1.1: Perspectivas y Enfoques

Resumen del Capítulo: Los niños son inherentemente musicales. Responden a la música y aprenden a través de la música. La música expresa la identidad y el patrimonio de los niños, les enseña a pertenecer a una cultura y desarrolla su bienestar cognitivo y su autoestima interior. Como instructores profesionales, trabajadores de cuidado infantil o estudiantes que esperan una carrera trabajando con niños, debemos buscar continuamente formas de aprovechar los reservorios naturales de entusiasmo de los niños por cantar, moverse y experimentar con instrumentos. Pero, ¿cómo, podrías preguntar? ¿Qué música es apropiada para los niños con los que estoy trabajando? ¿Cómo puede ayudar la música a inspirar a un niño completo? ¿Cómo llego y enseño a los niños musicalmente? Lo más importante, quizás, ¿cómo puedo incorporar la música a un plan de estudios que margine las artes?

En las últimas décadas, educadores, líderes mundiales y teóricos han producido una mezcla de manifiestos, visiones y declaraciones sobre cómo debería ser la educación en el siglo XXI. Organizaciones como Partnership for 21st century Learning (http://www.p21.org/) y El Centro de Educación Pública (CPE) sugieren formas de enseñar tales habilidades para preparar a los estudiantes para los desafíos que se avecinan (ver el resumen ejecutivo del CPE sobre el tema). Los resultados favorecen enfoques integradores y holísticos que sustentan los ideales de lo que un estudiante experto del siglo XXI debe conocer.

En este libro, exploraremos un enfoque holístico, artístico, integrado y con visión de futuro del siglo XXI para comprender las conexiones de desarrollo entre la música y los niños. En lugar de enseñar a los niños sobre música, este libro guiará a los profesionales a trabajar a través de la música, aprovechando los procesos que subyacen al aprendizaje de la música y delineando métodos apropiados para el desarrollo para comprender el papel de la música en la vida de los niños a través del juego, los juegos, la creatividad y el movimiento. Adicionalmente, en este libro exploraremos formas de aplicar la creación musical para beneficiar a todo el niño, es decir, social, emocional, física, cognitiva y lingüísticamente.

Un enfoque artístico: visiones y desafíos

La vida de las artes, lejos de ser una interrupción, una distracción en la vida de la nación, está muy cerca del centro del propósito de una nación y es la prueba de la calidad de la civilización de una nación.

—J. F. Kennedy, 1962

Las famosas palabras de Kennedy, ahora con décadas de antigüedad, proporcionaron a la nación legitimidad y una visión para las artes y la educación artística que aún resuena hoy en día. Existe una plétora de evidencias sobre el papel crítico que desempeñan las artes en la vida y el aprendizaje de los niños. Organizaciones e investigadores han realizado innumerables estudios sobre la efectividad y capacidad de las artes para involucrar a los niños cognitiva, emocional, física y artísticamente: en otras palabras, a nivel holístico.

Sin embargo, según la Coalición Nacional para los Estándares Básicos de las Artes (NCCAS),

El acceso de los niños a la educación artística como parte de su educación básica sigue siendo desigual en los casi catorce mil distritos escolares de nuestra nación. Algunas agencias educativas locales ofrecen actualmente una educación completa y equilibrada que incluye ricas y variadas oportunidades artísticas para sus estudiantes. Sin embargo, demasiadas escuelas han sucumbido a los desafíos de financiamiento o han adoptado un enfoque estrecho en temas probados, lo que resulta en experiencias artísticas mínimas, si las hay, para los niños a los que sirven. (2013, p. 3)

Uno de los desafíos que enfrenta el uso de las artes por parte de los maestros se refiere a un plan de estudios gravado por la necesidad de “enseñar a la prueba”, tanto a nivel estatal como federal. Esta tendencia comenzó en los años noventa con un movimiento de reforma educativa que enfatizó la rendición de cuentas de los maestros Las mediciones mediante pruebas fueron aceptadas y estandarizadas bajo la Ley No Child Left Behind (2001) y también bajo la nueva Iniciativa de Estándares Estatales Básicos Comunes que se está implementando Las leyes nacionales y estatales y una tendencia hacia la enseñanza y prueba de “materias básicas” reconfiguran las percepciones sociales y crean una cultura permanente que marginaliza continuamente las artes en el plan de estudios. El resultado impacta las percepciones de los maestros respecto a la incorporación de las artes en sus lecciones, ya que existe la sensación de que el uso de las artes es de alguna manera una distracción que le quitará tiempo en el aula a lo que se considera materias más “dignas”. Las artes, sin embargo, pueden ser utilizadas de manera efectiva para aumentar este método, motivando a los estudiantes y apelando a su arte innato y humanidad.

Este libro está destinado a ayudar a quienes tienen poco o ningún fondo musical, con el fin de aumentar su comodidad en la integración de la música en el plan de estudios. El material ayudará a guiar a los educadores en la búsqueda de métodos para incorporar la música con otras materias de una manera que sea inherentemente beneficiosa para maestros y estudiantes en lugar de un obstáculo.

Un enfoque holístico

Este libro adopta un enfoque holístico para el estudio de la música, partiendo de diversos campos como la educación musical, la etnomusicología, la sociología y las ciencias cognitivas. El libro toma en cuenta muchas perspectivas diferentes sobre el desarrollo de un niño en lugar de abordarlo enfocándose en un solo tema. El material de este libro está inspirado en un enfoque de la educación holística, cuyo objetivo es llevar a los niños hacia el desarrollo y el sentido interno de la comprensión y el significado musical a través de medios físicos, cognitivos, creativos, emocionales y de desarrollo social.

Según el movimiento de Educación Holística, es fundamental que los niños aprendan sobre:

1. Ellos mismos: incluyendo el respeto propio y la autoestima
2. Relaciones: es decir, las relaciones con los demás a través de la “alfabetización” social y la “alfabetización” emocional, la comprensión de uno mismo en relación con los demás
3. Resiliencia: superar dificultades, enfrentar desafíos y aprender a garantizar el éxito a largo plazo
4. Estética: ver la belleza a su alrededor e inspirar asombro

La educación holística aborda primero la cuestión de qué es lo que el niño necesita aprender, y coloca las artes y la estética como elementos clave en la enseñanza del niño en desarrollo. De igual manera, el educador holístico coloca la música y las artes en una posición central en la educación de un niño, enfatizando las experiencias artísticas y estéticas que solo las artes pueden aportar.

Un enfoque holístico no solo incluye el desarrollo cognitivo de los niños, sino su entorno musical e influencias culturales. En ese sentido, el libro abordará cómo los niños usan la música fuera del aula. ¿Cómo experimentan los niños la música cuando tocan o en actividades de ocio? ¿Cómo piensan los niños sobre la música? ¿Cómo son musicalmente creativos de manera innata?

Como extensión, el libro también toca algunos aspectos multiculturales de la música, y considera el amplio papel de la música y su importancia para la humanidad, evitando así una visión cultural occidental insular y miope del niño musical. ¿Cómo ve la música la gente en otras culturas? ¿Cómo experimentan la música los niños de otras culturas?

Un enfoque del siglo XXI

Una discusión sobre las habilidades del siglo XXI brinda una oportunidad importante para considerar el cambio en el estado actual del plan de estudios, las necesidades sociales futuras y el papel de la música y las artes. Los cambios económicos y demográficos requieren flexibilidad y adaptabilidad. ¿Qué habilidades necesitarán los niños para obtener empleo? ¿Cómo pueden prepararse los niños para contribuir y competir en una sociedad compleja? ¿Cómo pueden los educadores y los sistemas educativos satisfacer estas necesidades?

Alarmada por la condición de la educación pública estadounidense, diversas instituciones como el Kennedy Center, The Partnership for 21st Century Skills, 21st Century Schools y la Global Alliance for Transforming Education se organizaron para identificar áreas particulares de enfoque educativo consideradas cruciales para el aprendizaje futuro. Sus resultados ponen un alto énfasis en la autonomía estudiantil y el aprendizaje independiente, la resolución de problemas y la creatividad, todos los cuales son aspectos fundamentales de las artes.

Habilidades del siglo XXI

Habilidades del siglo XXI

Pensamiento Crítico y Resolución de Problemas

Colaboración a través de redes y liderar por influencia

Agilidad y Adaptabilidad

Iniciativa y Emprendimiento

Comunicación Oral y Escrita Efectiva

Acceso y análisis de la información

Curiosidad e Imaginación

Aprendizaje centrado en el niño

Investigación y aprendizaje basados en resultados

Creatividad, Colaboración, Comunicación, Cooperación

Experiencia, Conocimientos y Habilidades

Los componentes centrales enumerados anteriormente continúan una filosofía educativa iniciada hace cientos de años que enfatiza el aprendizaje experiencial, el aprendizaje centrado en el niño sobre el maestro y el proceso sobre el producto. Es parte de lo que ahora vemos como un enfoque holístico, colaborativo e integrado de la educación que enfatiza el desarrollo de habilidades sociales y la confianza interna además de aprender la materia.

leer más ¿Qué es la educación del siglo XXI?

leer Más Integración artística y habilidades del siglo XXI

leer Más Un glosario de términos educativos del siglo XXI

II. Un mundo musical infantil

La música al principio: la conciencia musical de un niño

Todos los niños son musicales, nacen musicales y son muy conscientes de los sonidos que los rodean. Comencemos con un viaje desde la perspectiva del niño, un niño muy pequeño al comienzo de la vida. ¿Qué experimenta el niño? ¿Qué oye él o ella? Dentro del útero, el bebé escucha los latidos del corazón de la madre, el sonido apresurado del líquido amniótico y la voz de la madre. Desde afuera, el bebé escucha el lenguaje y la música, en su mayoría ondas sonoras bajas de instrumentos de bajo y ruidos fuertes. Debido a que el sentido visual no es viable en este punto, los sentidos auditivos son primarios, y el oído es el más desarrollado de todos los sentidos fetales. La audición se desarrolla de aproximadamente 19 a 26 semanas del embarazo cuando el oído interno madura, y los bebés responden a las voces y la música clásica volviéndose hacia él y relajándose. También responden a los ruidos fuertes pateando, y se acurrucan y se alejan de la música rock o pop fuerte (birth.com.au, 2013).

¿Los niños recuerdan lo que escuchan en el útero? Los neurocientíficos auditivos dicen que los niños sí recuerdan lo que escuchan en el útero. Los niños recuerdan la voz de su madre, e incluso las melodías.

leer Más “La vida del útero”

La música en el entorno de un niño

Los niños forman parte de dos categorías sociales generales: la humanidad en general y la cultura específica en la que nacen. Como humanos, la música es una parte innata de nuestra existencia, ya que todos poseemos los mecanismos físicos para hacer y procesar el sonido organizado tal como hacemos el lenguaje. Como señala el educador musical Edwin Gordon, “La música no es un idioma sino que los procesos para aprender música y lenguaje son sorprendentemente similares” (Gordon, 2012, p. 6). El cerebro está cableado para la música y el lenguaje, tema que se discutirá en el Capítulo 7.

La creación musical y los esfuerzos artísticos representan el corazón de una cultura, y forman parte de la identidad central de cada cultura: no solo lo que nos hace humanos, sino también lo que nos hace únicos a cada grupo de nosotros. En Estados Unidos, géneros únicos de música que forman parte de nuestro tejido cultural se han desarrollado a lo largo de los siglos. El crisol que es América ha dado nuevos géneros como big band, jazz, blues, rock and roll, etc. Mezclas de europeos, caribeños y afroamericanos combinados de una manera como la de ninguna otra cultura. En América, toda la música que conocemos actualmente en la actualidad se deriva de los géneros musicales que nos precedieron. Todos los niños nacen en ese ambiente musical y recogen el repertorio musical y el vocabulario que los rodea.

Repertorios Musicales Infantiles

Debido a que las sociedades creen que los niños son la clave para continuar con las tradiciones de su patrimonio cultural y musical, suele existir una categoría separada de canciones que enseñan a los niños su historia cultural y musical.

Actividad 1A

Piensa en algunas canciones infantiles familiares. ¿En cuántos se te ocurren? ¿Cuáles fueron tus canciones favoritas cuando eras niño? ¿Tus canciones tenían juegos o movimiento de algún tipo? ¿Qué piensa la sociedad sobre las canciones infantiles? ¿Se consideran importantes o triviales? ¿Están nutridos o rehuidos?

Después de recordar algunas de sus canciones infantiles favoritas, puede llegar a comprender su importancia. Si le pides a un grupo de personas de cualquier categoría de edad que cante una canción, la mayoría de las veces, las canciones infantiles son las únicas canciones que todos pueden cantar en su totalidad de principio a fin. ¿Por qué es eso? Una razón es que la música y la identidad están estrechamente relacionadas, y grupos o cohortes de personas escuchan canciones particulares dirigidas a su grupo de edad producidas por el negocio de la música impulsada por el mercado.

Otra razón es que las canciones infantiles están estructuradas de manera única para que sean fáciles de memorizar a la vez que contienen material musical y cultural básico; lenguaje y códigos que llegamos a reconocer en todas nuestras canciones. Tendemos a pensar en las canciones infantiles como simples, y de alguna manera, son en términos de letra, estructura y música. No obstante, hay mucho más en ellos que eso.

Actividad 1B

¿Cuáles son algunos de los atributos de las canciones infantiles que las hacen tan memorables? Desarrolla una lista de características que hacen que las canciones infantiles sean tan populares, inolvidables y capaces de sobrevivir por generaciones. Piense en los aspectos musicales así como en los aspectos líricos. ¿Hay muchas notas o muy pocas? ¿Hay un rango grande o pequeño? ¿Hay muchas palabras o algunas? ¿Hay grandes saltos de canto y muchas carreras difíciles o ninguna?

El cuerpo o repertorio de canciones infantiles es extremadamente antiguo. De hecho, ¡las canciones más antiguas que probablemente conozcas son canciones infantiles! Esto se debe a que las canciones infantiles a menudo conservan el significado social e histórico de una cultura y la identidad de su gente. Muchas de nuestras canciones infantiles estadounidenses más populares provienen de siglos de baladas, himnos, música popular y folclórica de los primeros habitantes de Nueva Inglaterra, escoceses e ingleses que habitaban los Apalaches y descendientes africanos y europeos. Todas las canciones están plagadas de significado musical, cultural e histórico.

“Twinkle, Twinkle Little Star”, por ejemplo, es producto tanto de Inglaterra como de Francia, como un poema inglés de principios del siglo XIX con una melodía folclórica francesa del siglo XVIII (“Ah, vous dirai-je, Maman”). La canción también proporciona la música para otras dos canciones muy famosas, “Baa, Baa Black Sheep” y la canción “A-B-C”.

Twinkle Twinkle Little Star, Baa Baa Oveja Negra, Canción del Alfabeto

Melodía: “Ah, vous dirai-je, Maman”

Canción folclórica francesa, 1761

“Zudio” o “Zoodio” es una canción de juego callejero infantil afroamericano con posibles raíces en la esclavitud. Se sospecha que el “gran hombre grande” mencionado en la canción podría ser el dueño del esclavo.

Aquí vamos Zudio

Canción afroamericana

“Mary Had a Little Lamb” se inspiró en un verdadero incidente en el pequeño pueblo de Sterling, Massachusetts, en la década de 1830, cuando el hermano de la pequeña Mary le sugirió que llevara a su cordero mascota a la escuela y se produjo el caos. A continuación se muestra una imagen de la pequeña escuela donde se cree que tuvo lugar el incidente de María y su cordero.

María tenía un corderito

Todas estas canciones tienen características musicales propias del género del que surgieron. Tienen solo unas pocas notas, pequeños rangos vocales, sin adornos elegantes y palabras simples. Sin embargo, también tienen un significado social e histórico significativo que ayuda a explicar su increíble longevidad en el repertorio de canciones infantiles.

Dudesleeper en Wikipedia en inglés [GFDL], CC-BY-SA-3.0 o CC BY 2.5, vía Wikimedia Commons

The Redstone School, ahora ubicada en Sudbury, Massachusetts, ¡donde Mary supuestamente se llevó su cordero!

Para explorar la idea de la música como cultura, veamos más a María y su cordero. “Mary Had a Little Lamb” es una canción de casi 200 años que sigue siendo convincente y sigue siendo muy popular hoy en día. Parte de la popularidad de la canción es el tema. Se inspiró en las acciones de la vida real de los niños, y no surgió completamente de la imaginación de un adulto. La melodía es muy sencilla, contiene sólo cuatro tonos y una buena cantidad de repeticiones. El significado de esta canción es históricamente significativo. Las letras conservan imágenes de la vida temprana estadounidense: la escuela de una habitación, el entorno rural, sin ruido industrial y automóviles, y la prevalencia de animales. Un niño que crece en una granja rodeada de animales naturalmente se haría amigo de algunos de ellos. La idea de que la niña, Mary, quiera llevar a la escuela a su animal favorito es más que comprensible, y es similar a querer llevar a nuestro perro o gato a la escuela hoy con nosotros. Es decir, la canción revive y vuelve a contar las experiencias de un niño en otro siglo y hace que su historia sea altamente identificable para nosotros hoy en día.

Actividad 1C

Piénsalo

¿Cuánto sabes de tus canciones infantiles favoritas? Busca el fondo de algunas de tus canciones infantiles favoritas como “Ring Around the Rosie” o “London Bridge”.

Experiencias musicales informales y formales de un niño

[El propósito de la música en las escuelas]... es preparar a los estudiantes para la plena participación en la vida social, económica, política y artística de su patria y del mundo en general. (Backing, 1985, p. 21)

Esta declaración, del etnomusicólogo John Backing, destaca la naturaleza holística y el impacto potencial del sistema educativo. Las escuelas, sin embargo, brindan educación musical formal, que es solo una de las fuentes del patrimonio musical de un niño. A menudo, las fuentes más importantes son informales. Los niños encuentran la música en casa, en su entorno cultural cotidiano y mientras juegan. Todos estos escenarios son parte de la inculturación de una persona, o el aprendizaje de la propia cultura a través de experiencias, observaciones y entornos tanto formales como informales.

En el hogar, los niños están expuestos al patrimonio musical de una familia, que puede contener música desconocida para aquellos en su cultura dominante. La música expresa identidad, y los niños a menudo participan en celebraciones familiares que representan una herencia étnica o religiosa. Están expuestos a la música de sus padres y hermanos, amigos y familiares, lanzando una amplia red sobre múltiples experiencias y géneros.

Culturalmente, los niños están expuestos a repertorios enteros de música, que representan diferentes partes de la identidad estadounidense. Desde música comercial, pop y rock hasta jazz, desde canciones folclóricas hasta canciones nacionales, canciones religiosas y navideñas, y música multicultural, los niños escuchan los ritmos, melodías y armonías que conforman su ambiente musical. Inconscientemente absorben modismos (es decir, estilos musicales, géneros y características), lo que hará que ciertos sonidos sean familiares para ellos y ciertos sonidos “extraños” y desconocidos. Así, la música y todos sus elementos a los que están expuestos los niños se vuelven tan familiares como su lengua materna.

En la escuela primaria, o en cualquier entorno educativo formal temprano, los niños a menudo aprenden música de un especialista en música con un plan de estudios de música establecido y metas de aprendizaje. Esto tiene consecuencias tanto positivas como negativas. En el lado positivo, los niños están aprendiendo de un profesional, capacitados para enseñar música a los niños. En el lado negativo, los maestros de artes son vistos como “especialistas” separados, lo que exime erróneamente al maestro de aula de cualquier responsabilidad por incorporar las artes a la experiencia diaria del aula.

“¡No puedo enseñar música; no puedo cantar!”

Si puedes caminar puedes bailar; si puedes hablar puedes cantar.

—Proverbio zimbabuense

Con presupuestos restringidos y reducciones en especialistas en artes en algunos distritos escolares, el acceso a las artes para muchos niños depende únicamente de lo que el maestro de aula pueda proporcionar. Desafortunadamente, muchos maestros de aula se sienten inadecuadamente preparados para enseñar música, y el uso de la música por parte de los maestros de aula varía ampliamente según la exposición previa a la música. Se ha demostrado que los maestros con “mayores niveles de confianza en su habilidad musical indican niveles más fuertes de creencias sobre la importancia de la música” (Kim, 2007, p. 12). Los maestros con la capacidad de leer notación musical, por ejemplo, se sintieron más positivamente acerca de incluir la música en su salón de clases, y tenían más probabilidades de usar la música en su enseñanza.

La verdad es que todos sabemos mucho de la música a través de la enculturación. Todos están familiarizados con ciertos repertorios de música (canciones nacionales, canciones infantiles, canciones populares, canciones folclóricas, e incluso piezas clásicas), e incluso los diferentes elementos de la música (melodía, armonía, ritmo, forma y timbre). El proverbio zimbabuense, “Si puedes caminar, puedes bailar; si puedes hablar, puedes cantar”, es bastante apropiado aquí. En virtud de tus experiencias cotidianas con la música, sabes más de lo que piensas sobre la música, y probablemente puedas responder fácilmente a las preguntas de la Actividad 1D.

Aunque estas preguntas pueden parecer simples, reflejan una profundidad de conocimiento musical cosechado a lo largo de toda una vida de exposición cultural a la música. Por ejemplo, las preguntas anteriores cubren la teoría musical, el análisis, el repertorio y los usos y función de la música en la cultura. Lo creas o no, tu conocimiento acumulado, cultural, sumado a un poco de entusiasmo y canto, es más que suficiente para poder incorporar música a una lección o plan de estudios.

Cambiando el papel de la música y la cultura: Hacer vs. escuchar

La mayoría de la gente cree que la música juega un papel importante en sus vidas. Solo piensa en la cantidad de tiempo que pasas rodeado de música en tu día. El papel de la música, sin embargo, ha cambiado drásticamente en los últimos años. Durante miles de años, la única manera de experimentar la música era hacerla. Músicos capacitados y aficionados hicieron música que cumplió una variedad de funciones como parte de rituales religiosos, trabajo, narración de historias, comunicación social y también entretenimiento (ver las funciones musicales de Merriam y Gastón en el Capítulo 7). En las sociedades tradicionales, la música normalmente formaría parte del trabajo cotidiano, el culto y el ocio. Las sociedades complejas, sin embargo, separan la creación musical y los creadores de música de todos los demás, que se convierten en consumidores o oyentes. La tecnología ha ayudado a alterar el equilibrio de la experiencia musical, favoreciendo la escucha de música sobre la creación musical. Ahora los niños crecen pasando gran parte de su tiempo libre escuchando música en lugar de actuar o hacerla.

Actualmente, casi toda la música que experimentamos ya no es en vivo, sino pregrabada. La tecnología, sin embargo, también ha aumentado el número de oportunidades que tenemos para escuchar música. Las grabaciones han hecho que la música sea accesible en todas partes: TV, radio, CD, Internet, videojuegos, reproductores de música personales, etc. La música es tan omnipresente que mucha gente ya no la nota. Lo que no ha cambiado, sin embargo, es el deseo innato de un niño de ser musical, hacer música y aprender de ella. La sala de música y el aula regular son algunos de los únicos lugares que muchos niños tienen para hacer música en su día.

Actividad 1D

Pon a prueba tus conocimientos musicales

Complete lo siguiente:

1. El ______ es la parte de la música que cantas.

   a. Ritmo

   b. Melodía

   c. Forma

   d. Tempo

2. El ________ hace sonar el pulso o latido, y generalmente se reproduce a baja frecuencia.

   a. Melodía

   b. Bajo

   c. Armonía

   d. Timbre

3. Una melodía es:

   a. Apoyado en otros instrumentos (acompañamiento)

   b. La parte más dominante de una canción

   c. Dónde se puede encontrar la letra

   d. Todo lo anterior

4. El bajo:

   a. Mantiene el ritmo

   b. Mantiene el tempo o la velocidad de la canción

   c. Proporciona una base para el resto de los instrumentos y voces

   d. Todo lo anterior

5. El ________ se repite varias veces a lo largo de una canción, con exactamente las mismas palabras y música.

   a. Estribillo o coro

   b. Verso

   c. Melodía

   d. Armonía

6. “María tenía un corderito” es un ejemplo de:

   a. Canción nacional

   b. Canción religiosa o sagrada

   c. Canción infantil

   d. Canción clásica

7. Las orquestas suelen tocar:

   a. Música rock

   b. El blues

   c. Música clásica

   d. tecno

8. Si tienes una batería, dos guitarras eléctricas, un bajo y un sintetizador, lo más probable es que estés tocando:

   a. Una sinfonía clásica

   b. Rock 'n' roll o música pop

   c. Canciones folclóricas

   d. Ninguna de las anteriores

Actividad 1E

Piénsalo

¿Cómo describirías tu relación con la música? ¿Normalmente pasas más tiempo escuchando música o haciéndola? ¿Cuánto tiempo pasas escuchando música a través de auriculares? ¿Escuchando música con otras personas?

Realiza un seguimiento de la cantidad de música que encuentras en un día. ¿Cuánto de ella está pregrabada? ¿Cuánto de ella es en vivo?

La experiencia estética y artística

Si los seres humanos son innadamente musicales, y si en algunas sociedades estas capacidades innatas se nutren en la primera infancia, siempre me ha parecido que debemos hacer más en la sociedad industrial moderna para colocar la experiencia artística y la práctica musical en el centro de la educación. (Backing, 1991, p. 55)

¿Y si escucharas hablar de un nuevo producto que podría ayudar a los niños a concentrarse, aumentar su potencial de aprendizaje, reiniciar su funcionamiento cognitivo y hacerlos sentir relajados y renovados, todo en pocos minutos? Y lo mejor de todo, ¡es gratis! ¿Lo usarías?

La música es poderosa, y la música tiene el poder de cambiar emocionalmente a las personas o alterar el estado de ánimo de la habitación con solo unas simples notas o ritmos. La música, como energía, tiene la capacidad de transformar a todos aquellos a su alcance. Pasamos a la música para sentirnos mejor, aliviar la ansiedad, superar una situación difícil, encontrar calma y paz, o sentirnos empoderados y valientes. Aunque no nos tomamos mucho tiempo en nuestro ajetreado día para pensarlo, uno de los usos más significativos de la música es crear una experiencia estética. Una respuesta estética o experiencia se refiere a la naturaleza de la belleza, el arte y el gusto. Los niños son capaces de apreciar la belleza en el arte, la música, el lenguaje y el movimiento. La exposición a estas formas artísticas desarrolla el núcleo interno de un niño, introduce nuevas dimensiones de posibilidades y muestra al cerebro una nueva forma de funcionamiento y comprensión. La otra buena noticia es que solo toma un par de minutos y un poco de pensamiento para lograrlo, y poner a trabajar algunos de los elementos básicos de la música. El timbre, el tempo y la dinámica son tan poderosos que algunos ajustes aquí y allá pueden cambiar toda la atmósfera de aprendizaje de un aula.

Por ejemplo:

• Algunas notas tocadas lenta y suavemente en un pequeño glockenspiel pueden sonar como magia.
• Batir un tambor de mano puede mover físicamente a los estudiantes: ¡cuanto más rápido y más fuerte, más actividad!
• Una canción suave o una canción de cuna cantada o tocada en un instrumento de melodía los calmará casi de inmediato.
• Los niños aplaudiendo, pisando fuerte o chasqueando harán que centren su atención.

Actividad 1F

Piénsalo

¿Cómo podrías crear una experiencia estética (dentro o fuera de un aula)? ¿Y si tuvieras solo unos pocos instrumentos? ¿No hay instrumentos en absoluto? ¿Cómo se podría lograr una transformación estética usando el sonido?

III. El paisaje sonoro y el niño

Antes de discutir nuestras ideas culturales de lo que es la música, primero necesitamos entender que la música es solo una parte de la categoría más amplia de sonido. Los sonidos que nos rodean juegan un papel importante en nuestro desarrollo. Pasamos la vida rodeados de todo tipo de sonidos que son únicos en nuestro entorno, sin embargo, rara vez les prestamos atención. A medida que un niño crece, se acultura a todos los sonidos de su entorno. Estos incluyen no solo todos los géneros de la música, los lenguajes verbales y los acentos, sino también los ruidos mecánicos, digitales, humanos y animales, y todos los sonidos ambientales que nos rodean. Todos estos se combinan para crear nuestro ambiente acústico. Este paisaje sonoro, como lo concibió el ambientalista acústico R. Murray Schafer, se refiere a lo que esos sonidos nos dicen sobre quiénes somos y el tiempo en el que vivimos.

Nuestros paisajes sonoros tienen tremendos impactos físicos y cognitivos en nosotros. El paisaje sonoro afecta nuestra salud, cuerpo y aprendizaje. Por ejemplo, el ambiente de un niño en una ciudad será muy diferente al del país, o el paisaje sonoro de hace mil años difiere dramáticamente del paisaje sonoro actual.

Cuando Schafer comenzó su trabajo en la comprensión del ambiente sonoro, se dio cuenta de que no tenemos un vocabulario muy específico para describir los sonidos, lo que estamos escuchando y cómo lo estamos escuchando. Mientras que el vocabulario visual tiende a ser más detallado, carecemos de palabras conceptuales matizadas para describir el sonido y nuestra relación con él. Schafer acuñó los términos keynote, soundmark y sound signal para distinguir entre diferentes tipos de sonidos, sus conexiones con el entorno y nuestra percepción de ellos.

Keynote: Como término musical, keynote identifica la “clave” de una pieza. Aunque es posible que no siempre escuches la llave, y la melodía puede desviarse de la clave, siempre vuelve a la clave. Una nota magistral “describe el carácter de las personas que allí viven”. Las notas clave suelen ser sonidos de la naturaleza (viento, aves, animales, agua) pero en las zonas urbanas puede haber tráfico. El sonido principal para la ciudad de Nueva York podría ser las bocinas de taxis y autos amarillos, por ejemplo.

Marca de sonido: Este término está inspirado en la palabra “hito” y hace referencia al sonido único de una zona. Un hito es algo que es fácilmente reconocible (por ejemplo, la Torre Eiffel, el Valle del Monumento, el Gran Cañón, el Empire State Building). Ahora piensa en una ubicación y su sonido, e imagina un sonido reconocible asociado a ese lugar.

Señal sonora: Un sonido en primer plano que escuchamos conscientemente. Las señales sonoras nos obligan a prestar atención a algo. Algunos ejemplos son los dispositivos de advertencia, campanas, silbatos, cuernos, sirenas, etc.

Shafer también hace interesantes distinciones entre las fuentes de sonido. Algunas fuentes están hechas por la naturaleza, como el viento, el agua y las olas; algunas son hechas por el hombre como cantar, hablar y pisar fuerte; algunas son hechas por animales, como llamadas, gritos y gruñidos; algunas son clanks, silbidos, zumbidos y pitidos hechos a máquina. Schafer acuñó el término esquizofonia para describir el sonido que se separa de su fuente, como la música grabada. Debido a que la mayor parte de la música que escuchamos no es en vivo sino grabada, la esquizofonia es un concepto crucial para describir y comprender la relación de un niño (y el nuestro) con el sonido y nuestro entorno.

Actividad 1G

Piénsalo

¿Cómo sonaría si vivieras hace 100 años? ¿200? ¿500? ¿1.000? ¿Cómo escuchaba la gente música en ese entonces? ¿A dónde tuvieron que ir a escuchar música? ¿Cómo se hizo la música? ¿Qué sonidos serían sonidos principales o marcas de sonido? ¿Hecho a mano vs. hecho a máquina o animal? ¿Qué sonidos dominarían en cada uno de esos tiempos?

Paisaje sonoro infantil

I. Siéntate en silencio durante cinco minutos y escucha los sonidos que te rodean. Ahora anota los sonidos y descríbelos. Describir la calidad o color de tono de cada sonido (timbre) de cada sonido. ¿Cómo podrías dibujar o representar visualmente estos sonidos y sus timbres? ¿Cuál es la fuente del sonido? ¿Cómo podría categorizar estos sonidos (es decir, humanos, electrónicos, animales, hechos a máquina)?

II. Describe cualquier revelación o pensamiento que hayas tenido durante esta experiencia. Ahora, explique una manera creativa de adaptar este proyecto para niños. ¿Cómo podrían los niños beneficiarse de escuchar sonidos de una manera nueva? ¿Qué actividades podrías hacer con ellos para subrayar la idea del paisaje sonoro? Desarrollar tres actividades en la línea de las ideas de Schafer.

mira esta charla de Ted: 10 cosas que no sabías sobre el sonido

mira esto “Escucha: Un retrato de R. Murray Schafer”

Recursos

• Sitios web:
  • Educación Holística, Inc., Página de inicio
• Importantes Colecciones de Música Infantil
  • Erdei, P., y Komlos, K. (2004). 150 canciones folclóricas americanas para cantar, leer y tocar. Nueva York: Boosey y Hawkes.
  • Lomax, J., y Lomax, A. (1994). Baladas americanas y canciones folclóricas. Nueva York: Publicaciones de Dover.
  • Jones, B. (1987). Déjenlo: Juegos, obras de teatro, canciones e historias de la herencia afroamericana. Atenas, GA: Prensa de la Universidad de Georgia.

Referencias

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Backing, John. (1985) “Versus Gradus novos ad Parnassum Musicum: Exemplum Africanum “Convertirse en humanos a través de la música: El simposio wesleyano sobre las perspectivas de la antropología social en la enseñanza y el aprendizaje. Middletown: Universidad Wesleyana. Conferencia Nacional de Educadores Musicales, 43-52.

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Flake, C. L. E. (1993). Educación Holística: Principios, Perspectivas y Prácticas. Un libro de lecturas basado en “Educación 2000: Una perspectiva holística”. Brandon, VT: Prensa de Educación Holística.

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El vocabulario

aculturados: acostumbrados a; asimilar los rasgos culturales de otro grupo

estética: cómo se experimenta la música; la experiencia musical personal

ambiente: del área circundante o ambiente

enculturación: aprender a través de experimentar la propia cultura; el proceso mediante el cual los individuos aprenden la cultura de su grupo, a través de la experiencia, la observación y la instrucción

géneros: los diferentes estilos de música que se encuentran en una cultura determinada; una clase o categoría de esfuerzo artístico que tenga una forma, contenido o técnica en particular

modismos: estilos musicales, géneros y características

esquizofonia: El término acuñado de R. Murray Schafer para describir el sonido que está separado de su fuente; la música grabada es un ejemplo de sonido esquizofónico porque los músicos no están interpretando la música en vivo frente a ti

sonido: lo que escuchamos; el efecto auditivo particular producido por una causa dada

paisaje sonoro: todos los sonidos ambientales que nos rodean; los sonidos que forman parte de un entorno dado

ondas sonoras: las vibraciones que sienten las personas que provienen de instrumentos musicales o voces; una onda longitudinal en un medio elástico, especialmente una onda que produce una sensación audible

timbre: el color de tono de cada sonido; cada voz tiene un color de tono único (vibrato, nasal, resonancia, vibrante, zumbido, estridente, alto, bajo, respirable, penetrante, redondeado cálido, suave, oscuro, brillante, pesado o ligero)

Cultura occidental: cultura influenciada por Europa, América y Australia; la cultura moderna de Europa Occidental y América del Norte