29.10: Expresionismo Abstracto
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El desarrollo del expresionismo abstracto
El expresionismo abstracto fue un movimiento artístico estadounidense posterior a la Segunda Guerra Mundial.
Objetivos de aprendizaje
Explicar el movimiento expresionista abstracto de los años 40
Claves para llevar
Puntos Clave
- El expresionismo abstracto tiene una imagen de rebeldía, anárquico, altamente idiosincrásico y nihilista. En la práctica, el término se aplica a cualquier número de artistas que trabajan (en su mayoría) en Nueva York que tenían estilos bastante diferentes, e incluso a trabajos que no son especialmente abstractos ni expresionistas.
- Si bien es cierto que la espontaneidad o la impresión de espontaneidad caracterizaron a muchas de las obras expresionistas abstractas, la mayoría de estas pinturas implicaban una cuidadosa planificación, sobre todo porque su gran tamaño lo exigía.
- Las pinturas abstractas expresionistas comparten ciertas características, entre ellas el uso de grandes lienzos y un enfoque integral, en el que todo el lienzo es tratado con igual importancia.
Términos Clave
- New York School: The New York School (sinónimo de pintura expresionista abstracta) fue un grupo informal de poetas, pintores, bailarines y músicos estadounidenses activos en las décadas de 1950 y 1960 en la ciudad de Nueva York.
Resumen del expresionismo abstracto
El expresionismo abstracto fue un movimiento artístico estadounidense posterior a la Segunda Guerra Mundial. Aunque el término expresionismo abstracto fue aplicado por primera vez al arte estadounidense en 1946 por el crítico de arte Robert Coates, había sido utilizado anteriormente en la revista alemana Der Sturm en 1919.
El expresionismo abstracto se deriva de la combinación de la intensidad emocional y la abnegación de los expresionistas alemanes con la estética antifigurativa de las escuelas abstractas europeas, como el futurismo, la Bauhaus y el cubismo sintético. Además, tiene una imagen de rebeldía, anárquica, altamente idiosincrásica y nihilista. En la práctica, el término se aplica a cualquier número de artistas que trabajaron (en su mayoría) en Nueva York durante la década de 1940.
El expresionismo abstracto tiene muchas similitudes estilísticas con los artistas rusos de principios del siglo XX, como Wassily Kandinsky. Si bien es cierto que la espontaneidad o la impresión de espontaneidad caracterizaron muchas de las obras de los expresionistas abstractos, en realidad la mayoría de estas pinturas implicaban una cuidadosa planificación, sobre todo porque su gran tamaño lo exigía. En muchos casos, el arte abstracto implicaba la expresión de ideas que conciernen a lo espiritual, al inconsciente y a la mente.
Características de la Pintura Expresionista Abstracta
El expresionismo abstracto amplió y desarrolló las definiciones y posibilidades que los artistas tenían disponibles en la creación de nuevas obras de arte. Si bien el expresionismo abstracto se extendió rápidamente por todo Estados Unidos, los principales centros de este estilo fueron Nueva York y California. Las pinturas expresionistas abstractas comparten ciertas características, entre ellas el uso de grandes lienzos y un enfoque integral, en el que todo el lienzo es tratado con igual importancia (a diferencia de que el centro sea de mayor interés que los bordes).
No. 5: Jackson Pollock es conocido por sus técnicas en la pintura de acción, un estilo de expresionismo abstracto en el que la pintura es regateada, salpicada o manchada espontáneamente sobre el lienzo, en lugar de ser aplicada cuidadosamente, como se ve en esta pintura realizada en 1948.
Las enérgicas pinturas de acción de Jackson Pollock, con su sensación ocupada, son diferentes tanto técnica como estéticamente de la violenta y grotesca serie Women de Willem de Kooning. En contraste con la energía emocional y las marcas superficiales gesturales de Pollock y de Kooning, los pintores de campos de color inicialmente parecían frescos y austeros, eludiendo la marca individual en favor de grandes áreas planas de color, que estos artistas consideraron como la naturaleza esencial de la abstracción visual, a lo largo con la forma real del lienzo. En años posteriores, la pintura de campo de color ha demostrado ser sensual y profundamente expresiva, aunque de una manera diferente al expresionismo abstracto gestual.
Nueva York
Durante el período previo y durante la Segunda Guerra Mundial, artistas, escritores y poetas modernistas, así como importantes coleccionistas y traficantes, huyeron de Europa y de la embestida de los nazis en busca de refugio seguro en Estados Unidos. Nueva York reemplazó a París como el nuevo centro del mundo del arte.
La década de 1940 en la ciudad de Nueva York anunció el triunfo del expresionismo abstracto estadounidense, un movimiento modernista que combinó las lecciones aprendidas de Henri Matisse, Pablo Picasso, el surrealismo, Joan Miró, el cubismo, el fauvismo y el modernismo temprano a través de los grandes maestros que llegaron a América, como Hans Hofmann de Alemania y John D. Graham de Rusia.
La influencia de Graham en el arte estadounidense a principios de la década de 1940 fue particularmente visible en la obra de Arshile Gorky, Willem de Kooning y Jackson Pollock. Las contribuciones de Gorky al arte estadounidense y mundial son difíciles de sobreestimar. Sus obras —como El hígado es el peine del gallo, El compromiso II y Un año la maleza lechera— inmediatamente prefiguraron el expresionismo abstracto.
Jackson Pollock
A finales de la década de 1940, el enfoque radical de Jackson Pollock hacia la pintura revolucionó el potencial de todo el arte contemporáneo que le siguió. Hasta cierto punto, Pollock se dio cuenta de que el viaje hacia la realización de una obra de arte era tan importante como la propia obra de arte.
Pollock redefinió lo que era para producir arte. Su alejamiento de la pintura de caballete y convencionalidad fue una señal liberadora para los artistas de su época y para todo lo que vino después. Los artistas se dieron cuenta de que el proceso de Jackson Pollock, la colocación de lienzo crudo sin estirar en el piso donde podría ser atacado por los cuatro lados usando materiales de artistas y materiales industriales, esencialmente llevó la fabricación del arte más allá de cualquier límite anterior.
Jackson Pollock y la pintura de acción
La pintura de acción, creada por Jackson Pollock, es un estilo en el que la pintura es salpicada, manchada o goteada espontáneamente sobre el lienzo.
Objetivos de aprendizaje
Describe el método de pintura de acción de Jackson Pollock
Claves para llevar
Puntos Clave
- La pintura de acción se desarrolló como parte del movimiento de expresionismo abstracto que tuvo lugar en la América posterior a la Segunda Guerra Mundial, especialmente en Nueva York, durante la década de 1940 hasta principios de la década de 1960.
- La pintura de acción pone el énfasis en el acto de pintar más que en la obra final como objeto artístico.
- Jackson Pollock desafió las convenciones tradicionales de la pintura al usar pinturas sintéticas a base de resina, colocando su lienzo en el piso y usando pinceles endurecidos, palos e incluso jeringas para aplicar pintura.
Términos Clave
- abstract: Arte que no representa objetos en el mundo natural, sino que utiliza el color y la forma de manera no representativa.
- estética: Preocupado por la belleza, el impacto artístico o la apariencia.
Pintura de acción
La pintura de acción es un estilo de pintura en el que la pintura se gotea espontáneamente, se salpica o se mancha sobre el lienzo, en lugar de aplicarse cuidadosamente con un pincel. La obra resultante a menudo enfatiza el acto físico de pintar en sí mismo como un aspecto esencial de la obra terminada.
La pintura de acción está inextricablemente ligada al expresionismo abstracto, una escuela de pintura popular en la América posterior a la Segunda Guerra Mundial que se caracterizó por la visión de que el arte no es representativo y principalmente improvisacional. Los principales artistas asociados a este movimiento son Jackson Pollock, Willem de Kooning, Robert Motherwell, Franz Kline, y Mark Rothko, entre otros.
El término pintura de acción fue acuñado por el crítico de arte estadounidense Harold Rosenberg en 1952 en su ensayo The American Action Painters, señalando un cambio importante en la perspectiva estética de los pintores y críticos de la Escuela de Nueva York. Según Rosenberg, el lienzo no era un objeto, sino más bien “una arena en la que actuar”.
La crítica de Rosenberg cambió el énfasis del objeto a la lucha de la pintura misma, siendo la obra terminada solo la manifestación física, una especie de residuo, de la obra de arte real, que estaba en proceso de creación de la pintura.
La pintura de acción se refiere a la actividad espontánea que fue la acción del pintor —a través del movimiento del brazo y la muñeca, gestos pictóricos— y condujo a una pintura que fue arrojada, salpicada, manchada, vertida y goteada. El pintor a veces dejaba que la pintura goteara sobre el lienzo mientras bailaba rítmicamente o incluso mientras estaba de pie sobre el lienzo sin estirar tendido en el suelo, ambas técnicas inventadas por uno de los expresionistas abstractos más importantes: Jackson Pollock.
Jackson Pollock
Nacido en Cody, Wyoming en 1912, Jackson Pollock se mudó a la ciudad de Nueva York en 1930, donde estudió con Thomas Hart Benton en la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York. En 1948 se casó con el pintor estadounidense Lee Krasner, y se trasladaron a lo que ahora se conoce como la Casa y Estudio Pollock-Krasner en la zona de Springs de East Hampton, Long Island, NY.
The Pollock Barn: El estudio de Pollock en Springs, Nueva York.
Materiales y Proceso
Después de su traslado a Springs, comenzó a pintar con sus lienzos tendidos en el piso del estudio, recurriendo a pinturas sintéticas a base de resina llamadas esmaltes alquídicos. Estas eran mucho más fluidas que la pintura tradicional y, en ese momento, eran un medio novedoso. Pollock describió su uso de pinturas para el hogar, en lugar de pinturas de bellas artes, como “un crecimiento natural a partir de una necesidad”.
Utilizó cepillos endurecidos, palos e incluso jeringas para hilvanar como aplicadores de pintura. Al desafiar la convención de pintar sobre una superficie vertical, agregó una nueva dimensión al poder ver y aplicar pintura a sus lienzos desde todas las direcciones; el término pintura integral se ha utilizado para describir parte de su obra, así como la obra de otros artistas de esa época.
En el proceso de hacer pinturas de esta manera, se alejó de la representación figurativa, y desafió la tradición occidental de usar caballete y pincel. Además, también se alejó del uso de sólo la mano y la muñeca, ya que utilizó todo su cuerpo para pintar.
Jackson Pollock en su estudio: El artista tiró, salpicó, manchado, salpicó, vertió y goteó pintura para crear sus obras.
Títulos con números
Pollock quería que se pusiera fin a la búsqueda de elementos figurativos en sus pinturas, por lo que abandonó los títulos y comenzó a numerar sus pinturas en su lugar. La numeración se relaciona con la forma en que los compositores titulan sus obras. Avanzando en la metáfora musical, las pinturas de acción de Pollock se han descrito a menudo como obras de arte de improvisación, similares a cómo los músicos de jazz abordan la interpretación de una pieza.
Muerte
En la cima de su fama, Pollock abandonó abruptamente el estilo de goteo y para 1951 sus obras se habían vuelto de color más oscuro. A esto le siguió un regreso al color, y reintrodujo elementos figurativos. Durante este periodo Pollock se trasladó a una galería más comercial y hubo una gran demanda por parte de los coleccionistas por sus nuevas pinturas.
Ante esta presión, junto con la frustración personal, su problema a largo plazo con el alcoholismo empeoró. Pintó sus dos últimas obras en 1955. El 11 de agosto de 1956, Pollock murió en un accidente automovilístico único en su descapotable Oldsmobile mientras conducía bajo los efectos del alcohol.
Después de la desaparición de Pollock a los 44 años, su viuda, Lee Krasner, administró su patrimonio y se aseguró de que la reputación de Pollock se mantuviera fuerte a pesar de las cambiantes tendencias del mundo del arte. Ambos están enterrados en el cementerio de Green River en Springs, Long Island, NY.
Pintura de Campo de Color
La pintura de campo de color se puede reconocer por sus grandes campos de color sólido repartidos o teñidos en el lienzo para crear áreas de superficie ininterrumpida y un plano plano de imagen.
Objetivos de aprendizaje
Diferenciar la pintura de campo de color de otro arte abstracto contemporáneo como el expresionismo abstracto
Claves para llevar
Puntos Clave
- La pintura de campo de color es un estilo de pintura abstracta que surgió en la ciudad de Nueva York durante las décadas de 1950 y 1960. Está estrechamente ligada al expresionismo abstracto, la abstracción pospictórica y la abstracción lírica.
- Distinto de la energía emocional y las marcas superficiales gesturales y el manejo de la pintura que se ven en la obra de expresionistas abstractos como Jackson Pollock, la pintura de campo de color se mostró fresca y austera.
- El movimiento pone menos énfasis en el gesto, las pinceladas y la acción en favor de una consistencia general de forma y proceso, con el color mismo convirtiéndose en el tema.
- Mark Rothko, Frank Stella, Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb y Morris Louis se encuentran entre los muchos artistas que utilizaron técnicas de campo de color en su trabajo.
- Los pintores de campos de color revolucionaron la manera en que la pintura podría aplicarse de manera efectiva, a través de su uso de pintura acrílica y técnicas como la tinción y la pulverización.
Términos Clave
- expresionismo abstracto: Un género americano del arte moderno que utilizó técnicas improvisadas para generar formas altamente abstractas.
- pintura de acción: Género del arte moderno en el que la pintura es goteada, salpicada o vertida sobre el lienzo para obtener una imagen espontánea y totalmente abstracta.
- Abstracción lírica: Un tipo de pintura abstracta relacionada con el expresionismo abstracto; en uso desde los años 40.
Pintura de Campo de Color
La pintura de campo de color es un estilo de pintura abstracta que surgió en la ciudad de Nueva York durante las décadas de 1950 y 1960. Inspirado en el modernismo europeo y estrechamente relacionado con el expresionismo abstracto, muchos de sus notables primeros defensores se encontraban entre los expresionistas abstractos pioneros.
El campo de color se caracteriza principalmente por el uso de grandes campos de colores planos y sólidos repartidos o teñidos en el lienzo para crear áreas de superficie ininterrumpida y un plano plano plano. El movimiento pone menos énfasis en el gesto, las pinceladas y la acción que en el expresionismo abstracto, favoreciendo en cambio una consistencia general de forma y proceso, con el color mismo convirtiéndose en el tema.
Abarcando varias décadas desde mediados del siglo XX hasta principios del siglo XXI, la historia de la pintura de campo de color se puede separar en tres generaciones separadas pero relacionadas de pintores:
- Expresionismo abstracto.
- Abstracción post-pictórica.
- Abstracción lírica.
Algunos de los artistas realizaron obras en las tres épocas que se relacionan con los tres estilos.
Clemente Greenberg
El foco de atención en el mundo del arte contemporáneo comenzó a cambiar de París a Nueva York después de la Segunda Guerra Mundial y el desarrollo del expresionismo abstracto estadounidense. A finales de la década de 1940 y principios de 1950, Clement Greenberg fue el primer crítico de arte en sugerir e identificar una dicotomía entre diferentes tendencias dentro del cánón expresionista abstracto, especialmente entre la pintura de acción y lo que Greenberg denominó abstracción pospictórica (hoy conocida como campo de color).
Formatos de campo de color
A finales de los cincuenta y principios de los sesenta, los artistas jóvenes comenzaron a separarse estilísticamente del expresionismo abstracto, experimentando con nuevas formas de manejar la pintura y el color. Alejándose del gesto y la angustia de la pintura de acción hacia planos planos y claros y un lenguaje aparentemente más tranquilo, los artistas del campo de color utilizaron formatos de rayas, blancos y patrones geométricos simples para concentrarse en el color como tema dominante de sus pinturas.
La pintura de campo de color se refería inicialmente a un tipo particular de expresionismo abstracto, ejemplificado especialmente en la obra de Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb y varias series de pinturas de Joan Miró.
La pintura de campo de color buscaba librar al arte de la retórica y el gesto superfluos. Artistas como Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Friedel Dzubas y Frank Stella solían utilizar formatos muy reducidos, sistemas simplificados o regulados, y referencias básicas a la naturaleza para dibujar el foco de la pintura al color, y las interacciones del color, como el elemento más importante.
Harran II: A finales de la década de 1950 y principios de 1960, Frank Stella fue una figura significativa en el surgimiento del minimalismo, la abstracción post-pictórica y la pintura de campo de color. Sus lienzos moldeados de los años sesenta revolucionaron la pintura abstracta, como esta de 1967.
Comienzo: Esta pintura de campo de color se caracteriza por formas geométricas simples y sistemas repetitivos y regulados. Fue pintado por Kenneth Noland en 1958.
¿Quién le teme al rojo, al amarillo y al azul? : El plano plano y sólido que es típico de las pinturas de campo de color es evidente en esta pieza de 1966 de Barnet Newman, donde el color rojo toma protagonismo.
Una distinción importante entre la pintura de campo de color y el expresionismo abstracto es la forma en que se maneja la pintura. La técnica definitoria más básica de la pintura es la aplicación de pintura, y los pintores de campos de color revolucionaron la manera en que la pintura podría aplicarse efectivamente.
Las pinturas acrílicas solubles en agua de calidad artística se comercializaron por primera vez a principios de la década de 1960, coincidiendo con el movimiento del campo de color. Las aplicaciones más comunes fueron:
- Pintura con manchas, donde los artistas mezclan y diluyen su pintura en cubos o latas de café para que sea un líquido más fluido, luego la vierten sobre lienzo crudo sin imprimar y dibujan formas y áreas a medida que se manchan.
- Pintura en aerosol, una técnica que utiliza una pistola de pulverización para crear grandes extensiones y campos de color rociados sobre el lienzo.
- El uso de franjas.
La pintura de campo de color inicialmente parecía ser fresca y austera debido a estos métodos de manejo de la pintura que tendían a evitar la marca individual del artista. Sin embargo, la pintura de campo de color ha demostrado ser sensual y profundamente expresiva, aunque de una manera diferente al expresionismo abstracto gestual.
Big A: Jack Bush fue un pintor de campos de color que utilizó formas geométricas, simples para resaltar la interacción pura del color, como se puede ver en esta obra de 1968.
La escuela de Nueva York
The New York School fue un grupo informal de pintores abstractos estadounidenses y otros artistas que estuvo activo en las décadas de 1950 y 1960.
Objetivos de aprendizaje
Explicar por qué es conocida la New York School y quiénes fueron sus proponentes
Claves para llevar
Puntos Clave
- The New York School fue un grupo informal de pintores abstractos y otros artistas en Nueva York, aunque se ha asociado más con el movimiento expresionista abstracto. Si bien el expresionismo abstracto se extendió rápidamente por todo Estados Unidos, los principales centros de este estilo fueron la ciudad de Nueva York y California.
- Los artistas de New York School se inspiraron en el surrealismo y movimientos de arte contemporáneo como la pintura de acción, el expresionismo abstracto, el jazz, el teatro de improvisación y la música experimental.
- El trabajo de la New York School fue documentado a través de exposiciones anuales de pintura y escultura de 1951-1957, sobre todo en la 9th Street Art Exhibition.
- Además de la pintura, la New York School estuvo asociada con muchos poetas, bailarines, compositores, músicos de jazz y escritores.
Términos Clave
- surrealismo: Un movimiento artístico y una filosofía estética, anterior al expresionismo abstracto, que apunta a la liberación de la mente enfatizando los poderes críticos e imaginativos del subconsciente.
- GI Bill: La Ley de Reajuste de los militares de 1944, conocida informalmente como la Ley GI, era una ley que proporcionaba una serie de beneficios para los veteranos que regresaban a la Segunda Guerra Mundial (comúnmente conocidos como IG).
- expresionismo abstracto: Un género americano del arte moderno que utilizó técnicas improvisadas para generar formas altamente abstractas.
La escuela de Nueva York
The New York School era un grupo informal de poetas, pintores, bailarines y músicos estadounidenses que estuvo activo en las décadas de 1950 y 1960 en la ciudad de Nueva York. Representaba, y a menudo es sinónimo de, el movimiento artístico de un expresionismo abstracto, como la obra de Jackson Pollack y Willem de Kooning.
Los artistas de la New York School se inspiraron en el surrealismo y otros movimientos artísticos contemporáneos y vanguardistas, en particular la pintura de acción, el expresionismo abstracto, el jazz, el teatro improvisacional, la música experimental y la interacción de amigos en el círculo de vanguardia del mundo del arte de la ciudad de Nueva York.
No. 5: Jackson Pollack es conocido por sus técnicas en la pintura de acción, un estilo de expresionismo abstracto en el que la pintura es regateada, salpicada o manchada espontáneamente sobre el lienzo, en lugar de aplicarse cuidadosamente, como esta hecha en 1948.
Mujer V: Willem de Koonig fue un influyente pintor expresionista abstracto.
Expresionismo Abstracto
Escuela de pintura que floreció después de la Segunda Guerra Mundial hasta principios de la década de 1960, el expresionismo abstracto se caracteriza por la visión de que el arte no es representativo y principalmente improvisacional. Las pinturas expresionistas abstractas comparten ciertas características, como el uso de grandes lienzos, y un enfoque integral mediante el cual todo el lienzo es tratado con igual importancia (a diferencia de que el centro sea de mayor interés que los bordes). El lienzo como arena se convirtió en un credo de la pintura de acción, mientras que la integridad del plano de la imagen se convirtió en un credo de los pintores del campo de color.
La era posterior a la Segunda Guerra Mundial benefició a algunos de los artistas que fueron reconocidos desde el principio por los críticos de arte. Algunos artistas neoyorquinos, como Norman Bluhm y Sam Francis, aprovecharon el GI Bill y partieron hacia Europa, para regresar más tarde con aclamación.
Muchos artistas de todo Estados Unidos llegaron a la ciudad de Nueva York para buscar el reconocimiento, y a finales de la década la lista de artistas asociados con la Escuela de Nueva York había aumentado mucho. Pintores, escultores y grabadores crearon arte que se denominó pintura de acción, fluxus, pintura de campo de color, pintura dura, arte pop, arte minimal y abstracción lírica, entre otros estilos y movimientos asociados al expresionismo abstracto.
9ª Exposición de Arte de Calle
La 9ª Exposición de Arte Callejero se realizó del 21 de mayo al 10 de junio de 1951. Fue una exposición histórica e innovadora que reunió a varios artistas notables, y fue la salida de la vanguardia neoyorquina de posguerra, conocida colectivamente como la Escuela de Nueva York.
El espectáculo fue colgado por Leo Castelli, ya que fue del agrado de la mayoría de los artistas y pensado como alguien que colgaría la exposición sin favoritismo. La apertura del espectáculo fue un gran éxito. Según el crítico, historiador y curador Bruce Altshuler, “Parecía como si se hubiera cruzado una línea, un paso hacia un mundo artístico más amplio cuyo futuro era brillante con posibilidades”.
Influencias interdisciplinarias en la escuela de Nueva York
Además de la pintura, la New York School estuvo asociada con muchos poetas, bailarines, compositores, músicos de jazz y escritores. Los poetas se inspiraron en el surrealismo y los movimientos artísticos contemporáneos de vanguardia, en particular la pintura de acción de sus amigos en el mundo del arte de la ciudad de Nueva York como Jackson Pollock y Willem de Kooning.
En la década de 1960, la obra de los compositores minimalistas vanguardistas La Monte Young, Philip Glass, Tony Conrad, Steve Reich y Terry Riley se hizo prominente en el mundo del arte neoyorquino. Los nuevos músicos de bebop y jazz cool en las décadas de 1940 y 1950 (como Charlie Parker, Miles Davis, John Coltrane y Gerry Mulligan) coincidieron con la New York School y el expresionismo abstracto.
También hay puntos en común entre la Escuela de Nueva York y los miembros de los poetas de la generación latido que estuvieron activos en las décadas de 1940, 1950 y 1960 en la ciudad de Nueva York, entre ellos Allen Ginsberg, Jack Kerouac, William S. Burroughs, Diane Wakoski y varios otros.
Escultura Expresionista Abstracta
Durante la posguerra, muchos escultores trabajaron en los estilos predominantes de la época: el expresionismo abstracto, el minimalismo y el arte pop.
Objetivos de aprendizaje
Evaluar cómo la escultura de 1945 a 1970 fue influenciada por el expresionismo abstracto, el minimalismo y el arte pop
Claves para llevar
Puntos Clave
- La escultura abstracta expresionista estuvo muy influenciada por el surrealismo y su énfasis en la creación espontánea o subconsciente.
- Las esculturas minimalistas a menudo se proponen exponer la esencia o identidad de un sujeto a través de la eliminación de todas las formas o conceptos no esenciales. Estas obras suelen caracterizarse por formas geométricas, cúbicas, igualdad de piezas, repetición, superficies neutras, y el uso de materiales industriales.
- Los escultores Claes Oldenburg y George Segal fueron importantes defensores del arte pop en su uso de objetos encontrados y cómo reproducían objetos comerciales cotidianos como bellas artes.
Términos Clave
- arte pop: Un movimiento artístico que surgió en la década de 1950, que planteó un desafío a las tradiciones de las bellas artes al incluir imágenes de la cultura popular como publicidad, noticias, etc.
- objeto encontrado: Un objeto natural, o uno fabricado para algún otro propósito, considerado como parte de una obra de arte.
Expresionismo Abstracto y Escultura
Si bien el expresionismo abstracto está más estrechamente asociado con la pintura, varios escultores también fueron parte integral del movimiento. David Smith, Dorothy Dehner, Herbert Ferber, Isamu Noguchi, Ibram Lassaw, Theodore Roszak, Phillip Pavia, Mary Callery, Richard Stankiewicz, Louise Bourgeois y Louise Nevelson en particular fueron considerados miembros importantes del movimiento.
Similar a la pintura expresionista abstracta, la obra escultórica del movimiento estuvo muy influenciada por el surrealismo y su énfasis en la creación espontánea o subconsciente. La escultura expresionista abstracta, al igual que la pintura del movimiento, estaba más interesada en el proceso que en el producto, lo que puede dificultar la distinción visual de las obras solo por la estética, por lo que es importante tomar en cuenta lo que el artista tiene que decir sobre su proceso.
Las esculturas de David Smith, por ejemplo, buscaban expresar temas bidimensionales que nunca antes se habían mostrado en tres dimensiones. Su obra difuminó las distinciones entre escultura y pintura, haciendo uso generalmente de tracería delicada más que de forma sólida, con una apariencia bidimensional que contradice la idea tradicional de escultura en redondo.
Hogar antiguo: David Smith fue un importante escultor expresionista abstracto.
Minimalismo
El minimalismo durante las décadas de 1960 y 1970 fue una reacción contra la subjetividad pictórica del expresionismo abstracto que dominó las décadas anteriores. Los artistas minimalistas declararon explícitamente que su arte no se trataba de la autoexpresión. En cambio, las obras minimalistas a menudo se proponen exponer la esencia o identidad de un sujeto a través de la eliminación de todas las formas o conceptos no esenciales.
Estas obras suelen caracterizarse por formas geométricas, cúbicas, igualdad de piezas, repetición, superficies neutras, y el uso de materiales industriales. Algunos artistas destacados que trabajaron con la escultura y se asociaron con el minimalismo (aunque no todos coincidieron con la asociación) incluyen a Donald Judd, John McCracken, Anthony Caro, Tony Smith, Sol LeWitt, Carl Andre y Dan Flavin.
Dan Flavin
Dan Flavin era un minimalista estadounidense famoso por crear objetos escultóricos e instalaciones a partir de luminarias fluorescentes disponibles comercialmente. La falta de la marca de la mano del artista en estos casos habla de la noción de exponer la verdadera forma del objeto escultórico, principio significativo del movimiento minimalista.
Donald Judd
Donald Judd, quien desautorizó el término minimalismo, y prefirió referirse a sus esculturas como objetos específicos, utilizó formas simples y repetidas para explorar el espacio. Sus obras a menudo se fabricaban (en lugar de esculpir) a partir de metales, contrachapado industrial y concreto, y por lo tanto desafiaban la fácil clasificación como escultura.
“Sin título” de Judd, 1977, aplica la simplicidad y la forma geométrica típicas de las obras minimalistas. Fabricada a partir de hormigón, la pieza se presenta como potencialmente creada industrialmente ya que carece de la marca de la mano del artista que tan a menudo se ve en las obras de arte, favoreciendo en cambio una austeridad fresca que resalta las cualidades de la forma y el material utilizado para fabricarla.
Sin título: Donald Judd, quien desautorizó el término minimalismo, prefirió referirse a sus esculturas como objetos específicos. Judd utiliza formas simples y repetidas para explorar el espacio.
Pop Art
Había numerosos artistas que trabajaban en la escultura que se asociaban con el movimiento del arte pop. Dos ejemplos importantes son Claes Oldenburg y George Segal.
Claes Oldenburg
Oldenburg comenzó su práctica artística como parte de un grupo de artistas reaccionando a los gestos sublimes del Expresionismo Abstracto con dibujos figurales y esculturas de papel maché. Su trayectoria artística lo llevó de hacer pinturas de objetos encontrados llenas de escombros urbanos hasta esculturas de yeso de objetos comerciales y manufacturados cotidianos. Posteriormente creó esculturas de temas similares en escalas cada vez mayores, primero cosiendo esculturas suaves de lienzo, luego recurriendo a grandes monumentos al aire libre en espacios públicos.
George Segal
George Segal, otro artista asociado al movimiento pop-art, era mejor conocido por sus figuras de tamaño natural hechas de yeso y moldes para vendajes. Estas figuras, a menudo dejadas con un mínimo de color y detalle y dadas una apariencia fantasmal y hueca, habitaban cuadros construidos con objetos encontrados como una esquina de calle, un autobús o un comedor.
Las prácticas comunes que se ven en la obra escultórica del arte pop incluyen la exhibición de objetos de arte encontrados, la representación de bienes de consumo, la colocación de objetos típicos no artísticos dentro de un entorno de galería y la abstracción de objetos familiares. Podemos ver esta abstracción en obras como Plug by Oldenburg.
Esta reproducción de un objeto familiar o mundano se muestra en un tamaño tan aumentado que el tema se abstrae, su función original alterada y resaltada simultáneamente.
Enchufe: Claes Oldenburg produjo reproducciones sobredimensionadas de objetos familiares en mayores tamaños para abstraer el tema, como este hecho en 1970.
- Curación y Revisión. Proporcionado por: Boundless.com. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
- Expresionismo abstracto. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Abstract_expresionismo. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
- Escuela de Nueva York. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/New%20York%20ESCUELA. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
- Sin límites. Proporcionado por: Boundless Learning. Ubicado en: www.boundless.com//art-history/13/ roof-comb. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
- No. 5 de Jackson Pollack. Proporcionado por: Wikimedia. Ubicado en: Upload.wikimedia.org/wikipedia/es/f/f2/Gorky-the-Liver.jpg. Licencia: Dominio Público: No Conocido Copyright
- Historia del Arte/Glosario. Proporcionado por: Wikilibros. Ubicado en: es.wikibooks.org/wiki/Art_Historia/Glosario. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
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