5: Forma en Música

Forma se refiere a la disposición de una pieza musical de principio a fin. Es la estructura de temas, ritmos, patrones y otros conceptos musicales los que forman el diseño de una selección musical. La forma puede ser fácil de escuchar en piezas cortas y/o repetitivas comunes a la propia cultura. En obras más largas y culturalmente extranjeras la forma puede ser difícil de reconocer sin una comprensión y análisis previos. Esto se debe a que las formas musicales son variadas en su construcción y no se limitan a ningún elemento de la música como punto de énfasis. Los bloques de construcción de la forma pueden ser melodías, ritmos, progresiones de acordes, instrumentación, timbres, dinámicas y letras. Los compositores utilizan la repetición, el contraste, la variación, el crecimiento y el declive para crear expectativas y desarrollar estos bloques de construcción.

Las formas están ligadas a la estética de las culturas que las crean. La forma de la música puede seguir una ceremonia estrictamente trazada como en la misa católica romana o puede ser simbólica de formaciones culturales y sociales más grandes como las formas polifónicas, cíclicas que se encuentran en el gamelan indonesio. Las formas pueden ser el producto de la evolución a un género a lo largo del tiempo. Esto es evidente en la estética popular moderna que valoran la corta longitud de una pieza. La duración moderna de una canción pop es un resultado directo de las limitaciones impuestas a obras más largas de jazz, blues y ragtime a principios del siglo XX por equipos de grabación tempranos. Los discos de diez pulgadas solo podían contener entre tres y cinco minutos de música en un lado (sin tener que comprimir los surcos, disminuyendo así la calidad). El cambio a una forma a lo largo del tiempo también es evidente en la evolución de las suites de danza medieval y renacentista en formas multimovimiento que finalmente se convirtieron en la forma de ciclo de sonata utilizada para estructurar sinfonías, cuartetos de cuerda, sonatas y conciertos en el siglo XVIII. El disfrute de estos géneros está ligado al desarrollo de una estética para apreciar cómo un compositor utiliza la forma para crear una obra.

Quizás lo contrario del decoro “clásico” que se manifiesta en el énfasis formal es el movimiento “Free Jazz” que comenzó a finales de los años 50, este género musical fue encabezado por los estadounidenses negros en una época en la que la segregación y la desigualdad racial en partes de América eran la norma. El movimiento de derechos civiles desafió las normas establecidas. Los músicos de free-jazz desafiaron las normas melódicas, rítmicas, formales y armónicas de la práctica establecida en el jazz. En puro “free jazz” es posible que los músicos no estén familiarizados entre sí, que el conjunto sea una mezcla poco convencional de instrumentos, y que los músicos improvisen completamente todos los aspectos de la música. Este es uno de los pocos géneros musicales en los que los músicos tienen la libertad de “maquillarla por completo en el acto”.

La improvisación es un aspecto importante de muchos géneros musicales. Porque la improvisación es generalmente una composición espontánea de material que es apropiado dentro del contexto los estudiosos están rehuyendo llamar a la improvisación “maquillarla en el acto”. Es apropiado llamarlo componer en el momento.

En la mayoría de los géneros del jazz (y otras músicas), los músicos utilizan la libertad para armar espontáneamente ideas musicales preconcebidas/practicadas (improvisar). Estas ideas se organizan sobre formas preconcebidas utilizando escalas específicas. También se estandarizan las armonías y ritmos. En géneros de jazz estándar como big band swing el aspecto improvisado de la actuación se limita a solos melódicos más cortos “sobre la forma”. Estos solos son pequeñas características dentro de una compleja disposición de sonidos que requiere que la mayoría de los músicos lean la música mientras actúan. En escenarios de “combo” de “be bop” y jazz más contemporáneo, los músicos generalmente tienen más libertad para improvisar solos más largos y desarrollar ideas.

Hay mucho debate sobre la definición de jazz. Históricamente es un estilo de música que se originó a principios del siglo ^XX en comunidades afroamericanas en Estados Unidos a partir de una confluencia de tradiciones musicales africanas y europeas. Algunos dicen que se trata de un género histórico que se basa en gran medida en la improvisación sobre ritmos oscilantes y progresiones de blues. Otros dicen que el jazz está vivo y coleando en cualquier músico que quiera expresarse a través de la improvisación melódica sobre ritmos de estilo americano y progresiones de acordes. Cualquiera que sea el caso; el valor estético clave para el jazz es la expresión a través de la improvisación de melodía. En menor medida este es también el caso de otros géneros musicales norteamericanos. Se esperan solos improvisados en géneros tradicionales de blues, gospel, rock psicodélico, jam-band, salsa y country como old time y blue grass. En el estilo libre hip-hop el rapero improvisa poesía rítmicamente sobre ostinatos rítmicos llamados “instrumentales”.

Son muchas las culturas alrededor del mundo que comparten una preferencia estética por la música en la que se improvisa algún aspecto de la pieza. En Ewe tambores de África Occidental los bateristas maestros improvisan patrones en respuesta a la forma y a los bailarines. En la música india y de Oriente Medio el sutil desarrollo de la escala (raga/maqam) a través de la improvisación es una característica de mucha música. Hacer esto con pasión y arte (alma) es el objetivo de muchos músicos. Las composiciones pueden durar más de una hora cuando las actuaciones están inspiradas.

En la tradición “clásica” europea el público moderno asocia a los legendarios compositores (Beethoven, Bach, Mozart, etc...) con composiciones que escribieron en papel. Estas composiciones sucedieron antes de la actuación. El público moderno de la música Western Art sabe que cada vez que escuchen estas composiciones (obras maestras) no incluirán la improvisación. Lo que valoran los fans de la música “clásica” son las diferencias de interpretación. Esto podría ser diferentes tempos, dinámicas, timbres o sutiles variaciones en la expresión sacadas por directores o músicos. Para los que tienen “gusto” por esta música estas variaciones son las que le dan vida. Los estetas forman preferencias basadas en su experiencia con diferentes interpretaciones del arte. El oído inentrenado tiende a afirmar, “todo suena igual”. Esta similitud también podría ser un reflejo de la falta de improvisación en la música de arte occidental a principios del siglo XXI. Durante gran parte de la historia del arte occidental, los compositores de música también fueron intérpretes. Muchos escribieron piezas para figurar en un instrumento. Se documenta que Bach, Handel, Mozart, Beethoven, Chopin, y otros fueron maestros improvisadores. Algunos incluso se enfrentarían a duelo en su instrumento (muy parecido a batallar en la música hip-hop y la danza o cortar cabezas en el jazz). Imagínese asistir a un concierto sinfónico que incluyó un duelo musical.