saturación de un color. Dos colores trabajan más fuertes juntos cuando comparten la misma intensidad. Esto se llama equiluminancia.

Interacciones de color

Más allá de crear una jerarquía de mezcla, la teoría del color también proporciona herramientas para comprender cómo funcionan los colores juntos.

Monocromo

La interacción de color más simple es monocromática. Este es el uso de variaciones de un solo matiz. La ventaja de usar un esquema de color monocromático es que obtienes un alto nivel de unidad en toda la obra porque todos los tonos se relacionan entre sí. Vea esto en Derrida Queries de Man de Mark Tansey de 1990.

Color análogo

Los colores análogos son similares entre sí. Como su nombre lo indica, se pueden encontrar colores análogos uno al lado del otro en cualquier rueda de colores de 12 partes:

Color análogo, 11 de julio de 2012, Creador: Oliver Harrison. CC POR

Se puede ver el efecto de colores análogos en la pintura al óleo de Paul Cezanne Auvers Panoromic View

Temperatura de color

Se percibe que los colores tienen temperaturas asociadas a ellos. La rueda de colores se divide en colores cálidos y fríos. Los colores cálidos van del amarillo al rojo, mientras que los colores fríos van desde el amarillo-verde hasta el violeta. Puedes lograr resultados complejos usando solo unos pocos colores cuando los emparejas en conjuntos cálidos y fríos.

Color cálido y fresco, 11 de julio de 2012, Creador: Oliver Harrison. CC POR

Colores Complementarios

Los colores complementarios se encuentran directamente uno frente al otro en una rueda de colores. Aquí hay algunos ejemplos:

• púrpura y amarillo
• verde y rojo
• naranja y azul

Color complementario, 11 de julio de 2012, Creador: Oliver Harrison. CC POR

El azul y el naranja son complementos. Cuando se colocan cerca unos de otros, los complementos crean una tensión visual. Este esquema de color es deseable cuando se necesita un efecto dramático usando solo dos colores. El cuadro Sin título de Keith Haring es un ejemplo. Puede hacer clic en la pintura para crear una imagen más grande.

Un esquema de color complementario dividido usa un color más los dos colores a cada lado del complemento del primer color en la rueda de colores. Al igual que el uso de complementos, un complemento dividido crea tensión visual pero incluye la variedad de un tercer color.

Split Color complementario, 11 julio 2012, Creador: Oliver Harrison. CC POR

La resta de color se refiere a un fenómeno visual donde la aparición de un color disminuirá su presencia en un color cercano. Por ejemplo, el naranja (rojo + amarillo) sobre un fondo rojo aparecerá más parecido al amarillo. No confunda la resta de color con el sistema de color sustractivo mencionado anteriormente en este módulo. La resta de color utiliza tonos específicos dentro de un esquema de color para un cierto efecto visual.

Contraste Simultáneo

Los neutros sobre un fondo coloreado aparecerán teñidos hacia el complemento de ese color, porque el ojo intenta crear un equilibrio. (Gris sobre fondo rojo aparecerá más verdoso, por ejemplo). En otras palabras, el color se alejará del color circundante. Además, los colores no dominantes aparecerán teñidos hacia el complemento del color dominante.

La interacción del color afecta a los valores, también. Los colores aparecen más oscuros en o cerca de colores más claros, y más claros en o cerca de colores más oscuros. Los colores complementarios se verán más intensos uno sobre el otro o cerca de ellos que en o cerca de los grises (refiérase al ejemplo de Keith Haring anterior para ver este efecto).

Contraste Simultáneo, 11 de julio de 2012, Creador: Oliver Harrison. CC POR