1.9: Futurismo, dadá y Primera Guerra Mundial

Introducción: Futurismo italiano

¿Te imaginas estar tan entusiasmado con la tecnología que nombras a tu hija Propeller? Hoy damos por sentado la mayoría de los avances tecnológicos, pero a principios de siglo pasado, innovaciones como la electricidad, los rayos X, las ondas de radio, los automóviles y los aviones fueron sumamente emocionantes. Italia retrasó a Gran Bretaña, Francia, Alemania y Estados Unidos en el ritmo de su desarrollo industrial. Culturalmente hablando, la reputación artística del país se basaba en el arte y la cultura Antigua, Renacentista y Barroca. En pocas palabras, Italia representaba el pasado.

A principios del siglo XX surgió un grupo de jóvenes y rebeldes escritores y artistas italianos decididos a celebrar la industrialización. Estaban frustrados por el estatus decreciente de Italia y creían que la “Era de la Máquina” resultaría en un orden mundial completamente nuevo e incluso una conciencia renovada.

Ensayo de Emily Casden ^[1]

Figura\(\PageIndex{1}\): Umberto Boccioni, Formas únicas de continuidad en el espacio, 1913 (fundido 1931), bronce, 43 7/8 x 34 7/8 x 15 3/4″ (MoMA)

Filippo Tommaso Marinetti, el cabecilla de este grupo, llamó al movimiento Futurismo. Sus integrantes buscaron plasmar la idea de modernidad, las sensaciones y la estética de la velocidad, el movimiento y el desarrollo industrial.

Un manifiesto

Marinetti lanzó el Futurismo en 1909 con la publicación de su “Manifiesto futurista” en la portada del diario francés Le Figaro. El manifiesto marcó un tono ardiente. En ella Marinetti arremetió contra la tradición cultural (passatismo, en italiano) y pidió la destrucción de museos, bibliotecas y feminismo. El futurismo rápidamente se convirtió en un movimiento internacional y sus participantes emitieron manifiestos adicionales para casi todo tipo de arte: pintura, escultura, arquitectura, música, fotografía, cine, incluso ropa.

Los pintores futuristas —Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo, Gino Severini y Giacomo Bala— firmaron su primer manifiesto en 1910 (el último llamado su hija Élica, ¡Hélice!). La pintura futurista había mirado por primera vez al color y a los experimentos ópticos de finales del siglo XIX, pero en el otoño de 1911, Marinetti y los pintores futuristas visitaron el Salon d'Automne de París y vieron el cubismo en persona por primera vez. El cubismo tuvo un impacto inmediato que se puede ver en la Materia de Boccioni de 1912 por ejemplo. Sin embargo, los futuristas declararon que su trabajo era completamente original.

Figura\(\PageIndex{2}\): Umberto Boccioni, Materia, 1912 (reelaborado 1913), óleo sobre lienzo, 226 x 150 cm (Colección Mattioli cedida a Colección Peggy Guggenheim, Venecia)

Dinamismo de Cuerpos en Movimiento

Los futuristas estaban particularmente entusiasmados con las obras del científico y fotógrafo de finales del siglo XIX Étienne-Jules Marey, cuyos estudios cronofotográficos (basados en el tiempo) describían la mecánica del movimiento animal y humano.

[“Étienne Jules Marey — L' Homme Machine “]

Un elemento interactivo o mediático ha sido excluido de esta versión del texto. Puedes verlo en línea aquí: pb.libretexts.org/art1/? p=41

Un precursor del cine, los innovadores experimentos de Marey con la fotografía de lapso de tiempo fueron especialmente influyentes para Balla. En su pintura Dinamismo de un perro con correa, el artista interpreta juguetonamente los pies del perro (y del paseador de perros) como movimientos continuos a través del espacio a lo largo del tiempo.

Figura\(\PageIndex{3}\): Giacomo Balla, Dinamismo de un perro con correa, 1912, óleo sobre lienzo, 35 1/2 x 43 1/4” (Albright-Knox Art Gallery, Buffalo)

Enlatados por la idea de lo “dinámico”, los futuristas buscaron representar las sensaciones, ritmos y movimientos de un objeto en sus imágenes, poemas y manifiestos. Tales características están bellamente expresadas en la obra maestra más icónica de Boccioni, Formas únicas de continuidad en el espacio (ver arriba).

Figura\(\PageIndex{4}\): Nike (Victoria alada) de Samotracia, c. 190 a.C.E. 3.28m de altura, Periodo Helenístico, marge, (Musée du Louvre, París)

La elección del bronce brillante le da una calidad mecanizada a la escultura de Boccioni, así que aquí está la combinación ideal de los Futuristas de humano y máquina. La pose de la figura es a la vez agraciada y contundente, y a pesar de su firme rechazo a las artes clásicas, también es muy similar a la Nike de Samotracia.

Política y Guerra

El futurismo fue uno de los movimientos artísticos más politizados del siglo XX. Fusionó agendas artísticas y políticas para impulsar el cambio en Italia y en toda Europa. Los futuristas sostendrían lo que llamaban futurista serado, o veladas futuristas, donde recitarían poemas y exhibirían arte, a la vez que gritaban retórica cargada políticamente al público con la esperanza de incitar a disturbios. Creían que la agitación y la destrucción pondrían fin al statu quo y permitirían la regeneración de una Italia más fuerte y energizada.

Estas posiciones llevaron a los futuristas a apoyar la guerra venidera, y como la mayoría de los miembros del grupo, el destacado pintor Boccioni se alistó en el ejército durante la Primera Guerra Mundial. Fue pisoteado hasta la muerte tras caer de un caballo durante el entrenamiento. Después de la guerra, el intenso nacionalismo de los miembros llevó a una alianza con Benito Mussolini y su Partido Nacional Fascista. Si bien el futurismo continuó desarrollando nuevas áreas de enfoque (aeropittura, por ejemplo) y atrajo a nuevos miembros —la llamada “segunda generación” de artistas futuristas—, los fuertes vínculos del movimiento con el fascismo han complicado el estudio de este arte históricamente significativo.

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Neue Sachlichkeit

Fuente ^[2]

Neue Sachlichkeit (o La nueva objetividad) fue una actitud artística que surgió en Alemania en la década de 1920 en reacción al expresionismo.

La vida pública en Weimar Alemania

La nueva objetividad (en alemán: Neue Sachlichkeit) es un término utilizado para caracterizar la actitud de la vida pública en la Alemania de Weimar, así como el arte, la literatura, la música y la arquitectura creadas para adaptarse a ella. Más que algún objetivo de objetividad filosófica, se pretendía implicar un giro hacia un compromiso práctico con el mundo, una actitud totalmente empresarial, entendida por los alemanes como intrínsecamente estadounidense” (Dennis Crockett, German Post-Expresionism: The Art of the Great Disorder, 1918-1984).

El término fue originalmente el título de una exposición de arte puesta en escena por Gustav Friedrich Hartlaub, el director de la Kunsthalle de Mannheim, para mostrar a artistas que trabajaban con un espíritu post-expresionista, pero se cobró vida propia, yendo más allá de las intenciones de Hartlaub. A medida que estos artistas rechazaron la autoimplicación y los anhelos románticos de los expresionistas, los intelectuales de Weimar en general hicieron un llamado a las armas para la colaboración pública, el compromiso y el rechazo al idealismo romántico. El movimiento terminó esencialmente en 1933 con la caída de la República de Weimar y el ascenso de los nazis al poder.

Antes de la Primera Guerra Mundial

Antes de la Primera Guerra Mundial, gran parte del mundo del arte estuvo bajo la influencia del futurismo y el expresionismo, ambos abandonaron cualquier sentido de orden o compromiso con la objetividad o la tradición. El expresionismo era en particular la forma dominante del arte en Alemania, y estaba representado en muchas facetas diferentes de la vida pública: en el teatro, en la pintura, en la arquitectura, en la poesía y en la literatura.

Los expresionistas abandonaron la naturaleza y buscaron expresar la experiencia emocional, a menudo centrando su arte en torno a la agitación interna (angustia), ya sea en reacción al mundo moderno, a la alienación de la sociedad, o en la creación de la identidad personal. En concierto con esta evocación de angustia e inquietud con la vida burguesa, los expresionistas también se hicieron eco de algunos de los mismos sentimientos de revolución que los futuristas. La Nueva Objetividad fue una reacción en contra de esto.

El mundo externo: veristas y clasicistas

La Nueva Objetividad comprendía dos tendencias, caracterizadas en términos de ala izquierda y derecha: a la izquierda estaban los veristas, quienes “desgarran la forma objetiva del mundo de los hechos contemporáneos y representan la experiencia actual en su tempo y temperatura febril”; y a la derecha los clasicistas, que “buscan más para el objeto de la capacidad atemporal de encarnar las leyes externas de la existencia en la esfera artística”.

La vehemente forma de realismo de los veristas enfatizaba lo feo y lo sórdido. Su arte era crudo, provocativo y duramente satírico. George Grosz y Otto Dix son considerados los más importantes de los veristas. Los veristas desarrollaron el abandono de Dada de cualquier regla pictórica o lenguaje artístico en un “hiperrealismo satírico”, como lo denomina Raoul Hausmann, y del cual los ejemplos más conocidos son las obras gráficas y los fotomontajes de John Heartfield. El uso del collage en estas obras se convirtió en un principio compositivo para mezclar la realidad y el arte, como para sugerir que registrar los hechos de la realidad era ir más allá de las apariencias más simples de las cosas. Esto posteriormente se convirtió en retratos y escenas de artistas como Grosz, Dix y Rudolf Schlichter. Los retratos pondrían énfasis en rasgos u objetos particulares que fueran vistos como aspectos distintivos de la persona representada. Las escenas satíricas a menudo representaban una locura detrás de lo que estaba sucediendo, representando a los participantes como caricaturas.

Figura\(\PageIndex{5}\): El eclipse de sol de George Grosz, 1926. George Grosz ejemplificó el estilo verista de Nueva Objetividad.

Otros veristas, como Christian Schad, representaban la realidad con una precisión clínica, lo que sugería tanto un desapego empírico como un conocimiento íntimo del tema. Las pinturas de Schad se caracterizan por “una percepción artística tan aguda que parece cortar debajo de la piel”, según el crítico de arte Wieland Schmied. A menudo, se introdujeron elementos psicológicos en su obra, lo que sugería una realidad inconsciente subyacente.

Max Beckmann, a quien a veces se le llama expresionista aunque nunca se consideró parte de ningún movimiento, fue considerado verista y el artista más importante de Neue Sachlichkeit.

En comparación con los veristas, los clasicistas ejemplifican más claramente el “retorno al orden” que surgió en las artes en toda Europa. Entre los clasicistas se encontraban Georg Schrimpf, Alexander Kanoldt, Carlo Mense, Heinrich Maria Davringhausen y Wilhelm Heise. ^{Las fuentes de su arte incluyen el arte del siglo XIX, los pintores metafísicos italianos, los artistas de Novecento Italiano y Henri Rousseau.}

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Dada

Fuente ^[3]

Dada fue un movimiento artístico multidisciplinario que rechazaba los estándares artísticos prevalecientes al producir obras culturales “anti-arte”. Además de ser antibélico, Dada también era antiburguesa y tenía afinidades políticas con la izquierda radical.

En cuanto al medio artístico, los dadaístas trabajaron en collage, creando composiciones pegando juntos boletos de transporte, mapas, envoltorios de plástico y otros artefactos de la vida cotidiana. Los artistas dadaístas también trabajaron en el fotomontaje, una variación del collage que utilizó reales o reproducciones de fotografías impresas en la prensa. En Colonia, Max Ernst utilizó fotografías tomadas desde el frente durante la Primera Guerra Mundial para comentar sobre la guerra. Otra variación del collage utilizado por los dadaístas fue el ensamblaje, el ensamblaje de objetos cotidianos para producir piezas de trabajo significativas o sin sentido, incluyendo objetos de guerra y basura.

Dada comenzó en Zúrich en 1916 Las figuras clave del movimiento Dada incluyeron a Hugo Ball, Emmy Hennings, Hans Arp y Raoul Hausmann, entre otros. El movimiento influyó en estilos posteriores como la vanguardia, y movimientos como el surrealismo, el Nouveau réalisme, el arte pop y Fluxus.

Figura\(\PageIndex{6}\): Placa conmemorativa del nacimiento del movimiento Dada. Esta placa es del Cabaret Voltaire, el primer recinto donde artistas Dada exhibieron su obra en 1916.

Dada fue un movimiento internacional informal con participantes en Europa y América del Norte. Los inicios de Dada corresponden al estallido de la Primera Guerra Mundial Para muchos participantes, el movimiento fue una protesta contra los intereses nacionalistas y colonialistas burgueses que muchos dadaístas creían que eran la causa raíz de la guerra. El movimiento también habló en contra de la conformidad cultural e intelectual en el arte y la sociedad. Según Hans Richter, Dada no era arte, era “anti-arte”.

Cuando la Primera Guerra Mundial terminó en 1918, la mayoría de los dadaístas de Zúrich regresaron a sus países de origen, mientras que algunos iniciaron actividades dadaístas en otras ciudades.

Figura\(\PageIndex{7}\): Cartel de Dada de 1923. Este póster para una velada dada hace referencia al medio del collage.

Al igual que Zurich, la ciudad de Nueva York fue un refugio para escritores y artistas de la Primera Guerra Mundial Los franceses Marcel Duchamp y Francis Picabia conocieron al artista estadounidense Man Ray en la ciudad de Nueva York en 1915. El trío pronto se convirtió en el centro de las actividades radicales anti-arte en Estados Unidos.

Durante este tiempo, Duchamp comenzó a exhibir “readymades” (objetos cotidianos encontrados o comprados y declarados arte) y estuvo activo en la Sociedad de Artistas Independientes. En 1917, presentó la ahora famosa Fuente a la exposición de la Sociedad de Artistas Independientes.

Inicialmente objeto de desprecio dentro de la comunidad artística, la Fuente ha llegado a ser casi canonizada por algunos como una de las obras de escultura modernistas más reconocibles. El comité que presidió el prestigioso Premio Turner de Gran Bretaña en 2004, por ejemplo, lo calificó de “la obra más influyente del arte moderno”.

Figura\(\PageIndex{8}\): Marcel Duchamp, Fuente. La apropiación de Duchamp de un urinario como obra de arte desafió la definición predominante de escultura.

Para 1921, la mayoría de los dadistas originales se mudaron a París, donde Dada experimentó su última encarnación importante. Inspirado en Tristan Tzara, Paris Dada pronto emitió manifiestos, organizó demostraciones, escenificó actuaciones y una serie de revistas.

Si bien amplio, el movimiento Dada fue inestable. Para 1924, los artistas habían pasado a otras ideas y movimientos como el surrealismo y el realismo social. Algunos teóricos argumentan que Dada fue el comienzo del arte posmoderno.

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Marcel Duchamp

Leer: http://www.metmuseum.org/toah/hd/duch/hd_duch.htm

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Käthe Kollwitz “In Memoriam Karl Liebknecht”

Ensayo de Shawn Roggenkamp ^[4]

Figura\(\PageIndex{9}\): Käthe Kollwitz, Hoja conmemorativa de Karl Liebknecht (Gedenkblatt für Karl Liebknecht), 1919-1920, Xilografía realzada con tinta blanca y negra, 37.1 × 51.9 cm (Instituto de Arte de Chicago)

Grabado

En la agitación política posterior a la Primera Guerra Mundial, muchos artistas recurrieron a hacer grabados en lugar de pinturas. La capacidad de producir múltiples copias de una misma imagen hizo del grabado un medio ideal para difundir declaraciones políticas. La artista alemana Käthe Kollwitz trabajó casi exclusivamente en este medio y se hizo conocida por sus grabados que celebraban la difícil situación de la clase trabajadora.

La artista rara vez representaba a personas reales, aunque frecuentemente usaba sus talentos en apoyo de causas en las que creía. Esta obra, In Memoriam Karl Liebknecht fue creada en 1920 en respuesta al asesinato del líder comunista Karl Liebknecht durante un levantamiento de 1919. Esta obra es única entre sus grabados, y aunque conmemora al hombre, lo hace sin abogar por su ideología.

Historia y política

Desde el final de la Primera Guerra Mundial a finales de 1918 hasta la fundación de la República de Weimar (la democracia representativa que fue el gobierno alemán entre las dos guerras mundiales) en agosto de 1919, Alemania atravesó un período de agitación social y política. Durante este tiempo, Alemania estuvo encabezada por una coalición de fuerzas de izquierda con simpatías marxistas, la mayor de las cuales fue el Partido Socialdemócrata de Alemania (SPD). Otros grupos más radicales estaban luchando por el control de Alemania al mismo tiempo, incluido el recién fundado Partido Comunista Alemán (KPD).

Tanto los socialistas como los comunistas querían eliminar al capitalismo y establecer el control comunal sobre los medios de producción, pero mientras los socialistas creían que la mejor manera de lograr ese objetivo era trabajar paso a paso desde dentro de la estructura capitalista, los comunistas pidieron una inmediata y total revolución social que pondría el poder gubernamental en manos de los trabajadores. Con este espíritu, el KPD organizó un levantamiento en Berlín en enero de 1919. Unidades militares convocadas por el SPD reprimieron el levantamiento y capturaron a dos de los líderes, Karl Liebknecht y Rosa Luxemburgo. Liebknecht y Luxemburgo fueron asesinados mientras estaban bajo custodia el 15 de enero de 1919. Sus muertes tocaron la fibra sensible a través del paisaje de izquierda y fueron ampliamente celebrados como mártires de la causa comunista.

Kollwitz no era comunista, e incluso reconoció que el SPD (generalmente más cauteloso y pacifista que el KPD), habría sido mejores líderes. Pero ella había escuchado hablar a Liebknecht y admiraba su carisma, así que cuando la familia le pidió que creara una obra para conmemorarlo ella estuvo de acuerdo.

Una Lamentación

Hoja conmemorativa de Karl Liebknecht es al estilo de una lamentación, un motivo tradicional en el arte cristiano que representa a los seguidores de Cristo de luto por su cadáver, lanzando a Liebknecht como la figura de Cristo. La iconografía habría sido fácilmente reconocible por las masas que eran el público objetivo del artista.

Figura\(\PageIndex{10}\): Max Beckmann, “El martirio”, placa 4 del infierno, 1919, litografía, 54.7 x 75.2 cm (The Museum of Modern Art, NY)

Otras obras conmemorativas

Varios artistas en ese momento crearon obras conmemorativas para Liebknecht y Luxemburgo. Los más conocidos (junto con la obra de Kollwitz) son “El martirio” de Max Beckmann de su portafolio Hell of 1919 (arriba), y People Above the World de Conrad Felixmüller de ese mismo año. A diferencia de esas obras, In Memoriam Karl Liebknecht de Kollwitz se centra no en el hombre mismo, sino en los trabajadores que habían puesto su fe en él,. El enfoque en los ampliamente afectados, más que en los que están en el centro de atención, es un tema constante en la obra de la artista, reflejado en sus obras más famosas del ciclo de guerra, que representan no a los soldados ni a los combates, sino al sufrimiento de las mujeres y niños que quedaron atrás y mueren de hambre.

La composición

La composición divide la lámina en tres secciones horizontales. La sección superior está densamente llena de figuras. Sus rostros están bien modelados y tienen una profundidad interesante en sí mismos, pero la sensación de espacio es muy comprimida: las cabezas empujan hacia el primer plano y están empaquetadas en cada rincón del espacio disponible. Da la impresión de que multitudes vienen a presentar sus respetos, sin comprometer la individualidad de los sujetos.

Los estratos medios contienen comparativamente menos detalles, enfatizando aún más el hacinamiento en la parte superior de la plancha de impresión. Esta sección llama la atención sobre la acción específica del doliente doblador. Su mano en el pecho de Liebknecht conecta esta sección con el nivel más bajo de la composición, el cuerpo del revolucionario martirizado.

Figura\(\PageIndex{12}\): Mujer de luto sosteniendo a un niño (detalle), Käthe Kollwitz, Hoja conmemorativa de Karl Liebknecht (Gedenkblatt für Karl Liebknecht), 1919-1920, Xilografía realzada con tinta blanca y negra, 37.1 × 51.9 cm (Instituto de Arte de Chicago)

Por encima del doliente doblador, una mujer sostiene a su bebé en alto para ver por encima de las cabezas de quienes están frente a ellos. Las mujeres y los niños fueron una preocupación central del trabajo de Kollwitz, convirtiéndola en una voz única en un ambiente creativo dominado por hombres jóvenes (de hecho, Kollwitz fue la primera mujer en ser admitida en la Academia Prusiana).

Grabados en madera

La impresión en madera es una técnica en la que un diseño se talla en una losa de madera que luego se cubre con tinta y se imprime en papel. La tinta recubre la superficie original del bloque de madera, que se imprime en negro, mientras que las áreas recortadas mantienen el color del papel. Esto es diferente de los métodos de grabado como el grabado en el que la tinta queda atrapada en los rebajes tallados en la placa metálica por el lápiz y por lo tanto las líneas imprimen en negro y las áreas intactas de la placa salen blancas en la impresión.

Los artistas expresionistas alemanes, en particular Ernst Ludwig Kirchner y el grupo Brücke, utilizaron las xilografías ya en 1904 para capturar la energía áspera y vital que percibían en la obra de las llamadas sociedades “primitivas” sin tradición artística.

La carrera de Kollwitz se superpuso con los expresionistas alemanes pero ella misma no era expresionista y era aproximadamente una generación mayor que la mayoría de ellos. Su uso de una técnica tan moderna no era característico, y de hecho, solo trabajó en xilografías durante algunos años después de la Primera Guerra Mundial. Kollwitz creó algunas de sus obras más poderosas y conmovedoras en este estilo, incluido el ciclo de impresión War de 1924. Ella abrazó el efecto crudo de la impresión en madera para crear obras de piezas que han desechado la sutileza y finura de su trabajo anterior en grabado y litografía. Kollwitz' sintió que su protesta contra los horrores de la guerra se comunicaba mejor en los bordes ásperos y el crudo blanco y negro que ofrecían las impresiones en madera.

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1. Smarthistory CC-BY-NC-SA 3.0]
2. Historia del arte sin límites Julio 21 2015, CC-BY-SA 4.0
3. “Dada”. Historia del arte sin límites. 21 de julio de 2015. CC-BY-SA 4.0
4. Smarthistory CC-BY-NC-SA 3.0)