2.2: Ópera

Quizás el único mayor desarrollo musical del periodo barroco es la creación de un nuevo género de música vocal: la ópera. Como ocurre con la mayoría de los géneros en esta época, la ópera experimenta una importante evolución estilística desde sus orígenes a principios del siglo XVII hasta la ópera seria de Handel en la década de 1730. Por favor, preste especial atención a los siguientes términos (si desea conocer más sobre ellos, siga los enlaces): libreto, recitativo (ambas formas: secco y accompagnato), y aria.

Introducción

La ópera (plural inglés: óperas; plural italiano: opere) es una forma de arte en la que cantantes y músicos interpretan una obra dramática que combina texto (llamado libreto) y partitura musical, generalmente en un escenario teatral. La ópera incorpora muchos de los elementos del teatro hablado, como la actuación, el escenario y el vestuario y, a veces, incluye danza. La actuación se suele dar en un teatro de ópera, acompañado de una orquesta o conjunto musical más pequeño.

Figura 1. El Palais Garnier de la Ópera de París, uno de los teatros de ópera más famosos del mundo

La ópera es parte de la tradición de la música clásica occidental. Comenzó en Italia a finales del siglo XVI (con Dafne perdido de Jacopo Peri, producido en Florencia en 1598) y pronto se extendió por el resto de Europa: Schütz en Alemania, Lully en Francia y Purcell en Inglaterra, todos ayudaron a establecer sus tradiciones nacionales en el siglo XVII. En el siglo XVIII, la ópera italiana siguió dominando la mayor parte de Europa (excepto Francia), atrayendo a compositores extranjeros como Handel. La ópera seria fue la forma más prestigiosa de la ópera italiana, hasta que Gluckreaccionó contra su artificialidad con sus óperas “reformadoras” en la década de 1760. Hoy en día la figura más reconocida de la ópera de finales del siglo XVIII es Mozart, quien comenzó con la ópera seria pero es más famosa por sus óperas cómicas italianas, especialmente Las bodas de Fígaro (Le Nozze Di Figaro), Don Giovanni, y Così fan tutte, así como La flauta mágica (Die Zauberflöte), un hito en la tradición alemana.

Terminología operística

A las palabras de una ópera se les conoce como libreto (literalmente “librito”). Algunos compositores, especialmente Richard Wagner, han escrito sus propios libretos; otros han trabajado en estrecha colaboración con sus libretistas, por ejemplo Mozart con Lorenzo Da Ponte. La ópera tradicional, a menudo conocida como “ópera numérica”, consta de dos modos de canto: recitativo, los pasajes que impulsan la trama cantados en un estilo diseñado para imitar y enfatizar las inflexiones del habla, y aria (una canción “aire” o formal) en la que los personajes expresan sus emociones de una manera más estructurada estilo melódico. A menudo ocurren dúos, tríos y otros conjuntos, y se utilizan coros para comentar sobre la acción. En algunas formas de ópera, como Singspiel, opéra comique, opereta y semiópera, el recitativo es reemplazado principalmente por el diálogo hablado. Los pasajes melódicos o semimelódicos que ocurren en medio de, o en lugar de, recitativo, también se conocen como arioso. Durante los períodos barroco y clásico, el recitativo podría aparecer en dos formas básicas: secco (seco) recitativo, cantado con un ritmo libre dictado por el acento de las palabras, acompañado únicamente por continuo, que solía ser un clavecín y un violonchelo; o accompagnato (también conocido como strumentato) en el que la orquesta brindó acompañamiento. Para el siglo XIX, el acompañamiento había ganado la fuerza, la orquesta jugó un papel mucho más importante y Richard Wagner revolucionó la ópera al abolir casi toda distinción entre aria y recitativo en su búsqueda de lo que denominó “melodía interminable”. Los compositores posteriores han tendido a seguir el ejemplo de Wagner, aunque algunos, como Stravinsky en su El progreso del rastrillo han resistido la tendencia. A continuación se describe con detalle la terminología de los diversos tipos de voces operísticas.

Orígenes

La palabra italiana ópera significa “trabajo”, tanto en el sentido del trabajo realizado como del resultado producido. La palabra italiana deriva de la ópera latina, un sustantivo singular que significa “obra” y también el plural del sustantivo opus. Según el Oxford English Dictionary, la palabra italiana se utilizó por primera vez en el sentido de “composición en la que se combinan poesía, danza y música” en 1639; el primer uso registrado del inglés en este sentido data de 1648.

Dafne de Jacopo Peri fue la primera composición considerada ópera, tal y como se entiende hoy. Fue escrito alrededor de 1597, en gran parte bajo la inspiración de un círculo de élite de humanistas florentinos alfabetizados que se reunieron como la “Camerata de' Bardi”. Significativamente, Dafne fue un intento de revivir el drama griego clásico, parte del renacimiento más amplio de la antigüedad característico del Renacimiento. Los integrantes de la Camerata consideraron que originalmente se cantaban las partes del “coro” de los dramas griegos, y posiblemente incluso todo el texto de todos los roles; la ópera se concibió así como una forma de “restaurar” esta situación. Por desgracia, Dafne está perdido. Una obra posterior de Peri, Euridice, que data de 1600, es la primera partitura de ópera que ha sobrevivido hasta nuestros días. El honor de ser la primera ópera que aún se interpreta regularmente, sin embargo, va para L'Orfeo de Claudio Monteverdi, compuesta para la corte de Mantua en 1607. La corte mantua de los Gonzagas, patronos de Monteverdi, desempeñó un papel importante en el origen de la ópera empleando no sólo a los cantantes cortesanos del concierto delle donne (hasta 1598), sino también a uno de los primeros “cantantes de ópera” reales: Madama Europa.

La Era Barroca

Figura 2. Teatro Argentina (Panini, 1747, Museo del Louvre)

La ópera no permaneció confinada a las audiencias de la corte por mucho tiempo. En 1637 surgió en Venecia la idea de una “temporada” (Carnaval) de óperas públicas apoyadas por la venta de entradas. Monteverdi se había trasladado a la ciudad desde Mantua y compuso sus últimas óperas, Il ritorno d'Ulisse in patria y L'incoronazione di Poppea, para el teatro veneciano en la década de 1640. Su seguidor más importante Francesco Cavalli ayudó a difundir la ópera por toda Italia.

En estas óperas barrocas tempranas, la comedia amplia se mezcló con elementos trágicos en una mezcla que sacudió algunas sensibilidades educadas, provocando el primero de los muchos movimientos de reforma de la ópera, patrocinados por la Academia Arcadiana, que llegó a asociarse con el poeta Metastasio, cuyos libretos ayudaron a cristalizar el género de la ópera seria, que se convirtió en la forma principal de la ópera italiana hasta finales del siglo XVIII. Una vez firmemente establecido el ideal Metastasiano, la comedia en la ópera de la época barroca se reservó para lo que llegó a llamarse ópera buffa. Antes de que tales elementos fueran forzados a salir de la ópera seria, muchos libretos habían presentado una trama cómica que se desarrollaba por separado como una especie de “ópera dentro de una ópera”. Una de las razones de esto fue un intento de atraer a miembros de la creciente clase mercantil, recién adinerados, pero aún no tan cultos como la nobleza, a los teatros públicos de ópera. Estas tramas separadas resucitaron casi de inmediato en una tradición en desarrollo separado que se derivó en parte de la comedia dell'arte, una tradición escénica improvisadora de larga floración de Italia.

Así como la intermedi había sido interpretada una vez entre los actos de las obras de teatro, las óperas del nuevo género cómico de “intermezzi”, que se desarrolló en gran parte en Nápoles en los años 1710 y 20, se representaron inicialmente durante los entretenimientos de la ópera seria. Se hicieron tan populares, sin embargo, que pronto se les ofrecían como producciones separadas.

La ópera seria fue elevada en tono y altamente estilizada en forma, consistiendo generalmente en secco recitativo intercalado con largas arias da capo. Estos brindaron una gran oportunidad para el canto virtuoso y durante la edad de oro de la ópera seria el cantante realmente se convirtió en la estrella. El papel del héroe solía escribirse para la voz castrato; castrati como Farinelli y Senesino, así como sopranos femeninos como Faustina Bordoni, se hicieron de gran demanda en toda Europa ya que la ópera seria gobernaba el escenario en todos los países excepto Francia. En efecto, Farinelli fue uno de los cantantes más famosos del siglo XVIII. La ópera italiana marcó el estándar barroco. Los libretos italianos eran la norma, incluso cuando un compositor alemán como Handelse encontró componiendo artistas como Rinaldo y Giulio Cesare para el público londinense. Los libretos italianos siguieron siendo dominantes también en el período clásico, por ejemplo en las óperas de Mozart, quien escribió en Viena cerca del cierre del siglo. Entre los principales compositores italianos de ópera seria se encuentran Alessandro Scarlatti, Vivaldi y Porpora.

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• Autor: Elliott Jones. Proporcionado por: Colegio Santa Ana. Ubicado en: http://www.sac.edu. Licencia: CC BY: Atribución

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