7.16: Gran Bretaña en el siglo XVIII
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Arte británico: siglo XVIII
Los británicos evitan una revolución, se dedican a la trata de esclavos, construyen un imperio global y comienzan la revolución industrial.
1700 - 1800
Wren, Catedral de San Pablo
por el Dr. Beth HARRIS y el Dr. STEVEN
Video\(\PageIndex{1}\): Christopher Wren, Catedral de San Pablo, iniciado 1675, terminado 1711, Londres
Recursos adicionales:
Imágenes Smarthistory para la enseñanza y el aprendizaje:
William Hogarth
William Hogarth, El progreso de un rastrillo
por SOFEE HARLAND
Sexo, alcohol y Gran Bretaña del siglo XVIII
Si alguna vez necesitaste pruebas de que el sexo, el alcohol y un estilo de vida rock'n'roll no eran un invento del siglo XX, no necesitas buscar más allá de los estampados satíricos de William Hogarth. Levantó un espejo moralizante a la Gran Bretaña del siglo XVIII; las rameras, los mujeriegos, ni siquiera el clero podía escapar. Las impresiones de Hogarth representan los pecados del Londres del siglo XVIII en una especie de teatro visual que era completamente nuevo y novedoso en su época.
El primer ejemplo de estas impresiones, que Hogarth mismo denominó 'temas morales modernos', fue El progreso de A Harlot. En esta serie, nos encontramos con la fresca cara Moll Hackabout cuando llega por primera vez a Londres. Moll pronto es presa de una guardiana de burdel y desciende a la prostitución. El cuento termina con su muerte prematura por una enfermedad de transmisión sexual, de apenas veintitrés años de edad. A pesar de su oscuro tema El progreso de A Harlot fue un gran éxito. Estas impresiones hacen referencia a tipos de personajes que eran bien conocidos por su público contemporáneo londinense. Por ejemplo, la señora de Moll era la verdadera Elizabeth Needham, guardiana de un exclusivo burdel londinense y su primer patrón, la renombrada rata del amor y violador convicto, el coronel Francis Charteris.
El progreso de un rastrillo
Estos astutos guiños a los malos del día no solo hicieron que las impresiones fueran enormemente relevantes y agradables para su público objetivo sino que también las hicieron increíblemente populares. A Rake's Progress (1735) fue la segunda serie de Hogarth y demostró ser igual de bien amada. El personaje principal es Tom Rakewell, un rastrillo que es un término anticuado para un hombre de moral suelta o un mujeriego. El nombre de Tom es intencionalmente general y en un equivalente moderno, podría llamarse 'Sr. Inmoral'. Tom no es único, podría ser cualquier número de personas en la Gran Bretaña del siglo XVIII.
La serie comienza con una escena caótica: el padre de Tom, que era un rico comerciante, ha muerto y Tom ha regresado de la Universidad de Oxford para recoger y gastar la riqueza de su difunto padre. Tampoco pierde tiempo en rechazar a su prometida embarazada, Sarah Young, al intentar pagarle. Hogarth ata todos sus estampados con pistas para ayudarnos a decodificar la escena. Aquí podemos ver a Sarah sollozando en un pañuelo mientras sostiene su anillo de compromiso en la mano. Su madre está detrás de ella agarrando enojada las cartas de amor que Tom le escribió una vez a su hija y él sostiene un puñado de monedas en un intento de deshacerse de ellas. Sarah aparece a lo largo de estas impresiones representando una vida más sana que podría haber tenido.
Una vida de moda
Para la siguiente escena (“Rodeado de artistas y profesores”, arriba) Tom ya se ha mudado de su acogedora, aunque un poco lamentable casa familiar a su nuevo piso de soltero rodeado de un maestro de danza, un profesor de música, un poeta, un sastre, un jardinero paisajista, un guardaespaldas y un jockey todo ofreciendo sus servicios para ayudar a Tom a completar su estilo de vida de moda. Está vestido con su ropa de dormir indicando que acaba de despertar: los que desean explotar su nueva riqueza encontrada no pierden el tiempo.
La vida de moda de Tom también viene con vicios de moda y pronto lo vemos en la Taberna Rosa con un grupo de prostitutas (ver “La escena de la taberna”, más abajo). Se sienta en el regazo de uno que lo acaricia con una mano mientras le roba su reloj con la otra. Retratos de emperadores romanos cuelgan en la pared detrás de ellos pero el único que no ha sido desfigurado es el de Nero.Esto es quizás difícil de identificar para un público moderno, pero habría habido un número significativo de público clásicamente educado de Hogarth que consiguió la mordaza: Nerón era un mujeriego corrupto que ferozmente cristianos perseguidos. Para los georgianos muy clásicamente conscientes (Jorge II era entonces Rey) el mensaje era claro, la moral cristiana no se encuentra aquí.
Un declive decadente
El estilo de vida decadente de Tom no dura mucho y para la tercera escena su silla sedán es interceptada por los alguaciles ya que se dirige a la fiesta de cumpleaños de la Reina. Es en este punto que nuestra heroína Sarah Young viene al rescate. Ahora trabaja como milliner y amablemente paga la fianza de Tom. A pesar de que Sarah ha salvado a Tom de los alguaciles, no puede salvarlo de sí mismo. Para la siguiente escena se va a casar con una vieja y adinerada. Los ojos de la anciana lujuria ansiosamente hacia el ring y Tom hacia su criada. En el fondo Sarah Young y su madre luchan por expresar sus objeciones pero son retenidos por algunos de los invitados.
Tom vuelve a ser rico pero no es mejor con su dinero ahora que la última vez y pronto está de rodillas en una guarida de apuestas habiendo despilfarrado el lote (ver “The Gaming House”, más abajo). El juego excesivo era un problema real en el siglo XVIII y las fortunas de toda la familia podían perderse en una noche. Más tarde en el siglo, el hijo de Jorge III, quien más tarde se convirtió en Jorge IV, tuvo que pedirle dinero al Parlamento para ayudarle a pagar sus deudas de juego. Se le dio pero no pasó mucho tiempo antes de que necesitara aún más.
Prisión de deudores
Como tantos otros en la Gran Bretaña del siglo XVIII, Tom se encuentra en la prisión de deudores, llegando rápidamente al final de su atadura. Por un lado su esposa se burla de él por despilfarrar su fortuna, por el otro el chico de la cerveza y el carcelero lo acosan para saldar su cuenta semanal. Sarah Young, quien ha venido a visitar a Tom con su hijo, se ha desmayado al verlo en esta situación desesperada. Esto debió haber sido muy relevante personalmente para Hogarth ya que su padre pasó gran parte de su infancia en una prisión de deudores.
Mi parte favorita de la serie se juega en el fondo de esta escena. Los compañeros internos de Tom están probando varios esquemas para obtener suficiente dinero para comprar su libertad. Sin embargo, su elección de proyectos ilustra inteligentemente lo imposible que era salir de la deuda en la Gran Bretaña georgiana. Un hombre intenta convertir el plomo en oro mientras que el otro está trabajando en resolver la crisis de la deuda nacional. Incluso Tom ha escrito una obra de teatro, aunque podemos ver claramente una carta de rechazo para ella tirada sobre la mesa.
Bedlam
El estrés de la escena anterior ha demostrado ser más de lo que Tom puede soportar y en la escena final se le encuentra languideciendo en Bedlam—el notorio hospital psiquiátrico de Londres (ver “The Madhouse”, arriba). La marca en su pecho sugiere que se ha apuñalado en un intento fallido de suicidio. Las jovencitas de moda, con los que Tom habría socializado hace poco tiempo, observan la escena entretenida. Todo lo que le queda es la compañía y el cuidado de la fiel Sarah Young.
¿Por qué tan popular?
Una respuesta es que apeló a la preocupación contemporánea por las personas de las clases medias que intentaban vivir como aristócratas. Este era un tema popular en este momento ya que el comercio mercantil estaba creando movilidad social en una escala nunca antes vista. No obstante, si rascamos la superficie de A Rake's Progress podemos ver que un número de diferentes tipos de personas implicadas. Por ejemplo, Tom se dirigía a la fiesta de cumpleaños de la Reina cuando fue detenido por los alguaciles y por lo tanto su estilo de vida en realidad está siendo animado y apoyado por aristócratas. En El progreso de A Rake, todos, desde la Reina hasta el sacerdote que realiza su matrimonio de conveniencia, hasta las prostitutas comunes, son parte del problema.
Pero no es solo el enfoque de Hogarth de 'no tomes prisiones' al comentario social lo que lo hizo tan popular. La sátira impresa en realidad ya era un lugar muy común y el centro de Londres estaba lleno de librerías y vendedores de impresión que exhibían este tipo de trabajos. Lo que Hogarth hizo que era tan completamente novedoso fue contar una historia a través de imágenes, El progreso de A Rake es como un story board para una obra de teatro. De hecho, las series de Hogarth fueron adaptadas a obras de teatro y pantomimas durante su vida. Su drama visual ofreció a su público una nueva forma de disfrutar de la sátira. Es por esta razón que para encontrar comparaciones e inspiraciones deberíamos estar mirando a autores como el amigo y compañero moralizador de Hogarth, Henry Fielding o Jonathan Swift —autor de Los viajes de Gulliver, más que artistas contemporáneos. El título El progreso de A Rake hacía referencia a The Pilgrims Progress de John Bunyan. Podemos estar bastante seguros de que la mayoría de la gente habría obtenido esta referencia ya que se piensa que, en este momento, este era el libro más leído en Gran Bretaña después de la Biblia. Hogarth toma prestado con éxito de la cultura popular para expresar ideas complicadas a través de una historia amena y totalmente accesible. Por supuesto Hogarth no fue el primero en hacer esto, pero lo hizo muy bien, se le celebra hasta el día de hoy.
William Hogarth, Matrimonio A-la-Mode
por Dr. Steven Zucker y Dr. Beth HARRIS
Video\(\PageIndex{2}\): William Hogarth, Matrimonio A-la-mode, c. 1743, serie de seis pinturas, óleo sobre lienzo, 69.9 x 90.8 cm (The National Gallery, Londres)
La serie de Hogarth consta de seis pinturas que sirvieron como modelos para los grabados: 1. El Acuerdo Matrimonial, 2. El Tête à Tête, 3. La Inspección, 4. El Toilette, 5. El Bagnio, 6. La muerte de la señora.
Thomas Gainsborough, señor y señora Andrews
por DR. ABRAM FOX
Dinero. Posesiones. Poder.
Los mismos ideales materialistas que impulsan a muchos hombres y mujeres hoy en día han desempeñado la misma función a lo largo de la historia. Aquellos en posiciones de poder a menudo optaron por conmemorar su estatus a través de imágenes. Algunos compran obras de arte de artistas famosos para demostrar su riqueza, mientras que otros encargan retratos de sí mismos como recordatorios de su prestigio.
Una joven pareja a mediados del siglo XVIII, Robert Andrews y Frances Andrews, optaron por la segunda opción para celebrar su matrimonio y posterior combinación de la fortuna de sus familias. Para representar su mayor estatus, los Andrews encargaron a un pintor relativamente desconocido llamado Thomas Gainsborough que pintara sus retratos. Poco podrían anticipar que dentro de unas décadas sería el artista, y no los sujetos, los que harían famoso su retrato.
Una conversación sobre lienzo
El retrato de Gainsborough de los recién casados Robert y Frances Andrews es típico del género de “piezas de conversación”; retratos grupales informales que ganaron popularidad a mediados del siglo XVIII en Inglaterra. A diferencia de los retratos formales y directos que caracterizaron épocas y localizaciones anteriores, la “pieza de conversación” generalmente presentaba a un pequeño grupo de individuos en un espacio al aire libre, comprometidos en la discusión e inconscientes de la presencia del espectador. El señor y la señora Andrews se desvía de esa tradición, ya que sus asistentes reaccionan claramente a la presencia de Gainsborough, pero sus posturas relajadas y su ubicación en el campo inglés los conectan con la tradición de la “pieza de conversación”.
En el momento en que Gainsborough ejecutó esta pintura, era un artista emergente de 23 años que trabajaba en la ciudad de Ipswich, en el condado rural inglés de Suffolk. De adolescente sirvió como aprendiz en Londres y también recibió instrucción de Hubert-François Gravelot, un popular grabador rococó que trabajaba en la capital de Inglaterra. En 1749 Gainsborough se mudó con su esposa a Ipswich, a 70 millas de Londres y a solo 20 millas de su lugar de nacimiento de Sudbury, en el condado de Suffolk. Robert Andrews y su futura esposa, entonces conocida como Frances Carter, también crecieron en Sudbury, en familias mucho más ricas. En su retrato de la pareja, Gainsborough capta el desdén apenas velado en los ojos de Frances Andrews y su irónica sonrisa. Ella y su esposo son muy conscientes de que el retratista, a quien habrían conocido desde la infancia, está muy por debajo de ellos en la escala social.
Amor por el paisaje
Siguiendo la tradición de “pieza de conversación”, Gainsborough incluye un paisaje en su pintura. No obstante, proporciona una visión mucho mayor de la Inglaterra rural de lo que cabría esperar de tal obra. El señor y la señora Andrews posan en la mitad izquierda del lienzo, en lugar de directamente en el medio como era típico en un retrato sencillo. En el lado derecho, Gainsborough presta igual atención a los terrenos de The Auberies, la finca de los Andrews en Sudbury.
La pareja se encuentra al borde de un campo de trigo, y cercada en ganado vacuno pueblan el término medio a la izquierda mientras las ovejas pastan a la derecha de la pareja. A través de la implementación de técnicas y tecnología agrícolas modernas, el señor Andrews ha puesto la tierra bajo su control. Su pose pretende sugerir que su trabajo está hecho y ahora puede relajarse y cazar con su perro, aunque no se ve muy cómodo sujetando su rifle.
La atención que Gainsborough prodiga en la ondulada campiña inglesa refleja su amor de por vida por la naturaleza. A pesar de que se hizo famoso como retratista, Gainsborough insistió a lo largo de su vida en que la pintura de paisajes era su verdadera vocación, y se consideraba a sí mismo un paisajista más que un retratista. Pasó la mayor parte de su carrera fuera de Londres, el centro del mundo del arte inglés. Después de dejar Ipswich una década después de pintar al señor y la señora Andrews, Gainsborough se instaló en la ciudad turística de Bath, donde sus delicados y sensuales retratos definieron la moda rococó en Inglaterra en la segunda mitad del siglo XVIII.
Rococó en Inglaterra
El rococó era de estilo francés, importado por artistas extranjeros como Hubert-François Gravelot y por coleccionistas ingleses. A principios del 1700 Inglaterra no tenía una fuerte tradición pictórica, y sus artistas más famosos fueron pintores internacionales que viajaron a Londres para aprovechar ese hecho. Gainsborough miró a las pinturas frívolas y lúdicas que encargaron los aristócratas franceses, y aplicó su delicado estilo a temas un poco más reservados y contenidos.
El vestido de la señora Andrews posee los colores pastel y el delicado encaje de obras francesas más eróticas como The Swing de Jean-Honoré Fragonard. Su vestido y la camisa del señor Andrews brillan a la luz del sol, a pesar del cielo nublado. La señora Andrews se sienta en una banqueta que es del todo demasiado elaborada para sentarse expuesta en medio de un campo de trigo. Ambas figuras son pálidas y esbeltas, reflejando el privilegio de la clase alta de no tener que trabajar para ganarse la vida. Su finca expansiva funciona como una ostentosa demostración de su riqueza: continúa hasta donde el ojo puede ver.
Una misteriosa ausencia
A pesar de que los Andrews compraron su retrato de conversación a Gainsborough, algo falta en la obra. La lona desnuda rodea las manos de la señora Andrews, dobladas en su regazo. Nadie sabe exactamente qué pretendía pintar Gainsborough en ese espacio, si pretendía pintar algo en absoluto. Algunos estudiosos han sugerido que la señora Andrews estaba destinada a sostener un pájaro de caza muerto, resultado de un exitoso viaje de caza de su esposo. Tal inclusión enfatizaría el control de la pareja sobre su tierra, pero un animal ensangrentado arruinaría el elaborado vestido de la señora Andrews, y por lo tanto parece poco probable.
Otra posibilidad para el regazo de la señora Andrews es que el espacio en blanco estaba destinado a un bebé. Independientemente de lo que se pretendiera ir en ese lugar, Gainsborough nunca lo agregó. Los estudiosos modernos consideran que la pintura está “inconclusa”, pero nunca sabremos cómo sería la obra terminada original, o si su estado actual era tan “terminado” como Gainsborough y los Andrews querían.
Joseph Wright de Derby, Un filósofo dando una conferencia en el Orrery
por DR. ABRAM FOX
Dos niños pequeños, contemplando el borde del artilugio en una maravilla juguetona. Una adolescente, con los brazos apoyados en la máquina, en tranquila contemplación. Un joven que protege sus ojos del brillo de la luz que emana del centro, y una joven mirando sin pestañear. Un hombre de pie tomando copiosas notas sobre el proceso. Otro hombre recostado en su asiento, escuchando atentamente al conferenciante canoso, cautivando a su público como un mago.
Una idea clave de la Era de la Ilustración —que la observación empírica basada en la ciencia y la razón podría avanzar mejor en la sociedad— se expresa en los rostros de los individuos en Joseph Wright de Derby A Philosopher Lecturing on the Orrery.
La Era de la Ilustración
La pintura de Wright encapsula en un momento la Ilustración, un cambio filosófico en el siglo XVIII alejándose de los modelos religiosos tradicionales del universo y hacia un enfoque empírico y científico. Es importante señalar el término dado esta nueva forma de pensar. “Ilustración” indica un proceso activo, emprendido por un individuo por grupo.
La era de la Ilustración está más estrechamente asociada con científicos e inventores, pero los escritores y artistas también jugaron papeles importantes. Ayudaron a difundir conceptos de iluminación a través de la palabra escrita y la imagen impresa, e inspiraron a otros a pensar racionalmente sobre el mundo en el que vivían. El pintor inglés provincial Joseph Wright de Derby se convirtió en el artista no oficial de la Ilustración, representando a científicos y filósofos de formas previamente reservadas para héroes bíblicos y dioses griegos.
José Wright de Derby
Joseph Wright de Derby nació en la localidad de Derby en el centro de Inglaterra, y salvo por breves períodos en Liverpool y Londres, vivió en esa ciudad toda su vida. Fue conocido incluso durante su vida como Joseph Wright de Derby, para distinguirlo de otro artista del mismo nombre. A pesar de que Wright de Derby era el más talentoso de los dos, se quedó atascado con el identificador geográfico en su nombre.
Aparte de Thomas Gainsborough, quien pasó gran parte de su carrera en la ciudad turística de alta sociedad de Bath, Wright fue el pintor inglés más destacado del siglo XVIII en pasar la mayor parte de su carrera fuera de Londres. Operando sin las limitaciones del mundo del arte tradicional londinense, Wright fue libre de explorar un interés general por la ciencia con sus amigos, un grupo que incluía a Erasmus Darwin (abuelo de Charles) y otros miembros de la Sociedad Lunar de Birmingham, una sociedad informal de aprendizaje que se reunió para discutir temas científicos del día.
Wright era conocido por su hábil representación de los contrastes entre la luz y la oscuridad, también conocido como claroscuro, y su interpretación inamovible de las verdaderas personalidades de sus súbditos. Este rasgo causó su caída cuando intentó trabajar como retratista, pocos querían un retrato, verrugas y todo.
La intensidad del descubrimiento científico
En la década de 1760 Wright comenzó a explorar los límites tradicionales de diversos géneros de la pintura. Según las academias francesas de arte, el género más alto de la pintura fue la pintura de historia, que representaba temas bíblicos o clásicos para demostrar una lección moral. Esta alta consideración por el jadeo de la historia fue adoptada por el británico La muerte del general Wolfe, de Benjamin West, es un ejemplo destacado.
Wright tomó este método noble y engrandecido de retratar eventos y lo aplicó a una composición que muestra un tema contemporáneo en A Philosopher Lecturing at the Orrery. Más que una moral de liderazgo o heroísmo, la “moral” de esta pintura es la búsqueda del conocimiento científico. Con su colección de hombres, mujeres, niños y niñas no idealizados organizados informalmente en un pequeño espacio físico alrededor de un punto central de organización, la pintura de Wright imita la estructura compositiva de una pieza de conversación (un retrato grupal informal) como la familia Gore de Zoffany (arriba) , pero con la dramática iluminación y escala que se esperan de una escena religiosa importante.
En efecto, A Philosopher Decturing at the Orrery sí representa un momento de epifanía religiosa. Al igual que la figura central en La llamada de San Mateo de Caravaggio (abajo), las figuras que escuchan la conferencia del filósofo en la pintura de Wright están experimentando la conversión... a la ciencia.
Heroizando la búsqueda del conocimiento
Un orinal es un modelo mecánico del sistema solar, un planetario en miniatura y mecanismo de relojería. Cada planeta, con sus lunas, es una esfera unida a un brazo oscilante que le permite girar alrededor del sol cuando se manivela con la mano. Cuando está en movimiento, el orinal representa las órbitas de cada planeta, así como su relación relativa entre sí. El orinal representado por Wright tiene grandes anillos metálicos que pueden simular eclipses, y darle al modelo una tridimensionalidad llamativa y emocionante.
Si bien cada una de las figuras de la pintura está claramente modelada a partir de una persona específica, la obra de Wright no estaba destinada a ser una pieza de conversación en el sentido de la palabra del siglo XVIII, por lo que solo podemos adivinar las identidades de cada persona. Lo más probable es que el hombre parado y tomando notas sea el amigo de Wright, Peter Perez Burdett, y el hombre sentado en el extremo derecho puede ser Washington Shirley, quinto conde Ferrers, el dueño inicial de la obra.
Se han propuesto varias identidades para el filósofo que dicta la conferencia. La teoría más tentadora es que su rostro se basa en el de Sir Isaac Newton, el gran científico inglés cuya obra ayudó a anunciarse en la Ilustración. Otra posibilidad es que sea miembro de la Sociedad Lunar de Birmingham.
Los eventos representados, aunque emocionantes, no le dan a A Philosopher Lecturing at the Orrery su alto impacto dramático. Esa responsabilidad recae en las pinturas fuerte fuente de luz interna, la lámpara que toma el papel del sol. Wright imita a artistas barrocos como Caravaggio, quien insertó fuertes fuentes de luz en composiciones de otro modo oscuras para crear un efecto dramático. La mayoría de estas obras anteriores eran sujetos cristianos, y las fuentes de luz eran a menudo simples velas. Wright voltea el guión con su tema científico. La lámpara de gas que actúa como el sol tira de doble función en la pintura. Ilumina la escena, permitiendo al espectador ver claramente las figuras que hay dentro, y simboliza la iluminación activa en la que participan esas figuras.
Recursos adicionales:
“Restauración de pinturas de Joseph Wright de Derby revela detalles ocultos” en The Guardian
Biografía de Joseph Wright de Derby del Museo Getty
Joseph Wright de Derby en The National Gallery, Londres
Imágenes Smarthistory para la enseñanza y el aprendizaje:
Señor Joshua Reynolds, Lady Cockburn y sus tres hijos mayores
por PIPPA COUCH y RACHEL ROPE
Video\(\PageIndex{3}\): Sir Joshua Reynolds, Lady Cockburn y sus tres hijos mayores, 1773, óleo sobre lienzo, 55-3/4 x 44-1/2″/141.5 x 113 cm (National Gallery, Londres)