5.6: Lectura- Fotografía

DESARROLLO TEMPRANO

Los primeros intentos de capturar una imagen se realizaron a partir de una cámara oscura, utilizada desde el siglo XVI. El dispositivo consiste en una caja o habitación pequeña con un pequeño orificio en un lado que actúa como lente. La luz de una escena externa pasa a través del agujero y golpea la superficie opuesta en el interior donde se reproduce boca abajo, pero con color y perspectiva conservados. La imagen generalmente se proyecta sobre papel adherido a la pared opuesta, y luego se puede rastrear para producir una representación altamente precisa. Los experimentos de captura de imágenes en películas se habían llevado a cabo en Europa desde finales del siglo XVIII.

Usando la cámara oscura como guía, los primeros fotógrafos encontraron formas de fijar químicamente las imágenes proyectadas en placas recubiertas con materiales sensibles a la luz. Además, instalaron lentes de vidrio en sus primeras cámaras y experimentaron con diferentes tiempos de exposición para sus imágenes. Vista desde la ventana en Le Gras es una de las fotografías más antiguas existentes, tomada en 1826 por el inventor francés Joseph Niepce utilizando un proceso que llamó heliografía (“helio” que significa sol y “gráfico” que significa escribir). La exposición para la imagen tomó ocho horas, lo que dio como resultado que el sol proyectara su luz a ambos lados de las casas de la imagen. Otros desarrollos dieron como resultado aberturas: dispositivos circulares delgados que se calibran para permitir una cierta cantidad de luz sobre la película expuesta. Las aberturas permitieron a los fotógrafos un mejor control sobre sus tiempos de exposición.

Durante la década de 1830, Louis Daguerre, habiendo trabajado con Niepce anteriormente, desarrolló un proceso más confiable para capturar imágenes en película mediante el uso de una placa de cobre pulido tratada con plata. Calificó las imágenes realizadas por este proceso como “Daguerrotipos”. Fueron más nítidos en el enfoque y los tiempos de exposición fueron más cortos. Su fotografía Boulevard du Temp de 1838 es tomada desde la ventana de su estudio con vistas a una concurrida calle de París. Aún así, con una exposición de diez minutos, ninguno del tráfico en movimiento o peatones (Una excepción. ¡Mira si lo puedes encontrar!) se quedó quieto el tiempo suficiente para ser grabado.

Louis Daguerre, Boulevard du Temps, 1838. Imagen en el dominio público

Al mismo tiempo en Inglaterra, William Henry Fox Talbot estaba experimentando con otros procesos fotográficos. Estaba creando dibujos fotogénicos simplemente colocando objetos (en su mayoría especímenes botánicos) sobre papel o platos sensibles a la luz, exponiéndolos luego al sol. Para 1844 había inventado el calotipo; una impresión fotográfica hecha a partir de una imagen negativa. En contraste, los daguerrotipos fueron imágenes simples, positivas que no pudieron reproducirse. Los calotipos de Talbot permitieron múltiples impresiones de un negativo, estableciendo el estándar para el nuevo medio. Aunque Daguerre ganó la carrera para ser el primero en lanzar su proceso fotográfico, el proceso negativo a positivo de Talbot eventualmente se convertiría en el proceso dominante.

IMPACTO EN OTROS MEDIOS

El advenimiento de la fotografía provocó un realineamiento en el uso de otros medios bidimensionales. La fotografía se encontraba ahora en competencia directa con el dibujo, la pintura y el grabado. La cámara vuelve su mirada hacia la narrativa humana que se encuentra ante ella. La fotografía dio (en su mayor parte), una visión realista e inédita de nuestro mundo. En sus inicios, se consideró que la fotografía ofrecía una imagen más “verdadera” de la naturaleza porque fue creada mecánicamente, no de la mano subjetiva de un artista. Su uso como herramienta de documentación fue inmediato, lo que le dio a la foto un papel científico que desempeñar. Las exposiciones secuenciales e instantáneas de Eadweard Muybridge ayudaron a comprender el movimiento humano y animal, pero también resaltaron que la fotografía podría utilizarse para expandir la visión humana, imaginando algo que no se podía ver a simple vista. L a relativa inmediatez y claridad mejorada de la imagen fotográfica rápidamente enfrentó a la cámara contra la pintura en el género del retrato. Antes de la fotografía, los retratos pintados solo se ofrecían a los miembros ricos y destacados de la sociedad. Se convirtieron en símbolos de distinciones de clase social. Ahora los retratos estuvieron disponibles para individuos y familias de todos los niveles sociales.

La fotografía como arte

No pasó mucho tiempo antes de que los fotógrafos reconocieran el valor estético de una fotografía. Como nuevo medio, la fotografía inició la marcha hacia ser considerada una alta forma de arte. Alfred Stieglitz entendió este potencial, y como fotógrafo, editor y galerista, fue una fuerza importante en la promoción de la fotografía como forma de arte. Lideró en la formación de la Secesión Fotográfica en 1902, un grupo de fotógrafos que estaban interesados en definir la fotografía como una forma de arte en sí misma, no solo por el tema que se encontraba frente a la lente. La materia se convirtió en un vehículo de énfasis en la composición, la iluminación y los efectos texturales. Sus propias fotografías reflejan una variedad de temas. El Terminal (1892) es un ejemplo de “fotografía recta”: imágenes de lo cotidiano tomadas con cámaras más pequeñas y poca manipulación. En The Terminal Stieglitz captura un momento de bulliciosa vida callejera de la ciudad en un frío día de invierno. Toda la escena fría y arenosa se suaviza con el vapor que se eleva de los caballos y la nieve proporciona reflejos. Pero la foto tiene más que un valor estético formal. El revoltijo de edificios, máquinas, humanos, animales y condiciones climáticas proporciona una visión de la cultura urbana estadounidense a caballo entre dos siglos. Dentro de diez años a partir del momento en que se tomó esta foto, los caballos serán reemplazados por automóviles y las estaciones de metro transformarán el movimiento de una gran ciudad en el siglo XX.

Fotoperiodismo y muchas colocaciones temáticas de la fotografía

La fotografía es un medio que tiene múltiples colocaciones de sujetos. Se utiliza como medio de arte, en el periodismo, en la publicidad, en la industria de la moda, y lo usamos para documentar personalmente nuestras vidas. Es una, si no la más generalizada, forma de documentación en el mundo. Estas múltiples colocaciones de sujetos lo convierten en un fenómeno complejo de analizar.

La industria noticiosa se cambió fundamentalmente con la invención de la fotografía. Aunque ya en la década de 1850 se tomaron fotografías de historias de interés periodístico, la fotografía necesitaba ser traducida a un grabado antes de imprimirla en un periódico. No fue sino hasta el cambio del siglo XIX que las prensas de periódicos pudieron copiar fotografías originales. Fotos de todo el mundo aparecieron en portadas de periódicos definiendo e ilustrando historias, y el mundo se hizo más pequeño a medida que este medio masivo temprano dio a la gente acceso a información actualizada... ¡con imágenes!

El fotoperiodismo es una forma particular de periodismo que crea imágenes para contar una noticia y se define por estos tres elementos:

• Oportunidad: las imágenes tienen significado en el contexto de un registro de eventos recientemente publicado.
• Objetividad: la situación que implican las imágenes es una representación justa y precisa de los eventos que representan tanto en contenido como en tono.
• Narrativa: las imágenes se combinan con otros elementos noticiosos para hacer que los hechos se relacionen con el espectador o lector a nivel cultural.
• Como información visual, las imágenes de noticias ayudan a dar forma a nuestra percepción de la realidad y el contexto que la rodea.

Fotografías tomadas por Mathew Brady y Timothy O'Sullivan durante la Guerra Civil Americana (abajo) dieron testimonio aleccionador de la carnicería que produjo. Las imágenes de soldados muertos en el campo ayudan a la gente a darse cuenta del costo humano de la guerra y desensibilizar sus ideas de batalla como particularmente heroicas.

Unión “La Cosecha de la Muerte” muerta en el campo de batalla de Gettysburg, Pensilvania, fotografiada del 5 al 6 de julio de 1863. Imagen en Dominio Público. Disponible a través de la Biblioteca del Congreso

La “Edad de Oro” del fotoperiodismo tuvo lugar entre 1930 y 1950, coincidiendo con avances en los medios de radio y televisión.

Dorothea Lange fue empleada por la Administración de Seguridad Agrícola del gobierno federal para documentar la difícil situación de los trabajadores migrantes y las familias dislocadas por el Dust Bowl y la Gran Depresión en Estados Unidos durante la década de 1930 La madre migrante, Florence Owens Thompson, Nipomo Valley, California es una icónica imagen de sus penurias y de la determinación humana de sobrevivir. Al igual que las fotos de la guerra civil de O'Sullivan, la foto de Lange pone rostro a la tragedia humana. Fotografías como esta ayudaron a ganar un apoyo continuo a los programas de ayuda social del presidente Franklin Roosevelt.

Desarrollos Modernos

Edwin Land inventó la cámara instantánea, capaz de tomar y desarrollar una fotografía, en 1947, seguida de la popular cámara instantánea SX-70 en 1972. El SX-70 produjo una imagen positiva de formato cuadrado de 3 pulgadas que se desarrolló frente a tus ojos. La belleza del desarrollo instantáneo para el artista fue que durante los dos o tres minutos que tardó en aparecer la imagen, la emulsión de película se mantuvo maleable y capaz de manipular. El artista Lucas Samaras utilizó esta técnica de manipulación para producir algunas de las imágenes más imaginativas y visualmente descoloridas en una serie que denominó fototransformaciones. Utilizando a sí mismo como sujeto, Samaras explora ideas de identidad propia, estados emocionales y la realidad alterada que crea en el cine.

Cámara Instantánea Polaroid SX-70. Licencia a través de Creative Commons

Las cámaras digitales aparecieron en el mercado a mediados de la década de 1980. Permiten la captura y almacenamiento de imágenes a través de medios electrónicos (el dispositivo de carga acoplada) en lugar de película fotográfica. Este nuevo medio creó grandes ventajas sobre la cámara de película: la cámara digital produce una imagen al instante, almacena muchas imágenes en una tarjeta de memoria de la cámara, y las imágenes se pueden descargar a una computadora, donde pueden ser manipuladas aún más mediante software de edición y enviadas a cualquier lugar a través del ciberespacio. Esto eliminó el tiempo y el costo involucrados en el desarrollo cinematográfico y creó otra revolución en la forma en que accedemos a la información visual.

Las imágenes digitales comienzan a reemplazar las realizadas con película sin dejar de adherirse a las ideas tradicionales de diseño y composición. Bingo Time del fotógrafo Jere DeWaters (abajo) utiliza una cámara digital para capturar una escena visualmente llamativa dentro de un entorno ordinario. Utiliza un enfoque racional para crear un orden geométrico dentro del formato, con diagonales contrastantes configuradas entre piquetes inclinados y rampas, con un ángulo implícito que va desde el neumático de la parte inferior izquierda hasta el marco blanco de la ventana en el centro y culminando en el reloj en la parte superior derecha. Y aunque el letrero nos grita para llamar la atención, el rectángulo negro en el centro es lo que lo consigue.

Jere DeWaters, Bingo Time, 2006, impresión digital a color. Usado con permiso.

Además, las cámaras digitales y el software de edición permiten a los artistas explorar la noción de realidad escenificada: no solo grabar lo que ven sino crear una nueva realidad visual para el espectador. Sandy Skogland crea y fotografía elaborados cuadros habitados por animales y humanos, muchas veces en espacios acorralados y teatrales. En una serie de imágenes tituladas True Fiction Two utiliza el proceso digital —y la ironía en el título para construir fantásticamente coloreado, soñar como imágenes de lugares decididamente mundanos. Al montarse tanto en la instalación como en la imagen digital, Skoglund difumina la línea entre lo real y lo imaginado en el arte.

Las fotografías de Jeff Wall son similares en contenido, una mezcla de lo escenificado y lo real, pero presentadas en un estilo sencillo que el artista denomina “casi documental”.