10.1: Una guía para principiantes
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Una introducción a la fotografía a principios del siglo XX
La fotografía experimenta cambios extraordinarios a principios del siglo XX. Esto se puede decir de cualquier otro tipo de representación visual, sin embargo, pero única de la fotografía es la percepción transformada del medio. Para entender este cambio en la percepción y el uso —por qué la fotografía atrajo a los artistas a principios del siglo XX y cómo se incorporó a las prácticas artísticas en la década de 1920— tenemos que empezar por mirar hacia atrás.
A finales del siglo XIX, la fotografía se extendió en su popularidad, y invenciones como la cámara Kodak #1 (1888) la hicieron accesible para el consumidor de clase media alta; la cámara Kodak Brownie, que costó mucho menos, llegó a la clase media en 1900.
En las ciencias (y pseudo-ciencias), las fotografías ganaron credibilidad como evidencia objetiva porque podían documentar personas, lugares y eventos. Fotógrafos como Eadweard Muybridge crearon carteras de fotografías para medir la locomoción humana y animal. Sus célebres imágenes registraron etapas incrementales de movimiento demasiado rápidas para que el ojo humano las observara, y su trabajo cumplió con la promesa de la cámara de mejorar, o incluso crear nuevas formas de estudio científico.
En las artes, el medio fue valorado por su replicación de detalles exactos, y por su reproducción de obras de arte para su publicación. Pero los fotógrafos lucharon por el reconocimiento artístico a lo largo del siglo. No fue sino hasta en la Exposición Universal de París de 1859, veinte años después de la invención del medio, que la fotografía y el “arte” (pintura, grabado y escultura) se exhibieron uno al lado del otro por primera vez; entradas separadas a cada espacio expositivo, sin embargo, conservaron un físico y simbólico distinción entre los dos grupos. Después de todo, las fotografías son imágenes reproducidas mecánicamente: la estrategia de marketing de Kodak (“Pulsas el botón, nosotros hacemos el resto”) apunta directamente a la “falta de esfuerzo” del medio.
Dado que el arte se consideraba producto de la imaginación, la habilidad y la artesanía, ¿cómo podría una fotografía (hecha con un instrumento y productos químicos sensibles a la luz en lugar de pincel y pintura) ser considerada su equivalente? Y si su propósito era reproducir detalles con precisión, y desde la naturaleza, ¿cómo podrían ser aceptables las fotografías si se “manipulaban” los negativos, o si se retocaran fotografías? Debido a estas preguntas, los fotógrafos aficionados formaron grupos casuales y sociedades oficiales para desafiar tales concepciones del medio. Ellos, junto con figuras de élite del mundo del arte como Alfred Stieglitz, promovieron el estilo de “fotografía artística” de finales del siglo XIX y produjeron imágenes de bajo contraste y tonos cálidos como The Terminal que resaltaban el potencial de originalidad del medio.
Entonces, ¿qué transforma la percepción de la fotografía a principios del siglo XX? Cambio social y cultural, a una escala masiva e inédita.Como todos los demás, los artistas se vieron radicalmente afectados por la industrialización, la revolución política, la guerra de trincheras, los aviones, las películas parlantes, las radios, los automóviles y mucho más, y querían crear arte que fuera tan radical y “nuevo” como moderno la vida misma.
Si consideramos el trabajo de los cubistas y futuristas, muchas veces pensamos en sus obras en términos de simultaneidad y rapidez, destrucción y reconstrucción. Los dadaístas también desafiaron los límites del arte tradicional con performances, poesía, instalaciones y fotomontaje que utilizan los materiales de la cultura cotidiana en lugar de pintura, tinta, lienzo o bronce.
A principios de la década de 1920, la tecnología se convierte en un vehículo de progreso y cambio, e infunde esperanza en muchos después de las devastaciones de la Primera Guerra Mundial Para los artistas vanguardistas (“por delante de la multitud”), la fotografía se vuelve increíblemente atractiva por sus asociaciones con la tecnología, lo cotidiano y la ciencia, precisamente por las razones fue denigrada medio siglo antes. La tecnología de reproducción mecánica de la cámara la convirtió en la forma de representación visual más rápida, moderna y posiblemente más relevante en la era posterior a la Primera Guerra Mundial. La fotografía, entonces, parecía ofrecer más que un nuevo método de creación de imágenes, ofrecía la oportunidad de cambiar paradigmas de visión y representación.
Con los retratos de August Sander como Disabled Man, Pastry Chef o Secretary en una estación de radio de Colonia, vemos a un artista que intenta documentar, sistemáticamente, a tipos modernos de personas, como un medio para entender las nociones cambiantes de clase, raza, profesión, etnia y otros constructos de identidad. Sander transforma la práctica del retrato con estas imágenes sensacionales y deprimentes. Estas cifras revelan tanto sobre las profesiones alemanas como sobre la autoimagen.
La figura saltadora de Cartier-Bresson en Behind the Gare St. Lazare refleja el potencial de la fotografía para capturar momentos individuales en el tiempo, congelarlos, sostenerlos y recrearlos. Debido a su enfoque, Cartier-Bresson suele ser considerado un pionero del fotoperiodismo. Este sentido de espontaneidad, de precisión, y de lo efímero correspondía al ritmo de carreras de la cultura moderna (piense en fábricas, automóviles, trenes, y el rápido ritmo de la gente en centros urbanos en crecimiento).
El fotomontaje de Umbo The Roving Reporter muestra cómo las tecnologías modernas transforman nuestra percepción del mundo y nuestra capacidad de comunicarnos dentro de él. Su colosal observador con ojos de cámara (un periodista de la vida real llamado Egon Erwin Kisch) demuestra la capacidad de la fotografía para alterar y mejorar los sentidos. A principios del siglo XX, este medio ofrecía una visión potencialmente transformadora para los artistas, quienes buscaban nuevas formas de ver, representar y comprender el mundo rápidamente cambiante que los rodeaba.
Arte Contemporáneo, una introducción
“Conseguir” Arte Contemporáneo
Es irónico que mucha gente diga que no “consigue” el arte contemporáneo porque, a diferencia de la pintura de tumbas egipcias o la escultura griega, el arte hecho desde 1960 refleja nuestro propio pasado reciente. Habla de los dramáticos cambios sociales, políticos y tecnológicos de los últimos 50 años, y cuestiona muchos de los valores y suposiciones de la sociedad, una tendencia del posmodernismo, un concepto que a veces se utiliza para describir el arte contemporáneo. Lo que hace que el arte de hoy sea especialmente desafiante es que, al igual que el mundo que nos rodea, se ha vuelto más diverso y no se puede definir fácilmente a través de una lista de características visuales, temas artísticos o inquietudes culturales.
El minimalismo y el arte pop, dos grandes movimientos artísticos de principios de la década de 1960, ofrecen pistas sobre las diferentes direcciones del arte a finales del siglo XX y XXI. Ambos rechazaron las expectativas establecidas sobre las cualidades estéticas del arte y la necesidad de originalidad. Los objetos minimalistas son formas geométricas de repuesto, a menudo hechas de procesos y materiales industriales, que carecen de detalles superficiales, marcas expresivas y cualquier significado discernible. El arte pop tomó su tema de fuentes bajas como los cómics y la publicidad. Al igual que el minimalismo, su uso de técnicas comerciales eliminó el contenido emocional implícito en el enfoque individual del artista, algo que había sido importante para la generación anterior de pintores modernos. El resultado fue que ambos movimientos difuminaron efectivamente la línea que distingue a las bellas artes de los aspectos más ordinarios de la vida, y nos obligaron a reconsiderar el lugar y propósito del arte en el mundo.
Estrategias de cambio
El minimalismo y el arte pop allanaron el camino para que los artistas posteriores exploraran preguntas sobre la naturaleza conceptual del arte, su forma, su producción y su capacidad de comunicarse de diferentes maneras. A finales de los sesenta y setenta, estas ideas condujeron a una “desmaterialización del arte”, cuando los artistas se apartaron de la pintura y la escultura para experimentar con nuevos formatos como la fotografía, el cine y el video, el arte escénico, las instalaciones a gran escala y las obras de tierra. Aunque algunos críticos de la época predijeron “la muerte de la pintura”, el arte hoy abarca una amplia gama de medios tradicionales y experimentales, incluyendo obras que se basan en la tecnología de Internet y otras innovaciones científicas.
Los artistas contemporáneos continúan utilizando un variado vocabulario de formas abstractas y representacionales para transmitir sus ideas. Es importante recordar que el arte de nuestro tiempo no se desarrolló en un vacío; más bien, refleja las preocupaciones sociales y políticas de su contexto cultural. Por ejemplo, artistas como Judy Chicago, que se inspiraron en el movimiento feminista de principios de la década de 1970, abrazaron imágenes y formas de arte que tenían conexiones históricas con las mujeres.
En la década de 1980, los artistas se apropiaron del estilo y los métodos de la publicidad en los medios masivos para investigar temas de autoridad cultural y políticas de identidad. Más recientemente, artistas como Maya Lin, quien diseñó el Muro Memorial de Veteranos de Vietnam en Washington D.C., y Richard Serra, que se asoció vagamente con el Minimalismo en la década de 1960, han adaptado características del arte minimalista para crear nuevas esculturas abstractas que fomenten una interacción más personal y respuesta emocional entre los espectadores.
Estas estrategias cambiantes para involucrar al espectador muestran cómo el significado del arte contemporáneo existe más allá del objeto mismo. Su significado se desarrolla a partir del discurso cultural, la interpretación y una gama de entendimientos individuales, además de los problemas formales y conceptuales que primero motivaron al artista. De esta manera, el arte de nuestros tiempos puede servir como catalizador para un proceso continuo de discusión abierta e indagación intelectual sobre el mundo actual.
Imágenes Smarthistory para la enseñanza y el aprendizaje:
Representación y abstracción: mirando a Millais y Newman
por SAL KHAN, Dra. BETH HARRIS y Dr. STEVEN
Vir Heroicus Sublimus, 1950-51 (MoMA)
¿Qué tiene de “heroico” una pintura que parece un proyecto artesanal en HGTV? Esta comparación sugiere una respuesta.
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Arte y contexto: El paseo por el acantilado de Monet en Pourville y el blanco sobre blanco de Malevich
por SAL KHAN, Dr. STEVEN ZUCKER y DR.
Video\(\PageIndex{2}\): Claude Monet, Cliff Walk en Pourville, 1882, óleo sobre lienzo, 26-1/8 x 32-7/16 pulgadas (66.5 x 82.3 cm) (Instituto de Arte de Chicago), y Kazimir Malevich, Suprematista Composición: Blanco sobre Blanco, 1918, óleo sobre lienzo, 31 1/4 x 31 1/4″ (79.4 x 79.4 cm) (MoMA)
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