1.5: El mecenazgo en el arte africano contemporáneo

Los compradores de arte contemporáneo africano caen en múltiples categorías. En primer lugar, pueden ser internas o externas. En segundo lugar, pueden ser públicas (particularmente gubernamentales), institucionales o privadas. Por último, pueden encargar obras directamente, o comprar piezas ya preparadas. Sus lugares de venta también varían. Algunos artistas venden directamente de sus talleres, donde la tarifa es enteramente suya. Otros venden a galerías o agentes, que agregan su propio beneficio al precio. A medida que los artistas crecen en fama, su obra puede regresar al mercado del arte secundario, donde los distribuidores o casas de subastas que no han tenido tratos personales con el artista revenden su obra a precios aún más altos, sin que el artista reciba ganancia adicional. En este capítulo se examinarán varios estudios de caso.

Arte vernáculo: Letreros

Figura 86. Señal direccional de barbería, Ghana, finales del siglo XX.

Como se discutió anteriormente, las circunstancias urbanas exigían letreros con fines publicitarios, que diversos negocios encargaron. Las barberías y esteticistas eran clientes frecuentes. Algunos letreros podrían colgar en la tienda, mientras que otros se pararon en las intersecciones para indicar la dirección del salón (Figura 86). Estos comenzaron a llamar la atención de los viajeros e investigadores occidentales, quienes publicaron artículos sobre ellos. A medida que se hicieron más conocidos, algunos museos y coleccionistas los compraron. Este nuevo mercado secundario comenzó a expandirse, y los precios fuera de África comenzaron a subir. De cerca de 100 dólares en 2007, han aumentado considerablemente; en solo una década, algunos ahora superan los 600 dólares, lejos de su costo para el cliente original.

Figura 87. Obras de Arte de Dios Todopoderoso, Kumase, Ghana, 2017. Foto Kathy Curnow. Creative Commons CC BY-NC-ND 2.0.

Algunos artistas que se especializan en letreros también producen pinturas en spec, confiando en que pueden encontrar un comprador. A medida que aumenta su reputación, se pueden cumplir sus expectativas. Un artista ghanés, Kwame Akoto (también conocido como “Dios Todopoderoso”) tiene una tienda al borde de la carretera frecuentada por clientes locales que buscan un letrero, pero también atrae a visitantes internacionales que han encontrado su trabajo en libros y exposiciones fuera de África (Figura 87). Cuanto más frecuentemente se publica y se muestra públicamente el trabajo, más tiende a aumentar su valor.

Figura 88. Cheri Samba, cartel del SIDA (litografía), 1990. La Colección Wellcome, Creative Commons CC BY-NC 4.0. HAGA CLIC PARA AGRANDAR.

Algunos pintores de signos urbanos han hecho una transición completa al trabajo no comercial de tiempo completo. Esto es particularmente frecuente en la República Democrática del Congo, donde los congoleños han comprado durante mucho tiempo obras para exhibir en sus hogares, un fenómeno bastante poco común en otras partes de África occidental y central, donde la decoración interior está dominada por fotografías, calendarios y grabados o pinturas extranjeras. La escena artística urbana de Kinshasa ha proliferado desde la década de 1980, debido en parte a dos grandes exposiciones museísticas: la muestra de París “Magiciens de la Terre” (1989) y “Africa Explora” de Nueva York (1991). Estas exposiciones y sus catálogos lanzaron las carreras internacionales de varios artistas urbanos africanos, entre ellos uno de los artistas contemporáneos más conocidos del continente, Cheri Samba, quien inició su vida como pintora de signos (Figura 88). A pesar de la posterior presencia de sus obras en colecciones internacionales y sus viajes por el mundo, Samba todavía vende a una clientela local en Kinshasa, pero tiene estructuras de precios separadas para compradores extranjeros y nacionales.

Éxito inusual sin entrenamiento formal

Figura 89. “Dream”, una instalación de 2007 de Romuald Hazoume. os un gran barco hecho de bidones de plástico reciclado, destinado a evocar a los refugiados económicos que huyen de África por mejores empleos, arriesgando sus vidas en el proceso. Foto de Peter Samis. Creative Commons CC BY-NC-SA 2.0.

Romuald Hazoumé (Figura 89), un artista yoruba de la República de Benin, crea instalaciones, proyectos a gran escala que a veces ocupan toda una galería en un museo o tienen que ser ensamblados en un sitio al aire libre. En muchos casos, las instalaciones son inadecuadas para los compradores privados porque sus requerimientos espaciales desplazarían las actividades domésticas; generalmente son compradas por museos. Fenómeno creado en la segunda mitad del siglo XX, las instalaciones suelen ser creadas por artistas con formación académica tanto de Occidente como de Asia. Como una forma de arte que no suele ser comisionada y que no se puede comprar, la creación de instalaciones normalmente no atrae a artistas africanos que tienen su sede en África. Hazoumé es una notable excepción. No se formó formalmente como artista Fian aparte de las clases de secundaria, ya sea como aprendiz, a través de la educación de nivel terciario, o a través de talleres. Comenzó a usar bidones de plástico (generalmente utilizados para transportar gasolina en África Occidental) como medio escultórico, señalando su parecido con máscaras y rostros, y llamó la atención de un curador extranjero en la década de 1980, con un debut londinense en la exposición “Out of Africa” de 1992 de la Galería Saatchi. Siguieron importantes exposiciones, así como su participación ganadora del premio 2007 en documenta, una de las sedes de arte contemporáneo más importantes del mundo, que se celebra cada cinco años. Hazoumé permanece en su ciudad natal de Porto Novo, su arte hecho casi exclusivamente para consumo extranjero, a pesar de temas con trascendencia local.

Un elemento Vimeo ha sido excluido de esta versión del texto. Puedes verlo en línea aquí: pb.libretexts.org/africa/? p=122

Artista Formado en Taller con Clientela Extranjera y Local

Figura 90. Mosaico de Jimoh Buraimoh para la entrada al Museo Benin, Nigeria. Foto Starlight's Shadow blog, 2007. Creative Commons CC BY-NC-SA 2.0.

Los artistas cuya educación visual se limitó a un taller de artes pueden tener algunos mecenas locales, generalmente limitados a un cliente rico y educado, o a hoteles, bancos y otros negocios, y el gobierno. Jimoh Buraimoh (Figura 90), un artista yoruba de Nigeria, formó parte del Club Mbari Mbayo de Ulli Beier en la década de 1960 en Oshogbo, Nigeria. A través de las publicaciones de Beier y los contactos del mundo del arte en Alemania y otros lugares, la obra de Buraimoh llamó la atención del gobierno nigeriano, quien le encargó crear un gran mosaico al aire libre en el aeropuerto Murtala Mohammed de Lagos, así como un mosaico de tamaño más modesta en el museo de la ciudad de Benin. Es mejor conocido por sus pinturas de cuentas, muchas de las cuales se encuentran en colecciones privadas y museísticas internacionales. Aunque bien exhibido y publicado, su éxito mundial es menor que el de Hazoumé, probablemente por el tiempo y el uso de este último de materiales reciclados con un mensaje político.

Artistas Forzados Universitarios y Politécnicos con Clientela Local

Figura 91. Esta gran escultura metálica no objetiva en la ciudad de Benin conmemora a la ex jefa de estado Murtala Muhammed. Al igual que muchas esculturas públicas en Nigeria, el nombre del artista está ausente, pero es producto de un individuo entrenado académicamente. Foto Kathy Curnow, 1994. Creative Commons CC BY-SA 4.0.

La mayoría de los artistas africanos con formación exclusivamente local a nivel terciario encuentran limitadas sus opciones de venta. Ellos, también, podrían vender algunas obras de arte a miembros ricos y educados de su propia sociedad, o al gobierno (Figura 91) o al sector comercial, pero carecen de los contactos para llegar a un público más amplio. Relativamente pocos atraen la atención de los investigadores y tienen sus obras publicadas. Cuando lo hacen, suele ser una cuestión de azar: un encuentro con un viajero que es curador o historiador del arte, una indagación sobre una de sus obras vistas en Facebook, una amistad con otro artista representado en el extranjero, o una oportunidad de exponer en una embajada extranjera. Incluso sin un público más amplio, es posible que puedan ganarse la vida, pero su sustento suele mejorarse si tienen un puesto docente en una universidad o politécnico.

Las cosas están cambiando, ya que las galerías de arte dedicadas que representan a artistas locales están creciendo en número. En décadas anteriores, una tienda en un hotel podría vender una pintura o dos para un artista, pero las galerías que hacían exposiciones que fueron revisadas y que sirvieron como espacios sociales eran poco comunes, con la excepción de Sudáfrica, cuya escena artística imitaba a la de Europa.

Figura 92. Instalación de la retrospectiva de El Anatsui, “Un viaje fatídico” en el Museo Nacional de Etnología, Osaka, Japón, 2010. Estas esculturas planas de madera fueron el enfoque estándar del artista para trabajar en la década de 1980 y la mayor parte de la década de 1990. Foto muzina_shanghai. Creative Commons CC BY-NC-ND 2.0, color corregido.

La excepción académica localmente entrenada

Ha sido aún más inusual que un artista académico africano de formación local irrumpir en el escenario del arte internacional que lo ha sido para los artistas vernáculos. Una excepción notable es el escultor El Anatsui, un artista de Ewe del este de Ghana que se especializó en arte en KNUST, Kwame Nkrumah University of Science & Technology en Kumase. Dejó el país para ocupar un puesto de profesor en el este de Nigeria en 1975, en la Universidad de Nigeria, Nsukka, donde aún trabaja. Si bien era conocido por su cerámica y luego sus esculturas de madera hechas a partir de bandejas recicladas del mercado (Figura 92), fue como uno de un grupo de artistas académicos que aparecieron en las (en su momento) publicaciones muy ocasionales sobre arte contemporáneo.

En 1998, sin embargo, a los 54 años, inició una nueva dirección artística. Al recoger las tapas metálicas de las botellas de licor, comenzó a montarlas como las telas de tira de su tierra natal, creando impactantes tapices metálicos que rápidamente llamaron la atención internacional y muchas ventas a instituciones y empresas. Ha sido honrado con un premio a los logros de toda la vida en la Bienal de Venecia (2015), que solo el fotógrafo maliense Malick Sidibé había adquirido (2007), así como el Praemium Imperiale, el premio internacional de arte japonés (2017) que ningún otro artista visual africano ha recibido.

Un elemento de YouTube ha sido excluido de esta versión del texto. Puedes verlo en línea aquí: pb.libretexts.org/africa/? p=122

Artistas africanos con formación en el extranjero

Figura 93. “La confesión” de Yinka Shonibare se basa en “La carta de amor” de Fragonard, una de las cuatro pinturas de su serie “El progreso del amor” del siglo XVIII. Las elecciones intelectuales de Shonibare —el uso de telas comerciales con estampado de cera que ataban Europa a África y figuraban tanto en la trata de esclavos como en el colonialismo económico o en los maniquíes sin cabeza que prefiguraban la guillotina de los aristócratas— así como sus referencias históricas artísticas requieren decodificación tanto para Occidente como para África audiencias. Foto Kirsteen, 2007. Creative Commons CC BY-SA 2.0. Ahora en la colección de W. George y Margot Greig. Encargado por el Musée du Quai Branly para la exposición “Jardin d'Amour”. © Yinka Shonibare MBE. Haga clic para agrandar.

No todos los artistas africanos que se educaron en el extranjero logran un reconocimiento notable, pero su conciencia de las tendencias y oportunidades puede permitir un ascenso más rápido, particularmente cuando su narrativa pública presenta a África, haciéndolos destacar del grupo de otros artistas formados en Occidente. Cuando también viven en el extranjero, su acceso a residencias y exposiciones significativas aumenta su exposición y capacidad para establecer contactos con comisarios y coleccionistas, y muchos han maniobrado estratégicamente el mundo del arte para aumentar el éxito. Se trata de un fenómeno bastante reciente, sin embargo. La mayoría de los cognoscenti artísticos tenían poco interés o exposición al arte africano contemporáneo hasta finales de los 80 y principios de los noventa, cuando varias exposiciones clave en Nueva York, Londres y París comenzaron a llamar la atención. Nombres y enfoques frescos (y precios más bajos) atrajeron el interés de un nuevo mercado que no solía incluir coleccionistas de arte tradicional africano. La moda del arte africano contemporáneo en las últimas dos décadas más o menos ha llevado numerosas exposiciones y publicaciones, así como a importantes colecciones mundiales, incluida la creación en 2017 del Museo Zeitz de Arte Africano Contemporáneo en Ciudad del Cabo, Sudáfrica.

Debido a la emigración, algunos artistas africanos han pasado ahora más tiempo fuera de África que dentro. Uno de los artistas más conocidos del mundo del arte contemporáneo es Yinka Shonibare, nacida en Londres de padres yoruba, pero residente de Nigeria entre los 3 y 17 años, cuando regresó a Londres para sus licenciaturas y licenciaturas en arte. Al igual que muchos artistas africanos formados en el extranjero, su exposición estudiantil a la historia del arte occidental y los diálogos sobre el impacto del colonialismo y la interacción racial se reflejan en sus obras, muchas de las cuales son instalaciones. Shonibare ha creado fotografías que insertan su propia presencia en las reelaboraciones de la serie “El progreso de Rastrillo” de Hogarth del siglo XVIII así como la película “El retrato de Dorian Gray” de Orson Welles, pero sus maniquíes construidos vestidos con estilos europeos hechos con estampados de cera africana son sus piezas más conocidas (Figura 93 ). La Reina lo nombró caballero con un CBE, y ha participado tanto en documenta como en la Bienal de Venecia, así como en muchas exposiciones individuales, y ha producido numerosas esculturas públicas.