2.4: L'Orfeo de Monteverdi

Ya te han presentado a Claudio Monteverdi, cuya música se extiende a ambos lados del Renacimiento tardío y el Barroco temprano. Ahora vamos a explorar una de sus composiciones más significativas, L'Orfeo, la primera ópera considerada como una obra maestra.

Introducción

L'Orfeo (SV 318), a veces llamada La favola d'Orfeo, es una favola del barroco temprano en música, u ópera (a veces considerada renacentista tardía), de Claudio Monteverdi, con libreto de Alessandro Stiggio. Se basa en la leyenda griega de Orfeo, y cuenta la historia de su descenso al Hades y su infructuoso intento de traer de vuelta al mundo viviente a su novia muerta Eurídice. Fue escrito en 1607 para una actuación en la corte durante el Carnaval anual en Mantua. Si bien el honor de la primera ópera de la historia va para Dafne de Jacopo Peri, y la ópera más antigua que sobrevive es Euridice (también de Peri), L'Orfeo tiene el honor de ser la ópera más antigua que aún se presenta regularmente en la actualidad.

A principios del siglo XVII, el intermediario tradicional, una secuencia musical entre los actos de una obra recta, evolucionó a la forma de un completo drama musical u “ópera”. L'Orfeo de Monteverdi sacó este proceso de su era experimental y proporcionó el primer ejemplo completamente desarrollado del nuevo género. Después de su actuación inicial la obra se escenificó nuevamente en Mantua, y posiblemente en otros centros italianos en los próximos años. Su partitura fue publicada por Monteverdi en 1609 y nuevamente en 1615. Después de la muerte del compositor en 1643 la ópera no se interpretó durante muchos años, y fue en gran parte olvidada hasta que un resurgimiento del interés a finales del siglo XIX condujo a una serie de ediciones y representaciones modernas. Al principio estas tendían a ser versiones sin escenificar dentro de institutos y sociedades musicales, pero tras la primera representación dramatizada moderna en París, en 1911, la obra comenzó a verse cada vez más a menudo en los teatros. Después de la Segunda Guerra Mundial la mayoría de las nuevas ediciones buscaron la autenticidad mediante el uso de instrumentos de época. Se emitieron muchas grabaciones, y la ópera se escenificaba cada vez más en los teatros de ópera. En 2007 se celebró el cuatercentenario del estreno con actuaciones en todo el mundo.

En su partitura publicada Monteverdi enumera alrededor de 41 instrumentos a desplegar, con distintos grupos de instrumentos utilizados para representar escenas y personajes particulares. Así, cuerdas, clavecines y grabadoras representan los campos pastorales de Tracia con sus ninfas y pastores, mientras que los metales pesados ilustran el inframundo y sus habitantes. Compuesta en el punto de transición de la época renacentista al barroco, L'Orfeo emplea todos los recursos entonces conocidos dentro del arte de la música, con un uso particularmente atrevido de la polifonía. La obra no está orquestada como tal; en la tradición renacentista los instrumentistas siguieron las instrucciones generales del compositor pero se les dio considerable libertad para improvisar. Esto separa la obra de Monteverdi del posterior canon de ópera, y hace que cada actuación de L'Orfeo sea una ocasión única y individual.

Antecedentes Históricos

Claudio Monteverdi, nacido en Cremona en 1567, fue un prodigio musical que estudió con Marc'Antonio Ingegneri, el maestro di capella (jefe de música) en la Catedral de Cremona. Después de entrenar en canto, juego de cuerdas y composición, Monteverdi trabajó como músico en Verona y Milán hasta que, en 1590 o 1591, consiguió un puesto como suonatore di vivuola (violonista) en la cancha del duque Vincenzo Gonzaga en Mantua. A través de la habilidad y el arduo trabajo Monteverdi se convirtió en el maestro della musica de Gonzaga en 1601.

Figura 1. Duque Vincenzo Gonzaga, patrón de Monteverdi en Mantua

La particular pasión de Vincenzo Gonzaga por el teatro musical y el espectáculo surgió de sus conexiones familiares con la corte de Florencia. Hacia finales del siglo XVI, innovadores músicos florentinos estaban desarrollando el intermediario, una forma de interludio musical de larga data insertada entre los actos de los dramas hablados, en formas cada vez más elaboradas. Dirigidos por Jacopo Corsi, estos sucesores de la reconocida Camerata fueron los responsables de la primera obra generalmente reconocida como perteneciente al género de la ópera: Dafne, compuesta por Corsi y Jacopo Peri e interpretada en Florencia en 1598. Esta obra combinó elementos del canto madrigal y la monodia con bailes y pasajes instrumentales para formar un todo dramático. Aún existen fragmentos de su música, pero varias otras obras florentinas de la misma época —Rappresentatione di Anima, et di Corpo de Emilio de' Cavalieri, Euridice de Peri y Eurídice, de Giulio Caccini, titulada idénticamente, Eurídice — sobreviven completas. Estas dos últimas obras fueron la primera de muchas representaciones musicales del mito Orfeo como se relata en las Metamorfosis de Ovidio, y como tales fueron precursores directos de L'Orfeo de Monteverdi.

La corte gonzaga tenía una larga historia de promoción del entretenimiento dramático. Un siglo antes de la época del duque Vincenzo, la corte había escenificado el drama lírico de Angelo Poliziano La favola di Orfeo, del cual al menos la mitad se cantaba en lugar de hablar. Más recientemente, en 1598 Monteverdi había ayudado al establecimiento musical de la corte a producir la obra de Giovanni Battista Guarini Il pastor fido, descrita por el historiador del teatro Mark Ringer como una “obra teatral divisoria” que inspiró la locura italiana por el drama pastoral. El 6 de octubre de 1600, mientras visitaba Florencia para la boda de Maria de' Medici con el rey Enrique IV de Francia, el duque Vincenzo asistió a una producción de Eurídice de Peri. Es probable que sus músicos principales, entre ellos Monteverdi, también estuvieron presentes en esta actuación. El duque reconoció rápidamente la novedad de esta nueva forma de entretenimiento dramático, y su potencial para traer prestigio a quienes se preparan para patrocinarlo.

Composición

Cuando Monteverdi escribió la música para L'Orfeo tenía una profunda base en la música teatral. Había estado empleado en la corte Gonzaga durante 16 años, gran parte de ella como intérprete o arreglista de música escénica, y en 1604 había escrito el ballo Gli amori di Diane ed Endimone para el Carnaval de Mantua de 1604—05. Los elementos a partir de los que Monteverdi construyó su primera partitura de ópera —el aria, la canción estrófica, el recitativo, los coros, las danzas, los interludios musicales dramáticos— fueron, como ha señalado el director Nikolaus Harnoncourt, no creados por él, sino que “mezcló todo el stock de posibilidades más nuevas y antiguas en una unidad eso era realmente nuevo”. El musicólogo Robert Donington escribe de manera similar: “[La partitura] no contiene ningún elemento que no se basara en precedentes, sino que alcanza la madurez completa en esa forma recientemente desarrollada. Aquí hay palabras tan directamente expresadas en la música como [los pioneros de la ópera] querían que se expresaran; aquí está la música expresándolos.. con toda la inspiración del genio”.

Monteverdi establece los requisitos orquestales al inicio de su partitura publicada, pero de acuerdo con la práctica del día no especifica su uso exacto. En ese momento era habitual que cada intérprete de la obra tuviera libertad para tomar decisiones locales, basadas en las fuerzas orquestales a su disposición. Estos podrían diferir bruscamente de un lugar a otro. Además, como señala Harnoncourt, los instrumentistas habrían sido todos compositores y habrían esperado colaborar creativamente en cada actuación, en lugar de tocar un texto fijo. Otra práctica de la época era permitir a los cantantes embellecer sus arias. Monteverdi escribió versiones sencillas y embellecidas de algunas arias, como “Possente spirito” de Orfeo, pero según Harnoncourt “es obvio que donde no escribió ningún adorno no quería que se cantara”.

Cada acto de la ópera trata de un solo elemento de la historia, y cada uno termina con un coro. A pesar de la estructura de cinco actos, con dos conjuntos de cambios de escena, es probable que L'Orfeo se conformara a la práctica estándar para entretenimientos de cancha de esa época y se tocara como una entidad continua, sin intervalos ni descensos de telón entre actos. Era la costumbre contemporánea que los cambios de escena se realizaran a la vista del público, reflejándose estos cambios musicalmente por los cambios en la instrumentación, la clave y el estilo.

Sinopsis

La acción se desarrolla en dos localizaciones contrastantes: los campos de Tracia (Hechos 1, 2 y 5) y el Inframundo (Hechos 3 y 4). Una toccata instrumental (en inglés: tucket, es decir, una floritura en trompetas) precede a la entrada de La musica, representando el “espíritu de la música”, quien canta un prólogo de cinco estrofas de verso. Después de una gentil bienvenida al público, anuncia que puede, a través de dulces sonidos, “calmar cada corazón atribulado”. Ella canta un pean más al poder de la música, antes de presentar al protagonista principal del drama, Orfeo, quien “sostuvo a las bestias salvajes hechizadas con su canción”.

Acto 1

Después de la última solicitud de silencio de La música, se levanta el telón sobre el primer acto para revelar una escena pastoral. Orfeo y Eurídice entran junto a un coro de ninfas y pastores, que actúan a la manera de un coro griego, comentando la acción tanto como grupo como individuos. Un pastor anuncia que este es el día de la boda de la pareja; el coro responde, primero en una invocación señorial (“Ven, himen, oh ven”) y luego en un baile alegre (“Deja las montañas, deja las fuentes”). Orfeo y Eurídice cantan de su amor mutuo antes de partir con la mayor parte del grupo para la ceremonia de la boda en el templo. Los que quedan en el escenario cantan un breve coro, comentando cómo Orfeo solía ser uno “para quien los suspiros eran comida y el llanto era bebida” antes de que el amor lo llevara a un estado de felicidad sublime.

Acto 2

Orfeo regresa con el coro principal, y canta con ellos de las bellezas de la naturaleza. Orfeo luego medita sobre su antigua infelicidad, pero proclama: “Después del dolor uno está más contento, después del dolor uno es más feliz”. El ánimo de satisfacción termina abruptamente cuando entra La messaggera, trayendo la noticia de que, mientras recogía flores, Eurídice ha recibido una mordedura de serpiente fatal. El coro expresa su angustia: “¡Ah, amarga pasando, ah, destino impío y cruel!” mientras que la Messaggera se castiga a sí misma como portador de malas nuevas (“Para siempre huiré, y en una caverna solitaria llevaré una vida acorde a mi dolor”). Orfeo, después de desahogar su pena e incredulidad (“Tú estás muerto, mi vida, ¿y yo estoy respirando?”) , declara su intención de descender al Inframundo y persuadir a su gobernante para permitir que Eurídice vuelva a la vida. De lo contrario, dice: “Yo permaneceré contigo en compañía de la muerte”. Se va, y el coro retoma su lamento.

Acto 3

Orfeo es guiado por Speranza hasta las puertas del Hades. Habiendo señalado las palabras inscritas en la puerta (“Abandonad la esperanza, todos los que entráis aquí”), Speranza se va. Orfeo se enfrenta ahora con el barquero Caronte, quien se dirige a Orfeo con dureza y se niega a llevarlo a través del río Styx. Orfeo intenta persuadir a Caronte cantándole una canción halagadora (“Espíritu poderoso y divinidad poderosa”), pero el barquero es impasible. No obstante, cuando Orfeo toma su lira y toca, Caronte se calma en el sueño. Aprovechando su oportunidad, Orfeo roba la barca del barquero y cruza el río, entrando en el Inframundo mientras un coro de espíritus refleja que la naturaleza no puede defenderse del hombre: “Ha domesticado el mar con madera frágil, y desdeñó la rabia de los vientos”.

Acto 4

En el Inframundo, Proserpina, Reina del Hades, quien se ha visto profundamente afectada por el canto de Orfeo, solicita la liberación de Eurídice al rey Plutone, a su esposo. Conmovido por sus súplicas, Plutone está de acuerdo con la condición de que, al conducir a Eurídice hacia el mundo, Orfeo no debe mirar atrás. Si lo hace, “una sola mirada lo condenará a la pérdida eterna”. Entra Orfeo, guiando a Eurídice y cantando con confianza que ese día descansará sobre el pecho blanco de su esposa. Pero mientras canta se arrastra una nota de duda: “¿Quién me va a asegurar que ella está siguiendo?” ¿Quizás Plutone, impulsado por la envidia, ha impuesto la condición a través del rencor? De repente distraído por una conmoción fuera del escenario, Orfeo mira alrededor; inmediatamente, la imagen de Eurídice comienza a desvanecerse. Ella canta desesperadamente: “¿Me pierdes por demasiado amor?” y desaparece. Orfeo intenta seguirla pero es arrastrado por una fuerza invisible. El coro de espíritus canta que Orfeo, habiendo vencido al Hades, fue a su vez superado por sus pasiones.

Acto 5

De vuelta en los campos de Tracia, Orfeo tiene un largo soliloquio en el que lamenta su pérdida, elogia la belleza de Eurídice y resuelve que su corazón nunca más será atravesado por la flecha de Cupido. Un eco fuera del escenario repite sus frases finales. De pronto, en una nube, Apolo desciende de los cielos y lo castiga: “¿Por qué te entregas como presa de la ira y el dolor?” Invita a Orfeo a dejar el mundo y unirse a él en los cielos, donde reconocerá la semejanza de Eurídice en las estrellas. Orfeo responde que sería indigno no seguir el consejo de un padre tan sabio, y juntos ascienden. Un coro de pastores concluye que “el que siembra en el sufrimiento cosechará el fruto de toda gracia”, antes de que la ópera termine con una vigorosa moresca.

Final del Libreto Original

En el libreto de Stiggio de 1607, el soliloquio del Acto 5 de Orfeo se ve interrumpido, no por la aparición de Apolo sino por un coro de ménadas o bacantes —mujeres salvajes, borrachas— que cantan de la “furia divina” de su amo, el dios Baco. La causa de su ira es Orfeo y su renuncia a las mujeres; no escapará a su ira celestial, y cuanto más tiempo las evade, más severo será su destino. Orfeo deja la escena y su destino se deja incierto, pues los Bacantes se dedican por el resto de la ópera al canto salvaje y al baile en alabanza de Baco. La autoridad de música antigua Claude Palisca cree que los dos finales no son incompatibles; Orfeo evade de la furia de las Bacantes y luego es rescatado por Apolo.

Contenido con licencia CC, Original

• Autor: Elliott Jones. Proporcionado por: Colegio Santa Ana. Ubicado en: http://www.sac.edu. Licencia: CC BY: Atribución

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• L'Orfeo. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: http://en.wikipedia.org/wiki/L%27Orfeo. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual