Multiculturalismo musical y diversidad
Resumen del Capítulo: Como parte de la enseñanza del siglo XXI y de los estándares estatales básicos comunes, es importante “enseñar a alcanzar” —en otras palabras, organizar sus materiales y presentación para llegar a tantos niños como sea posible de la mayor cantidad de formas posibles. Hemos discutido muchas formas de enseñar en este libro, y esta sección se refiere a enseñar material multicultural y enseñar a aprendices culturalmente diversos. Este capítulo analizará la historia del multiculturalismo y la educación para la diversidad, el campo de la etnomusicología y las estrategias para la enseñanza utilizando la estética musical multicultural. También incluye estudios de casos de varias áreas de cultura diferentes.
La música, como práctica humana diversa, es fundamental para la constitución de identidades culturales e individuales.
—David Elliot, La música importa
I. Educación Multicultural/Diversidad
Una breve historia del multiculturalismo en Estados Unidos
Estados Unidos siempre ha sido una nación multicultural. A lo largo de su historia, sin embargo, la población mayoritaria del país ha luchado con la forma de aceptar diferentes culturas y perspectivas culturales de diferentes poblaciones minoritarias. Durante siglos, las tensiones y los debates giran en torno al grupo menos dominante (subalterno) que compite por la igualdad dentro de la cultura dominante. ¿Deben los grupos inmigrantes mantener su cultura (idioma, comida, vestimenta, costumbres), idea conocida como pluralismo, o tratar de integrarse con la cultura del grupo dominante, idea que se conoce como asimilación o metafóricamente como el punto de fusión? Estas ideas y debates se desarrollaron a partir de oleadas de inmigración a Estados Unidos, cuando los esclavos africanos en la década de 1700 y una afluencia de inmigrantes europeos en el 1800 que fueron traídos a trabajar como trabajadores, comenzaron a amenazar a la población dominante anglosajona, protestante.
Se animó a los inmigrantes a aculturar lo antes posible, es decir, que deben aprender un nuevo idioma, renunciar a tradiciones, costumbres, patrimonio, etc., para mezclarse y asimilarse a la población en general.
Algunos grupos, sin embargo, tuvieron un momento muy difícil “derretirse”, particularmente las personas de color. Los conceptos de multiculturalismo o pluralismo cultural se desarrollaron parcialmente para crear un clima que fomentara la comprensión de las diferencias entre grupos culturales. El oro (1977) ofrece una razón para ello cuando escribe: “... el multiculturalismo equipara con el respeto mostrado a las diversas culturas y etnias que han construido Estados Unidos y que hoy continúan contribuyendo a su riqueza y diversidad” (p. 18).
Con sus raíces en grupos étnicos y raciales en Estados Unidos, la idea del multiculturalismo se aparea ahora con el concepto de diversidad, en el que se incluyen todo tipo de grupos e identidades individuales (es decir, género, religión, edad, atributos físicos, capacidad). Esta naturaleza inclusiva ha ampliado los alcances, y contribuye a una mayor comprensión pedagógica.
¿Por qué enseñar Multiculturalmente?
Hay muchas razones para la inclusión de la diversidad en la educación, no la menor de las cuales es un plan de estudios obligatorio en muchos distritos escolares. Esto aparte, sin embargo, hay apremiantes temas de aprendizaje del siglo XXI que demandan material didáctico multicultural. Las poblaciones que cambian rápidamente en Estados Unidos alterarán drásticamente la demografía para el resto del siglo. Los hispanoamericanos, los asiáticoamericanos, los afroamericanos y los estadounidenses de etnia mixta se convertirán en la mayoría en un futuro próximo.
Fuente: Natalie Sarrazin
Tres niños étnicamente mixtos de siete años: hispanoamericanos, afroalemanes, indio-americanos.
Pensar en múltiples dimensiones no sólo será un activo, sino indispensable. Por suerte, la naturaleza ubicua de la música y las artes como forma expresiva que se encuentra en todas las culturas, permite amplios intercambios de ideas de todos los rincones del mundo.
Justificación para enseñar multiculturalmente
Enseñar multiculturalmente es...
Inclusivo: Brinda una oportunidad de expresión en nombre de muchos grupos diferentes que de otro modo no estarían representados.
- Considera a los niños en tu salón de clases. Si tienes una clase heterogénea conformada por muchas etnias diferentes, habilidades, razas, proporcionar actividades valida quiénes son como personas, y envía un mensaje de que sus voces son valoradas. Si tienes una clase homogénea, exponerlos a ideas y creencias ajenas solo ayuda a expandir su cosmovisión en un aula del siglo XXI.
Pedagógicamente Sonido: Incluir múltiples perspectivas y puntos de vista sobre el material no solo enriquece el contenido curricular, sino que también proporciona marcos y paradigmas radicalmente diferentes a los estudiantes sobre el contenido.
- Por ejemplo, podemos estar familiarizados con el concepto de “beat” desde una perspectiva occidental, pero cuando se expone a la idea de un beat de la música gamelana de Java, podríamos desarrollar una nueva apreciación de lo que es un beat, lo que puede hacer y cómo se puede entender.
Docencia Multiculturalmente también...
Crea conciencia: Promueve la conciencia de uno mismo y de los demás, fomenta el respeto, la tolerancia y la comprensión.
Es integrador: Brinda excelentes oportunidades de integración como un punto de entrada natural o pivote a otras áreas temáticas como estudios sociales, historia, literatura, lenguaje y todas las artes.
Indesventajas
La mayoría de los maestros, sin embargo, sienten que no están suficientemente familiarizados con ningún material fuera de su zona de confort, y esto es comprensible. También, hay limitaciones de tiempo, temas de programación, materiales y recursos, y tal vez apoyo curricular o administrativo. A la mayoría de los profesores también les preocupa qué culturas incluir, y si incluyen demasiadas, que van a estar cubriendo el contenido de manera muy superficial.
Para tener éxito enseñando multiculturalmente, es importante:
- Familiarízate con el material/cultura de antemano.
- Enseñar conceptos indígenas en lugar de occidentales.
- Utilizar pedagogías que sean autóctonas o una aproximación cercana a ellas.
II. Etnomusicología y Enseñanza de la Música
Para abordar algunos de los inconvenientes y dificultades en la enseñanza de música desde otra cultura, me gustaría dirigirme al campo de la etnomusicología. El campo de la etnomusicología está bien posicionado para contribuir a la educación multicultural y de diversidad y, tras una breve descripción de la etnomusicología, sus principios se aplicarán hacia un examen de los mismos. Recientemente, académicos como Patricia Shehan Campbell, Therese Volk y David Elliott han comenzado a mezclar las disciplinas de la etnomusicología y la educación musical, aportando parte de la investigación de campo y la visión holística de la etnomusicología a la práctica pedagógica de la educación musical.
La etnomusicología es el estudio de la música como cultura. Etnomusicólogos:
- Estudia toda la música del mundo.
- Estudiar la música dentro de un sistema musical total, incluyendo canciones, instrumentos musicales y producción musical, así como las personas y la cultura que representa la música.
- Compara lo que es típico de una cultura así como lo personal, idiosincrásico y excepcional.
La etnomusicología, en su fundación, examina la relación entre música y cultura. El etnomusicólogo Alan Merriam desarrolló un “modelo tripartito” a través del cual entender las complejas interacciones entre concepto, comportamiento y sonido.
El modelo tripartito de Merriam
Tres componentes: Sonido, Concepto y Comportamiento
Ya hemos discutido la idea del sonido anteriormente en el libro (es decir, timbre, melodía, armonía, ritmo), y la mayoría de nosotros podemos escuchar y reconocer los elementos de la música en diversos grados. Tendemos a pensar menos, sin embargo, en los conceptos o ideas que nuestra cultura tiene sobre el sonido y la música. El etnomusicólogo Jeff Todd Titon afirma que interpretamos música de dos maneras. Primero, interpretamos la música misma (es decir, en instrumentos, cantando), y segundo, interpretamos las ideas asociadas a la música. ¿Qué significa esto? Crecer en una cultura significa que hemos pasado por un proceso llamado enculturación, lo que significa que estamos familiarizados con las prácticas, reglas, tabúes, patrones y creencias sobre las ideas de nuestra cultura sobre la música sin tener que aprenderlas activamente. Si miras hacia atrás en el breve cuestionario del primer capítulo, encontrarás que sabes cosas de la música solo habiendo experimentado y escuchado en tu vida cotidiana. Como etnomusicólogo o investigador para tu salón de clases, sin embargo, es importante poder articular las creencias de la cultura sobre la música observando el comportamiento y los pensamientos de las personas sobre la música.
Actividad 13A
Prueba esto
Una forma de ver objetivamente tu propia cultura es dar un paso atrás e imaginar que eres un inmigrante o un extraterrestre, tal vez, y estás viendo la cultura por primera vez. ¿Qué podrías observar de la música en esta cultura? ¿Qué cree la gente sobre ciertos géneros musicales? ¿Ciertos tipos de música son buenos? ¿Nocivo? ¿Qué pasa con los músicos en general? ¿Los valoramos? ¿Se considera positivo o negativo ser músico profesional? ¿Cuándo se deben reproducir ciertos tipos de música? ¿Cuándo deberías escuchar ciertos tipos de música?
El tercer concepto del modelo de Merriam se refiere a nuestro comportamiento como intérpretes, miembros del público, oyentes, etc. ¿Cuándo interpretamos música? ¿Cómo lo hacemos? ¿Qué movimientos, gestos e instrumentos particulares utilizamos? ¿Quién realiza? ¿A quién se le permite interpretar cierta música? ¿A quién se le prohíbe o “desalienta” actuar? Piensa en un tipo de música y su género o composición racial. Ciertamente, hay pocos géneros de música que se interpreten por igual en todos los ámbitos.
Lo que hace este tipo de análisis es ayudarnos a comprender los valores culturales asociados a la música, y lo que es importante del sonido y los conceptos y comportamientos asociados a ella. ¿Qué se considera hermoso de un tipo de sonido, instrumento o voz? Lo que una cultura valora, es una visión de la estética de esa cultura. Tomemos un género de música y encontremos su valor cultural y estética musical. Un ejemplo a considerar podría ser la ópera. Podríamos comenzar con una pregunta amplia sobre si la ópera es importante y cómo encaja con nuestra cultura.
Sonido: En cuanto a la estética musical de la ópera, (es decir, lo que se considera hermoso o agradable), la ópera requiere una voz bien entrenada, fuerte y grande con vibrato pesado. Se necesitan años de práctica para perfeccionar este sonido, horas incontables de clases, entrenamiento, coaching. Cantantes, no aprendan, por ejemplo, ópera en sus garajes o simplemente escuchando grabaciones. Los cantantes de ópera no utilizan micrófonos ni ningún tipo de tecnología de amplificación. Se les exige proyectar su voz sin asistencia, lo que requiere de un inmenso apoyo físico. Cantan arias, recitativos, coros apoyados por una orquesta. El repertorio más popular que cantan es mayoritariamente europeo, escrito en los siglos XVIII y XIX.
Comportamiento: Se espera que los cantantes en el escenario actúen de cierta manera. Levantan los brazos en un gesto que amplifica nuestra percepción al cantar notas altas, no saltan ni bailan al cantar, aplastan sus guitarras en el suelo, muerden la cabeza a los murciélagos o prenden fuego a las cosas. Dado que la ópera forma parte de nuestro patrimonio cultural occidental, existen instituciones (conservatorios, sedes de espectáculos, etc.,) desarrolladas para aquellos interesados en este tipo de formación y que cuentan con el talento requerido. Las audiencias que asisten a óperas suelen ser capaces de pagar el precio de un boleto y son de un nivel educativo y cohorte demográfico que apoya, entiende y aprecia la forma.
Conceptos: Como género, creemos que la ópera es una forma clásica, complicada y con una larga tradición y herencia arraigada en la tradición clásica europea. Aunque tal vez no lo escuchemos regularmente o incluso en absoluto, todos lo tenemos en muy alta estima, y una parte importante de una sociedad altamente culta. Alternativamente, no podemos ofrecer ningún apoyo financiero nacional.
Actividad 13B
Prueba esto
Piensa en un estilo o género de música (es decir, clásica, rap, rock, punk, heavy metal, country). Ahora pasa por la estética de ese género según el Modelo Tripartito de Merriam. ¿Cuáles son las estéticas musicales de esa música? ¿Qué es lo que se valora culturalmente? ¿No valorada?
III. Estética y Multiculturalismo
Nuestro viaje a través del modelo de Merriam explora valores y estética, permite una comprensión más profunda de cómo incorporar la música multicultural en las lecciones. El proceso comienza con el descubrimiento de la estética musical y los valores particulares de la cultura o subcultura con la que estás trabajando. Esto podría significar trabajar con amplias categorías de música china, india o de África occidental, o con subculturas estrechas como la música hip-hop, el sonido de Motown de la década de 1960, o incluso el sonido de un cantante individual.
Independientemente del material que intentes incorporar, comprender a fondo la estética y los valores será muy beneficioso para preservar la integridad y autenticidad tanto de la música como de la cultura. Para ello se requiere preparación de investigación y práctica.
Comienza por seleccionar una zona de cultura en la que te interese. Realizar investigaciones leyendo y explorando los materiales didácticos disponibles sobre esa cultura. Dependiendo de sus recursos, es posible que desee adquirir conocimientos y habilidades adicionales, como asistir a actividades de desarrollo profesional o talleres, seminarios web, cursos o incluso contactar a personas en su área que puedan estar familiarizadas con esa cultura. Empezar por tu propio salón de clases es un excelente primer paso. ¡Siempre hay padres dispuestos a entrar y compartir tradiciones!
Enseñar la música o las artes de esa cultura es el siguiente paso. Afortunadamente, hay formas de utilizar pedagogías que ya conoces para enseñar el material, sin comprometer su integridad o autenticidad. El enfoque es dar un paso atrás y hacer preguntas para encontrar puntos en común en ambas culturas a partir de las cuales trabajar.
- ¿Cómo aprenden los niños en esta (nueva) cultura (enculturación, pedagogías)?
- ¿Qué estética musical (sonido) se encuentra en la música de esta (nueva) cultura?
- ¿Qué música valora esta (nueva) cultura (conceptos, creencias)?
- ¿Qué comportamientos están asociados con esta música?
Transmisión
La mayoría de las culturas alrededor del mundo utilizan el proceso de transmisión aural-oral para enseñar muchas cosas, pero especialmente la música. La interacción directa con el sonido es crucial, y la notación no puede reemplazar esta experiencia. Los niños aprenden unos de otros escuchando y uniéndose, aprendiendo escuchando grabaciones o aprendiendo auralmente de adultos. En algunas culturas como la India, incluso la música clásica se transmite auralmente, casi sin música anotada en absoluto.
La transmisión auditiva también mejora la función cerebral ya que la memorización es esencial, junto con el mapeo mental de melodías y ritmos. En el proceso de transmisión auditiva, el modelado es un factor clave. Dado que no hay ninguna restricción que vincula al cantante a una notación “fija”, los niños son libres de simplemente imitar o de explorar, improvisar y jugar con el sonido.
Estudio de caso 1: África Occidental
Por ejemplo, el aprendizaje de la música tradicional en África Occidental se lleva a cabo de manera auditiva. Exploremos formas de utilizar pedagogías familiares para aproximar los valores culturales centrales asociados con la música en la cultura de África Occidental. Obsérvese que la rima en sí no es de África Occidental, sino que es el propio proceso de transmisión auditiva el que es uno de los principales objetivos de la lección. Esto funciona bien una lección de apertura que 1) involucra a los estudiantes usando una rima familiar, 2) utiliza un proceso de enseñanza basado en la cultura y 3) transmite los valores culturales de improvisación o “presumir”, juego musical, creación de música comunal y flexibilidad musical, entre otras estéticas musicales.
Pedagogía musical de África Occidental en comparación con la U.S.
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W. África
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U.S./Western
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Pedagogías
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- Aural
- Llamada y respuesta
- Imitación
- Cuenta-canciones con moral
- Lenguaje de Tambor Mnemónico
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- Aural y Escrito
- Llamada y respuesta
- Imitación
- Canciones (puede tener historias)
- Discurso rítmico
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Estética Musical
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- Ritmos Complejos Poliritmos
- Melodías Complejas Polifonía
- Calidad vocal nasal
- Movimiento/danza
- Percusión Corporal/Aplausos Complejos
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- Ritmos Simples Duple/Triple Meter
- Melodías simples, al unísono o armonía de dos partes
- Calidad vocal basada en el pecho
- Canciones de acción
- Percusión Corporal/Aplausos Simples
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Valores/Creencias
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- Todo el mundo capaz de hacer música y bailar
- La danza y la música están altamente integradas
- Improvisación musical y rítmica muy valorada
- Flexibilidad lingüística muy valorada
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- Creencias sobre el talento inhiben la participación
- Danza y música menos integrados
- Imitación musical y rítmica muy valorada
- La imitación lingüística muy valorada
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Comportamientos
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- Hacer música altamente comunal
- Alto nivel de confianza en el desempeño frente a los demás
- Postura y “espectacularidad” muy valorada
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- Hacer música más individualizada
- Algunas vacilaciones actuando frente a otros
- Comportamiento más reservado común
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Si bien esta lista puede ser desalentadora, es útil para visualizar los componentes necesarios para una lección exitosa, una que use pedagogías, materiales y procesos familiares entre las dos culturas. Existe suficiente superposición pedagógica entre los dos para no sólo hacer que una lección funcione, sino para contener un nivel razonable de autenticidad en su búsqueda de transmitir con éxito el material y los valores musicales y culturales pretendidos.
Vuelva a visitar las pedagogías introducidas en el Capítulo 4, Dalcroze, Kodály y Orff, para encontrar excelentes fuentes y enfoques para enseñar músicas occidentales y mundiales. Dalcroze ofrece movimiento natural del cuerpo, danza/movimiento y música; Kodály ofrece secuenciación melódica y rítmica; y Orff-Schulwerk ofrece una variedad de técnicas de canto auditivo y percusión rítmica del cuerpo, incluyendo canciones de cuentos y literatura, junto con capas de percusión. Este estudio de caso particular sobre la música de África Occidental se basa únicamente en el aprendizaje auditivo, lo que significa que un método de memoria es aplicable al aprendizaje musical. En África Occidental, el ritmo es complejo y muy valorado, e implica la participación comunal/grupal, la improvisación y el movimiento. La música de África occidental también integra literatura, movimiento, percusión corporal, rima y música, por lo que el enfoque de Orff es probablemente el método de enseñanza más aplicable. Tomemos una rima de patio de recreo simple como nuestro material para enseñar valores musicales y culturales de África occidental. (Nota: Esta no es más que una variación de esta rima en particular.)
Mi madre, tu madre vive al otro lado del camino.
Todas las noches tienen una pelea y esto es lo que dicen:
'Galleta de soda icka backa, icka backa boo.
Icka backa soda cracker, ¡fuera te va! '
Ritmo: la rima es muy sencilla con 8 beats en cada línea.
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X
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Mi
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madre
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tu
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madre
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vivir a-
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cruzar el
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manera
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noche ellos
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tener un
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pelea y
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esto es
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lo que
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decir:
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(r)
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Mi Madre Tu Madre
Aprende la rima primero usando el aprendizaje de memoria (llamada y respuesta o eco). Después haga que los alumnos aplaudan en cada latido. Repita hasta que la rima se encarne, y fluya libremente. A continuación, deja caer la sección “Icka Backa”, y recita solo la sección de “mi madre”, mientras se mantiene el ritmo constante aplauso durante todo el tiempo. Que todos piensen en las palabras de “Icka Backa” en su cabeza para recordar la longitud de esa sección.
La rima misma implica que existe un diálogo inherente entre las dos madres. Esto es perfecto para implementar uno de los elementos esenciales de la danza y la música de África Occidental, donde la gente se turna para “mostrar sus cosas” de una manera lúdica y confrontativa.
Formar un círculo. El aprendizaje comunitario se presta a actuar en círculo, y de hecho la mayoría de las canciones de juego se interpretan en círculo. Aplaudir y decir la rima varias veces. ¡Elige a dos “madres” para salir a la mitad del círculo para enfrentarte musicalmente (sin pelear ni gritar)!
Cada “madre” toma 8 beats para improvisar usando percusión corporal. Madre 1 “habla” por 8 latidos, y Madre 2 luego responde tomando también 8 latidos. Se turnan alrededor del círculo alternando la rima con dos nuevas “madres” en el centro combatiéndola a través del ritmo, el movimiento y la improvisación.
Improvisación
La improvisación, al contrario de lo que mucha gente piensa, no implica “inventarla en el acto”. En cambio, la improvisación puede enseñarse hasta cierto punto en que requiere de un conjunto de herramientas y experiencias previas a partir de las cuales dibujar. Piensa en la improvisación como “ensamblar rápidamente” patrones de ritmo o tono más cortos que ya dominaste.
Para prepararse para la parte de improvisación de esta rima, use tarjetas rítmicas durante varias semanas previas. Hacer que los alumnos aplauden los diversos ritmos usando una variedad de estrategias, (llamada y respuesta, juego, incluso lectura de notas, etc.) para que sean capaces de interiorizar los sonidos y patrones. Luego, poco a poco se van acumulando improvisaciones más cortas de 4 tiempos a 8 tiempos. Esto reducirá la ansiedad de tener que realizar una improvisación de 8 tiempos frente al grupo.
Poliritmo
Si bien la improvisación es muy importante en muchas partes de África, también lo son los ritmos complejos llamados poliritmos, que consisten en dos ritmos contrastantes tocados juntos. Los poliritmos más simples y básicos son: dos contra tres o tres contra cuatro. Para ilustrar mejor un poliritmo, se desarrolló el siguiente sistema, conocido como T.U.B.S. o Tiny Unit Box System, como una forma para que los participantes visualizaran el funcionamiento interno de un poliritmo. A pesar de que hay áreas sombreadas que parecen representar “medidas” musicales, los poliritmos se denominan ritmos aditivos (por ejemplo, 2 + 3 + 2 + 3) en lugar de divisivos (ritmos en una medida). Los poliritmos simples suelen aparecer en grupos de ocho o 12 latidos.
Ejemplo 1: Dos contra tres
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Ritmo de 3 latidos
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Ritmo de 2 latidos
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Ejemplo 2: Tres contra cuatro
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Ritmo de 4 latidos
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Ritmo de 3 latidos
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Intenta aplaudir los ejemplos anteriores. Para el ritmo Dos contra Tres, divide la clase en dos grupos y asigna la línea rítmica de Dos tiempos a una mitad y la línea rítmica de Tres tiempos a la otra mitad. Cambiar los grupos. Después de que todos se sientan cómodos con el ritmo, cree grupos más pequeños de personas en cada línea, y eventualmente asigne el ritmo a solo dos personas. Algunos estudiantes pueden incluso ser capaces de jugar un tres-beat en una pierna y un dos-beat en la otra. Entonces prueba el mismo proceso con el ritmo Cuatro contra Tres.
Los juegos infantiles de aplausos y los juegos de paso de rock brindan ejemplos muy simples pero accesibles de aprendizaje polirítmico. Los estudiantes pueden aprender a sentir, escuchar e interpretar la música de varias partes desde una edad muy temprana, y llegar a ser progresivamente más avanzados a medida que crecen.
La complejidad multimodal es parte muy importante de muchas canciones de juegos infantiles de Zimbabue. La canción zimbabuense de juego “Sorida” contiene una melodía acompañada de percusión corporal y aplausos manuales en parejas de parejas.
Sorida
Canción infantil tradicional de Zimbabwe
Hecho con socios enfrentados entre sí.
R L Clap indica un estilo de pastel de paletas de aplaudir a tu pareja.
Otro ejemplo de un juego de paso de rock de Ghana en África Occidental es “Obwisana”. En este juego, todos los niños se sientan cerca en círculo, cada uno con una pequeña roca frente a ellos. Los juegos de paso de rock como “Obwisana” comienzan de manera muy simple, pero las rocas se pueden aprovechar en poliritmos más complejos después de que los niños dominen los ritmos más fáciles. Estos juegos, como todas las canciones y juegos infantiles, tienen un gran significado. La letra significa “la roca me aplastó la mano, abuela”, y está destinada a asegurar al niño que siempre hay gente para cuidarlo en sus vidas, ya sea en su familia o pueblo. El acompañamiento de paso de rock refleja la idea de una comunidad y cooperación muy unida, pues si ni siquiera un niño no logra pasar su rock al ritmo al siguiente niño, toda la canción no puede continuar.
Obiswana
Juego infantil de paso de rock de Ghana
Estudio de caso 2: India
En comparación con la música africana, la música india es mucho menos familiar para la mayoría de los occidentales, y por lo tanto un poco más difícil de enseñar. Los componentes básicos de la música clásica de la India, por ejemplo, difieren de los cinco elementos básicos de la música occidental (Sonido, Melodía, Armonía, Ritmo y Forma), en que la India no utiliza la armonía en sus géneros clásicos.
Sin embargo, la armonía está presente en la música popular de la India, como la música cinematográfica de Bollywood. Las formas clásicas indias compensan con creces una ausencia de armonía con melodías y ritmos muy complejos e intrincados.
Estética de la música clásica occidental frente a la estética de la música clásica india.
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Música Clásica Indio Estética
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Estética de la música clásica occidental
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- Improvisado:
- El intérprete es el compositor.
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- Intérprete y compositor separados:
- Piezas compuestas por un compositor separado del intérprete, a veces por cientos de años.
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- No contiene armonía:
- Melodías y ritmo complejo e independiente
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- Melodías ligadas a progresiones armónicas:
- Música Basada en la Armonía.
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- No se realiza en grupos, sino con intérpretes individuales:
- Solista.
- Baterista.
- Drone.
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- Intérpretes de grupo (orquesta, coral).
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- Contiene mucha ornamentación.
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- Expresión: comienza lenta y suave, gradualmente se vuelve más fuerte y más rápido.
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- Cambios rápidos y frecuentes de expresión: dinámica dramática, cambios de tempo.
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- Al igual que las Sinfonías Occidentales, estas actuaciones de raga pueden durar hasta 1 hora.
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La estética musical clásica india requiere solo tres componentes principales en un conjunto: un dron, un instrumentista o vocalista solista, y una batería.
Escuchar Drone
Las melodías se basan en raga, que es un conjunto de tonos similares a lo que pensamos como una escala, pero con muchas más características no musicales. Al igual que una escala, una raga contiene cierto conjunto de tonos o notas. Algunas notas son planas, otras afiladas, etc. También suele haber un estado de ánimo asociado con una raga, como una hora del día en que se debe cantar la canción, o una estación del año como la temporada de monzones, la temporada de calor o el invierno. Una raga también podría estar asociada con una deidad particular. Los tonos de la escala tienen sus propias sílabas llamadas sargam, que es muy similar a nuestro sistema de solfeo. Al igual que el término solfeo que se compone de las sílabas “sol” y “fa”, sargam se compone de las sílabas sa re y ga, los tres primeros tonos de la escala india.
La música india tiene raíces que tienen miles de años. Hay un significado cultural en todos los aspectos de la música india. Por ejemplo, cada sílaba del sargam (solfeo) se basa en el sonido de un animal.
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Indio (Sargam)
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Western (Solfeo)
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SA'
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DO'
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NI (elefante)
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TI
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DHA (caballo)
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LA
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PA (cuco/ruiseñor)
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SOL
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MA (paloma/garza)
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FA
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GA (cabra)
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MI
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RE (toro/alondra)
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RE
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SA (pavo real)
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HACER
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Los animales son muy frecuentes en la India, particularmente en las zonas rurales donde se pueden escuchar los gritos de los pavos reales, el lloriqueo de las cabras, e incluso el grito ocasional de un elefante. Estos son sonidos familiares para muchos niños que crecen en la India.
Los cantantes en formación pasaron mucho tiempo aprendiendo a improvisar con estas sílabas. Aquí hay algunos calentamientos típicos para la voz.
- SS, RR, GG, MM, PP, DD, NN, S'S'
- SRG, RGM, GMP, MPD, PDN, DNS'
- SRSRG, RGRGM, GMGMP, MPMPD, PDPDN, DNDNS'
- SRGSRGM, RGMRGMP, GMPGMPD, MPDMPDN, PDNPDNS'
En la India, realmente no hay ninguna notación en absoluto ya que la música es improvisada, pero en el siglo XIX, los músicos desarrollaron un sistema de notación que se utiliza para enseñar a principiantes. Aquí hay un ejemplo de cómo sería esa notación para cantar la canción Frere Jacques. Los guiones equivalen a los descansos, y el ligamento debajo de dos notas es igual a dos octavos.
Modo C Mayor, tiempo 4/4, tempo medio
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S R G S
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S R G S
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G M P -
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G M P -
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Fre-re Jac-ques
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Fre-re Jac-ques
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Dor-mez vous,
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¿Dor-mez vous?
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1
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2
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3
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4
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P _ D P _ M G S
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P _ D P _ M G S
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S P S -
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S P S -
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Hijo nez les ma-ti-nes,
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Hijo nez les ma-ti-nes,
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Din din don,
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Din din don
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1
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2
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3
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4
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A continuación se muestra una canción en una de las raga llamada Raga Bhupali. Esta raga está destinada a ser cantada por la noche, y tiene un ánimo de devoción. Se trata de una raga pentatónica, lo que significa que solo se utilizan 5 tonos, Sa, Re, Ga, Pa y Dha.
Melody
Canción en Raga Bhupali
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S' S' D P
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G R S R
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G - P G
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D P G -
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G P D S'
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R' S' D P
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S' P D P
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G R S -
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S' S' D P
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G R S R
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G - P G
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D P G -
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Los raga-s se componen de patrones característicos cortos que a menudo aparecen en las composiciones. Las letras en negrita indican patrones que se encuentran comúnmente en muchas canciones de Bhupali.
Ritmo
El ritmo o tala en la música india es muy complejo. En lugar de tener medidas cortas de grupos de 2s o 3s, hay ciclos largos de muchos latidos.
Tala: Un ciclo rítmico que contiene un número fijo de ritmos (por ejemplo, 16, 14, 12, 10, 8, 7 o 6).
Los músicos indios utilizan las sílabas rítmicas de dha, dhin, etc. para aprender ritmos en sus tambores (como tabla). La segunda línea de la siguiente tabla indica las sílabas vocales para este ciclo particular de 16 tiempos. La tercera línea del ciclo contiene una X y los números 2, 0 y 3, que también son guías para contar el ciclo. Los músicos dicen las sílabas rítmicas y luego aplauden la X, 2 y 3. Al 0, sin embargo, se le llama un beat vacío. En 0, el músico mueve la mano en lugar de aplaudir. Intenta decir las sílabas rítmicas y aplaudir en los tiempos 1, 5 y 13, y ondeando en el 9º compás del ciclo.
Ciclo del Ritmo Tintal (tala)
Ciclo de 16 latidos, (4+4+4+4)
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1
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2
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3
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4
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5
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6
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7
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8
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Dha
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Dhin
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Dhin
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Dha
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Dha
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Dhin
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Dhin
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Dha
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X
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2
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9
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10
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11
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12
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13
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14
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15
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16
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Dha
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Estaño
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Estaño
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Ta
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Ta
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Dhin
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Dhin
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Dha
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0
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3
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X = Sam, el primer latido y momento más importante en la música.
Actividad 13C
Prueba esto
La tala teentala de 16 tiempos, se utiliza en todos los ejemplos de canciones anteriores, desde Frere Jacques hasta la canción en Raga Bhupali. Intenta cantar las canciones dadas anteriormente mientras aplaude (en los beats X, 2 y 3) y ondeando (en el beat 0).
Música para niños en la India
Dado que muchos niños rurales en la India no tienen acceso a televisores, computadoras u otras formas electrónicas de entretenimiento, los niños juegan muchos juegos y aprenden muchas canciones entre sí en su idioma vernáculo o regional local. Las películas indias, sin embargo, son todas musicales, y contienen de cinco a seis canciones cada una. Los niños e incluso los adultos están expuestos y aprenden muchas, muchas de estas populares canciones cinematográficas.
Fuente: Natalie Sarrazin
Niños jugando en un tejado en un pueblo de Bihar, 2009.
Muchos padres restringen la visualización de medios, para familias con acceso, limitando el número de películas que ven así como las horas que pasan viendo televisión, escuchando radio y jugando videojuegos. Los juegos de computadora y la televisión son reducidos por estos padres a una hora por día a cambio de tiempo de estudio.
Fuente: Natalie Sarrazin
Clase de música de secundaria, Nueva Delhi, India, 2009.
A continuación se muestra una canción de juego infantil llamada “Okaa Bokaa Teen Tarokaa” de Bihar, India. Esta rima y canción es un buen ejemplo de una canción de juego infantil, que tiene muchas, muchas partes. La letra contiene muchas referencias a animales, alimentos, aceites perfumados, etc. También se menciona a un rey y una princesa, refiriéndose a una época en la que la India estaba compuesta por muchos estados feudales gobernados por reyes.
Okaa, Bokaa
Juego de rima infantil de Bihar, India
Traducción N. Sarrazin
Todos están sentados en un círculo muy juntos para esta canción de juego. Las acciones para esta rima son indicativas de la vida y la cultura en la India, e incluyen movimientos que son tanto familiares como desconocidos para las canciones de juegos infantiles en Estados Unidos Por ejemplo, el comienzo de la rima consiste en un juego de eliminación similar a “eenie, meenie, miney, mo” pero pellizcando el dorso de la mano la siguiente sección rara vez se encuentra en las canciones de juegos infantiles. Agarrarse los lóbulos de las orejas en la India es una señal de contrición por las acciones de uno. Indica que lo sientes y te gustaría el perdón.
Okā Bokā Tīn Tarokā
Juego de rima infantil de Bihar, India
Traducción N. Sarrazin, A. Dwivedi
Hindi
Parte 1
Okā bokā tīn tarokā
Lauā lāthī chandan kāthī
Chandanā ke nām kā
Ijayī bijayī
Panawa phūlelawa puchūk
Parte 2
Chiuntā leba ki chiuntī
Parte 3
Atkan chatkan dahī chatākan
Ban phūle banaila
Sayan mē karailā
Neuri gailī
Dhar kān mamorī
Parte 4 (canto)
Chiuntā ho chiuntā
Maamā ke gagariyā kāhe phora lā ho chiuntā
Parte 5
Lātā lāti chal bariyāti
Parte 6
Tār kāte tarkul kāte kāte re ban khājā
Hāthi upar ghanta bāje chamak chale re raja
Rājā ke dulari beti khub bajāwe bājā
Int māro jint māro chhup
Inglés
Parte 1
Okā bokā tīn tarokā (tres cabras)
Ramita y palo y sándalo y
¿Cuál es el nombre del sándalo?
Victoria, wictoria
Hoja de betel, aceite perfumado, exprimir
P art 2
¿Serás una hormiga pequeña? ¿Serás una hormiga grande?
Parte 3
Patter pitter, salpicadura de divisor
Flores silvestres florecen en la selva
Las calabazas amargas crecen en el monzón
La mangosta de alguien fue robada
¡Sostenga la oreja y tuerza!
Parte 4 (canto)
Hormiga, hormiga tonta,
¿Por qué rompiste el jarrón del tío?
Oh hormiga, hormiga tonta
Parte 5
Patada y patada y luego ir a Baryaati
Parte 6
Cortar la palmera, cortar el palmar, cortar el fruto de la palma abierta
Encima del elefante suena la campana y el Rey llega en esplendor.
La encantadora hija del Rey late maravillosamente el tambor.
¡Golpéalo, pégalo, pégalo, cortarlo!
Direcciones del juego
Parte 1
Los niños se sientan en círculo y colocan ambas manos al frente, las palmas hacia abajo, las yemas de los dedos tocando el piso (como una araña). El líder toca el dorso de cada mano al compás. En la palabra “apretar” (puchūk) se aplana la mano. Líder continúa hasta que todas las manos estén planas.
Parte 2
Líder pellizca el dorso de cada mano aplanada y los levanta en una pila en medio del círculo.
Parte 3
Líder coloca la mano encima de la pila y alterna abofeteando su mano con la palma hacia arriba y con la palma hacia abajo al ritmo.
Parte 4 (canto)
Cada niño agarra los lóbulos de las orejas del niño junto a ellos en el círculo y se balancea al ritmo.
Parte 5
¡Caos! Los niños patean los pies rápidamente en medio del círculo tocando las suelas con los demás.
Parte 6
Los niños crean una torre de puños en el medio, con el pulgar extendido hacia arriba, cada niño agarrando el pulgar vuelto hacia arriba de la mano del niño debajo. El líder hace un movimiento de aserrado para cortar esta torre de puño, “cortando” una mano o dos de arriba cuando dicen “¡golpéala, córtala!”
Actividad 13D
Prueba esto
¿Cómo se compara esta canción de juego con otras canciones de juego con las que estás familiarizado? ¿Te recuerda a otros juegos? ¿Cuáles son algunas de las letras de la canción que te hablan de diferentes elementos culturales en la India? ¿Qué movimientos son diferentes de los que se encuentran en las canciones infantiles occidentales? ¿Cuáles son similares?
Estudio de caso 3: Japón
Estética japonesa
La música japonesa también puede ser un reto, ya que su estética es muy diferente a la que se encuentra en la música occidental. Si pensamos en los elementos de la música occidental (sonido, melodía, ritmo, armonía, forma), vemos que casi todo el ritmo occidental enfatiza un pulso o latido continuo, constante. La música occidental está muy orientada melódica y armónicamente, con un pulso rítmico continuo. Necesitamos captar una melodía y un ritmo de batería o pulso constante para darle sentido a lo que estamos escuchando.
Tawaraya Sōtatsu [Dominio público], vía Wikimedia
Pintura japonesa del siglo XVII, “Las aves acuáticas en el estanque del loto”
Sin embargo, en la música tradicional japonesa como el gagaku o el shakuhachi, no existe un ritmo constante, y el énfasis está abrumadoramente en el timbre, que forma parte del sonido. Los instrumentos de cuerda como la biwa se utilizan con moderación para tocar una armonía fija o acorde que marca el tiempo en lugar de tocar una melodía, y los patrones de sonido cortos de un instrumento como un solo tambor pequeño o gong, pueden estar al frente y al centro. ¿Cómo se supone que vamos a escuchar esta música? La música japonesa se basa en cambios sutiles y exploración del timbre en lugar del sonido continuo. Se necesita mucha escucha y comprensión para poder escuchar y apreciar esta música.
En Japón, las principales estéticas culturales, musicales y artísticas incluyen:
- Ritual
- Naturaleza
- Referencia a, reproducción o conexión con (es decir, Shakuhachi hecho de bambú)
- Simplicidad
- Sonido mínimo, efecto máximo
- Espacio/silencio
- La forma y la destrucción de la forma
- Variación
El arte tradicional japonés como el que se muestra arriba, utiliza la misma estética. Observe todo el espacio en blanco en la pintura, y su naturaleza minimalista. En la música, este espacio en blanco está representado por el silencio. Lo mismo ocurre con el arreglo floral japonés ikebana, donde una sola flor en un simple jarrón expresa sucintamente la naturaleza de la estética y cosmovisión japonesas.
La estética musical japonesa es difícil de aplicar en el aula. Lo primero que los niños querrán hacer es tocar un ritmo constante en el tambor y crear una melodía. Esto está tan arraigado, que es casi imposible desaprender esta norma cultural occidental.
Equivalentes de aula de instrumentos tradicionales japoneses.
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Categoría
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Instrumentos Tradicionales Japoneses
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Equivalente a Aula
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Viento
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Hichiriki (tipo de oboe)
Ryūteki (flauta transversal)
Shō (órgano bucal)
Shakuhachi (flauta de bambú)
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Llamada de pato
Grabadora
Armónica
Tubo de pan
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String
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Biwa (laúd de 4 cuerdas)
Koto (cítara de 13 cuerdas)
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Guitarra
Autoharp
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Percusión
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Shoko (gong pequeño golpeado con 2 batidores de cuerno)
Kakko (tambor pequeño en forma de reloj de arena golpeado con 2 palos de madera)
Tsuri-daiko (tambor sobre un soporte con cabeza pintada tocada con palo acolchado)
Shakubyoski (chapaleta hecha de par de palos planos de madera)
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Gong
Tambor de mano
Djembe
Woodblock
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Sin embargo, acercarse a la música japonesa desde la perspectiva del timbre y el silencio, y usar visuales como las pinturas clásicas anteriores para representar la simplicidad de la música puede ayudar.
- Comience por repartir diversos instrumentos de percusión, e incluso instrumentos de tono como un autoarpa, glockenspiel o xilófono.
- Haga que los alumnos creen tantos timbres diferentes como sea posible en su instrumento, y tantos “sonidos geniales” como sea posible. Recuerda, el autoarpa solo debería tocar un acorde con mucho espacio entre rasgueo.
- Practica patrones rítmicos simples (ti-ti-ta, ta ta, ti-ti ti-ti) en los instrumentos.
- Golpear el pequeño tambor o gong, por ejemplo, no es cuestión de crear un ritmo constante, sino de traer sutiles cambios de timbre a la composición. Este concepto se puede enseñar usando un objeto como una pelota hinchable. Toma una pelota hinchable y déjala caer una vez al suelo. Al principio, golpea con un fuerte thwack. Cada rebote sucesivo, se vuelve más tenue y más rápido. Imitar este sonido en un pequeño gong o parche de tambor se aproximará al tipo de juego con timbre que se requiere.
- Después trabajar para armar al grupo. Recuerda, solo se deben tocar uno o dos sonidos a la vez, con mucho silencio en el medio, no debe surgir armonía, melodía o pulso constante. El silencio, llamado ma, es muy importante en la música japonesa. Si miras la pintura clásica de la naturaleza anterior, verás mucho “espacio en blanco”. Este espacio en blanco en el arte equivale al silencio en la música.
- Los instrumentos deben tocarse lenta, pensativa y deliberadamente, no apresurados y con mucho movimiento estilizado (barridos dramáticos pero lentos del brazo, posicionamiento de baquetas o mazos con mucha antelación a llamativos, atentos y muy alertas y aún músicos cuando no tocan).
Después de un poco de práctica con esto, será fácil planificar una lección multicultural integrada usando algo como kamishibai, o tarjetas de historia japonesas. Hacer que los niños toquen instrumentos Orff e instrumentos de aula como efectos de sonido utilizando la estética anterior, agregaría mucho a las historias, al igual que componer una canción original para las historias.
Japanese Kamishaibai (Tarjetas de historia japonesas)
La siguiente información proviene de un artículo de MENC y de una entrevista con Dorothy Kittaka sobre Kamishibai, las tarjetas de historia japonesas multiculturales y orientadas a la alfabetización. El material presenta a Japón a los niños y brinda una lección rica en cultura, alfabetización y música. Haz clic aquí para ver el plan completo de clases de Kittaka.
Reimpreso con Permiso de NAFMe. Kamishibai: Gancho Emocional para el Aprendizaje. Posted on junio 10, 2009, Linda C. Brown © MENC: La Asociación Nacional para la Educación Musical (menc.org)
“Kamishibai es una manera deliciosa de introducir la literatura, la cultura y las artes” a los niños, dice Dorothy Kittaka, miembro del MENC. Esta forma tradicional japonesa de narración atraerá a los estudiantes mientras hacen conexiones con la música, las artes visuales, las artes del lenguaje, la historia, la cultura y la educación del carácter.
¿Qué es Kamishibai?
Kamishibai (“teatro de papel”) es una narración de imágenes que utiliza tarjetas pintadas para ilustrar una historia que está escrita en el reverso de las tarjetas. Los relatos tradicionales enseñan lecciones de vida y enfatizan rasgos como:
- Integridad
- Cuidando
- Sentido Común
- Iniciativa
- Perseverancia
- Organización
- Flexibilidad
- Resolución de problemas
- Responsabilidad
- Cooperación
- Paciencia
- Amistad
- Curiosidad
- Coraje
- Intiviosidad
- Sentido del humor
Las historias originales de Kamishibai se escriben en forma de diálogo, por lo que el narrador se convierte en un actor animado que expresa diferentes personajes, haciendo un drama convincente.
Cómo usar Kamishibai:
- Seleccione una historia y léala a la clase usando las tarjetas de historia. (Por ejemplo, el “Chico de Una Pulgada” enseña que no importa el tamaño que seas, aún puedes lograr y ser valiente y honorable. Bueno para los grados K—2.)
- Haga que los estudiantes usen instrumentos de percusión, xilófonos afinados y percusión corporal para agregar efectos de sonido mientras lee la historia nuevamente con las tarjetas de historia.
- Haga que los alumnos compongan canciones para acompañar la historia de Kamishibai como clase, en grupos o individualmente.
- Haga que los alumnos creen poemas y haiku como clase para reflejar la línea de la historia. Esto funciona incluso con niños muy pequeños.
- Vuelve a contar la historia con tarjetas de cuentos y acompañamiento musical. Grabe para escuchar y criticar.
- Los grados mayores pueden escribir sus propias historias, ilustrarlas y componer canciones para ellos.
Para más información y planes de clases sobre Kamishibai de Dorothy Kittaka, vaya a http://www.kamishibai.com/index.html
Música Multicultural: Encontrar Fuentes, Hacer Planes
Reimpreso con Permiso de NAFMe. “Música Multicultural: Encontrar Fuentes, Hacer Planes”. Posted on Wednesday, November 19, 2008, Linda C. Brown © MENC: La Asociación Nacional para la Educación Musical (menc.org) Página web de la Asociación Nacional para la Educación Musical.
“Parte de mi filosofía de enseñanza es introducir a los estudiantes a otras culturas y ayudarlos a descubrir un mundo más grande”, dice Linda White, miembro del MENC.
Al buscar fuentes de música multicultural, White sugiere:
- Leer libros sobre otras culturas (no solo libros relacionados con la música).
- Asiste a conciertos con músicos y música de otros lugares.
- Toma clases que imparten música y juegos de otros países.
- Invite a padres de familia u otras personas de la comunidad de otros países a la escuela, para visitas al aula o asambleas
- Asista a sesiones de música multicultural en las conferencias MENC, Orff y Kodály, y consulta con los médicos.
Recursos Recomendados
- Artículos de revistas MENC y Orff
- Kamishibai japonés (una forma de narración), ideal para introducir historias japonesas e incorporar canciones japonesas. (Ver Kamishibai Story Theater)
- Global Voices de Mary Goetze y Jay Fern en DVD Song, llenos de bailes, canciones, juegos y antecedentes sobre diversas culturas.
Evaluación de material didáctico multicultural
Como profesional que trabaja con niños, estarás constantemente buscando material nuevo para llevar a tus alumnos como canciones, juegos, actividades, planes de lecciones, etc. Pero, ¿cómo juzgas estos materiales? ¿Cuál es su valor? En cuanto al material musical, es importante evaluar tanto los aspectos sónicos como los escritos. ¿Hay alguna descarga o grabación involucrada? ¿Cuál es la calidad de esa grabación? ¿Cuál es el contenido incluido? ¿Qué tan relevante o valioso es ese contenido?
En cuanto a cualquier material didáctico, es importante buscar y escuchar contenidos de calidad. No obstante, si no estamos familiarizados con la cultura de la que provienen las grabaciones o el material, nuestro trabajo es más difícil. ¿Cómo evalúa un sonido desconocido? A continuación se muestra una rúbrica para evaluar material musical multicultural incluyendo el contenido del texto, la notación y cualquier grabación.
Rúbrica de Evaluación de Materiales Multiculturales
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Resumen
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Describir el contenido del libro. ¿Qué se incluye? ¿Cuál es su presentación? ¿Maquetación? ¿Formato? ¿Secciones?
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Proporciona una visión general del libro en sí.
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Autor
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¿Qué evidencia ve en el libro de su experiencia y conocimiento?
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Si bien puede parecer que alguien de la cultura misma podría tener una perspectiva más “auténtica”, esto no significa necesariamente que sí. Buscar el tiempo dedicado a investigar en la cultura, docencia, títulos avanzados, especialidad de campo (es decir, etnomusicólogo).
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¿Hay un autor secundario? ¿Cuál es su papel?
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Muchas veces el autor principal no tiene suficiente conocimiento interno del idioma, y tiene que depender de alguien con ese conocimiento para ayudar con la letra de las canciones y otros atributos culturales.
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Notación
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¿El libro contiene notación impresa? Si es así, ¿qué tipo de notación se utiliza?
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En su mayoría, los libros utilizados en Estados Unidos usarán notación estándar de pentagrama de 5 líneas. Sin embargo, muchas culturas tienen sus propias formas de notación como India, Indonesia y China, etc. ¿Se utiliza alguno de estos tipos de notación en el texto?
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¿Las canciones están arregladas de alguna manera?
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Un arreglo de canción generalmente significa agregar voces como hacer un arreglo coral o agregar instrumentos a la melodía como un acompañamiento de piano o acompañamiento de Orff.
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¿El arreglo es típico para la cultura o no? ¿Incluyen algún instrumento indígena?
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Muchas culturas tienen sus propios estilos de arreglo, pero agregar acordes de piano o armonía vocal particularmente para la música asiática, no es típico.
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Letras
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¿Las canciones tienen letra en inglés? ¿El idioma original? ¿Ambos? ¿Se incluye una guía de pronunciación? ¿Se explican los significados de palabras específicas?
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A menudo, los libros incluirán una transliteración de cómo pronunciar la letra así como una traducción. Algunos incluso escribirán la letra en el guión del idioma original.
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Movimiento/
Danza
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¿Se incluyen instrucciones de baile, juego o movimiento? Si es así, ¿están claramente escritos con fotografías, diagramas e ilustraciones?
¿Los movimientos son indígenas o occidentalizados?
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De igual manera, preferirías que los movimientos incluidos junto con la canción fueran indígenas de la canción misma y no se limitaran a sumar como movimiento no asociado a la cultura.
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¿Alguno de los movimientos tiene sentido simbólico o cultural? ¿Cuál?
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Grabaciones
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¿Hay grabaciones incluidas con el libro? (cintas, CD o descargas en línea o mp3s)? Quién grabó las canciones y quién está cantando en el
grabaciones? (es decir, ¿personas de dentro o fuera de la cultura? niños, adultos?) ¿Qué instrumentos o arreglos se utilizan (es decir, es solo sintetizador o piano o se utilizan instrumentos auténticos? ¿Se agrega armonía?)
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Las grabaciones más auténticas son las realizadas en el propio campo, claro, pero también es informativo tener cantantes de esa cultura en el estudio creando una grabación profesional. En algunas grabaciones más antiguas, el canto sería regrabado por un coro occidental, lo que le quitó la experiencia de escuchar la canción. También, para ahorrar dinero, se utilizaría un sintetizador para acompañar las grabaciones en lugar de instrumentos auténticos.
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Contexto
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¿Cuánto contexto cultural escrito se incluye en el libro en general o por cada canción?
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Los libros varían ampliamente en cuanto a su inclusión de información cultural, pero algún tipo de descripción se suma enormemente al valor del libro y a la comprensión requerida para evaluar y aprender el material.
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¿Cuánto de la función y significado de la canción original se incluye?
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Conocer la función original de la canción es una forma adicional de profundizar en la cultura. Saber cómo funciona una canción en la vida de los niños es muy beneficioso.
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¿Las notas ofrecen una descripción de la cultura, los valores, las costumbres, los temas históricos, geográficos y económicos que pueden contribuir a la comprensión de la música?
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Tener incluso algunos detalles generales como mapas, imágenes, fotos, citas e historias individuales, e información histórica ayuda.
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Conclusión
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¿Recomendarías/utilizarías este libro, por qué o por qué no?
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Después de reflexionar sobre todos los aspectos de tu evaluación, ¿usarías este libro en tu salón de clases o lo recomendarías a otros para que lo usen, por qué o por qué no?
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Referencias
Adzenyah, A., Maraire, D., & Tucker, J. (1996). ¡Deja que tu voz sea escuchada! Canciones de Ghana y Zimbabue. Danbury, CT: Prensa Mundial de Música.
Boyer-Alexander, R. (2002). Celebrando la historia afroamericana a través de canciones de plantaciones y folclore. Milwaukee, Wisconsin: Hal Leonard.
Brumfield, S. (2006). Guisantes calientes y cebada-o: Canciones y juegos infantiles de Escocia. Milwaukee, Wisconsin: Hal Leonard.
Buenker, J., & Ratner, L. (2005). Multiculturalismo en Estados Unidos: Una guía comparativa de aculturación y etnicidad. Westport, CT: Prensa Greenwood.
Campbell, P., McCullough-Brabson, E., & Tucker, J. (1994). Raíces y ramas: Un legado de música multicultural para niños. Danbury, CT: Prensa Mundial de Música.
Campbell, P., & Frega, A. (2001). Canciones de América Latina: Del campo al aula. Van Nuys, CA: Alfred Música.
Elliott, D. (1995). La música importa: Una nueva filosofía de la educación musical. Oxford: Prensa de la Universidad de Oxford.
Gold, M., Grant, C., y Rivlin, H. N. (Eds.). (1977). En alabanza a la diversidad: Un libro de recursos para la educación multicultural. Washington, DC: Cuerpo de Maestros. Recuperado a partir de http://books.google.com/books/about/...d=5LU0AAAAMAAJ
Kiester, G. (2005). India: Juegos que cantan los niños: 16 canciones y rimas infantiles. Van Nuys, CA: Editores Alfred.
Knapp, D. (2011). El mundo inclusivo de la música: Estudiantes con discapacidad y multiculturalismo. Música General Hoy, 25 (1), 41-44.
Asociación Nacional para la Educación Musical. (2009). Kamishibai: Gancho emocional para el aprendizaje. Recuperado a partir de http://nafme.org/kamishibai-emotional-hook-for-learning/
Sarrazin, N. (2008). Música india para el aula. Lanham, MD: MENC, Rowman y Littlefield.
Sarrazin, N. (2006). La música de la India: Canciones populares de cine en el aula. Revista Educadores Musicales 93 (1), 26—32.
Sarrazin, N. (2006). Música multicultural en el aula: ¿Carga docente o buena musicalidad? Revista Asia Pacífico de Educación Artística 3 (2).
Sarrazin, N. (1995). Explorando la estética: Enfoque en los nativos americanos. Revista Educadores Musicales 4, 33—36.
Volk, T. (2004). Música, educación y multiculturalismo: Fundamentos y principios. Oxford: Prensa de la Universidad de Oxford.
Recursos de la India
Referencias
- La guía raga: Encuesta de 74 raga-s hindustaníes [CD]. (1999). Ganarew, Inglaterra: Nimbus Records.
- Kiester, G. (2006). Juegos que cantan los niños—India. Van Nuys, CA: Alfred Publishing.
- Sarrazin, N. (2006). La música de la India: Canciones populares de cine en el aula. Revista Educadores Musicales, 93 (1), 26—32.
- Sarrazin, N. (2008). Música india para el aula. Lanham, MD: MENC, y Rowman Littlefield.
Literatura infantil
- Arnett, R., & Turakhia, S. (2003). Guardianes del buscador. Columbus, GA: Atman Press.
- Somaiah, R., & Somaiah, R. (2006). Cuentos favoritos de los niños indios. Rutland, Vermont: Tuttle Publishing.
El vocabulario
aculturar: aprender un nuevo idioma, renunciar a las costumbres tradicionales, el patrimonio, etc., para fundir, y asimilar
asimilación: explica el proceso de cambio cultural y psicológico que resulta tras el encuentro entre culturas. Los efectos de la aculturación se pueden observar en múltiples niveles en ambas culturas interactuantes. A nivel grupal, la aculturación a menudo da como resultado cambios en la cultura, las costumbres, la alimentación, la vestimenta, el idioma y las instituciones sociales. A nivel individual, se ha demostrado que las diferencias en la forma en que los individuos se aculturan están asociadas no solo con cambios en el comportamiento diario, sino con numerosas medidas de bienestar psicológico y físico. La aculturación se puede considerar como aprendizaje de segunda cultura
autenticidad: qué tan cerca se ajusta una interpretación de una pieza musical a la intención del autor; qué tan cerca se ajusta una obra de arte a una tradición artística; cuánto posee la obra autoridad original o inherente, cuánta sinceridad, autenticidad de expresión y pasión moral el artista o performer pone en la obra
comportamiento: cómo actuamos como intérpretes, miembros de la audiencia, oyentes, etc.
asimilación cultural: proceso por el cual la lengua y la cultura originarias de un grupo subalterno se pierden bajo presión para asimilarse a las de un grupo cultural dominante
mosaico cultural: se refiere a la mezcla de lenguas, culturas y etnias que coexisten en la sociedad; destinado a promover un ideal de multiculturalismo frente a otros sistemas como el crisol, que a menudo se usa para describir el supuesto ideal de asimilación de Estados Unidos
pluralismo cultural: cuando grupos más pequeños dentro de una sociedad más grande mantienen sus identidades culturales únicas, y sus valores y prácticas son aceptados por la cultura más amplia siempre que sean consistentes con las leyes y valores de la sociedad en general
enculturación: el proceso mediante el cual la cultura establecida enseña a un individuo las normas y valores aceptados de la cultura o sociedad donde vive el individuo; aprender tu primera cultura
etnicidad: una categoría socialmente definida basada en la cultura o nacionalidad común; puede incluir una ascendencia común, vestimenta, religión, dialecto, etc.; reforzada a través de características comunes, que diferencian al grupo de otros grupos
homogéneo: igual o similar en naturaleza
crisol: metáfora de una sociedad heterogénea cada vez más homogénea, los diferentes elementos “fundiéndose” en un todo armónico con una cultura común. Se utiliza particularmente para describir la asimilación de inmigrantes a Estados Unidos. La metáfora de fusión entre sí estaba en uso en la década de 1780
multiculturalismo: la acción, proceso o práctica de incluir varias culturas
sociedad multiétnica: una con miembros pertenecientes a más de un grupo étnico, en contraste con sociedades étnicamente homogéneas
estética musical: lo que se considera hermoso o agradable para los oyentes como resultado de la música
poliritmo: dos o más ritmos contrastantes como grupos de dos tocados contra grupos de tres
subalterno: menor en posición o rango, un grupo secundario. A menudo esto significa falta de acceso al poder político y financiero
Cultura occidental: herencia de normas sociales, valores éticos, costumbres tradicionales, sistemas de creencias, artefactos específicos y tecnologías que tienen algún origen o asociación con Europa; se aplica a países cuya historia está fuertemente marcada por la inmigración europea, como América y Australasia así como Europa
