2.37: El Período Barroco

Esta lectura proporciona una visión práctica del período barroco. Tiende a centrarse en características del barroco tardío o “maduro”, pero sigue siendo un panorama valioso.

Música del Barroco

El período barroco en la música europea duró desde aproximadamente 1600 hasta aproximadamente 1750. Fue precedido por el Renacimiento y seguido por el periodo Clásico. Fue durante el Barroco cuando se estableció el sistema tonal mayor/menor que aún domina la Música Occidental. Este periodo es mejor conocido por el complejo contrapunto del barroco maduro, como lo tipifica la obra de Johann Sebastian Bach y George Frideric Handel.

Antecedentes Históricos

Este fue el período europeo que a menudo se llama la “Era de la Razón”. Mentes brillantes como Galileo Galilei, Johannes Kepler, Isaac Newton, Rene Descartes y Francis Bacon estaban sentando las bases de la ciencia y las matemáticas modernas. Impresionados con los conocimientos que se obtuvieron en esos campos, otros pensadores influyentes como Thomas Hobbes y John Locke buscaron aplicar reglas estrictas similares de observación y razonamiento a la filosofía y la ciencia política. Muchos historiadores creen que este fue un período crítico que puso a Europa en su curso lejos de los puntos de vista estáticos o retrospectivos de la Edad Media y el Renacimiento, y hacia la postura de impulso hacia adelante que condujo inexorablemente a nuestro mundo moderno.

Hay disciplina y orden subyacentes a gran parte de la música barroca, tal vez reflejando los ideales de la era de la razón. En particular, la progresión ordenada de la armonía y la disciplina del contrapunto complejo son señas de identidad de esta época. Sin embargo, los compositores barrocos también mostraron un interés muy fuerte en expresar emociones o “afectos” a través de la música. Las fantasías y toccatas exhiben una libertad de expresión que tiene muy poco que ver con la razón, y no hay que confundir la alegría, el patetismo o la pasión expresados en gran parte de las obras más populares de la época. Incluso las obras religiosas más firmes a menudo buscan expresar un elemento afectivo de misticismo o grandeza masiva.

Esta nueva exploración de la emoción en la música puede haber tenido su origen en otra importante influencia histórica en la música de esta época. Anteriormente, la mayoría de los compositores eran empleados por la iglesia, lo que generalmente, y a menudo severamente, limitaba su libertad para experimentar. Durante el periodo barroco, aunque las iglesias seguían siendo importantes empleadores para muchos compositores, la nobleza se convirtió en mecenas mucho más activas de la música, y sus cortes se convirtieron en importantes lugares para las representaciones. Esta época vio así un florecimiento de formas musicales seculares (no eclesiásticas), composiciones para instrumentos específicos (antes una rareza) y experimentación —con armonía, ritmo, forma y afecto— que alteraron gran y permanentemente el paisaje musical.

Antecedentes musicales, desarrollo e influencia

El trampolín renacentista

El barroco es el período más temprano de la música europea cuya música todavía se escucha ampliamente. Esto probablemente se deba a que la música anterior a este período tiene un sonido exótico y desconocido para la mayoría de los oyentes occidentales modernos. La música de la edad media era modal más que tonal; en otras palabras, no se basaba en acordes y armonías en claves mayores y menores. La mayoría de la gente prefiere fuertemente la tradición musical que crecieron escuchando; para ellos “tiene sentido” de una manera que tradiciones desconocidas no lo hacen. De manera fundamental, el barroco marcó el inicio de nuestra tradición familiar.

Una de las diferencias más obvias —una diferencia que puedes escuchar aunque no te des cuenta o no la puedes explicar— en la música medieval es la falta de tercios, el intervalo del que se construyen los acordes modernos (triádicos). La música medieval se basaba en cambio en los intervalos del quinto perfecto y el cuarto perfecto. Esto le da a la música antigua una textura abierta y hueca y armonías que no son familiares para el oído moderno.

Fue durante el Renacimiento cuando los tercios comenzaron a usarse con más frecuencia, particularmente en el estilo de fauxbourdon de tercios paralelos y sextos paralelos. (Las sextas están estrechamente relacionadas con las terceras de la misma manera que las cuartas están estrechamente relacionadas con las quintas.)

Escucha una frase acompañada de quintas paralelas (armonía de estilo medieval) y terceras paralelas (armonía de estilo barroco a moderno).

El sonido barroco

El sonido básico del Renacimiento no eran las armonías paralelas de fauxbourdon, sino una polifonía compleja de voces iguales, independientes (es decir, que no se mueven en paralelo). El sonido más estrechamente asociado con el barroco mantuvo las voces independientes, contrapuntales, pero con algunas diferencias importantes.

El cambio más importante, como se mencionó anteriormente, fue el desarrollo durante esta era de armonía tonal. Los compositores del barroco maduro no sólo utilizaban acordes mayores y menores, sino que los usaban en los tipos de progresiones de acordes y con los tipos de cadencias que se han seguido utilizando a lo largo de los siglos siguientes hasta nuestros propios tiempos. Esto no quiere decir que no hubo cambios posteriores en el sistema de armonía desarrollado durante el Barroco; la época romantica y la moderna temprana en particular vieron una gran experimentación con la armonía. La experimentación del período romántico amplió las posibilidades armónicas inherentes al sistema tonal; su sonido también ha influido fuertemente en desarrollos posteriores, incluso en la música popular. Muchos compositores modernos rechazaron por completo el sistema tonal, buscando sustituirlo por otras posibilidades. Sus esfuerzos han sido mucho menos influyentes en otros géneros, probablemente ya que sus ofertas no tonales simplemente están demasiado lejos del alcance de lo familiar para la mayoría de los oyentes.

Otro desarrollo del periodo barroco que aún está fuertemente con nosotros fue el ascenso de la línea de bajo. Las voces, o líneas, de la música renacentista, y de algún contrapunto barroco, eran típicamente iguales en importancia. Pero en gran parte de la música barroca, las diversas partes estaban perdiendo rápidamente su igualdad. En cambio, la línea más alta (lo que escuchamos como la melodía), y la línea más baja (el bajo) se convirtieron en las partes más importantes, con las líneas medias simplemente llenando la armonía. De hecho, a menudo se esperaba que los clavecines improvisaran un acompañamiento dado solo la línea de bajo con algunas anotaciones extra. Esta textura dominada por la melodía y el bajo, con el bajo delineando o implicando fuertemente la armonía, todavía predomina en la mayoría de los géneros y estilos musicales occidentales.

Como se mencionó anteriormente, hubo una gran variedad de formas musicales populares entre los compositores barrocos. Algunos de estos, como las fugas e invenciones altamente contrapuntales, están estrechamente asociados con este periodo. Otros, incluyendo fantasías, variaciones, suites, sonatas, sinfonias y conciertos, demostraron ser más influyentes, con muchos compositores importantes usando, desarrollando y experimentando con estas formas a lo largo de épocas posteriores.

Rechazos Clásicos y Continuidad

Los compositores de la época clásica estuvieron fuertemente influenciados por los ideales de la Ilustración, que preferían fuertemente lo “natural” sobre lo formal, y el igualitarismo sobre el elitismo. Concluyendo que el complejo contrapunto del barroco era demasiado formal y elitista, se propusieron conscientemente desarrollar un nuevo estilo, con armonías más simples, de movimiento más lento y melodías dominantes, que fuera más fácil de seguir y comprender para el público. Aunque el contrapunto ciertamente no desapareció de la música, el verdadero contrapunto al estilo de voces iguales, que había sido tan común en el Renacimiento y el Barroco, se volvió mucho más raro. (Cuando se agregaron voces independientes a la música de la Clásica y períodos posteriores, a menudo estaban claramente subyugadas a la melodía principal). La textura y armonía más simples de la época clásica produjeron un sonido tan marcadamente diferente que incluso el oyente casual puede distinguir fácilmente la pieza típica barroca de la clásica típica.

Y sin embargo, la mayoría de los demás elementos de la música barroca no fueron rechazados El elemento más importante que quedó fue, por supuesto, la armonía tonal. La tendencia a enfatizar la melodía y las líneas de bajo se intensificó, en todo caso, en las texturas más simples de la época clásica. Además, muchas de las formas y conjuntos desarrollados durante el Barroco fueron adoptados y desarrollados y ampliados en los períodos clásicos y posteriores.

Contenido con licencia CC, Compartido anteriormente

• Música del Período Barroco. Autor: Catherine Schmidt-Jones. Proporcionado por: OpenStax. Ubicado en: http://cnx.org/contents/d1f697f4-3a6a-4902-9abe-1f2b118a3829@1/Music_of_the_Baroque_Period. Licencia: CC BY: Atribución
• Teclas de piano. Autor: Elliott Billings. Ubicado en: https://www.flickr.com/photos/111456865@N04/11357509244. Licencia: CC BY: Atribución