1.9: Lectura- Principios artísticos
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El arte como entrada visual
El arte visual se manifiesta a través de medios, ideas, temas y pura imaginación creativa. Sin embargo, todos ellos se basan en principios estructurales básicos que, al igual que los elementos que hemos estado estudiando, se combinan para dar voz a la expresión artística. Incorporar los principios a tu vocabulario artístico no solo te permite describir objetivamente obras de arte que quizás no entiendas, sino que contribuye en la búsqueda de su significado.
La primera forma de pensar sobre un principio es que es algo que se puede hacer de manera repetida y confiable con elementos para producir algún tipo de efecto visual en una composición.
Los principios se basan en respuestas sensoriales a la entrada visual: los elementos PARECEN tener peso visual, movimiento, etc. Los principios ayudan a gobernar lo que podría ocurrir cuando elementos particulares se disponen de una manera particular. Utilizando una analogía química, los principios son las formas en que los elementos se “pegan” para hacer un “químico” (en nuestro caso, una imagen). Los principios pueden ser confusos. Hay por lo menos dos formas muy diferentes pero correctas de pensar sobre los principios. Por un lado, se puede utilizar un principio para describir una causa y efecto operativo como “las cosas brillantes salen adelante y las cosas aburridas retroceden”. Por otro lado, un principio puede describir un alto estándar de calidad por el que luchar como “la unidad es mejor que el caos” o “la variación supera al aburrimiento” en una obra de arte. Entonces, la palabra “principio” puede ser utilizada para fines muy diferentes.
Otra forma de pensar sobre un principio es que es una forma de expresar un juicio de valor sobre una composición. Cualquier lista de estos efectos puede no ser exhaustiva, pero hay algunos que son más utilizados (unidad, equilibrio, etc). Cuando decimos que una pintura tiene unidad estamos haciendo un juicio de valor. Demasiada unidad sin variedad es aburrida y demasiada variación sin unidad es caótica.
Los principios del diseño te ayudan a planificar y organizar cuidadosamente los elementos del arte para que mantengas interés y llamarás la atención. Esto a veces se conoce como impacto visual.
En cualquier obra de arte existe un proceso de pensamiento para el arreglo y uso de los elementos del diseño. El artista que trabaja con los principios de la buena composición creará una pieza más interesante; estará dispuesta para mostrar un ritmo y movimiento agradables. El centro de interés será fuerte y el espectador no apartará la mirada, sino que serán atraídos a la obra. Un buen conocimiento de la composición es esencial para producir buenas obras de arte. A algunos artistas de hoy les gusta doblar o ignorar estas reglas y al hacerlo están experimentando con diferentes formas de expresión. En la siguiente página se exploran principios importantes en la composición.
Balance visual
Todas las obras de arte poseen alguna forma de equilibrio visual, una sensación de claridad ponderada creada en una composición. El artista arregla el equilibrio para establecer la dinámica de una composición. Un ejemplo realmente bueno está en la obra de Piet Mondrian, cuyas pinturas revolucionarias de principios del siglo XX utilizaron el equilibrio no objetivo en lugar de una materia realista para generar el poder visual en su obra. En los ejemplos a continuación se puede ver que donde se coloca el rectángulo blanco hace una gran diferencia en cómo se activa todo el plano de imagen.
El ejemplo en la parte superior izquierda está ponderado hacia la parte superior, y la orientación diagonal de la forma blanca le da a toda el área una sensación de movimiento. El ejemplo medio superior está ponderado más hacia la parte inferior, pero aún mantiene la sensación de que la forma blanca está flotando. En la parte superior derecha, la forma blanca está casi fuera del plano de la imagen por completo, dejando la mayor parte del área restante visualmente vacía. Este arreglo funciona si quieres transmitir una sensación de altivez o simplemente dirigir los ojos del espectador a la parte superior de la composición. El ejemplo inferior izquierdo es quizás el menos dinámico: la forma blanca está descansando en la parte inferior, imitando el borde inferior horizontal del suelo. El sentido general aquí es reparador, pesado y sin ningún carácter dinámico. La composición media inferior se pesa decididamente hacia la esquina inferior derecha, pero nuevamente, la orientación diagonal de la forma blanca deja cierta sensación de movimiento. Por último, el ejemplo inferior derecho coloca la forma blanca directamente en el centro sobre un eje horizontal. Esto es visualmente el más estable, pero carece de cualquier sentido de movimiento. Consulte estos seis diagramas cuando esté determinando el peso visual de obras de arte específicas.
Hay tres formas básicas de equilibrio visual:
- Simétrico
- Asimétrico
- Radial
El equilibrio simétrico es el más estable visualmente y se caracteriza por un diseño compositivo exacto, o casi exacto, en cualquiera (o ambos) lados del eje horizontal o vertical del plano de la imagen. Las composiciones simétricas suelen estar dominadas por un elemento de anclaje central. Existen muchos ejemplos de simetría en el mundo natural que reflejan una dimensión estética. La medusa lunar se ajusta a esta descripción; fantasmal iluminada sobre un fondo negro, pero simetría absoluta en su diseño.
Pero la estabilidad inherente de la simetría a veces puede excluir una cualidad estática. Ver la pintura de pergamino tibetano para ver el movimiento implícito de la figura central Vajrakilaya. El ajetreo visual de las formas y patrones que rodean a la figura se equilibra por su simetría compositiva, y el muro de llama detrás de Vajrakilaya se inclina hacia la derecha mientras la figura misma se inclina hacia la izquierda. Las pinturas tibetanas de pergamino utilizan la simetría de la figura para simbolizar su poder y presencia espiritual.
Las pinturas espirituales de otras culturas emplean este mismo equilibrio por razones similares. La 'Virgen de la Humildad' de Sano di Pietro, pintada alrededor de 1440, se posiciona centralmente, sosteniendo al niño Cristo y formando un diseño triangular, su cabeza el ápice y su vestido fluido haciendo una amplia base en la parte inferior de la imagen. Sus halos están reforzados visualmente con las cabezas de los ángeles y el arco del marco.
El uso de la simetría también es evidente en el arte tridimensional. Un ejemplo famoso es el Gateway Arch en St. Louis, Missouri (abajo). Conmemorando la expansión hacia el oeste de Estados Unidos, su estructura de acero inoxidable se eleva más de 600 pies en el aire antes de curvarse suavemente de nuevo al suelo. Otro ejemplo son las Esferas Inclinadas de Richard Serra (también abajo). Las cuatro losas masivas de acero muestran una simetría concéntrica y adquieren una dimensión orgánica a medida que se curvan una alrededor de la otra, pareciendo casi flotar sobre el suelo.
La asimetría utiliza elementos composicionales que se desplazan entre sí, creando un equilibrio visualmente inestable. El equilibrio visual asimétrico es el más dinámico porque crea una construcción de diseño más compleja. Un póster gráfico de la década de 1930 muestra cómo el posicionamiento offset y los fuertes contrastes pueden aumentar el efecto visual de toda la composición.
Bodegón con manzanas y uvas de Claude Monet de 1880 (abajo) utiliza la asimetría en su diseño para animar un arreglo por lo demás mundano. Primero, pone toda la composición en la diagonal, cortando la esquina inferior izquierda con un triángulo oscuro. La disposición de la fruta parece fortuita, pero Monet pone a propósito la mayor parte de ella en la mitad superior del lienzo para lograr un peso visual más ligero. Equilibra la canasta de fruta más oscura con el blanco del mantel, incluso colocando algunas manzanas más pequeñas en la parte inferior derecha para completar la composición.
Monet y otros pintores impresionistas fueron influenciados por grabados japoneses en xilografía, cuyas áreas espaciales planas y color gráfico apelaban al sentido del diseño del artista.
Uno de los pintores japoneses más conocidos es Ando Hiroshige. Se puede ver la fuerza de diseño de la asimetría en su xilografía Shinagawa en el Tokaido (abajo), una de una serie de obras que explora el paisaje alrededor de la carretera de Takaido. Se pueden ver muchas de sus obras a través del hipervínculo anterior.
En la figura reclinada de Henry Moore la forma orgánica de la figura abstraída, la fuerte iluminación y el precario equilibrio obtenido a través de la asimetría hacen de la escultura un ejemplo poderoso en tres dimensiones.
El equilibrio radial sugiere un movimiento desde el centro de una composición hacia el borde exterior, o viceversa. Muchas veces el equilibrio radial es otra forma de simetría, ofreciendo estabilidad y un punto de enfoque en el centro de la composición. Las pinturas de mandala budistas ofrecen este tipo de equilibrio casi exclusivamente. Similar a la pintura de pergamino que vimos anteriormente, la imagen irradia hacia afuera desde una figura central de espíritu. En el siguiente ejemplo hay seis de estas figuras formando una forma de estrella en el medio. Aquí tenemos simetría absoluta en la composición, sin embargo, una sensación de movimiento es generada por los círculos concéntricos dentro de un formato rectangular.
La pintura de Rafael de Galatea, una ninfa de mar en la mitología griega, incorpora un doble conjunto de diseños radiales en una composición. El primero es el remolino de figuras en la parte inferior de la pintura, siendo el segundo los cuatro querubines que circulan en la parte superior. Toda la obra es una corriente de figuras, extremidades y movimiento implícito. Observe también el triángulo clásico estabilizador formado con la cabeza de Galatea en el ápice y las posiciones de las otras figuras inclinadas hacia ella. El querubín extendido horizontalmente a lo largo de la parte inferior de la composición completa el segundo círculo.
Dentro de esta discusión sobre el equilibrio visual, existe una relación entre la generación natural de sistemas orgánicos y su forma definitiva. Esta relación es tanto matemática como estética, y se expresa como la Relación áurea:
Un elemento de YouTube ha sido excluido de esta versión del texto. Puedes verlo en línea aquí: pb.libretexts.org/artapreciation/? p=38
Aquí hay un ejemplo de la relación áurea en forma de rectángulo y la espiral encerrada generada por las proporciones:
El mundo natural expresa el equilibrio radial, que se manifiesta a través de la proporción áurea, en muchas de sus estructuras, desde galaxias hasta anillos de árboles y ondas generadas por la caída de una piedra sobre la superficie del agua. Se puede ver esta estructura radial orgánica en algunos sistemas naturales comparando la imagen satelital del huracán Isabel y una imagen telescópica de la galaxia espiral M51 a continuación.
Un caparazón de caracol, sin el conocimiento de su habitante, está formado por esta misma proporción universal, y, en este caso, adquiere el tinte verde de su entorno.
El artista ambiental Robert Smithson creó Spiral Jetty, un movimiento de tierras de roca y suelo, en 1970. El embarcadero se extiende casi 1500 pies en el Gran Lago Salado en Utah como un símbolo de la interconexión de nosotros mismos con el resto del mundo natural.
Repetición
La repetición es el uso de dos o más elementos o formas similares dentro de una composición. La disposición sistemática de formas repetidas o formas crea patrón.
Los patrones crean ritmo, el efecto visual lírico o sincopado que ayuda a llevar al espectador, y la idea del artista, a lo largo de la obra. Un patrón visual simple pero impresionante, creado en esta fotografía de un huerto de Jim Wilson para el New York Times, combina color, forma y dirección en un flujo rítmico de izquierda a derecha. Poner la composición en diagonal aumenta la sensación de movimiento y drama.
El arte tradicional de la cultura aborigen australiana utiliza la repetición y el patrón casi exclusivamente tanto como decoración como para dar significado simbólico a las imágenes. El coolamon, o buque portador que se muestra a continuación, está hecho de corteza de árbol y pintado con patrones estilizados de puntos de colores que indican caminos, paisajes o animales. Se puede ver cómo patrones bastante simples crean ondulaciones rítmicas a través de la superficie de la obra. El diseño de esta pieza en particular indica que probablemente fue hecha para uso ceremonial. Exploraremos las obras aborígenes con más profundidad en el módulo 'Otros Mundos'.
Las cadencias rítmicas toman una forma visual compleja cuando son subordinadas por otros. Elementos de línea y forma se fusionan en una matriz formal que soporta el salmón saltador en 'Díptico Malila' de Alfredo Arreguin. Arcos abstractos y espirales de agua reverberan en las escamas, ojos y branquias de los peces. Arreguin crea aquí dos ritmos rítmicos, el del agua que fluye aguas abajo hacia la izquierda y los peces saltando con gracia contra ella en su camino aguas arriba.
El medio textil es muy adecuado para incorporar patrones en el arte. La urdimbre y la trama de los hilos crean patrones naturales que son manipulados a través de la posición, el color y el tamaño por el tejedor. La cultura tlingit de la costa de Columbia Británica produce espectaculares mantas ceremoniales que se distinguen por patrones gráficos y ritmos en formas animales estilizadas separadas por una jerarquía de formas geométricas. La simetría y el alto contraste del diseño es impresionante en su efecto.
Escala y Proporción
La escala y la proporción muestran el tamaño relativo de una forma en relación con otra. Las relaciones escalares se utilizan a menudo para crear ilusiones de profundidad en una superficie bidimensional, estando la forma más grande frente a la más pequeña. La escala de un objeto puede proporcionar un punto focal o énfasis en una imagen. En la acuarela A Good Shot de Winslow Homer, Adirondacks el venado se centra en primer plano y se destaca para asegurar su lugar de importancia en la composición. En comparación, hay una pequeña bocanada de humo blanco de un rifle en el fondo central izquierdo, único indicador de la posición del cazador. Haga clic en la imagen para ampliarla.
La escala y la proporción son de naturaleza incremental. Las obras de arte no siempre se basan en grandes diferencias de escala para tener un fuerte impacto visual. Un buen ejemplo de ello es la obra maestra escultórica de Miguel Ángel Pieta de 1499 (abajo). Aquí María acuna a su hijo muerto, las dos figuras formando una composición triangular estable. Miguel Ángel esculpe a María a una escala ligeramente mayor que el Cristo muerto para darle más importancia a la figura central, tanto visual como psicológicamente.
Cuando la escala y la proporción se incrementan en gran medida los resultados pueden ser impresionantes, dando un espacio imponente a la obra o fantásticas implicaciones. La pintura de Rene Magritte Valores personales construye una habitación con objetos cuyas proporciones están tan fuera de control que se convierte en un juego irónico sobre cómo vemos los elementos cotidianos en nuestras vidas.
El escultor estadounidense Claes Oldenburg y su esposa Coosje van Bruggen crean obras de objetos comunes a enormes escalas. Su enganche de estaca alcanza una altura total de más de 53 pies y une dos pisos del Museo de Arte de Dallas. Por grande que sea, la obra conserva un carácter cómico y lúdico, en parte por su gigantesco tamaño.
Énfasis
El énfasis, el área de importancia visual primaria, se puede lograr de varias maneras. Acabamos de ver cómo puede ser una función de las diferencias de escala. El énfasis también se puede obtener aislando un área o tema específico a través de su ubicación o color, valor y textura. El énfasis principal en una composición generalmente se apoya en áreas de menor importancia, una jerarquía dentro de una obra que se activa y sostiene en diferentes niveles.
Al igual que otros principios artísticos, el énfasis puede ampliarse para incluir la idea principal contenida en una obra de arte. Veamos el siguiente trabajo para explorar esto.
Podemos determinar claramente la figura de la camisa blanca como el énfasis principal en la pintura de Francisco de Goya El 3 de mayo de 1808 a continuación. A pesar de que su ubicación está a la izquierda del centro, una linterna de velas frente a él actúa como foco de atención, y su postura dramática refuerza su relativo aislamiento del resto de la multitud. Además, los soldados con sus fusiles apuntados crean una línea implícita entre ellos mismos y la figura. Hay un ritmo creado por todas las cabezas de las figuras —aproximadamente todas al mismo nivel a lo largo de la pintura— que se continúa en las piernas de los soldados y las vainas hacia la parte inferior derecha. Goya contrarresta el énfasis horizontal al incluir la iglesia lejana y sus torres verticales al fondo.
En términos de la idea, la pintura narrativa de Goya da testimonio de la ejecución sumaria de combatientes de la resistencia española por los ejércitos de Napoleón en la noche del 3 de mayo de 1808. Pone la figura de la camisa blanca para implicar una crucifixión mientras enfrenta su propia muerte, y sus compatriotas que lo rodean o agarran sus rostros con incredulidad o se paran estoicamente con él, mirando a sus verdugos a los ojos. Mientras la carnicería se lleva a cabo frente a nosotros, la iglesia se mantiene oscura y silenciosa a lo lejos. El genio de Goya es su capacidad para dirigir el contenido narrativo por el énfasis que pone en su composición.
Un segundo ejemplo que muestra énfasis se ve en Paisaje con faisanes, un tapiz de seda de la China del siglo XIX. Aquí el foco principal se obtiene de un par de maneras diferentes. En primer lugar, el par de aves se tejen en seda de colores, diferenciándolos visualmente del paisaje gris que habitan. En segundo lugar, su colocación en lo alto del afloramiento de tierra les permite destacar sobre el fondo claro, sus plumas de cola imitadas por las hojas cercanas. El tratamiento enrevesado del afloramiento rocoso lo mantiene en competencia con los faisanes como punto focal, pero al final gana el color de la pareja de aves.
Un último ejemplo sobre el énfasis, tomado de El arte de Burkina Faso por Christopher D. Roy, de la Universidad de Iowa, abarca tanto las características del diseño como la idea detrás del arte. Muchas culturas del mundo incluyen obras de arte en ceremonias y rituales. Las Máscaras Africanas Bwa son grandes, pintadas gráficamente en blanco y negro y generalmente unidas a disfraces de fibra que cubren la cabeza. Representan personajes y animales míticos o son abstractos y tienen un rostro estilizado con una tabla de madera alta y rectangular adherida a la parte superior.* En cualquier manifestación, la máscara y la danza para la que se usan son inseparables. Se convierten en parte de una efusión comunitaria de expresión cultural y emoción.
Tiempo y movimiento
Uno de los problemas que enfrentan los artistas al crear imágenes estáticas (singulares, fijas) es cómo imbuirles un sentido del tiempo y el movimiento. Algunas soluciones tradicionales a este problema emplean el uso de relaciones espaciales, especialmente la perspectiva y la perspectiva atmosférica. La escala y la proporción también se pueden emplear para mostrar el paso del tiempo o la ilusión de profundidad y movimiento. Por ejemplo, a medida que algo retrocede al fondo, se vuelve más pequeño en escala y más ligero en valor. También, la misma figura (u otra forma) repetida en diferentes lugares dentro de una misma imagen da el efecto del movimiento y del paso del tiempo.
Un ejemplo temprano de esto está en la escultura tallada de Kuya Shonin. El monje budista se inclina hacia adelante, su manto parece moverse con la brisa de sus pasos. La figura es de estilo notablemente realista, su cabeza ligeramente levantada y la boca abierta. De su boca emergen seis pequeñas figuras, símbolos visuales del canto que pronuncia.
Los experimentos visuales en movimiento se produjeron por primera vez a mediados del siglo XIX. El fotógrafo Eadweard Muybridge rompió secuencias en blanco y negro de figuras y animales caminando, corriendo y saltando, luego colocándolos uno al lado del otro para examinar la mecánica y los ritmos creados por cada acción.
En la era moderna, el auge del cubismo (refiérase a nuestro estudio del 'espacio' en el módulo 3) y los estilos relacionados posteriores en la pintura y escultura modernas tuvieron un efecto importante en cómo las obras de arte estáticas representan el tiempo y el movimiento. Estos nuevos desarrollos en forma surgieron, en parte, a través de la exploración inicial del cubista de cómo representar un objeto y el espacio que lo rodea representándolo desde múltiples puntos de vista, incorporándolos todos en una sola imagen.
La pintura de Marcel Duchamp Desnudo Descendiendo una escalera de 1912 concentra formalmente la idea de Muybridge en una sola imagen. La figura es abstracta, resultado de la influencia de Duchamp por el cubismo, pero le da al espectador una sensación definitiva de movimiento de izquierda a derecha. Esta obra fue exhibida en The Armory Show en la ciudad de Nueva York en 1913. La muestra fue la primera en exhibir arte moderno de Estados Unidos y Europa en un lugar estadounidense a tan gran escala. Polémico y fantástico, el espectáculo Armory se convirtió en un símbolo para el movimiento emergente del arte moderno. La pintura de Duchamp es representativa de las nuevas ideas surgidas en la exposición.
En tres dimensiones el efecto del movimiento se logra imbuyendo al tema de una pose o gesto dinámico (recordemos que el uso de diagonales en una composición ayuda a crear una sensación de movimiento). La escultura de David de Gian Lorenzo Bernini de 1623 es un estudio de la tensión visual enrollada y el movimiento. El artista nos muestra la figura de David con el ceño surcado, incluso mordiéndose el labio en concentración mientras mira a Goliat y se prepara para liberar la roca de su cabestrillo.
Las artes temporales del cine, el video y la proyección digital por su definición muestran el movimiento y el paso del tiempo. En todos estos medios vemos cómo se desarrolla una narrativa ante nuestros ojos. La película es esencialmente miles de imágenes estáticas divididas en un largo rollo de película que se pasa a través de una lente a cierta velocidad. De este aparato viene el término películas.
El video usa cinta magnética para lograr el mismo efecto, y los medios digitales transmiten millones de imágenes pixeladas electrónicamente a través de la pantalla. Un ejemplo se ve en la obra del artista sueco Pipilotti Rist. Su obra digital a gran escala Pour Your Body Out es fluida, colorida y absolutamente absorbente a medida que se despliega a través de las paredes.
Unidad y Variedad
En definitiva, una obra de arte es la más fuerte cuando expresa una unidad general en composición y forma, un sentido visual de que todas las partes encajan entre sí; que el conjunto es mayor que sus partes. Este mismo sentido de unidad se proyecta para abarcar también la idea y el significado de la obra. Esta unidad visual y conceptual se sublima por la variedad de elementos y principios utilizados para crearla. Podemos pensar en esto en términos de una orquesta musical y su director: dirigir muchos instrumentos, sonidos y sentimientos diferentes en una sola sinfonía comprensible de sonido. Aquí es donde las funciones objetivas de línea, color, patrón, escala y todos los demás elementos y principios artísticos ceden a una visión más subjetiva de toda la obra, y a partir de ahí resuena una apreciación de la estética y el significado que ésta.
Podemos ver el trabajo de Eva Isaksen Orange Light a continuación para ver cómo la unidad y la variedad funcionan juntas.
Isaksen hace uso de casi todos los elementos y principios, incluido el espacio poco profundo, una gama de valores, colores y texturas, equilibrio asimétrico y diferentes áreas de énfasis. La unidad de su composición se mantiene fuerte al mantener las diversas partes bajo control entre sí y el espacio en el que habitan. Al final el espectador queda atrapado en un misterioso mundo de formas orgánicas que flotan por la superficie como semillas atrapadas por una brisa veraniega.