1.2: Música- Fundamentos y Raíces Educativas en Estados Unidos

Resumen del Capítulo: La primera mitad de este capítulo intenta definir la música como tema y ofrece perspectivas sobre la música, incluyendo vocabulario básico y lo que debes saber sobre la música para incorporarla en tu trabajo con niños. La segunda mitad da una breve reseña de la educación musical y la enseñanza en Estados Unidos, lo que proporciona la base de la disciplina para el libro.

I. Definición de la Música

“Música” es uno de los términos más difíciles de definir, en parte porque las creencias sobre la música han cambiado drásticamente con el tiempo solo en la cultura occidental. Si miramos la música en diferentes partes del mundo, encontramos aún más variaciones e ideas sobre lo que es la música. Las definiciones van desde prácticas y teóricas (los griegos, por ejemplo, definieron la música como “tonos ordenados horizontalmente como melodías y verticalmente como armonía”) hasta bastante filosóficas (según el filósofo Jacques Attali, la música es un evento sonórico entre el ruido y el silencio, y según Heidegger, la música es algo en el que la verdad se ha puesto a trabajar). También están los aspectos sociales de la música a considerar. Como señala el musicólogo Charles Seeger, “La música es un sistema de comunicación que involucra sonidos estructurados producidos por miembros de una comunidad que se comunican con otros miembros” (1992, p.89). El etnomusicólogo John Backing declara que “podemos ir más allá para decir que la música es sonido que está humanamente modelada u organizada” (1973), cubriendo todas las bases con un trazo muy amplio. Algunos teóricos incluso creen que no puede haber una definición universal de la música porque es tan culturalmente específica.

Aunque nos resulte difícil imaginarlo, muchas culturas, como las que se encuentran en los países de África o entre algunos grupos indígenas, no tienen palabra para la música. En cambio, la relación de la música y la danza con la vida cotidiana es tan estrecha que la gente no tiene necesidad de separar conceptualmente a los dos. Según el etnomusicólogo Bruno Nettl (2001), algunas lenguas indígenas norteamericanas no tienen palabra para “música” como distinta de la palabra “canción”. Las melodías de flauta también están etiquetadas como “canciones”. El pueblo hausa de Nigeria tiene un vocabulario extraordinariamente rico para el discurso sobre la música, pero no una sola palabra para la música. Los Basongye del Zaire tienen una concepción amplia de lo que es la música, pero ningún término correspondiente. Para los Basongye, la música es un producto puramente y específicamente humano. Para ellos, cuando estás contento, cantas, y cuando estás enojado, haces ruido (2001). El pueblo kpelle de Liberia tiene una palabra, “cantó”, para describir un movimiento que se baila bien (Stone, 1998, p. 7). Algunas culturas favorecen ciertos aspectos de la música. La música clásica india, por ejemplo, no contiene armonía, sino solo las tres texturas de una melodía, un ritmo y un dron. Sin embargo, los músicos indios compensan con creces la falta de armonía con melodías y ritmos complejos que no son posibles en Occidente debido a la inclusión de la armonía (progresiones de acordes), que requieren melodías y ritmos menos complejos.

Lo que podemos escuchar como música en Occidente puede que no sea música para otros. Por ejemplo, si escuchamos el Corán interpretado, puede sonar como canto y música. Escuchamos todas las “partes” que pensamos como música: ritmo, tono, melodía, forma, etc. Sin embargo, la comprensión musulmana de ese sonido es que es realmente un discurso o recitación más que música, y pertenece a una categoría separada. El razonamiento filosófico detrás de esto es complejo: en la tradición musulmana, la idea de la música como entretenimiento se ve como degradante; por lo tanto, el sagrado Corán no puede ser etiquetado como música.

Actividad 2A

Escucha

Recitaciones del Corán, 22 Sura (Capítulo) del Corán, recitada por Mishary Rashid Al 'Efasi de Kuwait.

Aunque la definición exacta de la música varía ampliamente incluso en Occidente, la música contiene melodía, armonía, ritmo, timbre, tono, silencio y forma o estructura. Lo que sabemos de la música hasta el momento...

• La música está compuesta por sonido.
• La música se compone tanto de sonidos como de silencios.
• La música es arte hecho intencionalmente.
• La música es sonido humanamente organizado (Bakan, 2011).

Una definición de trabajo de la música para nuestros propósitos podría ser la siguiente: la música es una forma de arte intencionalmente organizada cuyo medio es el sonido y el silencio, con elementos centrales de tono (melodía y armonía), ritmo (metro, tempo y articulación), la dinámica y las cualidades del timbre y la textura.

Más allá de una definición estándar de música, hay aspectos conductuales y culturales a considerar. Como señala Titon en su texto seminal Worlds of Music (2008), “hacemos” la música de dos maneras diferentes: hacemos música físicamente; es decir, inclinamos las cuerdas de un violín, cantamos, presionamos las teclas de un piano, soplamos aire en una flauta. También hacemos música con nuestra mente, construyendo mentalmente las ideas que tenemos sobre la música y lo que creemos de la música; es decir, cuándo debe ser interpretada o qué música es “buena” y qué música es “mala”. Por ejemplo, se percibe que el género de la música clásica tiene un estatus social más alto que la música popular; el cantante principal de una banda de rock es más valorado que el baterista; el blues temprano y el rock se consideraban “malvados” y negativamente influyentes; etiquetamos algunas canciones como canciones infantiles y las consideramos inapropiadas para cantar después de cierta edad; etc.

La música, sobre todo, funciona en sonido y tiempo. Es un evento sónico, una comunicación como el habla, que requiere que escuchemos, procesemos y respondamos. Para ello, es parte de un continuo de cómo escuchamos todos los sonidos incluyendo el ruido, el habla y el silencio. ¿Dónde están los límites entre el ruido y la música? ¿Entre el ruido y el habla? ¿Cómo alguna música, como el rap, desafía nuestras nociones originales del habla y la música integrando el habla como parte de la música? ¿Cómo desafían algunas composiciones como el 4'33” de John Cage nuestras ideas de intención artística, música y silencio?

leer más John Cage 4'33”

mira este Video de Annenberg: Explorando el mundo de la música

Actividad 2B

Imagínese la reacción de la audiencia mientras experimentan los 4'33” de Cage por primera vez. ¿Cómo podrían reaccionar después de 15 segundos? ¿30? ¿Un minuto?

Elementos Musicales Básicos

• Sonido (armónico, timbre, tono, amplitud, duración)
• Melody
• Armonía
• Ritmo
• Textura
• Estructura/forma
• Expresión (dinámica, tempo, articulación)

Para enseñar algo, necesitamos un consenso sobre una lista básica de elementos y definiciones. Esta lista comprende los elementos básicos de la música tal como los entendemos en la cultura occidental.

1. Sonido

Sobretono: Un tono fundamental con tonos resultantes que suenan por encima de él según la serie armónica. Los armónicos son los que le dan a cada nota su sonido único.

mira este canto de garganta

Timbre: El color de tono de un sonido resultante de los armónicos. Cada voz tiene un color de tono único que se describe usando adjetivos o metáforas como “nasalmente”, “resonante”, “vibrante”, “estridente”, “alto”, “bajo”, “respirante”, “penetrante”, “sonando”, “redondeado”, “cálido”, “suave”, “oscuro”, “brillante”, “pesado”, “ligero”, “vibrato”.”

Tono: La frecuencia de la vibración de la nota (nombres de nota C, D, E, etc.).

Amplitud: Qué tan fuerte o suave es un sonido.

Duración: Qué tan largo o corto es el sonido.

2. Melody

Una sucesión de notas musicales; una serie de tonos a menudo organizados en frases.

3. Armonía

La combinación simultánea y vertical de notas, generalmente formando acordes.

4. Ritmo

La organización de la música en el tiempo. También estrechamente relacionado con medidor.

5. Textura

La densidad (grosor o delgadez) de capas de sonidos, melodías y ritmos en una pieza: por ejemplo, una composición orquestal compleja tendrá más posibilidades de texturas densas que una canción acompañada únicamente de guitarra o piano.

Tipos más comunes de textura:

• Monofonía: Una sola capa de sonido; por ejemplo, una voz solista
• Homofonía: Una melodía con acompañamiento; por ejemplo, un cantante principal y una banda; un cantante y un acompañamiento de guitarra o piano; etc.
• Polifonía: Dos o más voces independientes; e.g., una ronda o fuga.

mira esta Textura Musical

6. Estructura o Forma

Las secciones o movimientos de una pieza; es decir, verso y estribillo, forma de sonata, ABA, Rondo (ABACADA), tema y variaciones.

7. Expresión

Dinámica: Volumen (amplitud) —qué fuerte, suave, medio, poco a poco se hace más fuerte o más suave (crescendo, decrescendo).

Tempo: Latidos por minuto; qué tan rápido, medio o lento se reproduce o canta una pieza musical.

Articulación: La manera en que se tocan las notas o se pronuncian las palabras: e.g., largas o cortas, estresadas o átonas como cortas (staccato), suaves (legato), estresadas (marcato), énfasis repentino (sforzando), arrastre, etc.

¿Qué escuchan los niños? ¿Cómo responden a la música?

Ahora que tenemos una lista de definiciones, para nuestros propósitos, vamos a refinar la definición de música, teniendo en cuenta cómo los niños perciben la música y los elementos constitutivos de la música de sonido (timbre), melodía, armonía, ritmo, estructura o forma, expresión y textura. Los encuentros musicales de los niños pueden ser iniciados por sí mismos o por pares, o iniciados por maestros o personal en un aula o guardería. Independientemente del tipo de encuentro, los elementos musicales básicos juegan un papel importante en la forma en que los niños responden a la música. Uno de los elementos más importantes para todos los humanos es el timbre de un sonido. Reconocer el timbre de un sonido es significativo para los humanos ya que nos ayuda a distinguir la fuente del sonido, es decir, quién nos llama: nuestros padres, amigos, etc. También nos alerta de posibles peligros. Los niños son capaces de discernir el timbre de un sonido desde muy pequeños, incluyendo los timbres vocales de compañeros, familiares y maestros, así como los timbres de diferentes instrumentos.

Los estudios demuestran que incluso los niños muy pequeños son oyentes bastante sofisticados. Ya a los dos años de edad, los niños responden al estilo musical, el tempo y la dinámica, e incluso muestran preferencia por ciertos estilos musicales (por ejemplo, la música pop sobre la clásica) a partir de los cinco años. Metz y sus compañeros afirman que “una competencia común que se encuentra en los niños pequeños es la promulgación a través del movimiento de los rasgos más constantes y sobresalientes de la música, como la dinámica, el metro y el tempo” (Metz, 1989; Gorali-Turel, 1997; Chen-Hafteck, 2004). A nivel agregado, los niños responden físicamente al ritmo de la música, y son capaces de moverse con mayor precisión cuando el tempo de la música corresponde más claramente al tempo natural del niño. Como cabría esperar, los niños responden a los niveles dinámicos de alto y suave de manera bastante dramática, cambiando sus movimientos para que coincidan con los niveles de volumen cambiantes.

El hecho de que los niños parezcan responder a los elementos expresivos de la música (dinámicas, tempo, etc.) no debería ser una sorpresa. La mayoría de las personas responden a los mismos atributos de la música que hacen los niños. Escuchamos cambios de tempo (rápido o lento), cambios en la dinámica (fuerte o suave), respondemos físicamente al ritmo del bajo o de la batería, y escuchamos atentamente la melodía, particularmente si hay palabras. Estos se encuentran entre los elementos más llamativos, junto con el ritmo y la melodía.

Esto es lo que esperaríamos. No obstante, existen otros estudios cuyas conclusiones son más vagas sobre este tema. Según un estudio de Sims y Cassidy, las actitudes y respuestas musicales infantiles no parecen basarse en características musicales específicas y los niños pueden tener respuestas y estilos de escucha muy idiosincrásicos (1997). Principalmente, los niños son no discriminantes, reaccionando positivamente ante casi cualquier tipo de música (Kim, 2007, p. 23).

Actividad 2C

¿A qué tipo de música podrían responder mejor los niños dadas sus percepciones e inclinaciones musicales? ¿Hay algún género particular de música, o canción o conjunto de canciones en particular? ¿Cómo podrías lograr que respondan activamente mientras se involucra un alto nivel de sofisticación cognitiva?

Vocabulario de enseñanza

Después de familiarizarte con la lista básica de vocabulario musical anterior (por ejemplo, melodía, ritmo), familiarízate con un vocabulario práctico de enseñanza: en otras palabras, los términos musicales que podrías usar al trabajar en música con una lección para niños que corresponda a su percepción natural de la música. Para la mayoría de los niños, los conceptos básicos se transportan fácilmente a través de dicotomías conceptuales, como:

• Rápido o lento (tempo)
• Fuerte o Suave (dinámica)
• Corto o Largo (articulación)
• Alto o bajo (paso)
• Constante o desigual (latido)
• Feliz o Triste (respuesta emocional)

Curiosamente, tres pares de estas dicotomías se encuentran en el Manual de Lowell Mason's para la Academia de Música de Boston (1839).

Para niños un poco mayores, se pueden utilizar conceptos más avanzados, como:

• Duple (2) o Triple (3) metros
• Contorno melódico (melodía subiendo o bajando)
• Rudo o Suave (timbre)
• Verso y Estribillo (forma)
• Mayor o Menor (escala)

Fundamentos musicales

Los aspectos emotivos de la música son a lo que la mayoría de la gente responde primero. Sin embargo, si bien una parte importante de escuchar música en nuestra cultura, simplemente responder subjetivamente a “cómo te hace sentir la música” es similar a una jueza olímpica diciendo que se siente feliz al ver la bóveda de una gimnasta. Muy bien puede ser cierto, pero no ayuda al juez a entender y evaluar todos los elementos que intervienen en la ejecución del ejercicio de la gimnasta o cómo juzgarlo adecuadamente. Los estudios demuestran que los maestros que están familiarizados con los fundamentos musicales, y especialmente la lectura de notas, se sienten más cómodos incorporando música cuando trabajan con niños (Kim, 2007). Incluso solo saber leer música cambia el nivel de confianza de un maestro a la hora de cantar, por lo que es importante tener algunos de los conceptos básicos en tu haber.

Preparación para aprender a leer música

No se requiere la lectura formal de notas para entender los fundamentos de la música. Los niños más pequeños pueden aprender conceptos musicales mucho antes de aprender la notación escrita. Aplicar parte del vocabulario y conceptos desde arriba te ayudará a comenzar a discernir algunos de los funcionamientos internos de la música. La buena noticia es que cualquier tipo de música puede ser utilizada para la práctica.

• Dirección Melódica. El solo hecho de poder reconocer si una melodía sube o baja es un gran paso, y un proceso auditivo-cognitivo importante para que los niños se sometan. Imagina la melodía de una canción como “Row, Row, Row Your Boat”. Canta la canción dividiéndola en dos frases (la frase 1 comienza con “fila”, la frase 2 comienza con “alegremente”). ¿Cuál es la dirección de la frase 1? Frase 2? Dibuja la dirección de la frase en el aire con el dedo mientras cantas.
• Timbre. Practica describir diferentes timbres de música: toca diferentes tipos de música en Pandora, por ejemplo, e intenta describir los timbres que escuchas, incluido el timbre vocal del cantante o timbres instrumentales.
• Expresión. Ahora practica describir las cualidades expresivas de una canción. ¿Hay dinámicas? ¿Qué tipo de articulación hay? ¿El tempo es rápido, lento, medio?

Notación de aprendizaje: Pitch

Suena simple, pero las notas o los tonos son los bloques de construcción de la música. El solo hecho de poder leer notación simple te ayudará a construir tu confianza. Aprender notas en un pentagrama ciertamente parece aburrido, pero idear mnemotécnicos para las notas en el pentagrama puede ser realmente divertido. Por ejemplo, la mayoría de las personas están familiarizadas con:

• Todo chico bueno merece dulce de leche para indicar las notas de la línea de clave de agudos
• F A C E para indicar las notas de espacio de clave de agudos
• Good Boys Merece Fudge Siempre para las notas de línea de clave de bajo
• Todas las vacas comen hierba para las notas espaciales de clave de bajo
• Pero permitir que los niños desarrollen su propio dispositivo mnemotécnico para estas notas puede ser una forma creativa de que ellos mismos sean dueños de las notas. ¿Qué tal Grizzly Bears Don't Fly Aviones para las líneas de la clave de bajo, o Empty Garbage Before Dad Flips o Elephants Get Big Dirty Feet for the lines of the triple clef?

Notas del Bastón de Agudos

Notas del Bastón Bajo

Nota/Pitch Name Practice

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Reseña de notas: Deletrear palabras con notas

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Notación de aprendizaje: Ritmo

El ritmo se refiere a la organización de los elementos musicales en sonidos y silencios. El ritmo ocurre en una melodía, en el acompañamiento, y utiliza combinaciones de corta y larga duración para crear patrones y composiciones enteras. Los descansos son tan importantes para la música como los ritmos sonados porque, al igual que el lenguaje, los descansos usan el silencio para ayudar a organizar los sonidos para que podamos entenderlos mejor.

Notas y descansos

Nota entera	Descanso entero
Media nota punteada	Medio descanso punteado
Media nota	Medio descanso
Nota de trimestre	Cuarto de descanso
Octava nota	Octavo descanso
Decimosexta nota	Décimo sexto descanso

Práctica de Ritmo: Etiquetar cada ritmo

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Notación de aprendizaje: Medidor

Meter se refiere a la organización de la música en ritmos fuertes y débiles que están separados por medidas. Hacer que los niños sientan los ritmos fuertes como el downbeat, el primer latido en una medida, es relativamente fácil. A partir de ahí, es cuestión de contar, escuchar y sentir cómo se agrupan los latidos fuertes vs débiles para crear un metro.

Medidores Duple

En duple meter, cada compás contiene agrupaciones de dos latidos (o múltiplos de dos). Por ejemplo, en un compás 2/4, hay dos tiempos en un compás con la nota de cuarto recibiendo un latido o un conteo. En un compás 4/4, hay cuatro latidos en un compás, y la nota de cuarto también recibe un latido o conteo.

Ejemplos de Ritmos 2/4

Ejemplos de Ritmos 4/4

Medidores triples

En metro triple, cada compás contiene tres latidos (o un múltiplo de tres). Por ejemplo, en un compás 3/4, hay tres tiempos en un compás y la nota de cuarto recibe un latido.

Ejemplos de Ritmos 3/4

Medidores compuestos

Tanto el duple como el triple metro se conocen como metros simples, lo que significa que cada latido se puede dividir en dos octavos notas. El compás 6/8 es muy común para las rimas y canciones infantiles. En 6/8, hay seis beats en un compás con cada octava nota recibiendo un latido. 6/8 se conoce como metro compuesto, lo que significa que cada uno de los dos beats principales se puede dividir en tres partes.

Ejemplos de Ritmos 6/8

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Notación de aprendizaje: Dinámica

Aprender algunos conceptos básicos de dinámica y tempo te permitirá un mejor acceso para involucrar a los niños en la escucha y creación de música.

Las dos indicaciones dinámicas básicas en la música son:

• p, para piano, que significa “suave”
• f, para forte, que significa “ruidoso” o en realidad, con fuerza, en italiano

Los grados más sutiles de sonoridad o suavidad están indicados por:

• mp, para mezzo-piano, que significa “moderadamente suave”
• mf, para mezzo-forte, que significa “moderadamente ruidoso”

También hay grados de dinámica más extremos representados por:

• pp, para pianissimo y que significa “muy suave”
• ff, para fortissimo y que significa “muy ruidoso”

Los términos para cambiar el volumen son:

• Crescendo (aumentando gradualmente el volumen)
• Decrescendo (volumen decreciente gradualmente)

Crescendo

Decrescendo

Práctica de Dinámica

Rellena los espacios en blanco a continuación utilizando los siguientes términos: fortissimo, pianissimo, mezzo-forte, mezzo-piano, crescendo, decrescendo, forte, piano

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Notación de aprendizaje: Tempo

El tempo es la velocidad de la música, o el número de latidos por minuto. El tempo de la música es bastante contagioso, y los niños responden físicamente tanto a velocidades rápidas como lentas. Los siguientes son algunos términos y sus latidos por minuto para ayudarte a medir diferentes tempi. Los términos están en italiano, y se enumeran de los más lentos a los más rápidos.

• Larghissimo: muy, muy lentamente (19 latidos por minuto o menos)
• Tumba: lenta y solemnemente (20—40 lpm)
• Lento: lentamente (40—45 lpm)
• Largo: ampliamente (45—50 lpm)
• Larghetto: bastante amplio (50—55 lpm)
• Adagio: lento y señorial (literalmente, “a gusto”) (55—65 lpm)
• Andante: a ritmo de caminar (el verbo andare en italiano significa caminar) (73—77 bpm)
• Andantino: ligeramente más rápido que andante (78—83 bpm)
• Marcia moderato: moderadamente, a la manera de una marcha (83—85 bpm)
• Moderado: moderadamente (86—97 bpm)
• Allegretto: moderadamente rápido (98—109 lpm)
• Allegro: rápido, rápido y brillante (109—132 lpm)
• Vivace: animado y rápido (132—140 lpm)
• Allegrissimo: muy rápido (150—167 lpm)
• Presto: extremadamente rápido (168—177 lpm)
• Prestissimo: incluso más rápido que presto (178 bpm y superior)

Términos que se refieren al cambio de tempo:

• Ritardando: desacelerando poco a poco
• Acelerando: acelerando gradualmente

Básculas

Las escalas son conjuntos de notas musicales organizadas por tono. En la cultura occidental, utilizamos predominantemente las escalas mayor y menor. Sin embargo, muchas canciones infantiles también utilizan las escalas pentatónicas (tanto mayores como menores).

La escala mayor comprende siete tonos diferentes que se organizan mediante una combinación de medios pasos (una nota en el piano a la siguiente nota) y pasos enteros (dos medios pasos juntos). La escala mayor se ve de la siguiente manera: Toda la mitad Entera Entera Toda la Mitad Entera o W W W W W H.

Una escala menor utiliza la siguiente fórmula: W H W W H W W.

Las escalas pentatónicas, que se encuentran en muchas canciones tempranas americanas y infantiles, solo usan cinco tonos, de ahí el sobrenombre de “pent atonic”. Existen muchos tipos de escalas pentatónicas mayores, pero una de las escalas pentatónicas mayores más populares es similar a la escala mayor, pero sin los tonos 4º o 7º (Fa o Ti). Una de las escalas pentatónicas menores comunes es similar a la escala menor, pero también sin (Fa o Ti).

Escalas mayores, menores (naturales) y pentatónicas

Escala Mayor (C Mayor)

Escala Menor (A Menor)

Pentatónico Mayor (C)

Pentatónico Menor (A)

Práctica de Escala

Etiquete los medios pasos y los pasos completos para la escala C mayor.

Practica la escritura de tu propia escala de Do mayor.

Etiquete los medios pasos y los pasos completos de la escala A menor.

Practica escribir tu propia Escala A menor.

Recursos para el aprendizaje posterior

Existen numerosos sitios web que cubren los fundamentos de la música, incluyendo el pentagrama, notas, claves, líneas de libro mayor, ritmo, medidor, escalas, acordes y progresiones de acordes.

Teoría de la Música

www.Musictheory.net

musictheory.net es un recurso de teoría musical de básico a complejo. Contiene definiciones activas de términos musicales; lecciones de música sobre los significados de la notación musical; y ejercicios diseñados para una mayor comprensión de notas musicales, acordes y muchos otros aspectos musicales. Este sitio también incluye un piano emergente y una calculadora accidental específicamente para ayudar a los usuarios a aprender y practicar sus habilidades musicales en desarrollo. También cuenta con una página de productos con aplicaciones que la gente puede comprar para practicar y usar música sobre la marcha a través de sus teléfonos inteligentes. El sitio sería apropiado para personas de 12 años en adelante, y es extremadamente fácil de usar.

http://www.musictheoryvideos.com/

MusicTheoryVideos.com fue diseñado por Stephen Wiles con la esperanza de hacer de la teoría musical una parte activa del aprendizaje musical. El sitio incluye clases de teoría musical para estudiantes entre los grados 1 y 5 en forma de tablas, listas y videos para ayudar al estudiante a comprender mejor las muchas partes de la música. Hay videos sobre la importancia y diferencia de las claves de agudos y bajos; hay una lista de términos musicales y lo que significan, y el sitio incluso contiene videos que conllevan la transposición de la música. Sería un gran recurso para que los maestros ofrezcan a los alumnos, especialmente a aquellos que podrían beneficiarse de alguna información extra fuera de clase. El sitio contiene información que llevaría a un estudiante paso a paso a través de los conceptos básicos de la teoría musical a través de videos cortos simples, completos con narraciones con acento británico.

www.childrensmusicworkshop.com/musictheory/index.html

ChildrensMusicWorkshop.com contiene varias presentaciones de diapositivas diferentes diseñadas para enseñar a los estudiantes las diferentes partes de la música como las claves, firmas de tiempo, claves y cómo leer diferentes notas en el personal. El sitio también incluye un enlace para imprimir diferentes tipos de partituras, incluyendo SATB (soprano, alto, tenor, bajo), piano, blanco y partituras personalizadas. El sitio está diseñado para ayudar a enseñar a los estudiantes sobre música, pero también podría ser útil para los maestros si necesitan nuevas formas de ayudar a reforzar el material.

www.mymusictheory.com

MyMusicTheory.com incluye lecciones útiles para estudiantes de los grados 1 a 6, así como enlaces útiles para maestros cuando se trata de enseñar teoría musical. Para los maestros, proporcionan tarjetas de música, planes de lecciones, búsquedas de palabras que refuerzan la música y muchos otros recursos útiles, todo en un solo lugar. El sitio se desglosa por nivel de grado, con cada nivel que contiene ejercicios y exámenes de práctica para el material aprendido durante cada lección.

www.8notes.com

8notes.com es un gran sitio web lleno de lecciones de música para varios instrumentos, incluyendo pero no limitado a piano, guitarra, voz y percusión. Hay partituras gratuitas disponibles para los diferentes instrumentos, así como música de diferentes películas populares. Un metrónomo en línea, afinador de guitarra, partituras en blanco, clases de teoría musical y convertidores de música están disponibles en 8notes.com. Este sitio sería útil para aquellos que están aprendiendo nuevos instrumentos, así como músicos experimentados que solo buscan algo de música nueva para tocar.

Lectura de notas

• http://readsheetmusic.info/index.shtml
• biblioteca.thinkquest.org/15413/teoría/lectura de notas.htm
• www.teoria.com/tutorials/lectura/12-notas.php
• http://vicfirth.com/speed-note-reading-tutor/

Habilidades de teclado

Muchos maestros de aula tienen pianos en sus habitaciones y no saben cómo usarlos o subutilizarlos. Aprender a tocar una melodía básica en un piano o teclado o incluso ponerles algunos acordes es un gran constructor de confianza, ¡y a los niños les encanta cantar a un acompañamiento de piano!

• http://www.howtoplaypiano.ca/
• http://www.pianobychords.com/
  

Notas en un teclado

II. Educación musical en América

La educación musical no existe aislada en el aula de música. Está influenciado por las tendencias de la educación general, la sociedad, la cultura y la política.

—Harold Abeles, Temas críticos en la educación musical, 2010

¿Cómo se desarrolló la educación musical en su forma actual? ¿Los especialistas en música siempre enseñaban música? ¿Cuáles eran las responsabilidades musicales del maestro de aula? Bueno, para responder a estas preguntas, tenemos que mirar al pasado por un momento. Inicialmente, la música y la educación trabajaron de la mano durante siglos.

Enseñanza de música antigua

Siglo XVIII: Escuelas de canto y sus libros de melodía

Antes de que hubiera educación musical formal en Estados Unidos, había música y educación, principalmente experimentada a través de la educación religiosa. La educación musical en Estados Unidos comenzó después de la llegada de los Peregrinos y Puritanos, cuando los ministros se dieron cuenta de que su congregación necesitaba ayuda para cantar y leer música. Varios ministros desarrollaron libros de melodía que utilizaban cuatro notas de solfeo (Mi, Fa, Sol, La) y configuraban notas para capacitar a la gente en el canto de los salmos e himnos requeridos para el correcto canto de la iglesia. Para 1830, las escuelas de canto basadas en las técnicas que se encuentran en estos libros comenzaron a aparecer en toda Nueva Inglaterra, con algunas personas que asistían a clases de canto todos los días (Keene, 1982). Se les prometió que aprenderían a cantar en un mes o se convertirían ellos mismos en maestros de música en tres meses.

Algunos consideran que la música de himnos de esta época es exclusivamente estadounidense, tomando prestados estilos de Irlanda, Inglaterra y Europa, pero usando ritmos de baile, reglas armónicas sueltas y partes vocales complejas (contrapunto) donde cada voz (soprano, alto, tenor y bajo) cantaba su propia melodía única y nadie tenía la melodía principal. Compositores americanos originales como William Billings escribieron cientos de himnos en este estilo.

Siglo XIX

Johann H. Pestalozzi (1746—1827)

Pestalozzi fue un reformador educativo y filósofo suizo nacido en 1746. Se le conoce como el padre de la educación moderna. Aunque sus filosofías tienen más de 200 años, es posible que reconozcas sus ideas como que suenan bastante contemporáneas. Creía en una educación centrada en el niño que promoviera la comprensión del mundo desde el nivel del niño, tomando en cuenta el desarrollo individual y experiencias concretas y táctiles como trabajar directamente con plantas, minerales para la ciencia, etc. Abogó por enseñar a los niños pobres así como ricos, descomponiendo una sujeto a sus elementos, y una educación amplia y liberal junto con la formación del profesorado. En Estados Unidos, las escuelas normales despegarían a finales del siglo XIX, y los defensores de la reforma educativa de Pestalozzi pondrían en marcha un sistema de formación docente que nos influye hasta el día de hoy.

Lowell Mason (1792—1872) y el movimiento “Better Music”

Lowell Mason, considerado el fundador de la educación musical en Estados Unidos, fue un proponente de las ideas de Pestalozzi, particularmente el método de memoria de enseñanza de la música, donde las canciones se vivieron y repetían primero y los conceptos se enseñaban después. Mason es autor del primer libro de serie basado en el método de memoria en 1864 llamado The Song Garden.

Mason fue muy crítico tanto con las escuelas de canto de la época como con el estilo compositivo. Estaba horrorizado por las promesas que las escuelas de canto hacían a sus alumnos, es decir, que podrían estar calificados para enseñar después de solo unos meses de clases, y las técnicas generales de composición utilizadas en ese momento. Mason sintió que la música, incluyendo el trabajo de compositores como Billings, era “grosera y cruda”. Para cambiar esto, promovió armonías simplificadas que hicieron de la melodía el aspecto más destacado de la música, y rebajó la importancia de las otras partes vocales para apoyar la melodía. Esto lo logró a través del establecimiento de escuelas de canto de notas de forma, las cuales llevaron a cabo su visión musical. El resultado fue que el estilo original del himno se convirtió en el ámbito de las escuelas de canto de notas de forma, principalmente en el Sur, donde florecieron durante muchos años. El libro de notas de forma más famoso se llama Arpa Sagrada.

Alojado en la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos (Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y [1]) [Dominio público], vía WikiCommons

Bajo el título “New Britain”, “Amazing Grace” aparece en una publicación de 1847 de Southern Harmony en notas de forma

Los cantos en Arpa Sagrada eran himnos religiosos. “Amazing Grace” fue una de las canciones publicadas en este libro.

Amazing Grace

john newton (1779), cancionero de arpa sagrada (1844)

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En 1833, Lowell Mason y otros comenzaron a introducir la idea de la educación musical en las escuelas. Mason, junto con Thomas Hastings, pasó a establecer el primer programa de música de escuela pública en Boston, comenzando con la Boston Singing School, que enseñó a los niños a cantar bajo su metodología. Finalmente, los maestros regulares de aula fueron educados en escuelas normales (más tarde llamadas colegios de maestros), desarrolladas a mediados del siglo XIX, donde se les enseñaron las materias generales y se esperaba que también enseñaran las artes (Brown, 1919).

La escuela primaria actualizada, al darse cuenta de las limitaciones del plan de estudios de las 3 R, ha enriquecido su programa al agregar actividades como el canto, el dibujo, las ocupaciones constructivas, la narración de cuentos y los juegos, y se ha esforzado por organizar su trabajo en términos de niños y no en la materia (Temple, 1920, 499).

La música y la escuela normal

Las escuelas normales en el siglo XIX surgieron de la necesidad de educar a una floreciente población estadounidense joven. Estas escuelas eran cursos de preparación docente, generalmente con acceso a escuelas modelo donde los maestros en formación podían observar y practicar enseñar. La música fue una parte importante de la educación. La Escuela Normal del Estado de Missouri en Warrensburg destacó la importancia de la música en su catálogo de 1873-1874:

Música vocal—La importancia de la música como una de las ramas de la educación es plenamente reconocida. La música vocal se imparte a lo largo de todo el curso... y se aconseja a los profesores que la hagan parte del curso de instrucción en cada escuela con la que puedan estar conectados (Keene, 1982, p. 204).

Música y educación en América: siglo XX

Los supervisores de música, quienes supervisaron el trabajo de los maestros de aula, recibieron capacitación adicional en música. La educación musical a principios del siglo XX continuó bajo la competencia del supervisor musical, mientras que los maestros de aula fueron capacitados para enseñar música a sus alumnos. Poco a poco, comenzó a darse un proceso de especialización y la música se convirtió en un tema regular con certificación propia, una tradición educativa que continúa hasta nuestros días. Para la década de 1920, instituciones en Estados Unidos comenzaron a otorgar títulos en educación musical y, junto con grupos como la Conferencia de Supervisores de Música (más tarde la Conferencia Nacional de Educadores Musicales y actualmente la Asociación Nacional de Educadores Musicales o NAFMe), apoyaron el uso de música calificada maestros en las escuelas. Eventualmente, las artes irrumpieron en diferentes especialidades, y se creó el papel separado de profesor de música tal como la conocemos.

Irónicamente, hubo gran preocupación en su momento con respecto a estos maestros especiales de música. Debido a que la música ya no estaba en manos de los maestros del aula, se hizo un gran esfuerzo para “acercar la música a la otra obra lo más cercana posible bajo el arreglo actual de un maestro de música especial” (Goodrich, 1901, p. 133).

Educación Musical Contemporánea

Métodos de instrucción

El papel de la música en el sistema educativo estadounidense está perpetuamente bajo discusión. Por un lado, muchos ven problemas estructurales inherentes a la conexión de la música con su historia y la evidente distinción entre la prevalencia, importancia y función del papel de la música en la vida cotidiana y su papel asediado en el aula Sloboda (2001). Por otro lado, se requiere una mayor incidencia para justificar la existencia de la música y los términos de beneficios para el niño en medio de la amenaza de constantes recortes presupuestarios. Ante esto, es importante recordar la historia, origen y raíces profundas de la educación musical en la experiencia educativa estadounidense.

El comienzo del siglo XX fue un momento emocionante para la educación musical, con varios métodos de instrucción significativos que se estaban desarrollando y afianzando. En Estados Unidos, la educación musical se desarrolló en torno a un método de instrucción, el Curso Normal de Música, cuyos restos se adhieren aún hoy en las aulas de música. Los libros utilizaron un plan de estudios “calificado” con canciones y ejercicios sucesivamente más complejos, y combinaron canciones compuestas por autores en estos libros con material folclórico y clásico. Se puede acceder a una copia en línea del Curso de Música Nueva Normal (1911) para estudiantes de cuarto y quinto grado a través de Google Books.

En Europa y Asia, se desarrollaron cuatro métodos de instrucción musical sobresalientes y muy diferentes: el Método Kodály, Orff Schulwerk, Suzuki y Dalcroze, todos ellos desempeñaron un papel significativo en el fomento de la educación musical en el extranjero y en Estados Unidos, y fueron métodos basados en géneros folclóricos y clásicos (ver Capítulo 4 para más información discusión sobre estos métodos). En contraste con los libros de música antigua para la Escuela Normal, para los que había “una escasez de material de canción que incitaba a los autores del curso original a utilizar principalmente su propio material de canción” (Tufts & Holt, 1911, p. 3), Kodály y Orff en particular utilizaron música auténtica en sus métodos, y música auténtica directamente relacionados con la vida de los niños (ver Capítulo 4 para más información sobre esto).

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• Los niños de apenas cuatro y cinco años pudieron retratar el significado emocional en la música a través del movimiento expresivo.

Metz, E. R. (1989). El movimiento como respuesta musical en niños preescolares. Revista de Investigación en Educación Musical 37, 48—60.

• El resultado principal de “El movimiento como respuesta musical entre los niños preescolares” fue la generación de una teoría sustantiva de las respuestas del movimiento infantil a la música. El autor también derivó las implicaciones de las siete proposiciones de educación infantil y respuestas del movimiento a la música.

Sims, W., & Cassidy, J. (1997). Respuestas verbales y operantes de niños pequeños a interpretaciones de canciones vocales versus instrumentales. Revista de Investigación en Educación Musical, 45 (2), 234—244.

• Las actitudes y respuestas musicales de los niños pequeños no parecen basarse en características musicales específicas; los niños pueden tener respuestas y estilos de escucha muy idiosincrásicos.

Referencias

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El vocabulario

articulación: la manera en que se tocan las notas o se pronuncian las palabras; por ejemplo, largas o cortas, acentuadas o átonas

contrapunto: el arte de combinar melodías

dinámica: indica el volumen del sonido, y los cambios en el volumen (por ejemplo, volumen, suavidad, crescendo, decrescendo).

armonía: la combinación simultánea de tonos, especialmente cuando se mezclan en acordes agradables al oído; estructura cordal, a diferencia de la melodía y el ritmo

homofonía: una melodía con acompañamiento; e.g., un cantante principal y una banda

grupos indígenas: personas asociadas a un área determinada que formulan su propia cultura

melodía: sonidos musicales en sucesión o arreglo agradable

metro: la organización de latidos fuertes y débiles; unidad de medida en términos de número de latidos en una medida

monofonía: una sola capa o sonido; e.g.; un solista

notación: cómo se escriben las notas en la página

pitch: la frecuencia de la vibración de una nota

polifonía: dos o más voces independientes; por ejemplo, una ronda de fuga

salmos e himnos: ejemplos de música de iglesia

recitación: leer un texto usando discurso elevado, similar al canto

ritmo: el patrón de pulsos regulares o irregulares causados en la música por la aparición de ritmos melódicos y armónicos fuertes o débiles

método de memoria: técnica de memorización basada en la repetición, especialmente cuando el material se va a aprender rápidamente

notas de forma: estilo de notación utilizado en las primeras escuelas de canto en Estados Unidos donde cada nota tenía una forma única por la que se identificó

silencio: la ausencia de sonido

solfeo: un método de educación musical para enseñar lectura de tono y vista, asignando sílabas a las notas de una escala; es decir, Do, Re, Mi, Fa, Sol, La, Ti, Do se asignaría para representar y ayudar a escuchar los tonos de mayor escala

sonido: vibraciones que viajan a través del aire, agua, gas u otros medios que son captados por el tímpano humano

tempo: relativa rapidez o velocidad de movimiento, generalmente indicada por términos como adagio, allegro, etc., o por referencia al metrónomo. Además, el número de latidos por minuto

textura: la forma en que la melodía, la armonía y el ritmo se combinan en una pieza; la densidad, grosor o delgadez o capas de una pieza

timbre: el color de tono de cada sonido; cada voz tiene un color de tono único (vibrato, nasal, resonancia, vibrante, zumbido, estridente, alto, bajo, respirable, penetrante, redondeado cálido, suave, oscuro, brillante, pesado o ligero)