10.11: Aaron Copland
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Copland representa una primicia en nuestros estudios: un compositor nacido en Estados Unidos. Nacido en Brooklyn, NY, Aaron Copland estudió en París y luego regresó a Estados Unidos donde fue influenciado por el compositor Aaron Stieglitz. Stieglitz consideró que los artistas estadounidenses deberían crear obras que dieran expresión a la democracia estadounidense. Copland ciertamente lo hizo en varios ballets populares que hicieron uso de melodías folclóricas estadounidenses, particularmente canciones de vaqueros. El ballet Rodeo y el movimiento de esa obra que aparecen en nuestra lista de reproducción, “Hoedown”, es inconfundible en su referencia al oeste americano. Este nacionalismo estadounidense contrasta con la música modernista de los contemporáneos de Copland.
Introducción
Aaron Copland (14 de noviembre de 1900 — 2 de diciembre de 1990) fue un compositor estadounidense, maestro de composición, escritor, y más tarde en su carrera director de música propia y de otra música estadounidense. Instrumental para forjar un estilo de composición claramente estadounidense, en sus últimos años a menudo se le refería como “el Decano de los Compositores Americanos” y es mejor conocido por el público por las obras que escribió en las décadas de 1930 y 1940 en un estilo deliberadamente accesible a menudo referido como “populista” y que compositor etiquetó su estilo “vernáculo”. Obras en esta línea incluyen los ballets Appalachian Spring, Billy the Kid y Rodeo, su Fanfarria para el Hombre Común y Tercera Sinfonía. Las armonías abiertas y poco a poco cambiantes de muchas de sus obras son arquetípicas de lo que mucha gente considera como el sonido de la música estadounidense, evocando el vasto paisaje americano y el espíritu pionero. Además de sus ballets y obras orquestales, produjo música en muchos otros géneros incluyendo música de cámara, obras vocales, ópera y partituras de cine.
Después de algunos estudios iniciales con el compositor Rubin Goldmark, Copland viajó a París, donde estudió al principio con Isidor Philipp y Paul Vidal, luego con la destacada pedagoga Nadia Boulanger. Estudió tres años con Boulanger, cuyo ecléctico acercamiento a la música inspiró su propio gusto amplio en esa área. Decidido a su regreso a Estados Unidos a abrirse camino como compositor de tiempo completo, Copland dio conferencias-recitales, escribió obras por encargo e hizo algo de enseñanza y escritura. Encontró componer música orquestal en el estilo “modernista” que había adaptado en el extranjero como un enfoque financieramente contradictorio, particularmente a la luz de la Gran Depresión. Pasó a mediados de la década de 1930 a un estilo musical más accesible que reflejaba la idea alemana de Gebrauchsmusik (“música para uso”), música que podría servir para fines utilitarios y artísticos. Durante los años de la Depresión, viajó extensamente a Europa, África y México, formó una importante amistad con el compositor mexicano Carlos Chávez y comenzó a componer sus obras emblemáticas.
A finales de la década de 1940, Copland sintió la necesidad de componer obras de mayor sustancia emocional que sus partituras utilitarias de finales de la década de 1930 y principios de la década de 1940. Estaba consciente de que Stravinsky, así como muchos compañeros compositores, habían comenzado a estudiar el uso de Arnold Schoenberg de técnicas de doce tonos (seriales). En su estilo personal, Copland comenzó a hacer uso de filas de doce tonos en varias composiciones. Incorporó técnicas seriales en algunas de sus obras posteriores, entre ellas su Piano Quartet (1951), Piano Fantasy (1957), Connotaciones para orquesta (1961) e Inscape para orquesta (1967). A partir de la década de 1960, las actividades de Copland pasaron más de componer a dirigir. Se convirtió en un frecuente director invitado de orquestas en Estados Unidos y el Reino Unido e hizo una serie de grabaciones de su música, principalmente para Columbia Records.
Obras Populares
Impresionado con el éxito de Cuatro santos en tres actos de Virgilio Thomson, Copland escribió El Salón México entre 1932 y 1936, que se encontró con una aclamación popular que contrastaba la relativa oscuridad de la mayoría de sus obras anteriores. Parece que pretendía que fuera un favorito popular, como escribió en 1955: “Parece que hace mucho tiempo que alguien ha escrito una España o un Bolero —el tipo de brillante pieza orquestal que a todos les encanta”. La inspiración para esta obra vino del vívido recuerdo de Copland de visitar el dancehall “Salon Mexico” donde fue testigo de una visión más íntima de la vida nocturna de México. Para Copland, el mayor impacto vino, no de la música de la gente bailando, sino del espíritu del ambiente. Copland dijo que literalmente podía sentir la esencia del pueblo mexicano en el salón de baile. Esto lo impulsó a escribir una pieza celebrando el espíritu de México utilizando Temas Mexicanos. Copland derivó libremente de dos colecciones de melodías folclóricas mexicanas, tonos cambiantes y ritmos variables. El uso de una melodía folclórica con variaciones ambientadas en un contexto sinfónico inició un patrón que repitió en muchas de sus obras más exitosas a lo largo de la década de 1940. Esta obra también marcó el regreso de los patrones de jazz al estilo compositivo de Copland, aunque aparecieron en una forma más tenue que antes y ya no eran la pieza central. Chávez dirigió el estreno, y El Salón México se convirtió en un éxito internacional, ganando un amplio reconocimiento de Copland.
Copland logró su primer gran éxito en la música ballet con su innovadora partitura Billy the Kid, basada en una novela de Walter Noble Burns, con coreografía de Eugene Loring. El ballet fue de los primeros en exhibir un vocabulario de música y danza estadounidense, adaptando la “técnica fuerte y el intenso encanto de Astaire” y otros bailarines estadounidenses. Fue distintivo en su uso del poliritmo y la poliarmonía, particularmente en las canciones vaqueras. El ballet se estrenó en Nueva York en 1939, con Copland recordando “no puedo recordar otra obra mía que fue recibida tan unánimemente”. John Martin escribió: “Aaron Copland ha proporcionado una partitura admirable, cálida y humana, y sin una nota desperdiciada al respecto en ninguna parte”. Se convirtió en una obra básica del American Ballet Theatre, y la suite de veinte minutos de Copland del ballet se convirtió en parte del repertorio orquestal estándar. Cuando se le preguntó cómo un neoyorquino judío logró tan bien capturar el Viejo Oeste, Copland respondió “Fue solo una hazaña de imaginación”.
A principios de la década de 1940, Copland produjo dos importantes obras pensadas como impulsores de la moral nacional. Fanfarria para el Hombre Común, anotada para metales y percusión, fue escrita en 1942 a petición del director Eugene Goossens, director de la Orquesta Sinfónica de Cincinnati. Posteriormente se utilizaría para abrir muchas Convenciones Nacionales Demócratas, y para agregar dignidad a una amplia gama de otros eventos. Incluso grupos musicales desde la banda de jazz de Woody Herman hasta los Rolling Stones adaptaron el tema de apertura. Emerson, Lake & Palmer grabaron una versión de “rock progresivo” de la composición en 1977. La fanfarria también se utilizó como tema principal del cuarto movimiento de la Tercera Sinfonía de Copland, donde aparece por primera vez de manera tranquila, pastoral, luego en la forma de sostén del original. Ese mismo año, Copland escribió A Lincoln Portrait, un encargo del director André Kostelanetz, que condujo a un mayor fortalecimiento de su asociación con la música patriótica estadounidense. La obra es famosa por la recitación hablada de las palabras de Lincoln, aunque la idea había sido empleada anteriormente por “Song of Faith” de John Alden Carpenter basada en las citas de George Washington. “Lincoln Portrait” a menudo se realiza en las celebraciones de las fiestas nacionales. Muchos estadounidenses han realizado la recitación, incluyendo políticos, actores y músicos y el propio Copland, con Henry Fonda haciendo la grabación más notable.
Continuando con su serie de éxitos, en 1942 Copland compuso el ballet Rodeo, un cuento de una boda en un rancho, escrito casi al mismo tiempo que Lincoln Portrait. El rodeo es otra composición duradera para Copland y contiene muchas melodías folclóricas reconocibles, bien mezcladas con la música original de Copland. Notable en el movimiento final, es el llamativo “Hoedown”. Esta fue una recreación de la versión del violinista de los Apalaches W. H. Stepp de la melodía de baile cuadrado “Bonypart” (“Retiro de Bonaparte”), que había sido transcrita para piano por Ruth Crawford Seeger y publicada en el libro de Alan Lomax y Seeger, Our Singing Country (1941). Para el “Hoedown” en Rodeo Copland tomó prestada nota por nota de la transcripción para piano de Seeger de la melodía de Stepp. Este fragmento (levantado de Ruth Crawford Seeger) es ahora una de las composiciones más conocidas de cualquier compositor estadounidense, habiendo sido utilizado numerosas veces en películas y en televisión, incluyendo comerciales para la industria de la carne de res estadounidense. “Hoedown” recibió un arreglo rocoso por Emerson, Lake & Palmer en 1972. El ballet, originalmente titulado “El cortejo en Burnt Ranch”, fue coreografiado por Agnes de Mille, sobrina del gigante cinematográfico Cecil B. DeMille. Se estrenó en la Ópera Metropolitana el 16 de octubre de 1942, con de Mille bailando el papel principal de “vaquera” y la actuación recibió una ovación de pie. Una partitura reducida sigue siendo popular como pieza orquestal, especialmente en los conciertos de “Pops”.
Copland recibió el encargo de escribir otro ballet, Primavera de los Apalaches, originalmente escrito con trece instrumentos, que finalmente organizó como una popular suite orquestal. El encargo para la Primavera de los Apalaches vino de Martha Graham, quien había solicitado a Copland meramente “música para un ballet americano”. Copland tituló la pieza “Ballet for Martha”, sin tener idea de cómo la usaría en el escenario pero él la tenía en mente. “Cuando escribí 'Appalachian Spring' estaba pensando principalmente en Martha y su estilo coreográfico único, que conocía bien.. Y ella es, sin duda, muy estadounidense: hay algo prim y sobrio, simple pero fuerte, sobre ella que uno tiende a pensar como estadounidense”. Copland tomó prestado el sabor de las canciones y bailes de Shaker, y utilizó directamente la canción de baile Simple Gifts. Graham tomó la partitura y creó un ballet al que llamó Appalachian Spring (de un poema de Hart Crane que no tenía conexión con Shakers). Fue un éxito instantáneo, y la música posteriormente adquirió el mismo nombre. Copland se divirtió y deleitó más tarde en la vida cuando la gente se acercaba a él y le decía: “Señor Copland, cuando veo ese ballet y cuando escucho su música puedo ver a los Apalaches y simplemente sentir primavera”. Copland no tenía ninguna configuración particular en mente al escribir la música, solo trató de darle un sabor americano, y no tenía conocimiento del título prestado, en el que “primavera” se refiere a un manantial de agua, no a la temporada Primavera.
- Autor: Elliott Jones. Proporcionado por: Colegio Santa Ana. Ubicado en: http://www.sac.edu. Licencia: CC BY: Atribución
- Aarón Copland. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: http://en.wikipedia.org/wiki/Aaron_Copland. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual