5.9: Lectura- Métodos

1. El tallado utiliza el proceso sustractivo para cortar áreas de una masa más grande, y es el método más antiguo utilizado para el trabajo tridimensional. Tradicionalmente, la piedra y la madera eran los materiales más comunes porque estaban fácilmente disponibles y eran extremadamente duraderos. Los materiales contemporáneos incluyen espuma, plásticos y vidrio. Usando cinceles y otras herramientas afiladas, los artistas tallan material hasta lograr la forma definitiva de la obra.

Un hermoso ejemplo del proceso de tallado se ve en el Bodhisattva de Agua y Luna de la China del siglo X. El Bodhisattva, una figura budista que ha alcanzado la iluminación pero decide quedarse en la tierra para enseñar a los demás, está exquisitamente tallado y pintado. La figura mide casi ocho pies de altura, sentada en una elegante pose sobre una flor de loto, relajada, mirando hacia adelante con una mirada tranquila, benevolente. El brazo derecho extendido y la rodilla levantada crean una composición triangular estable. El escultor talla el brazo izquierdo para simular la tensión muscular inherente cuando soporta el peso del cuerpo.

En otro ejemplo, se puede observar el alto grado de relieve tallado a partir de un bloque de madera de cedro original en la Máscara de Terremoto de la costa noroeste del Pacífico Kwakwaka' cultura wakw. Es extraordinario que las máscaras personifiquen un evento natural. Esta y otras máscaras de figuras míticas se utilizan en bailes rituales y ceremonias. Las amplias áreas de pintura le dan un mayor sentido de carácter a esta máscara.

Máscara de terremoto, 9” x 7”, principios del siglo XX. Cultura wakwakwaka' wakw, Costa del Pacífico de América del Norte. Museo Burke, Universidad de Washington, Seattle. Usado con permiso.

Las esculturas en madera de la artista contemporánea Ursula von Rydingsvard están talladas, pegadas e incluso quemadas. Muchas son formas masivas y ásperas de vasos que llevan la evidencia visual de su creación.

La estatua de David de la obra maestra de Miguel Ángel de 1501 está tallada y lijada a una forma idealizada que el artista libera del bloque masivo, un testimonio de la brillantez estética humana.

Miguel Ángel, David, 1501, mármol, 17 pies de altura. Galleria dell'Accademia, Florencia. Imagen en el dominio público

2. Fundición: El método aditivo de fundición ha estado en uso desde hace más de cinco mil años. Es un proceso de fabricación mediante el cual un material líquido generalmente se vierte en un molde, que contiene una cavidad hueca de la forma deseada, y luego se deja solidificar. Un método tradicional de fundición de bronce frecuentemente utilizado hoy en día es el proceso de cera perdida. Los materiales de fundición suelen ser metales, pero pueden ser varios materiales de fraguado en frío que se curan después de mezclar dos o más componentes; ejemplos son epoxi, concreto, yeso y arcilla. La fundición se usa con mayor frecuencia para hacer formas complejas que de otro modo serían difíciles o antieconómicas de hacer por otros métodos. Se trata de un proceso intensivo en mano de obra que permite la creación de múltiplos a partir de un objeto original (similar al medio del grabado), cada uno de los cuales es extremadamente duradero y exactamente igual que su predecesor. Un molde generalmente se destruye después de que se haya realizado el número deseado de piezas fundidas. Tradicionalmente, las estatuas de bronce se colocaban sobre pedestales para indicar la importancia de la figura representada. Una estatua de William Seward (abajo), el secretario de Estado de Estados Unidos bajo la dirección de Abraham Lincoln y quien negoció la compra de los territorios de Alaska, tiene casi ocho pies de altura por lo que los espectadores deben mirarlo. De pie junto al globo, sostiene un rollo de planos en su mano izquierda.

Richard Brooks, William Seward, pedestal de bronce sobre piedra, c. 1909. Imagen de Christopher Gildow. Usado con permiso.

Las esculturas fundidas en bronce más contemporáneas reflejan sus temas a través de diferentes perspectivas culturales. La estatua del guitarrista de rock Jimi Hendrix está puesta en el suelo, su figura moldeada como si actuara en el escenario. Está de rodillas, la cabeza echada hacia atrás, los ojos cerrados y la boca abierta en medio de lamentos. Sus pantalones de campana, camisa con volante desabotonada a mitad de camino, collar y diadema nos dan una instantánea de la cultura rock de los sesenta pero también nos involucran con el tema a nuestro nivel.

Daryl Smith, Jimi Hendrix, 1996, bronce. Broadway y Pine, Seattle. Imagen de Christopher Gildow. Usado con permiso.

Doris Chase también fue una fuerte escultora. Su obra abstracta a gran escala Changing Form de 1971 está fundida en bronce y domina la zona que la rodea. El título hace referencia a la experiencia visual que obtienes caminando por la obra, viendo que las formas positivas y negativas se disuelven y recombinan entre sí.

Doris Chase, Changing Form, 1971. Bronce. Imagen de Christopher Gildow. Usado con permiso.

3. El modelado es un método que puede ser tanto aditivo como sustractivo. El artista utiliza el modelado para construir forma con arcilla, yeso u otro material blando que pueda ser empujado, jalado, pellizcado o vertido en su lugar. El material luego se endurece en la obra terminada. Las esculturas más grandes creadas con este método hacen uso de una armadura, una estructura subyacente de alambre que establece la forma física de la obra. Aunque el modelado es principalmente un proceso aditivo, los artistas eliminan el material en el proceso. Modelar un formulario suele ser un paso preliminar en el método de fundición. En 2010, el artista suizo Alberto Giacometti Walking Man (c. 1955), una escultura de bronce modelada por primera vez en arcilla, estableció un récord por el precio más alto jamás pagado por una obra de arte en una subasta.

4. Construcción, o Ensamblaje, utiliza objetos encontrados, fabricados o alterados para construir forma. Los artistas sueldan, pegan, pernos y alambran piezas individuales juntas. La escultora Debra Butterfield transforma objetos tirados en esculturas abstractas de caballos con chatarra, madera y otros objetos encontrados. A menudo moldea estas construcciones en bronce.

Louise Nevelson utilizó trozos de madera cortados y moldeados, pegándolos y clavándolos para formar composiciones fantásticas y complejas. Pintadas en un solo tono, (generalmente en blanco o negro), sus esculturas son gráficas, fachadas texturales de formas, patrones y sombras.

Las máscaras tradicionales africanas a menudo combinan diferentes materiales. La elaborada Máscara Kanaga de Mali utiliza madera, fibras, piel animal y pigmento para construir otro rostro mundano que cambia de humano a animal y de regreso.

Algunas esculturas modernas y contemporáneas incorporan movimiento, luz y sonido. Las esculturas cinéticas utilizan corrientes de aire ambiente o motores que les permiten moverse, cambiando de forma a medida que el espectador se coloca en su lugar. El artista Alexander Calder es famoso por sus obras móviles, caprichosas, abstractas que están intrincadamente equilibradas para moverse al más mínimo mechón de aire, mientras que las esculturas de Jean Tinguely son de artilugio y, similares a las obras de Nevelson y Butterfield, construidas de desechos que a menudo se encuentran en los basureros. Sus obras motorizadas exhiben una estética mecánica ya que zumban, rocan y generan ruidos. La obra más famosa de Tinguely, Homenaje a Nueva York, corrió en el jardín de esculturas del Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1960 como parte de una actuación del artista. Después de varios minutos, la obra explotó y se incendió.

La idea de generar sonido como parte de obras tridimensionales se ha utilizado desde hace cientos de años, tradicionalmente en instrumentos musicales que llevan un referente espiritual. Los artistas contemporáneos utilizan el sonido para realzar el efecto de la escultura o para dirigir narrativas grabadas. La fuente de bronce fundido de George Tsutakawa (abajo) utiliza el flujo de agua para producir un suave sonido apresurado. En esta instancia, la escultura también atrae al espectador por el movimiento del agua: una adición clara y fluida a una superficie abstracta por lo demás dura.

George Tsutakawa, Fuente. Bronce, agua corriente. Ciudad de Seattle. Imagen de Christopher Gildow. Usado con permiso.

A Sound Garden, de Doug Hollis, de 1982, crea sonidos a partir de tubos metálicos huecos sobre estructuras en forma de cuadrícula que se elevan sobre el suelo. En forma de veleta, los tubos se balancean hacia el viento y resuenan a un paso específico. El sonido extiende el valor estético de la obra para incluir el sentido del oído y, junto con la construcción metálica, crea una base mecánica y psicológica para la obra.