1.4: Romanticismo en Inglaterra y Alemania
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Pinturas de Paisajes
Fuente: [1]
Pintura de paisaje holandesa e inglesa
La pintura paisajística representa paisajes naturales como montañas, valles, árboles, ríos y bosques, en los que el tema principal es típicamente una vista amplia y los elementos están dispuestos en una composición coherente. Durante la Edad de Oro holandesa de la pintura, en el siglo XVII, este tipo de pintura creció en popularidad, y muchos artistas se especializaron en el género. En particular, los pintores de esta época eran conocidos por desarrollar técnicas extremadamente sutiles y realistas para representar la luz y el clima. La popularidad de la pintura de paisajes en esta región, durante este tiempo, fue en parte un reflejo de la virtual desaparición del arte religioso en los Países Bajos, que entonces era una sociedad calvinista. En los siglos XVIII y XIX, la pintura religiosa declinó en toda Europa, y se extendió el movimiento del romanticismo, los cuales proporcionaron importantes ingredientes históricos para que la pintura de paisajes ascendiera a un lugar más destacado en el arte.
En Inglaterra, los paisajes inicialmente solo se habían pintado como fondos para retratos, y típicamente retrataban los parques o fincas de un terrateniente. Esto cambió a raíz de Anthony van Dyck, quien, junto a otros artistas flamencos residentes en Inglaterra, inició una tradición nacional. En el siglo XVIII, la acuarela, en su mayoría de paisajes, se convirtió en una especialidad inglesa. La nación contaba tanto con un mercado boyante para obras profesionales de esta variedad, como una gran cantidad de pintores aficionados. A principios del siglo XIX, los artistas ingleses más apreciados eran, en su mayor parte, paisajistas dedicados, entre ellos John Constable, J.M.W. Turner y Samuel Palmer.
Pintura Francesa de Paisaje
Los pintores franceses tardaron en desarrollar un interés por los paisajes, pero en 1824, el Salón de París exhibió las obras de John Constable, un paisajista inglés extremadamente talentoso. Sus escenas rurales influyeron en algunos de los artistas franceses más jóvenes de la época, moviéndolos a abandonar el formalismo y a inspirarse directamente en la naturaleza. Durante las revoluciones de 1848, los artistas se reunieron en Barbizon para seguir las ideas de Constable, haciendo de la naturaleza el tema de sus pinturas. Formaron lo que se conoce como la Escuela Barbizon.
A finales de la década de 1860, los pintores de Barbizon atrajeron la atención de una generación más joven de artistas franceses que estudiaban en París. Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley y Frédéric Bazille entre otros, practicaron la pintura al aire plein y desarrollaron lo que después se llamaría Impresionismo, un movimiento sumamente influyente.
En Europa, como señaló John Ruskin, y Sir Kenneth Clark confirmó, la pintura de paisajes era la “creación artística principal del siglo XIX” y “el arte dominante”. Como resultado, en los tiempos que siguieron, se hizo común que la gente “asumiera que la apreciación de la belleza natural y la pintura de el paisaje era una parte normal y perdurable de nuestra actividad espiritual”.
Nacionalismo en la pintura de paisajes
El nacionalismo ha estado implicado en la popularidad de los paisajes holandeses del siglo XVII, y en el siglo XIX, cuando otras naciones, como Inglaterra y Francia, intentaron desarrollar escuelas nacionales distintivas propias. Los pintores involucrados en estos movimientos a menudo intentaron expresar la naturaleza única del paisaje de su tierra natal.
La escuela del río Hudson
En Estados Unidos, un movimiento similar, llamado Hudson River School, surgió en el siglo XIX y rápidamente se convirtió en uno de los proveedores mundiales más distintivos de piezas de paisaje. Pintores estadounidenses en este movimiento crearon obras de escala gigantesca en un intento de capturar el tamaño épico y alcance de los paisajes que los inspiraron. La obra de Thomas Cole, fundador generalmente reconocido de la escuela, parecía emanar de una posición filosófica similar a la de los paisajistas europeos. Ambos defendieron, desde una posición de fe secular, los beneficios espirituales que se podían obtener al contemplar la naturaleza. Algunos de los artistas posteriores de Hudson River School, como Albert Bierstadt, crearon obras menos reconfortantes que pusieron un mayor énfasis (con mucha exageración romántica) en el poder crudo y aterrador de la naturaleza.
John Constable “Ver en el Stour cerca de Dedham”
[Smarthistory > Arte en la Europa del siglo XIX > Romanticismo > Inglaterra > Constable, vista sobre el Stour cerca de Dedham]
1822, óleo sobre lienzo, 51 x 74 pulgadas (The Huntington Library, Art Collections, and Botanical Gardens, San Marino, CA)
Un elemento interactivo o mediático ha sido excluido de esta versión del texto. Puedes verlo en línea aquí: pb.libretexts.org/art1/? p=31
Joseph Mallord William Turner “El temeraire de lucha”
Ensayo de Abram Fox [2]
¿Cuánto ha cambiado el mundo desde que eras niño? No había internet, ni computadoras personales. Tus padres no eran dueños de una minivan o SUV, esos aún no existían. Los aviones comerciales eran completamente nuevos. El mundo aún se estaba recuperando de la Segunda Guerra Mundial, y si viviste en Estados Unidos probablemente viviste con un miedo mortal a un ataque nuclear de la URSS. La vida en 2013 puede parecerse a la vida en 1950 de alguna manera, pero no hay duda de que el mundo es un lugar diferente, un lugar más avanzado, más extraño.
La revolución industrial lo cambió todo
Ese fue el punto de vista del artista británico Joseph Mallord William Turner (comúnmente conocido por sus iniciales J.M.W.) en 1839. J.M.W. Turner nació en 1775, menos de un mes después del inicio de la Guerra Revolucionaria Americana. Creció en un Reino Unido cuyo imperio se extendía por todo el mundo bajo la atenta mirada de su armada, y cuya destreza militar fue alentada por una economía en auge impulsada por la Revolución Industrial.
La Revolución Industrial, entre aproximadamente 1760 y 1830, trajo grandes cambios positivos a Gran Bretaña. La energía de vapor anunciaba una era de las máquinas llenas de fábricas y procesos mecánicos. Las innovaciones en maquinaria textil aumentaron la producción industrial miles de veces, el hierro se volvió barato y lo suficientemente fuerte como para convertirse en un material de construcción cotidiano, y las lámparas de gas significaron que la gente pudiera estar activa a todas horas del día y de la noche. Las poblaciones aumentaron, los bienes de consumo se hicieron más asequibles y la clase media explotó. Había un entendimiento palpable de que el mundo estaba cambiando para siempre.
Sin embargo, no todas las cosas mejoraron. A pesar de que el ingreso promedio creció durante la era industrial, los niveles de vida se desplomaron para la mayoría, al igual que las condiciones en la vivienda urbana y en las nuevas fábricas. El trabajo infantil no sólo era legal, sino que se esperaba. A pesar de sus éxitos económicos, la Revolución Industrial no estuvo exenta de serios problemas.
Valiente legado histórico
La ambigüedad estaba en la mente de Turner cuando comenzó a trabajar en su pintura, cuyo título completo es The Fighting Temeraire tiró de su último litera para romperse, 1838. Estaba familiarizado con el barco homónimo, HMS Temeraire, al igual que todos los británicos del día. Temeraire fue el héroe de la Batalla de Trafalgar en 1805, donde las fuerzas de Napoleón fueron derrotadas, y que aseguró el dominio naval británico para el próximo siglo.
A finales de la década de 1830, sin embargo, Temeraire ya no era relevante. Después de retirarse del servicio en 1812 se convirtió en un casco, un barco que puede flotar pero en realidad no navegar. Pasó tiempo como buque carcelario, buque de alojamiento y depósito de almacenamiento antes de que finalmente fuera dada de servicio en 1838 y enviada por el río Támesis a un astillero en Londres para ser dividida en materiales de desecho. Ese viaje por el Támesis fue presenciado por Turner, quien lo utilizó como inspiración para su famosa pintura.
Choque de Tecnología
Para muchos británicos, Temeraire fue un poderoso recordatorio de la larga historia de éxito militar de su nación y una conexión viva con los héroes de las Guerras Napoleónicas. Su desmontaje señalaba el fin de una era histórica. Turner celebra el pasado heroico de Temeraire, y también representa un cambio tecnológico que ya había comenzado a afectar la vida moderna de una manera más profunda que cualquier batalla.
En lugar de colocar a Temeraire en medio de su lienzo, Turner pinta el buque de guerra cerca del borde izquierdo del lienzo. Utiliza tonos de blanco, gris y marrón para el barco, lo que hace que parezca casi un barco fantasma. El poderoso buque de guerra está siendo arrastrado por un pequeño remolcador negro, cuya máquina de vapor es lo suficientemente fuerte como para controlar a su contraparte más grande. Turner transforma la escena en una alegoría sobre cómo el nuevo poder de vapor de la Revolución Industrial reemplazó rápidamente la historia y la tradición.
Lo creas o no, los remolcadores eran tan nuevos que ni siquiera había una palabra de lo que el pequeño barco le estaba haciendo a Temeraire. Según el Oxford English Dictionary, el título de Turner para su pintura es el primer uso registrado de la palabra “remolcado” para describir un barco de vapor tirando de otro barco.
Además del título inventivo, Turner incluyó en el catálogo de la exposición las siguientes líneas de texto, que modificó de un poema de “Ye Mariners of England” de Thomas Campbell:
La bandera que enfrentó la batalla y la brisa Ya
no es dueña de ella
Esto era literalmente cierto: Temeraire ondea una bandera blanca en lugar de la bandera británica, lo que indica que ha sido vendida por los militares a una empresa privada. Además, el poema reconoce que el barco tiene ahora una función diferente. Temeraire solía ser un buque de guerra, pero no más.
Adaptación Creativa
En 1838 Temeraire fue remolcado aproximadamente 55 millas desde su muelle costero hasta un astillero londinense, y un número incalculable de británicos habrían presenciado el último viaje del barco. Sin embargo, el Temeraire que vieron solo ligeramente se parecía al poderoso buque de guerra representado por Turner. En realidad ya se habían quitado sus mástiles, al igual que todas las demás ornamentaciones y todo lo demás de valor en el exterior e interior de la nave. Sólo su árido caparazón fue tirado a Londres.
La pintura de Turner no muestra la realidad del evento. En cambio, optó por representar a Temeraire como ella se habría visto en el mejor momento de su servicio, con todos sus mástiles y aparejos. Esto crea una dramática yuxtaposición entre el buque de guerra y el pequeño remolcador negro que controla sus movimientos.
De hecho habría habido dos barcos de vapor moviendo a Temeraire, pero Turner ejerció su creatividad artística para captar el impacto emocional de la vista. Los espectadores contemporáneos reconocieron que The Fighting Temeraire representa una imagen ideal del barco, más que la realidad.
Un fuerte contraste también es visible en la forma en que Turner aplicó pintura a las diversas porciones de su lienzo. Temeraire es muy detallado. Si estuvieras a centímetros de distancia de la pintura, claramente verías cosas minúsculas como ventanas individuales, cuerdas colgantes y diseños decorativos en el exterior del barco. No obstante, si mirabas hacia el sol y las nubes verías una fuerte acumulación de pintura aglomerada en el lienzo, dándole una sensación de caos y espontaneidad.
Muchas obras de Turner en este periodo de su vida, como Slave Ship (Slavers Throking Overboard the Dead and Dying, Typhoon Coming On) y Rain Steam and Speed — The Great Western Railway (izquierda), usan el mismo efecto, pero destaca The Fighting Temeraire por la representación naturalista de la nave en comparación con el resto de la obra.
El artista como buque de guerra
Turner pensó que The Fighting Temeraire era una de sus obras más importantes. Nunca lo vendió, sino que lo mantuvo en su estudio junto con muchos de sus otros lienzos. Al morir en 1851 la legó y el resto de las pinturas que poseía a la nación. Rápidamente se vio como una imagen de la relación de Gran Bretaña con la industrialización. La potencia de vapor ha demostrado ser mucho más fuerte y eficiente que la tecnología antigua, pero esa eficiencia vino con el costo de siglos de orgullosa tradición.
Más allá de su importancia nacional, The Fighting Temeraire es también una reflexión personal del artista sobre su propia trayectoria. Turner tenía 64 años cuando lo pintó. Había estado exhibiendo en la Real Academia de las Artes desde los 15 años, y se convirtió en miembro a los 24 años, posteriormente ocupando un cargo como Profesor de Pintura. No obstante, el año anterior a pintar The Fighting Temeraire Turner renunció a su cátedra, y en gran parte vivió en secreto y reclusión.
Si bien Turner siguió siendo uno de los artistas más famosos de Inglaterra hasta su muerte, a finales de la década de 1830 pudo haber pensado que estaba siendo reemplazado por artistas más jóvenes que trabajaban en estilos drásticamente diferentes. Puede que se haya vuelto nostálgico por el país en el que creció, en comparación con aquel en el que vivió entonces. Lluvia, vapor y velocidad: el Great Western Railway reflejaría un interés similar en el cambiante panorama británico varios años después, centrándose en la naturaleza dinámica de la tecnología. El Fighting Temeraire presenta una visión lúgubre de lo que la tecnología había reemplazado, para bien o para mal.
Caspar David Friedrich “Abadía entre robles”
[Smarthistory > El arte en la Europa del siglo XIX > Romanticismo Alemania > Freidrich, Abby entre robles]
1809 o 1810, óleo sobre lienzo, 110.4 x 171 cm (Alte Nationalgalerie, Berlin)
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- “Neoclasicismo y romanticismo: pintura de paisajes” Historia del arte sin límites. Sin límites. 21 de julio de 2015. CC-BY-SA 4.0
- CC BY NC Smarthistory.org