6.7: El Periodo Helenístico
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La arquitectura en el período helenístico
La arquitectura durante el período helenístico se centró en la teatralidad y el drama; el período también vio una creciente popularidad del orden corintio.
Objetivos de aprendizaje
Describir las características de la arquitectura helenística, incluyendo las estoas, el orden corintio y el uso de la teatralidad
Claves para llevar
Puntos Clave
- La arquitectura helenística, de manera similar a la escultura helenística, se centra en la teatralidad, el drama y la experiencia del espectador. Los espacios públicos y los templos se crearon pensando en la gente, y así se construyeron a una nueva escala monumental.
- Los stoas son pórticos con columnas que se utilizan para definir el espacio público y proteger a los mecenas de los elementos. Las stoas a menudo se encuentran alrededor del ágora de una ciudad, y convierten el lugar central de la ciudad para elementos cívicos, administrativos y de mercado en un gran espacio.
- El Templo de Apolo en Didyma era un sitio de oráculo con un ambicioso plan de construcción que nunca se completó. Su plano consistía en una doble columnata de columnas masivamente altas que envolvía al espectador en pasillos oscuros antes de abrirse a un patio luminoso y al santuario al dios.
- El orden corintio, desarrollado durante el periodo Clásico, fue testigo de una creciente popularidad durante el período helenístico. El estilo columnar del orden es similar en muchos aspectos al orden jónico excepto por el capital de la columna, que es vegetal y exuberante. Una doble capa de hojas de acanto recubre la canasta de donde emergen estilizados zarcillos y volutas.
Términos Clave
- ábaco: Losa plana que forma el miembro superior o división de la capital de una columna.
- voluta: La curva espiral sobre un capital iónico.
- acanto: Un adorno que se asemeja al follaje u hojas de Acanthus spinosus que se usa en los capiteles de los órdenes corintios y compuestos.
- ortogonal: En el dibujo lineal en perspectiva, la línea diagonal apunta al punto de fuga; a veces denominada línea de fuga o convergencia.
- stoa: En la Antigua Grecia, una pasarela con techo sostenido por columnatas, a menudo con una pared a un lado; un pórtico.
- díptero: Tener una fila doble de columnas en cada flanco, así como en la parte delantera y trasera; a menudo se dice de una sien.
- columnata: Una serie de columnas a intervalos regulares.
La arquitectura en el mundo griego durante el período helenístico desarrolló tendencias teatrales, al igual que la escultura helenística. Las conquistas de Alejandro Magno provocaron que el poder pasara de las ciudades-estado de Grecia a las dinastías gobernantes. Las familias dinásticas frecuentaban grandes complejos y dramáticos planes urbanos dentro de sus ciudades. Estos planes urbanos a menudo se centraban en el entorno natural, y tenían como objetivo mejorar las vistas y crear espacios cívicos, judiciales y de mercado dramáticos que diferían de los planos ortogonales de las casas que los rodeaban.
La arquitectura en el período helenístico se asocia más comúnmente con la creciente popularidad del orden corintio. Sin embargo, los órdenes dórico e iónico sufrieron cambios notables. Los ejemplos incluyen las columnas dóricas esbeltas y sin acanalar y los capiteles de cuatro frentes sobre columnas jónicas, las últimas de las cuales ayudaron a resolver problemas de diseño relativos a la simetría en los pórticos del templo.
Stoa
Se utilizó un stoa, o una pasarela cubierta o pórtico, para unir ágoras y otros espacios públicos. Destacar el borde de las áreas abiertas con dicha arquitectura decorativa creó un efecto teatral para el espacio público y también brindó a los ciudadanos una forma diaria básica de protección contra los elementos. Tanto el stoa como el ágora fueron utilizados por comerciantes, artistas, festivales religiosos, tribunales judiciales y administraciones cívicas.
El Stoa de Attalos (c. 150 a. C.) en Atenas fue construido en el Ágora, bajo el patrocinio del rey Attalos II de Pérgamo. Este pórtico consiste en una doble columnata. Tenía dos pisos de altura, y tenía una fila de habitaciones en la planta baja. La columnata exterior en el nivel del suelo fue construida en el orden dórico, y el interior era jónico. En el segundo nivel, las columnas jónicas se alineaban en el exterior, y columnas con un capitel simple y estilizado se alineaban en el interior.
La Stoa restaurada de Attalos: Esta es una vista de las columnatas de mármol a nivel del suelo en el Ágora en Atenas, Grecia.
Templo de Apolo en Didyma
Otros ejemplos de arquitectura grandiosa y monumental se pueden encontrar en Ionia, la Turquía moderna en Pérgamo y Didyma. El Templo de Apolo en Didyma era a la vez un templo y un sitio de oráculo.
Templo de Apolo: Comenzó alrededor del 313 a. C., esto era tanto un templo como un sitio de oráculo en Didyma, Turquía.
El templo fue diseñado por los arquitectos Paionios de Éfeso y Dafnis de Mileto. Su construcción comenzó en 313 a. C. pero nunca se completó, aunque los trabajos continuaron hasta el siglo II d.C. El sitio de este templo es vasto.
El patio interior tenía 71 pies de ancho por 175 pies de largo y contenía un pequeño santuario. La cancha también fue de forma díptera, bordeada con una doble fila de 108 columnas, cada una de 65 pies de altura, que rodeaban la sien. La estructura crea una serie de imponentes espacios, desde la columnata exterior hasta las habitaciones del oráculo, y el patio interior dentro del cual se encontraba el santuario a Apolo.
El plano de construcción también jugó con la teatralidad y el drama, obligando a sus visitantes a atravesar un interior oscuro y luego abriéndose a un patio luminoso y abierto que no tenía techo. El edificio es dramáticamente diferente del plan clásico perfeccionado de templos. En lugar de centrarse en la simetría y la armonía, el edificio se centra en la experiencia del espectador.
Plano y elevación del Templo de Apolo: Se inició la construcción c. 313 a. C., en Didyma, Turquía. El plano de construcción también jugó con la teatralidad y el drama, obligando a sus visitantes a atravesar un interior oscuro y luego abriéndose a un patio luminoso y abierto que no tenía techo.
Orden corintia
El orden corintio es considerado el tercer orden de la arquitectura clásica. Las columnas de la orden son esbeltas y estriadas y se asientan sobre una base. El capital consiste en una doble capa de hojas de acanto y zarcillos estilizados de plantas que se enrollan hacia el ábaco en forma de pergamino o voluta.
El orden corintio decorativo no fue ampliamente adoptado en Grecia, aunque fue popular en tholoi. Sin embargo, se utilizó sustancialmente a lo largo de la época romana.
Capital corintia: Una capital corintia en el Odeón de Agripa, c. 14 a. C., en el Ágora enAtenas, Grecia.
El arruinado Templo de Zeus Olímpico en Atenas (también conocido como el Olympieion) contiene uno de los ejemplos más conocidos de la columna corintia en la arquitectura helenística. Originalmente diseñado en el orden dórico en el siglo VI a. C., el templo fue rediseñado en el siglo II a. C. en el orden corintio sobre una plataforma colosal que mide 134.5 pies por 353.5 pies.
Estaba flanqueada por una doble columnata de ocho columnas en la parte delantera y trasera y veintiuna en los flancos, rodeando la cella. El diseño finalmente se cambió para tener tres filas de ocho columnas en la parte delantera y trasera del templo y una doble fila de veinte en los flancos, para un total de 104 columnas. Las columnas tienen 55.5 pies de alto y 6.5 pies de diámetro. En 164 a. C., la muerte de Antíoco IV (quien se había presentado como la encarnación terrenal de Zeus) detuvo el proyecto, y el templo permanecería incompleto.
Templo de Zeus Olímpico: Tenga en cuenta las columnatas corintias y el mármol pentélico.
Pérgamo
Pérgamo se levantó como un poder bajo los atálidos y proporciona ejemplos del drama y la teatralidad que se encuentran en el arte y la arquitectura helenística.
Objetivos de aprendizaje
Ilustrar la naturaleza dramática y teatral del Pérgamo, como se ve en el Altar de Zeus, la Gigantomaquía y los galos moribundos
Claves para llevar
Puntos Clave
- Pérgamo fue la ciudad capital del Reino de Pérgamo, que fue gobernado por los atálidos en los siglos posteriores a la muerte de Alejandro Magno.
- La Acrópolis de Pérgamo es famosa por su arquitectura monumental. La mayoría de los edificios tienen una gran vista del campo circundante y juntos crean un espacio público dramático.
- El Altar de Zeus en Pérgamo era un monumental edificio jónico en forma de U que se encontraba sobre una plataforma alta y se accedía por un amplio conjunto de escaleras. Además de su arquitectura dramática, el altar es conocido por su friso Gigantomachy y esculturas de galos derrotados.
- El friso Gigantomachy representa el pleno florecimiento de la escultura helenística. Las cifras son dramáticas, y las escenas están llenas de tensión. Están talladas en alto relieve con perforaciones profundas que permiten un juego de luces y sombras que aumenta el naturalismo de las figuras.
- El grupo de estatuas de los galos moribundos representa a un trompetista derrotado y un jefe galo matándose a sí mismo y a su esposa. Las figuras, mientras que enemigos de Pérgamo, son representadas con un patetismo y heroísmo increíbles para demostrar su valía como adversarios y empoderar a los vencedores atálidas.
Términos Clave
- chiastic: Refiriéndose a una figura que repite conceptos en orden inverso, en la misma forma o modificada.
- Galia: Una persona antigua de la región que aproximadamente corresponde a la Francia y Bélgica modernas.
- torc: Un anillo de cuello grande, rígido, o al menos rígido, en metal, hecho ya sea como una sola pieza o a partir de hebras retorcidas entre sí.
La antigua ciudad de Pérgamo, hoy en día Bergama en Turquía, fue la capital del Reino de Pérgamo tras la muerte de Alejandro Magno y fue gobernada bajo la dinastía atálida. La Acrópolis de Pérgamo es un excelente ejemplo de arquitectura helenística y la convergencia de la naturaleza y el diseño arquitectónico para crear sitios dramáticos y teatrales.
La acrópolis fue construida en y en la cima de una colina empinada que ofrece excelentes vistas del campo circundante. Tanto la parte superior como la inferior de la acrópolis albergaban muchas estructuras importantes de la vida urbana, incluyendo gimnasios, agoras, baños, bibliotecas, un teatro, santuarios, templos y altares.
Maqueta a escala de Pérgamo como podría haber mirado en la antigüedad: Centro izquierda: Teatro de Pérgamo. Centro derecha: Altar de Zeus. Museo Pérgamo, Berlín.
El teatro de Pérgamo podía albergar a 10 mil personas y era uno de los teatros más empinados del mundo antiguo. Como todos los teatros helénicos, se construyó en la ladera, que sostenía la estructura y proporcionaba asientos en el estadio que habrían pasado por alto la antigua ciudad y su campo circundante. El teatro es un ejemplo de la creación y uso de la arquitectura dramática y teatral.
Teatro de Pérgamo: El teatro de Pérgamo podía albergar a 10 mil personas y era uno de los teatros más empinados del mundo antiguo.
Altar de Zeus
Otro elemento que se encuentra en Pérgamo es el gran Altar de Zeus (ahora alojado en Alemania). El altar fue comisionado en la primera mitad del siglo II a. C. durante el reinado del rey Eumenes II para conmemorar su victoria sobre los galos, que migraban a Asia Menor.
El altar es un edificio iónico en forma de U construido sobre una plataforma alta con escalones centrales que conducen a la cima. Orientaba hacia el este, estaba ubicada cerca del teatro de Pérgamo, y comandaba una vista sobresaliente de la región. El altar es conocido por su gran diseño y por su friso que representa a la gigantomaquía: envuelve 370 pies alrededor de la base del altar.
Plano del Altar de Zeus: El altar es un edificio iónico en forma de U construido sobre una plataforma alta con escalones centrales que conducen a la cima, c. 175 a. C., en Bergama, Turquía.
Altar de Zeus: Originario de Bergama, Turquía, el altar se encuentra ahora en Berlín, Alemania.
La Gigantomaquía
La Gigantomaquía representa a los dioses olímpicos luchando contra sus predecesores los Gigantes (Titanes), los hijos de la diosa Gaia. El friso es conocido por su altísimo relieve, en el que las figuras apenas están restringidas por la pared, y por su profunda perforación de líneas con detalles para crear sombras dramáticas.
El alto relieve y la perforación profunda de las figuras también aumentan la vivacidad y el naturalismo de la escena. Las figuras son renderizadas con alta plasticidad. La textura de su piel, cortinería y escamas añaden otro nivel de naturalismo. Además, a medida que el friso sigue las escaleras, las extremidades de las figuras comienzan a derramarse fuera de su marco y sobre las escaleras, irrumpiendo físicamente en el espacio del espectador. El estilo y el alto drama de las escenas a menudo se conoce como el barroco helenístico por su movimiento exagerado, énfasis en los detalles y la vivacidad de los personajes.
Nereus, Doris, un Gigante, y Oceanus: Ubicado en el friso norte del Altar de Zeus, Bergama, Turquía, e. c. 175 a.C. El alto relieve y la perforación profunda de las figuras también aumentan la vivacidad y el naturalismo de la escena.
La escena más famosa del friso representa a Atenea luchando contra el gigante Alkyoneus. Ella le agarra la cabeza y la tira hacia atrás mientras Gaia emerge del suelo para suplicar por la vida de su hijo y una Nike alada se acerca para coronar a Atenea.
Las cortinas de Atenea se arremolinan a su alrededor con pliegues profundos y casi se le quita todo el cuerpo del friso. Las figuras se representan con la emoción acentuada que comúnmente se encuentra en las estatuas helenísticas. El rostro de Alkyoneus se tensa de dolor y los ojos de Gaia, que son todos los que quedan de su rostro, están llenos de terror y dolor por la muerte de su hijo.
Toda la composición se representa en forma quiástica. Atenea se estira para agarrar la cabeza de Alkoyneus, las dos figuras se jalan entre sí en direcciones opuestas. En tanto, la figura de Nike se mueve diagonalmente hacia Atenea, mostrando su convergencia en un momento de victoria. La línea diagonal creada por Gaia imita la forma de su hijo, conectando las dos figuras a través de la línea y el pathos. La escena está llena de tensión y emoción que son rasgos clave en la escultura helenística.
Atenea y Alkyoneos: Ubicado en el friso oriental del Altar de Zeus, Bargama, Turquía, c. 175 a.C. Toda la composición se representa en forma chiástica, y la escena se llena de la tensión y la emoción que son rasgos clave en la escultura helenística.
Los galos moribundos
Un grupo de estatuas que representaban a galos moribundos, los enemigos derrotados de los atálidos, estaban situadas dentro del Altar de Zeus. Se cree que el conjunto original de estatuas fue fundido en bronce por el escultor de la corte Epígono en 230—220 a.C. Ahora solo quedan copias romanas de mármol de las figuras.
Al igual que las figuras del friso y otras esculturas helenísticas, las figuras se representan con detalles realistas y un alto nivel de naturalismo. También se representan en el motivo común de los bárbaros. Los hombres están desnudos y visten torcos celtas. Su cabello es pelado y desaliñado. Las figuras se posicionan en composiciones dramáticas y se muestran muriendo heroicamente, lo que las convierte en dignos adversarios, aumentando la percepción del poder de la dinastía atálida. Las tres figuras del grupo se representan de manera helenística. Para apreciar plenamente las estatuas, lo mejor es caminar alrededor de ellas. Su dolor, nobleza y muerte son evidentes desde todos los ángulos.
Se representa a una Galia acostada, apoyándose sobre su escudo y una trompeta descartada. Surca el ceño mientras mira hacia abajo su sangrante herida torácica mientras se prepara para la muerte. Sus músculos son grandes y fuertes, significando su fuerza como guerrero e implicando la fuerza de quien lo derribó.
Galia moribunda: Esta es una copia de mármol romano del original de bronce griego de Epigonos, c. 230—220 a. C., en Pérgamo, Turquía.
Otras dos figuras completan el grupo. Una figura representa a un jefe galo suicidándose después de haber matado a su propia esposa. Conocida también como la Galia Ludovisi, este grupo escultórico muestra otra hazaña heroica y noble de los adversarios, pues típicamente mujeres e hijos de los derrotados serían asesinados para evitar que fueran capturados y vendidos como esclavos por los vencedores. El jefe sostiene por el brazo a su esposa caída mientras sumerge su espada en su pecho, donde la sangre ya sale de la herida.
Galia Ludovisi: Se trata de una copia de mármol romano del original de bronce griego de Epigonos, c. 230—220 a. C., en Pérgamo, Turquía.
Escultura en la época helenística
Un componente clave de la escultura helenística es la expresión del rostro y el cuerpo de una escultura para provocar una respuesta emocional del espectador.
Objetivos de aprendizaje
Contrastar el nuevo estilo helenístico de la escultura de la época clásica anterior, y discutir la importancia del mecenazgo romano en el siglo II a.C.
Claves para llevar
Puntos Clave
- La escultura helenística lleva el naturalismo de la forma y expresión del cuerpo a un nivel de hiperrealismo donde la expresión del rostro y el cuerpo de la escultura provocan una respuesta emocional.
- El drama y el patetismo son nuevos factores en la escultura helenística. El estilo de la escultura ya no está idealizado. Más bien, a menudo son exageradas, y se enfatizan los detalles para agregar un nuevo y mayor nivel de movimiento y patetismo.
- Se exploran nuevas composiciones y estados de ánimo en esculturas helenísticas que incluyen la vejez, la embriaguez, el sueño, la agonía y la desesperación.
- El retrato se hizo popular en este periodo. Los sujetos son representados con un sentido de naturalismo que muestra sus imperfecciones.
- La escultura helenística tuvo una demanda especialmente alta después de que la península griega cayera ante los romanos en 146 a.C. Entre las esculturas notables producidas para los mecenas romanos se encuentran
Laocoön y Sus Hijos y el Toro Farnesio.
Términos Clave
- sátiro: Un compañero masculino de Pan o Dionisio con la cola de un caballo y una erección perpetua. También conocido como fauno.
- patricio: Aristócrata u otro miembro élite de la sociedad; también puede ser utilizado como adjetivo.
- pathos: Esa cualidad o propiedad de cualquier cosa que toque los sentimientos o excita emociones y pasiones, especialmente aquella que despierta emociones tiernas, como la lástima, el dolor y similares; una calidez contagiosa de sentimiento, acción o expresión; una cualidad patética.
La escultura helenística continúa la tendencia de aumento del naturalismo visto en el desarrollo estilístico del arte griego. Durante este tiempo, las reglas del arte clásico fueron empujadas y abandonadas en favor de nuevos temas, géneros, drama y patetismo que nunca fueron explorados por artistas griegos anteriores.
Además, los artistas griegos agregaron un nuevo nivel de naturalismo a sus figuras al agregar elasticidad a su forma y expresiones, tanto faciales como físicas. Estas figuras interactúan con su público de una nueva manera teatral al provocar una reacción emocional desde su punto de vista, esto se conoce como patetismo.
Nike de Samotracia
Una de las estatuas más icónicas de la época, la Nike de Samotracia, también conocida como la Victoria Alada (c. 190 a. C.), conmemora una victoria naval. Esta estatua de mármol paria representa a Nike, ahora sin brazos y sin cabeza, descendiendo sobre la proa del barco. La proa es visible bajo sus pies, y la escena se llena de teatralidad y naturalismo a medida que la estatua reacciona a su entorno.
Los pies, piernas y cuerpo de Nike empujaron hacia adelante en contradicción con sus pañerías y alas que fluyen hacia atrás. Su ropa la rodea del viento y sus alas se elevan hacia arriba. Esta representación da la impresión de que acaba de aterrizar y que este es el momento preciso en que se instala en la proa del barco.
Además de la escultura, lo más probable es que la figura estuviera ambientada dentro de una fuente, creando un escenario teatral donde tanto la imaginería como el efecto auditivo de la fuente crearían una llamativa imagen de acción y triunfo.
Nike de Samotracia: También conocida como la Victoria Alada (c. 190 a. C.), esta estatua de mármol, en Samotracia, Grecia, conmemora una victoria naval.
Venus de Milo
También conocida como Afrodita de Melos (c. 130—100 a.C.), esta escultura de Alejandros de Antioquía, es otro icono muy conocido de la época helenística. Hoy faltan los brazos de la diosa. Se ha sugerido que un brazo se agarró a su cortinería resbaladiza mientras que el otro brazo sostenía una manzana, una alusión al Juicio de París y al secuestro de Helen.
Originalmente, como todas las esculturas griegas, la estatua habría sido pintada y adornada con joyas de metal, lo cual es evidente por los agujeros de fijación. Esta imagen es en cierto modo similar a la escultura clásica tardía de Praxitiles Afrodita de Knidos (siglo IV a. C.), pero se considera más erótica que su contraparte anterior.
Por ejemplo, mientras está cubierta por debajo de la cintura, Afrodita hace poco intento de cubrirse. Parece estar burlándose e ignorando a su espectador, en lugar de abordarlo y hacer contacto visual.
Venus de Milo: Esta estatua de mármol, en Melos, Grecia, fue esculpida por Alejandros de Antioquía, c. 130—100 a.C.
Estados Alterados
Mientras que la Nike de Samotracia emana un sentido de drama y la Venus de Milo un nuevo nivel de sexualidad femenina, otros escultores griegos exploraron nuevos estados de ser. En lugar de reproducir imágenes del ideal griego masculino o femenino, como se favoreció durante la época clásica, los escultores comenzaron a representar imágenes de lo viejo, cansado, dormido y borracho, ninguna de las cuales son representaciones ideales de un hombre o una mujer.
El fauno Barberini
El fauno Barberini, también conocido como el Sátiro Durmiente (c. 220 a. C.), representa una figura afemina, muy probablemente un sátiro, borracho y desmayado en una roca. Su cuerpo se extiende a través de la cara de roca sin tener en cuenta la modestia.
Parece haberse caído a dormir en medio de una juerga borracha y duerme inquieto, tiene el ceño anudado, la cara preocupada y sus extremidades tensas y rígidas. A diferencia de representaciones anteriores de hombres desnudos, pero de manera similar a la Venus de Milo, el fauno Barberini parece exudar sexualidad.
Faun Barberini: Se trata de una copia romana de mármol, en Roma, Italia, del original de bronce griego, c. 220 a.C. Italia.
Anciano Borracho
También se crearon imágenes de embriaguez de mujeres, las cuales se pueden ver en una estatua atribuida al artista helenístico Myron de una mendiga borracha. Esta mujer se sienta en el suelo con los brazos y las piernas envueltos alrededor de una jarra grande y una mano agarrando el cuello de la jarra.
Las vides de uva que decoran la parte superior de la jarra dejan claro que contiene vino. El rostro de la mujer, en lugar de ser inexpresivo, se vuelve hacia arriba y parece estar llamando, posiblemente a los transeúntes. No sólo está intoxicada, sino que es vieja: arrugas profundas recubren su rostro, sus ojos están hundidos y sus huesos sobresalen por su piel.
Anciana borracha: Esta es una copia de mármol romano del original de bronce griego de Myron, c. 200—180 a.C.
Boxer Sentado
Otra imagen del viejo y cansado es una estatua de bronce de un boxeador sentado. Si bien la imagen de un atleta es un tema común en el arte griego, este bronce presenta un giro helenístico.
Es viejo y cansado, al igual que la imagen del Clásico Tardío de un Herakles cansado. No obstante, a diferencia de Herakles, el boxeador es representado golpeado y agotado por su persecución. Tiene la cara hinchada, labio derramado y orejas coliflorecidas. Esta no es una imagen de un heroico, joven atleta sino de un hombre viejo, derrotado muchos años después de su mejor momento.
Boxer sentado: Esta estatua de bronce, c. 100—50 a. C., se encuentra en Roma, Italia.
Retrato
Los retratos individuales, en lugar de idealización, también se hicieron populares durante el período helenístico. Un retrato de Demóstenes de Polyeuktos (280 a. C.) no es una idealización del estadista ateniense y orador. En cambio, la estatua toma notas de los rasgos característicos de Demóstenes, incluyendo su sobremordida, ceño surcado, hombros encorvados y piel vieja y suelta.
Incluso los bustos de retratos, a menudo copiados de la famosa estatua de Polyeuktos, representan el cansancio y la tristeza de un hombre desesperado por la conquista de Felipe II y el fin de la democracia ateniense.
Demóstenes: Se trata de una copia romana del busto de retrato original griego, bronce, de Polyeuktos.
Mecenazgo Romano
La península griega cayó al poder romano en 146 a. C. Grecia fue una provincia clave del Imperio Romano, y el interés romano por la cultura griega ayudó a hacer circular el arte griego alrededor del imperio, especialmente en Italia, durante el período helenístico y en el período imperial de hegemonía romana.
Los escultores griegos tenían una gran demanda en todos los territorios restantes del imperio de Alejandro y luego en todo el Imperio Romano. Famosas estatuas griegas fueron copiadas y replicadas para ricos patricios romanos y artistas griegos fueron comisionados para esculturas a gran escala en el estilo helenístico.
Originalmente fundidas en bronce, muchas esculturas griegas que tenemos hoy sobreviven solo como copias romanas de mármol. Algunos de los grupos colosales de mármol más famosos fueron esculpidos en el estilo helenístico para los ricos mecenas romanos y para la corte imperial. A pesar de su audiencia romana, estos fueron creados a propósito en el estilo griego y continuaron mostrando el drama, la tensión y el patetismo del arte helenístico.
Laocoön y sus hijos
Laocoön era un sacerdote troyano de Poseidón que advirtió a los troyanos: “Cuidado con los griegos que llevan regalos”, cuando los griegos dejaron un gran caballo de madera a las puertas de Troya. Atenea o Poseidón (dependiendo de la versión de la historia), molestos por su vana advertencia a su gente, envió dos serpientes marinas para torturar y matar al sacerdote y a sus dos hijos.
Laocoön y sus hijos, un grupo helenístico de esculturas de mármol (atribuido por el historiador romano Plinio el Viejo a los escultores Agesander, Atenodoros y Polidoro de la isla de Rodas) fue creado a principios del siglo I d.C., para representar esta escena de la epopeya de Virgilio, La Eneida.
Laocoön y sus hijos: Esta estatua de mármol es atribuida por el historiador romano Plinio el Viejo a los escultores Agesander, Atenodoros y Polydorus de la isla de Rodas.
Similar a otros ejemplos de escultura helenística, Laocoön and His Sons representa una escena chiástica llena de drama, tensión y patetismo. Las figuras se retuercen al quedar atrapadas en las espirales de las serpientes. Los rostros de los tres hombres están llenos de agonía y trabajo, lo que se refleja en la tensión y tensión de sus músculos. Laocoön se estira en una larga diagonal desde su brazo derecho a su izquierda mientras intenta liberarse.
Sus hijos también están enredados por las serpientes, y sus rostros reaccionan a su perdición con confusión y desesperación. El tallado y el detalle, la atención a la musculatura del cuerpo, y la perforación profunda, que se ve en el pelo y la barba de Laocoön, son elementos característicos del estilo helenístico.
Laocoön y sus hijos: Este detalle del rostro de Laocoön muestra el tallado y detalle, la atención a la musculatura del cuerpo, y la perforación profunda que son todos elementos característicos del estilo helenístico.
Toro Farnesio
Se cree que el Toro Farnese (c. 200—180 a. C.), llamado así por la familia romana patricia que poseía la estatua en el Renacimiento italiano, fue creado para la colección de Asinius Pollio, un patricio romano. Plinio el Viejo atribuye la estatua a los artistas y hermanos Apolonio y Taurisco de Trallles, Rodas.
La colosal estatua de mármol, tallada en un solo bloque de mármol, representa el mito de Dirce, la esposa del rey de Tebas, quien fue atada a un toro por los hijos de Antíope para castigarla por maltratar a su madre. La composición es grande y dramática, y exige que el espectador la rodee para poder ver y apreciar la narrativa y el patetismo desde todos los ángulos. Los diversos ángulos revelan distintas expresiones, desde el terror de Dirce, hasta la determinación de los hijos de Antiope, hasta el salvajismo del toro.
Toro Farnese: Esta estatua de mármol, c. 200—180 a. C., fue esculpida por Apolonio y Taurisco de Tralles, Rodas.
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- Didyma. Proporcionado por: Wikimedia. Ubicado en: http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Didyma.JPG. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
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- Arquitectura griega antigua. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Ancient_Griego_Architecture. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
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- Stoa. Proporcionado por: Wikcionario. Ubicado en: es.wiktionary.org/wiki/stoa. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
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