6.6: El Periodo Clásico Alto
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La arquitectura en la época clásica alta griega
La arquitectura alta y clásica tardía se distingue por su adherencia a la proporción, refinamientos ópticos y su exploración temprana de la monumentalidad.
Objetivos de aprendizaje
Identificar las salidas de la arquitectura tradicional griega clásica en el Templo de Apolo Epicurio, los Tholos de Atenea Pronaia y el Teatro de Epidauros
Claves para llevar
Puntos Clave
- La arquitectura durante los períodos Clásico Temprano y Alto se refinó y las ilusiones ópticas se corrigieron para crear las proporciones más estéticamente agradables. Los períodos Alto y Clásico Tardío comienzan a retocar estos principios y experimentar con la monumentalidad y el espacio.
- Los templos durante el periodo del Clásico Tardío comenzaron a experimentar con nuevos diseños arquitectónicos y decoración. El Tholos de Atenea Pronaia en Delfos es un santuario circular con dos anillos de columnas, el dórico exterior y el corintio interior.
- El Templo de Epicurioso en Bassae se destaca por su planta única y el uso de elementos arquitectónicos de los tres órdenes clásicos: dórico, iónico y corintio. El uso del templo de la decoración arquitectónica y un plano de suelo demuestran una estética cambiante.
- El teatro en la ciudad de Epidauros es un excelente ejemplo de habilidades avanzadas de ingeniería durante este periodo. El teatro está construido con una acústica refinada que podría amplificar los sonidos en el escenario a cada uno de los 14,000 espectadores del teatro.
Términos Clave
- skênê: La estructura en la parte trasera de un escenario teatral.
- anicónico: De, o pertenecientes a, representaciones sin forma humana o animal.
- Tholos: Una estructura circular, a menudo un templo.
Panorama de la Arquitectura Griega Clásica
Durante el periodo clásico, la arquitectura griega sufrió varios cambios significativos. Las columnas se volvieron más esbeltas, y el entablamiento fue más ligero durante este periodo.
A mediados del siglo V a. C., se cree que la columna corintia hizo su debut. Poco a poco, el orden corintio se hizo más común a medida que el periodo Clásico llegaba a su fin, apareciendo en conjunción con órdenes más antiguas, como el dórico.
Adicionalmente, los arquitectos comenzaron a examinar más de cerca la proporción y los efectos cromáticos del mármol pentélico. En la construcción de teatros, los arquitectos perfeccionaron los efectos de la acústica a través del diseño y los materiales utilizados en la zona de asientos.
Los refinamientos arquitectónicos perfeccionados durante el periodo del Clásico Tardío abrieron las puertas de la experimentación sobre cómo la arquitectura podía definir el espacio, aspecto que se convirtió en la vanguardia de la arquitectura helenística.
Templos
A lo largo del periodo arcaico, los griegos experimentaron con la construcción en piedra y poco a poco desarrollaron su concepto del templo ideal. Se decidió que el número ideal de columnas estaría determinado por una fórmula en la que el doble del número de columnas a través del frente de la sien más una era el número de columnas hacia abajo a cada lado (2x + 1 = y).
Muchos templos durante el periodo Clásico siguieron esta fórmula por su columnata peripteral, aunque no todos. Además, muchos templos en la época clásica y más allá se destacan por la curvatura dada al estilobado del templo que compensaba las distorsiones ópticas.
Templo de Apolo Epicurio en Bassae
El Templo de Apolo Epicurio en Bassae es un templo hexástilo con quince columnas a lo largo de su longitud. El templo fue construido por Iktinos, conocido por su trabajo en el Partenón, en la segunda mitad del siglo V a.C. El plan del templo es inusual en muchos aspectos.
- El templo está alineado de norte a sur en lugar de de este a oeste, lo que acomoda el paisaje del sitio.
- El templo tiene una puerta en el naos que proporciona acceso y luz a la cámara interior.
- Comparte algunos atributos con el Partenón, como una columnata en los naos. No obstante, en este caso la columnata es una sola historia, y sólo las columnas del templo (no el estilobado) tienen entasis.
- El templo tiene elementos de los tres órdenes arquitectónicos y tiene el ejemplo más antiguo conocido de una capital corintia.
Curiosamente, el templo tiene sólo una columna corintia, ubicada en el centro de los naos. Los expertos plantean la hipótesis de que se colocó en ese lugar para reemplazar la estatua de culto como una representación anicónica de Apolo.
Plano del Templo de Apolo Epicurio en Bassae: Mármol. Finales del siglo V a.C. Bassae, Grecia.
Tholos de Atenea Pronaia
El Tholos de Atenea Pronaia en Delfos (380—360 a. C.) fue construido como santuario por Teodoros de Fenicia. Externamente, 20 columnas dóricas soportaban un friso con triglifos y metopas. La pared circular de la cella también fue coronada por un friso similar, metopas y triglifos en menor medida.
En su interior, un banco de piedra soportaba 10 pilastras estilo corintio, todas ellas unidas a la superficie cóncava del muro. La capital corintia se desarrolló a mediados del siglo V y se utilizó mínimamente hasta la época helenística; más tarde fue popular entre los romanos.
La combinación múltiple y mezcla de diversos estilos arquitectónicos en un mismo edificio se completó a través de un efecto policromático natural que resultó del uso de diferentes materiales. Los materiales utilizados incluyeron losas delgadas de mármol pentélico en la superestructura y piedra caliza en la plataforma.
Cuando se expone al aire, el mármol pentélico adquiere un color bronceado que lo distingue de las formas más blancas de mármol. El techo del edificio también fue construido de mármol y albergaba ocho estatuas femeninas talladas en movimiento agudo y vivo.
Tholos de Atenea Pronaia: Los Tholos de Atenea Pronaia en Delfos, Grecia (380—360 a. C.) fue construido como santuario por Teodoros de Fenicia.
Teatro en Epidauros
El gran teatro ubicado en Epidauros brinda un ejemplo de la ingeniería avanzada en ese momento. El teatro fue diseñado por Polykleitos el Joven, hijo del escultor Polykleitos, a mediados del siglo IV a.C.
El teatro tiene capacidad para hasta 14 mil personas. Como todos los teatros griegos, este teatro se construyó en la ladera, que soporta los asientos del estadio, y el teatro tiene vistas a un exuberante valle y un paisaje montañoso. Las 34 filas originales se extendieron en la época romana por otras 21 filas.
Como es habitual en los teatros griegos, la vista sobre un exuberante paisaje detrás del skênê es una parte integral del teatro en sí y no debe oscurecerse. El teatro es especialmente conocido por su acústica. Un estudio de 2007 indica que las asombrosas propiedades acústicas pueden ser el resultado de su diseño avanzado. Las filas de asientos de piedra caliza filtran los sonidos de baja frecuencia, como el murmullo de la multitud, y amplifican los sonidos de alta frecuencia del escenario.
Teatro en Epidauros: El gran teatro ubicado en Epidauros, Grecia, proporciona un ejemplo de la ingeniería avanzada en ese momento. El teatro fue diseñado por Polykleitos el Joven.
La Acrópolis
La Acrópolis ateniense es una antigua ciudadela de Atenas que contiene los restos de varios edificios antiguos, incluido el Partenón.
Objetivos de aprendizaje
Resumir la historia y estructura de la Acrópolis de Atenas
Claves para llevar
Puntos Clave
- La Acrópolis, dedicada a la diosa Atenea, ha jugado un papel importante en la ciudad desde el momento en que la zona fue habitada por primera vez durante el Neolítico. En los últimos siglos, su arquitectura ha influido en el diseño de muchos edificios públicos en el hemisferio occidental.
- Inmediatamente después de la guerra persa a mediados del siglo V a. C., el general ateniense y estadista Pericles coordinó la construcción de los edificios más importantes del sitio, incluidos el Partenón, los Propileos, el Erecteion y el templo de Atenea Nike.
- Las estructuras de la Acrópolis incorporaron los cimientos ciclópeos de estructuras antiguas de la era micénica.
- En su apogeo, el Partenón presentaba una fachada dórica y un interior friso jónico, mientras que el Propilaea dórico, la puerta de entrada a la Acrópolis y una galería de arte en la época clásica, carecía de frisos y esculturas pedimentales. El Erecteión iónico, que se cree que fue dedicado al legendario rey Erectheus, cuenta con un porche sostenido por cariátides columnares. El Templo de Atenea Nike, que celebra las victorias de guerra ateniense, fue construido en el orden jónico.
- Las esculturas de cada uno de estos edificios representan escenas específicas de su significado histórico y mitológico para Atenas.
Términos Clave
- peripteral: Rodeado de una sola fila de columnas.
- prostyle: Columnas independientes en el frente de un edificio.
- entablatura: El área de una fachada de templo que se encuentra horizontalmente encima de las columnas.
- elevación: Proyección geométrica de un edificio, u otro objeto, en un plano perpendicular al horizonte.
- Periodo geométrico: Una era de motivos abstractos y estilizados en la pintura y escultura de jarrones griegos antiguos. El período se centró en Atenas y floreció de 900 a 700 a.C.
- Pericles: Un prominente e influyente estadista griego, orador y general de Atenas durante la Edad de Oro de la ciudad, específicamente, el tiempo entre las guerras persa y peloponeso.
- mayúscula: La parte superior de una columna.
La Acrópolis ateniense
El estudio de la arquitectura de la era clásica está dominado por el estudio de la construcción de la Acrópolis ateniense y el desarrollo del ágora ateniense. La Acrópolis es una antigua ciudadela ubicada en un alto afloramiento rocoso por encima y en el centro de la ciudad de Atenas. Contiene los restos de varios edificios antiguos de gran importancia arquitectónica e histórica.
La palabra acrópolis proviene de las palabras griegas (akron, que significa borde o extremidad) y π (polis, que significa ciudad). Si bien hay muchos otros acropoleis en Grecia, el significado de la Acrópolis de Atenas es tal que se le conoce comúnmente como La Acrópolis sin calificación.
La Acrópolis en Atenas: La Acrópolis ha jugado un papel importante en la ciudad de Atenas desde el momento en que la zona fue habitada por primera vez.
La Acrópolis ha jugado un papel importante en la ciudad desde el momento en que la zona fue habitada por primera vez durante el Neolítico. Si bien hay evidencia de que el cerro estaba habitado ya en el cuarto milenio antes de Cristo, en el Período Clásico Alto fue Pericles (c. 495—429 a. C.) quien coordinó la construcción de los edificios más importantes del sitio, incluyendo el Partenón, los Propileos, el Erecteión y el templo de Atenea Nike.
Los edificios de la Acrópolis fueron construidos en las órdenes dórica e jónica, con relieves dramáticos que adornaban muchos de sus frontones, frisos y metopas.
En los últimos siglos, su arquitectura ha influido en el diseño de muchos edificios públicos en el hemisferio occidental.
Historia temprana
La evidencia arqueológica muestra que la acrópolis fue una vez el hogar de una ciudadela micénica. Las murallas ciclópeas de la ciudadela defendieron la Acrópolis durante siglos, y aún permanecen hoy en día. La Acrópolis estaba habitada continuamente, incluso a través de la Edad Oscura griega cuando cayó la civilización micénica.
Es durante el periodo Geométrico que la Acrópolis pasó de ser el hogar de un rey a ser un sitio santuario dedicado a la diosa Atenea, a quien el pueblo de Atenas consideraba su patrona. La Acrópolis de la era arcaica vio el primer templo de piedra dedicado a Atenea, conocido como el Hekatompedon (griego de cien patas).
Este edificio fue construido a partir de piedra caliza alrededor del 570 al 550 a. C. y tenía cien pies de largo. Cuenta con el hogar original de la estatua de madera de olivo de Atenea Polias, conocida como el Palladium, que se creía que provenía de Troya.
A principios del siglo V los persas invadieron Grecia, y la ciudad de Atenas —junto con la Acrópolis— fue destruida, saqueada y quemada hasta los cimientos en 480 a. C. Posteriormente los atenienses, antes de la batalla final en Plataea, juraron que si ganaban la batalla —que si Atenea protegía una vez más su ciudad— entonces los ciudadanos atenienses abandonarían la Acrópolis tal como está, destruida, como monumento a la guerra. Los atenienses sí ganaron la guerra, y la Acrópolis quedó en ruinas durante treinta años.
Reavivamiento Periclean
Fue inmediatamente después de la guerra persa que el general ateniense y estadista Pericles financió un extenso programa de construcción en la Acrópolis ateniense. A pesar del voto de dejar la Acrópolis en estado de ruina, el sitio fue reconstruido, incorporando todos los materiales antiguos restantes a los espacios del nuevo sitio.
El programa de construcción comenzó en 447 a. C. y fue completado por 415 a. C. Empleó a los arquitectos y artistas más famosos de la época y su escultura y edificios fueron diseñados para complementarse y estar en diálogo entre sí.
Plano de la Acrópolis: Plano de la Acrópolis y alrededores. Los edificios incluyen: (1) Partenón (2) Antiguo Templo de Atenea (3) Erecteo (4) Estatua de Atenea Promachos (5) Propilea (6) Templo de Atenea Nike (7) Eleusinion (8) Santuario de Artemisa Brauronia o Brauroneion (9) Chalkotheke (10) Pandroseion (11) Arrephorion (12) Altar de Atenea (13) Santuario de Zeus Polieus (14) Santuario de Pandión (15) Odeón de Herodes Atticus (16) Stoa de Eumenes (17) Santuario de Asclepio o Asclepieion (18) Teatro de Dioniso Eleuthereus (19) Odeón de Pericles (20) Temenos de Dioniso Eleuthereus (21) Aglaureion.
El Partenón
El Partenón representa una culminación del estilo en la arquitectura del templo griego. Los refinamientos ópticos encontrados en el Parthenon —la ligera curva dada a todo el edificio y la colocación ideal de las metopas y triglifos sobre los capiteles de las columnas— representan el deseo griego de lograr un diseño perfecto y armonioso conocido como simetría.
Mientras el artista Fidias estuvo a cargo del plan general de la Acrópolis, los arquitectos Iktinos y Kallikrates diseñaron y supervisaron la construcción del Partenón (447—438 a.C.), el templo dedicado a Atenea. El Partenón está construido completamente de mármol pentálico, aunque partes de sus cimientos son de piedra caliza de un templo anterior al 480 a. C. que nunca se completó.
El diseño del Partenón varía ligeramente de la planta básica del templo. El templo es peripteral, y así está rodeado por una hilera de columnas. Frente tanto a los pronaos (porche) como a los opisthodomos se encuentra una sola fila de columnas prostyle.
El opisthodomos es grande, contabilizando el tamaño de la tesorería de la Liga Deliana, que Pericles trasladó de Delos al Partenón. El pronaos es tan pequeño que es casi inexistente. Dentro del naos hay una fila de columnas de dos pisos alrededor del interior, y frente a las columnas se encuentra la estatua de culto de Atenea. Es el edificio sobreviviente más importante de la Grecia Clásica.
El Partenón: El Partenón, diseñado por Iktinos y Kallikrates, es un templo en la Acrópolis ateniense, Grecia, dedicado a la diosa doncella Atenea, patrona de Atenas. Su construcción comenzó en 447 a. C. cuando el Imperio ateniense estaba a la altura de su poder.
La elevación del Partenón ha sido aerodinámica y muestra una mezcla de elementos dóricos e iónicos. Las columnas dóricas exteriores son más esbeltas y sus capiteles son rígidos y en forma de cono. El entablamiento también aparece más pequeño y menos peso que los templos dóricos anteriores. El exterior del templo tiene un friso dórico compuesto por metopas y triglifos.
Dentro del templo se encuentran columnas jónicas y un friso iónico que envuelve el exterior del edificio interior. Por último, en lugar de las columnas, todo el edificio tiene una entasis, una ligera curva para compensar el ojo humano. Si el edificio se construyera perfectamente en ángulo recto y con ojos rectos, el ojo humano vería las líneas como curvas. Para que el Partenón apareciera directo al ojo, Iktinos y Kallikrates agregaron una curvatura al edificio que el ojo interpretaría como recto.
Los relieves esculpidos en las metopas del Partenón son tanto decorativos como simbólicos, y relatan historias de los griegos contra los demás. Cada bando representa un conjunto diferente de batallas.
- Sobre la entrada en el lado este se encuentra una Gigantomaquía, que representa la batalla entre los gigantes y los dioses olímpicos.
- El lado oeste representa una Amazonomaquía, mostrando una batalla entre los atenienses y las amazonas.
- El lado norte representa escenas del saco griego de Troya al final de la Guerra de Troya.
- El lado sur representa una centauromaquia, o una batalla con centauros. La Centauromaquia representa la mítica batalla entre los lapitas griegos y los centauros que se produjo durante una boda lapith.
Estas escenas son las más conservadas de las metopas y demuestran cómo Fidias dominó encajar la narrativa episódica en espacios cuadrados.
Centauromaquia: Una metope del lado sur del Partenón, de un Lapith y un centauro. Acrópolis, Atenas, Grecia. c. 447—438 a.C.
El friso procesional iónico interior envuelve las paredes exteriores de los naos. Si bien el friso puede representar una procesión mítica o histórica, muchos estudiosos creen que representa una procesión panateniaca.
La procesión panatenea se produjo anualmente por la ciudad, conduciendo desde la Puerta del Dipilón hasta la Acrópolis y culminando con un cambio ritual de los peplos que llevaba la antigua estatua de Atenea en madera de olivo. La escena procesional comienza en la esquina suroeste y envuelve el edificio en ambas direcciones antes de culminar en medio de la pared del oeste.
Comienza con imágenes de jinetes preparando sus monturas, seguidos de jinetes y carros, jóvenes atenienses con animales de sacrificio, ancianos y doncellas, luego los dioses antes de culminar en el evento central. La imagen central representa doncellas atenienses con textiles, reemplazando los viejos peplos por uno nuevo.
Jinetes en la escena procesional: Un friso iónico del interior del Partenón. Acrópolis, Atenas, Grecia. c. 447—438 a.C.
Los frontones este y oeste representan escenas de la vida de Atenea y el frontón este se conserva mejor que el oeste; afortunadamente, ambos fueron descritos por escritores antiguos. El frontón oeste representaba la contienda entre Atenea y Poseidón por el mecenazgo de Atenas. En el centro del frontón estaban Atenea y Poseidón, alejándose de cada uno para crear una composición dinámica fuertemente cargada.
El frontón este representaba el nacimiento de Atenea. Si bien se ha perdido la imagen central de Zeus, Atenea y Hafesto, los dioses circundantes, en diversos estados de reacción, han sobrevivido.
Grupo escultórico del frontón oriental del Partenón: Si bien se ha perdido la imagen central de Zeus, Atenea y Hafesto, los dioses circundantes, en diversos estados de reacción, han sobrevivido (c. 447—439 a. C.).
Los Propileos
Mnesicles diseñó la Propilea (437-432 a. C.), la monumental puerta de entrada a la Acrópolis. Canalizó todo el tráfico a la Acrópolis hacia una rampa suavemente inclinada. El Propylaea creó una pared de pantalla masiva que fue impresionante y protectora además de acogedora.
Fue diseñado para parecer simétrico pero, en realidad, no lo era. Esta ilusión fue creada por una columnata de columnas pareadas que envolvían alrededor de la puerta de entrada. El ala sur incorporó las murallas ciclópeas originales de la ciudadela micénica. Este espacio estaba truncado pero sirvió como comedor para festejar después de un sacrificio.
El ala norte era mucho más grande. Se trataba de una pinacoteca, donde se colgaban grandes cuadros de panel para su visualización pública. El orden de los Propileos y sus columnas son dóricas, y su decoración es simple, no hay relieves en las metopas y frontón.
El Propileo: El Propileo tal como está hoy. Acrópolis, Atenas, Grecia. c. 437—432 a.C.
Al ingresar a la Acrópolis desde los Propileos, los visitantes fueron recibidos por una colosal estatua de bronce de Atenea Promachos (c. 456 a. C.), diseñada por Fidias. Cuentas y algunas monedas acuñadas con imágenes de la estatua nos permiten concluir que la estatua de bronce retrataba una temible imagen de una Atenea con casco que avanzaba caminando hacia adelante, con su escudo a su costado y su lanza elevada, lista para golpear.
El Erecteion
El Erecteion (421—406 a. C.), diseñado por Mnesicles, es un antiguo templo griego en el lado norte de la Acrópolis. Los estudiosos creen que el templo fue construido en honor al legendario rey Erecteo.
Fue construido en el sitio del Hekatompedon y sobre el megaron de la ciudadela micénica. El extraño diseño del templo resulta de la topografía del sitio y la incorporación del templo de numerosos sitios antiguos.
El templo albergaba el Palladium, la antigua estatua de Atenea en madera de olivo. También se creía que era el sitio del concurso entre Atenea y Poseidón, y así exhibía un olivo, un pozo de agua salada, y las marcas del tridente de Poseidón a los fieles.
También se encontraron dentro del Erecteion santuarios a los míticos reyes de Atenas, Cecrops y Erecteus —que da nombre al templo—. Por su significado mítico y sus reliquias religiosas, el Erecteión fue el sitio final de la fiesta panatenea, cuando los peplos en la estatua de madera de olivo de Atenea fueron reemplazados anualmente por ropa nueva con la debida pompa y ritual.
El Erecteion: Una vista desde el suroeste. Acrópolis, Atenas, Grecia. c. 421—405 a.C.
Un pórtico en el lado sur del Erecteion se conoce como el Porche de las Cariátides, o el Porche de las Doncellas. Seis mujeres, imponentes, esculpidas (cariátides) sostienen el entablamiento. Las mujeres reemplazan las columnas, sin embargo, se ven columnares ellas mismas. Su pañería, especialmente sobre su pata portadora de peso, es larga y lineal, creando un paralelo a la acanaladura en una columna iónica.
Si bien se paran en poses similares, cada estatua tiene su propia postura, rasgos faciales, cabello y pañería. Llevan capiteles de huevo y dardo en la cabeza, tanto como las mujeres a lo largo de la historia han llevado canastas. Entre sus cabezas y esta capital se encuentra un cojín esculpido, que da la apariencia de ablandar la carga del peso del edificio.
La forma columnar esculpida de las cariátides lleva el nombre de las mujeres del pueblo de Kayrai, un pequeño pueblo cercano y aliado a Esparta. En un momento de las Guerras Persas la ciudad traicionó Atenas a los persas. En represalia, los atenienses saquearon su ciudad, matando a los hombres y esclavizando a mujeres y niños. Así, las cariátides representadas en la Acrópolis son representaciones simbólicas del pleno poder de la autoridad ateniense sobre Grecia y el castigo de los traidores.
El pórtico del Erecteion: El pórtico del Erecteion es sostenido por las cariátides. Acrópolis, Atenas, Grecia. c. 421—405 a.C.
El Templo de Atenea Nike
El Templo de Atenea Nike (427—425 a. C.), diseñado por Kallikrates en honor a la diosa de la victoria, se alza en el parapeto de la Acrópolis, al suroeste y a la derecha de los Propileos. El templo es un pequeño templo jónico que consiste en un solo naos, donde una estatua de culto estaba encabezada por cuatro muelles. Los cuatro pilares se alinearon con las cuatro columnas de prostyle iónico de los pronaos. Tanto los pronaos como los opistodomos son muy pequeños, casi inexistentes, y están definidos por sus cuatro columnas prostyle.
El plan para el Templo de Atenea Nike: Este templo es un pequeño templo iónico que consiste en un solo naos, donde una estatua de culto estaba frente por cuatro muelles, c. 427—425 a.C.
Templo de Atenea Nike: El Templo de Atenea Nike, c. 427—425 a. C. Acrópolis, Atenas, Grecia.
El friso continuo alrededor del templo representa escenas de batalla de la historia griega. Estas representaciones incluyen batallas de las Guerras Persa y Peloponeso, incluyendo una escena de caballería de la Batalla en Maratón y la victoria griega sobre los persas en la Batalla de Plataea.
Las escenas en el Templo de Atenea Nike son similares a las escenas de batalla en el Partenón, que representaban el dominio griego sobre no griegos y extranjeros en alegoría mítica. Las escenas representadas en el friso del Templo de Atenea El friso Nike muestran el dominio griego y ateniense y el poder militar a lo largo de los acontecimientos históricos.
Se agregó un parapeto en la balaustrada para proteger a los visitantes de caer por la empinada ladera. Imágenes de Nike, como Nike Adjusting Her Sandal, están talladas en relieve.
En esta escena se retrata a Nike de pie sobre una pierna mientras se inclina sobre un pie y una rodilla levantados para ajustar su sandalia. Su cuerpo está representado en el nuevo estilo High Classical. A diferencia de la escultura arcaica, esta escena en realidad representa el cuerpo de Nike. Su cuerpo y músculos se distinguen claramente debajo de su ropa transparente pero pesada.
Este estilo, conocido como cortinas húmedas, permite a los escultores representar el cuerpo de una mujer sin dejar de preservar la modestia de la figura femenina. A pesar de que el cuerpo de Nike es visible, ella permanece completamente vestida. Este estilo se encuentra en otras partes de la Acrópolis, como en las cariátides y en las mujeres en el frontón del Partenón.
Nike Ajustando su sandalia: Esta estatua está en el Templo de Atenea Nike, c. 425—420 a.C. Se encuentra en la Acrópolis de Atenas, Grecia.
Planeación Urbana en el Período Clásico Alto Griego
Hipódamo de Mileto es considerado el padre del planeamiento racional de la ciudad, y la ciudad de Priene es un excelente ejemplo de sus ciudades planificadas en cuadrícula.
Objetivos de aprendizaje
Describir el papel del Hipósamo de Mileto en el desarrollo de ciudades planificadas en la Grecia Clásica
Claves para llevar
Puntos Clave
- Como arquitecto y urbanista, Hipódamo de Mileto (siglo V a. C.) desarrolló un plan urbano basado en calles que se cruzan en ángulo recto, conocido como el Plan Hippodámico.
- El Plan Hippodamia se basa en una cuadrícula de ángulos rectos y la asignación del espacio público y privado. El centro de la ciudad es el hogar de los espacios públicos cívicos más importantes de la ciudad, como el ágora, la bouleuterion, los teatros y los templos. Las habitaciones privadas rodean las áreas públicas de la ciudad.
- Dado que el Plan Hippodámico se basa en ángulos y mediciones, se puede dispensar uniformemente sobre cualquier tipo de terreno. En la ciudad de Priene, el plano se presenta sobre una ladera inclinada, y el terreno es aterrazado para encajar en la red racional de casas, calles y edificios públicos.
Términos Clave
- Ionia: Un antiguo asentamiento griego en la costa oeste de Asia Menor habitado por una de las cuatro principales tribus helénicas.
- bouleuterion: Un edificio que albergaba el consejo de ciudadanos en la Antigua Grecia; un salón de actos.
- plan de cuadrícula: Un tipo de plano de ciudad en el que las calles discurren en ángulo recto entre sí.
Hipódamo de Mileto
Aunque la idea de la cuadrícula estaba presente en la planeación urbana griega temprana, no era omnipresente antes del siglo V a. C. Después de las Guerras Persa y Peloponeso, muchas ciudades quedaron diezmadas y necesitadas de reconstrucción. Antes de la planificación racional de la ciudad, las ciudades crecieron orgánicamente y a menudo irradiaban desde un punto central, como la Acrópolis y el Ágora en el centro de Atenas.
Hipódamo de Mileto en la costa jónica (la costa occidental de la Turquía moderna) fue un arquitecto y urbanista que vivió entre 498 y 408 a.C. Se le considera el padre del planeamiento urbano, y su nombre se le da al diseño de cuadrícula del urbanismo, conocido como el plan hippodámico.
Sus planes de ciudades griegas se caracterizaron por el orden y la regularidad en contraste con la complejidad y confusión comunes a las ciudades de esa época. Se le ve como el creador de la idea de que un plan de pueblo podría encarnar y aclarar formalmente un orden social racional.
El plan hippodamia ahora se conoce como un plan de cuadrícula formado por calles que se cruzan en ángulo recto. Hipódamo ayudó a reconstruir muchas ciudades griegas usando este plan, y la construcción fue exportada a colonias griegas recién asentadas. Posteriormente fue adoptado por Alejandro Magno para las ciudades que fundó y finalmente fue ampliamente utilizado por los romanos para sus colonias.
El plan no solo abarcaba el patrón de cuadrícula para las calles sino que también designaba un tamaño estándar para las manzanas de la ciudad y asignaba espacio público y privado. Por lo general, los espacios públicos de las agoras y teatros griegos se ubicaban en el centro de la ciudad. Se despejaría espacio adicional para gimnasios y estadios. La acrópolis, la parte más alta de la ciudad, siempre estuvo reservada para los templos más importantes de la ciudad.
Priene y Mileto
La ciudad de Priene, ubicada cerca de Mileto en la costa jónica, es un excelente ejemplo del plan hippodamia. La ciudad está ubicada en una ladera, y el plan urbano fuerza la estructura sobre el paisaje natural. Las calles planificadas de la ciudad dividen la ladera inclinada en bloques, que se dividen en lotes para viviendas privadas.
En el centro de la ciudad había muchos edificios públicos. El ágora fue el componente central de la ciudad. Su stoa con columnas delimitaba el espacio público hacia el norte. El ágora se extendía a lo largo de seis cuadras de la ciudad y estaba flanqueado en su lado sur por el Templo de Zeus.
Al norte del stoa estaba el bouleuterion, el salón de asambleas y un pequeño teatro. Un Templo de Atenea estaba ubicado justo al noroeste del ágora. Bloques de vivienda rodeaban el ágora. Por la ladera de ellos en terreno llano estaban el gimnasio y el estadio. Por encima de la ciudad, en lo alto de una ladera, estaba la acrópolis de la ciudad.
Bouleuterion: Un bouleuterion en Priene, Turquía.
El plan de Priene sigue el plan de cuadrícula racional establecido por Hipódamo y demuestra su función, incluso cuando se coloca sobre el terreno rocoso y montañoso. La ubicación de la ciudad en una ladera no constriñó su uniformidad ni la asignación de espacios públicos y privados. En cambio, el plan racional de Priene permitió el acceso a múltiples sitios de la ciudad y una fácil navegación por la ciudad.
En la ciudad natal de Hipódamo, Mileto, el plan de cuadrícula se convertiría en el modelo de planeamiento urbano seguido por los romanos. Lo más impresionante es su amplia zona central, que se mantiene inquieta de acuerdo a su estimación urbana a macroescala y con el tiempo evolucionó hacia el Ágora, el centro tanto de la ciudad como de la sociedad.
Plano de cuadrícula de Mileto, c. 400 a. C.: En la ciudad natal de Hipódamo, Mileto, el plan de cuadrícula se convertiría en el modelo de planeamiento urbano seguido por los romanos.
Estelas en el Período Clásico Alto Griego
Grandes estelas talladas en relieve se convirtieron en los nuevos marcadores funerarios en Grecia durante el período de Alta Clásica.
Objetivos de aprendizaje
Describir la función de las estelas en la escultura griega clásica alta
Claves para llevar
Puntos Clave
- Las estelas funerarias eran grandes y rectangulares. A menudo estaban rematados por frontones que a menudo, aunque no siempre, estaban apoyados por columnas. Las estelas fueron pintadas originalmente y en algunos casos adornadas con puntales metálicos como lanzas.
- Las estelas funerarias de la Grecia clásica son retratos idealizados que intentan relatar el carácter y la posición social de los muertos a través de atributos representados en el marcador de la tumba. Los ejemplos incluyen un guerrero representado en la batalla o una mujer que se adorna con joyas.
- Los relieves en estelas funerarias siguieron las características estilísticas de la época clásica. Los cuerpos de los hombres están bien modelados y, si están de pie, a menudo se paran con contrapposto. La pañería a menudo se retrata en el estilo de pañería húmeda, lo que permite que se muestre la forma del cuerpo.
- Las estelas funerarias de los niños suelen representar animales de compañía, como palomas y otras aves, que podrían haber tenido conexiones simbólicas con la otra vida.
Términos Clave
- naiskos: Un pequeño templo hecho en el orden Clásico con columnas o pilares y frontón.
- Kerameikos: Un área de la Antigua Atenas ubicada al noroeste de la Acrópolis a ambos lados de la Puerta del Dipilón. La ubicación es conocida como el barrio del alfarero.
- estela: Un monumento de piedra alto y esbelto, a menudo con escritura tallada en su superficie
Estelas funerarias
Una estela (plural: estelas) es una gran losa de piedra o madera erigida con fines conmemorativos y funerarios. Las estelas de la antigua Grecia reemplazaron los marcadores funerarios de los kraters geométricos y ánforas, y los kouroi y korai arcaicos de la época clásica.
Las estelas eran anchas y altas y eran retratos de estilo clásico. Si bien las cifras aún estaban idealizadas, estaban destinadas a representar a individuos específicos. Las estelas estaban inscritas con el nombre de los muertos y muchas veces los nombres de los familiares. La mayoría de las estelas son rectangulares y a menudo rematadas con un frontón. Columnas a menudo, pero no siempre aparecen a cada lado, aparentemente para sostener el frontón. Las estelas en este estilo arquitectónico simulado asumen la forma de un templo funerario llamado naiskos. Una inscripción se ubicaría en el frontón o debajo de la imagen, en cuyo caso el frontón estaba pintado, liso, o decorado simplemente con diseños geométricos.
Las figuras representadas en las estelas de la época clásica son del mismo estilo y manera que se ven en la escultura clásica y en la decoración escultórica de la arquitectura, como los frontones y el friso de un templo. Las estelas como marcadores de tumbas se popularizaron alrededor del 430 a. C., coincidiendo con el inicio de la Guerra del Peloponeso. Cada estela es única por sus intentos de individualizar y caracterizar los atributos y la personalidad de los muertos.
Estela Grave de Hegeso
La estela grave de Hegeso del cementerio de Kerameikos a las afueras de Atenas representa a una mujer sentada. La estela data del 400 a. C., y la mujer se ajusta a la representación estilística de la mujer en este momento.
Hegeso se sienta en una silla con los pies apoyados en un reposapiés. Ella está elegantemente vestida con cortinas largas y fluidas. Una asistente femenina con vestido sencillo se encuentra ante ella sosteniendo una pequeña caja, de la que Hegeso elige joyas. La joyería ahora está ausente porque era sólo un detalle pintado, a diferencia de tallado en relieve.
Ambas mujeres visten ropa transparente que se aferra a su cuerpo para aliviar su forma femenina, aunque la ropa es más reveladora en Hegeso que su sirvienta. Este estilo, conocido como cortinas mojadas, también aparece en el Templo de Atenea Nike en Atenas. Ambas figuras son inexpresivas y sin emociones.
Estela grave de Hegeso: Esta estela es del cementerio de Kerameikos a las afueras de Atenas y representa a una mujer sentada con su sirviente ante ella. La estela data del 400 a. C., y la mujer se ajusta a la representación estilística de la mujer en este momento.
Estela grave de un atleta
La estela grave de un atleta (principios del siglo IV a. C.), de la isla de Delos, representa a un atleta masculino que recibe lekythos de petróleo de un joven masculino. El cuerpo del atleta recuerda a los Doryphoros de Polykleitos. Es atlético, y los músculos se definen a través del modelado en lugar de líneas.
Se para en una pose de contrapposto con la cabeza amarrada, alcanzando la petaca que sostiene el joven asistente. La edad del joven no se define por su cuerpo bien construido (que es muy similar a la del atleta) sino por su diminuto tamaño.
Estela grave de un atleta: Esta estela muestra a un atleta parado en una pose de contrapposto con la cabeza amarrada, alcanzando la petaca que sostiene el joven asistente. Circa 375 a. C., de Delos, Grecia.
Estela Grave de Dexileos
La estela grave de Dexileos (390 a. C.) en el cementerio Kerameikos de Atenas es otra demostración de cómo los relieves estelares reflejan el estilo escultórico y los motivos de la época. Esta estela recuerda el relieve tallado de jinetes atenienses del friso jónico del Partenón.
Dexileos monta a hordas sobre un caballo de cría, cargando a un enemigo. La inscripción hace referencia a su temprana muerte en una batalla contra los corintios. Probablemente originalmente sostenía una lanza de metal en su mano levantada. Las dos figuras, Dexileos y el corintio, se visten de manera diferente. La desnudez del corintio significa su diferencia con el ateniense civilizado que está debidamente vestido. La capa voladora y el caballo de cría de Dexileos agregan drama a escena, que a pesar de su contenido, es extrañamente inexpresivo debido a las caras sin emociones de los personajes.
Estela grave de Dexileos: Esta estela de mármol recuerda el relieve tallado de jinetes atenienses del friso iónico del Partenón. Hacia el 390 a. C., del Cementerio Dipylon en Atenas, Grecia.
Estela grave de una niña
Si bien las estelas anteriores conmemoran a los adultos, las estelas graves también conmemoran a los niños. La estela grave de una niña (450—440 a. C.), que carece de frontón y permite a la fallecida asumir la mayor parte del espacio, representa a una niña pequeña sosteniendo dos palomas, presumiblemente sus mascotas.
Un pájaro se posa en sus manos, mientras que el otro parece acurrucarse junto a ella y picotearle cariñosamente la boca. Ella inclina la cabeza hacia ambas palomas, luciendo una expresión facial solemne, como si despidiera a los animales. Tales imágenes de niños y animales de compañía son un tema común en las estelas graves de la época clásica.
La capacidad de las palomas para volar las conectaba con la muerte y la vida después de la muerte. Algunos expertos teorizan que se creía que las palomas podían comunicarse con las de la otra vida. Al igual que las mujeres en la Estela Grave de Hegeso, la ropa de la niña asume el estilo de cortinas húmedas para acentuar los contornos de su cuerpo mientras le permite mantener la modestia femenina.
Estela grave de una niña: Esta estela carece de frontón y permite al difunto asumir la mayor parte del espacio. Representa a una niña pequeña sosteniendo dos palomas, presumiblemente sus mascotas. De la Isla de Paros, c. 450—440 a.C.
Pintura en la época clásica alta griega
Las pinturas de paneles y tumbas del Periodo Clásico Superior representan figuras naturales con alta plasticidad y composiciones dinámicas.
Objetivos de aprendizaje
Describir los estilos de pintura que se desarrollaron a través del periodo Clásico Alto como se ve en las pinturas de paneles y tumbas
Claves para llevar
Puntos Clave
- Pocos ejemplos de panel, fresco y pintura mural sobreviven debido a sus materiales orgánicos. Sin embargo, los ejemplos que sobreviven de los períodos Arcaico, Clásico y Clásico Tardío demuestran el mismo desarrollo de la figura, desde imágenes rígidas y rígidas hasta escenas dinámicas de figuras naturales.
- El pintor Apolodoro fue considerado uno de los pintores más talentosos de la época clásica. Desarrolló una técnica para representar sombras y profundidad conocida por los griegos como skiagraphia, que es similar al uso renacentista del claroscuro.
- Se cree que el mosaico romano de Alejandro es una copia de un fresco griego a gran escala o una pintura de panel de finales del siglo IV a. C. Su notable detalle y características identificables de Alejandro Magno en medio de una dinámica batalla apuntan a la habilidad de los pintores griegos al final de la era clásica.
Términos Clave
- simposio: Una fiesta para beber, especialmente una con discusión intelectual, en la antigua Grecia.
- claroscuro: Una técnica artística popularizada durante el Renacimiento, refiriéndose al uso de contrastes de luz exagerados para crear la ilusión de volumen.
La Grecia clásica fue un período de 200 años en la cultura griega que duró del siglo V al IV a. C. Este periodo clásico, siguiendo el período arcaico y sucedido por el período helenístico, tuvo una poderosa influencia en el Imperio Romano e influyó mucho en los cimientos de la civilización occidental. Gran parte de la política occidental moderna y el pensamiento artístico, como la arquitectura, el pensamiento científico, la literatura y la filosofía, deriva de este período de la historia griega.
Pintura de Panel
La pintura de panel es la pintura sobre paneles planos de madera, ya sea una sola pieza grande o varios unidos entre sí. Debido a su naturaleza orgánica ya no existen muchos cuadros de panel. Las pinturas a panel se realizaban generalmente en encáustica o témpera y se exhibían en el interior de edificios públicos, como en la pinacoteca de los Propileos de la Acrópolis ateniense.
Las primeras pinturas de panel conocidas son los Paneles Pitsa que datan del período arcaico entre 540 y 530 a.C. Sin embargo, la pintura en panel continuó durante todo el período clásico.
El pintor Apolodoro fue considerado por los griegos y romanos como uno de los mejores pintores del periodo Clásico Temprano, aunque ninguna de sus obras sobrevivió. Se le atribuye el uso de crear sombras mediante una técnica conocida como skiagraphia. La técnica capa rayado y trazadores de líneas de contorno para agregar perspectiva a la escena y es similar a la técnica renacentista del claroscuro.
Paneles Pitsa: Estos son los primeros cuadros de panel conocidos, y datan del período arcaico entre 540 y 530 a.C.
Pintura de Tumba
La pintura de tumbas fue otro método popular de pintura, que debido a su naturaleza frágil a menudo no ha sobrevivido. Sin embargo, quedan algunos ejemplos, entre ellos la Tumba del buceador del 480 a. C. y las pinturas murales de las tumbas reales macedonias en Vergina que datan de mediados del siglo IV a. C. Una comparación entre las pinturas demuestra cómo la pintura siguió el desarrollo escultórico en lo que respecta a la representación del cuerpo humano.
La Tumba del Buzo es de una pequeña necrópolis en Paestum, Italia, que entonces era la colonia griega de Poseidonia, y data de principios de la época clásica. La tumba representa una escena de simposio en sus paredes y una imagen de buzo en el interior de la losa de cubierta.
Las imágenes están pintadas en verdadero fresco con un mortero de piedra caliza. La escena del buceador es una imagen simple con un pequeño paisaje de árboles, agua y la plataforma del buceador. El buzo está desnudo y su cuerpo simplemente se define a través del uso de línea y color. Los cuerpos de los hombres en el simposio demuestran con mayor precisión una dependencia arcaica en la línea para modelar la forma del cuerpo y el drapeado de su ropa.
Tumba del buceador: Este es el fresco de la escena del simposio pintado en la Tumba del Buzo.
En comparación con las pinturas murales de las tumbas de Vergina, la pintura de la tumba del Clásico Temprano es estática y bastante arcaica. Los frescos de Vergina representan figuras en una versión completamente pintada del estilo High Classical.
Por ejemplo, hay una imagen que se cree representa al rey Felipe II en un carro tirado por dos caballos. El fresco está mal conservado pero uno es capaz de ver en el caballo de Felipe el modelado de los animales producido por el sombreado de color y una sugerencia de perspectiva al mirar el carro. El artista confía en los matices y matices de sus pinturas para crear profundidad y una sensación realista en la pintura.
Man on a Chariot: Los frescos de Vergina representan figuras en una versión completamente pintada del estilo High Classical.
Una de las pinturas murales por excelencia en Vergina es Hades secuestrando a Perséfone. La escena pintada aparece similar al estilo escultórico del Clásico Tardío y la composición dinámica y llena de emociones parece predecir el estilo de la escultura helenística.
La escena representa a Hades en su carro, agarrándose al torso desnudo de Perséfone mientras la pareja se aleja. Los colores están descoloridos y tenues, pero la cortina roja brillante que lleva Perséfone sigue siendo fácilmente identificable. Las líneas y el sombreado enfatizan sus pliegues.
El estilo parece casi impresionista, sobre todo al examinar la cara y el cabello de Perséfone. Perséfone y Hades crean una composición chiástica llena de tensión, mientras Hades corre hacia la izquierda, contra el tirón del desesperado alcance de Perséfone hacia la derecha hacia afuera.
Hades Secuestrando a Perséfone. : Una de las pinturas murales por excelencia en Vergina es una escena de Hades secuestrando a Perséfone.
Alejandro Magno
Alejandro III de Macedonia (356—323 a. C.), mejor conocido como Alejandro Magno, controló y elaboró con mucho cuidado su retrato. Para mantener el control y la estabilidad en su imperio, tuvo que asegurarse de que su pueblo lo reconociera a él y a su autoridad.
Debido a esto, el retrato de Alexander fue ambientado cuando era muy joven, muy probablemente en su adolescencia, y nunca varió a lo largo de su vida. Para controlar aún más sus tipos de retratos, Alexander contrató artistas en diferentes medios como la pintura, la escultura y el corte de gemas para diseñar y promover el estilo retrato del medio. De esta manera, Alexander utilizó el arte y los artesanos por su valor propagandístico para apoyar y dar rostro y legitimidad a su gobierno.
Mosaico Alexander
El Mosaico Alexander es un mosaico de piso romano de aproximadamente 100 a. C. que fue excavado de la Casa del Fauno en Pompeya. El mosaico representa la Batalla de Issus que ocurrió entre las tropas de Alejandro Magno y el rey Darío III de Persia. Se cree que el mosaico es una copia de un cuadro de panel a gran escala de Aristides de Tebas, o un fresco de los filoxenos de Eretria de finales del siglo IV a.C.
Alejandro Mosaico (Batalla de Issus): Se cree que es una copia de un fresco de Filoxenos de Eretria o una pintura a panel de Aristides de Tebas (finales del siglo IV a. C.). Alejandro es representado de perfil en el extremo izquierdo. Se trata de una pieza romana, de la Casa del Fauno en Pompeya a finales del siglo II o III a.C.
El mosaico es notable. Representa un agudo sentido del detalle, despliega dramáticamente el drama de la batalla y demuestra el uso de la perspectiva y el escorzo. Los dos personajes principales de la batalla son fácilmente distinguibles y este retrato de Alejandro puede ser uno de sus más reconocibles. Viste una coraza y una aegis, y su cabello es característicamente descabellado. Monta a la batalla en su caballo, Bucephalo, liderando sus tropas. La mirada de Alejandro permanece enfocada en Darío y aparece tranquilo y en control, a pesar de la agitada batalla que ocurre a su alrededor.
Darío III, en cambio, manda la batalla en desesperación desde su carro, ya que su auriga los saca de la batalla. Sus caballos huyen bajo el látigo del auriga y Darío se inclina hacia afuera, extendiendo una mano acabando de lanzar una lanza. Su posición corporal contradice el movimiento de su carro, creando tensión entre él y su huida.
Otros detalles en el mosaico incluyen las expresiones de los soldados y los caballos, como un caballo colapsado y su jinete en el centro de la batalla, a un aterrorizado persa caído, cuya expresión se refleja en su escudo.
El sombreado y el juego de luces en el mosaico, refleja el uso de la luz y la sombra en la pintura original para crear un espacio realista, tridimensional. Los caballos y los soldados se muestran en múltiples perspectivas desde el perfil, hasta las tres cuartas partes, hasta el frontal, y un caballo incluso se enfrenta al público con su grupa. El cuidadoso sombreado dentro de las teselas de mosaico modela a los personajes para dar a las figuras masa y volumen.
Escultura en el Alto Clásico Griego
La escultura clásica alta demuestra el estilo cambiante en la obra escultórica griega a medida que las figuras se vuelven más dinámicas y menos estáticas.
Objetivos de aprendizaje
Comparar y contrastar los estilos de Polykleitos, Fidias y Myron durante el periodo de Alta Clásica
Claves para llevar
Puntos Clave
- Después de dominar la representación de cuerpos naturalistas a partir de piedra, los escultores griegos comenzaron a experimentar con nuevas poses que expandieron el repertorio del arte griego. Las esculturas de este periodo posterior se alejan de las características clásicas que aún mantienen: el idealismo y el estilo Severo.
- Polykleitos es más conocido por su Canon, representado en los Doryphoros, pero también es conocido por sus Diadumenos y Discóforos. Estos dos atletas esculpidos también se realizan de acuerdo a su canon y se representan en contrapposto con poses chiásticas.
- Fidias fue uno de los escultores más reconocidos de su tiempo. Supervisó el programa escultórico de la Acrópolis ateniense y también es conocido por sus gigantescas estatuas de culto criselefantinas de Zeus y Atenea Partenos.
- Myron es un escultor de bronce de la época del Alto Clásico. Sus estatuas son conocidas por estar imbuidas de energía potencial. Su Discobolos está listo para la primavera, preparándose para lanzar un disco. Si bien aún idealizada, la figura parece estar congelada en una acción de intenso movimiento.
Términos Clave
- criselefantina: Hecho de oro y marfil.
- aegis: Un atributo de Zeus o Atenea, generalmente representado como un escudo de piel de cabra.
Polykleitos
Polykleitos fue un famoso escultor griego que trabajó en bronce. También fue un teórico del arte que desarrolló un canon de proporción (llamado el Canon) que se demuestra en su estatua de Doryphoros (Portador de Lanza) Muchas de las estatuas de bronce de Polykleitos de la época clásica, entre ellas las Doryphoros, sobreviven únicamente como copias romanas ejecutadas en mármol. Polykleitos, junto con Fidias, se cree que crearon el estilo reconocido como escultura griega clásica.
Otro ejemplo del Canon en el trabajo se ve en la estatua de Polykleitos de Diadumenos, un joven que se probaba una diadema, y su estatua Discophoros, un portador de disco. Ambas copias romanas de mármol representan figuras atléticas, desnudas y masculinas.
Se idealizan los cuerpos de las dos figuras. La desnudez permite ver fácilmente la armonía de las partes, o simetria, e ilustra los principios discutidos en el Canon. El Canon se centró en la proporción de partes del cuerpo en relación entre sí para crear la forma masculina ideal. Ambas estatuas demuestran una proporción fina, un equilibrio ideal y las partes definibles del cuerpo.
Discóforos: Se trata de una copia de mármol romano del original de bronce griego de Polykleitos, c. 440 a.C.
Diadoumenos: Se trata de una copia de mármol romano del original de bronce griego de Polykleitos, circa 430 a.C.
Los atletas se muestran en posturas de artilugio. El Discóforo desplaza su peso a su pierna izquierda. Sus caderas y la inclinación ligeramente hacia adelante hacia su pierna derecha exageran el cambio de peso. La figura se equilibra en su pierna izquierda, la cual se dibuja hacia atrás, y el resto de su cuerpo responde adecuadamente a esta postura.
El Diadumenos también se alza en contrapposto, aunque su movimiento parece más adelante y estable que el de los Discóforos. Se une a una banda que lo identifica como ganador en un certamen atlético. Sus brazos levantados añaden un nuevo componente dinámico a la composición.
Los Discóforos y Diadumenos, junto con los Doryforos, demuestran la flexibilidad de la composición basada en el Canon y la vivacidad innata producida por las posturas contrapposto. A pesar de los aspectos vivos y las poses únicas de las figuras, los tres aún conservan el estilo Severo y el rostro inexpresivo de la escultura griega primitiva.
Polykleitos no solo trabajaban en bronce sino que también es conocido por su estatua de culto criselefantina de Hera en Argos, que en la antigüedad se comparaba con las colosales estatuas de culto criselefantinas de Fidias.
Fidias
Fidias fue el escultor y director artístico de la Acrópolis ateniense y supervisó el programa escultórico de todos los edificios de la Acrópolis. Fue considerado uno de los mayores escultores de su tiempo y creó monumentales estatuas de culto de oro y marfil para ciudades-estado de toda Grecia.
Fidias es bien conocido por la Atenea Partenos, la colosal estatua de culto en los naos del Partenón. Si bien la estatua se ha perdido, los relatos escritos y las reproducciones (miniaturas y representaciones en monedas y gemas) nos proporcionan una idea de cómo apareció la escultura.
Estaba hecho de marfil, plata y oro y tenía un soporte de núcleo de madera. Atenea se quedó coronada, vistiendo su casco y aegis. Su escudo estaba erguido a su lado izquierdo y su mano izquierda descansaba sobre él mientras que en su mano derecha sostenía una estatua de Nike. La reconstrucción de un artista se encuentra en el Partenón de Nashville.
Reconstrucción de Athena Parthenos de Fidias: Esta se encuentra en el Partenón en Centennial Park, Nashville, TN.
Antes de crear la estatua de Atenea Partenos para Atenas, Fidias era mejor conocido por su estatua criselefantina de Zeus en Olimpia, que era considerada una de las maravillas del mundo. Se dice que la estatua de Zeus en Olimpia tenía 39 pies de altura estatua criselefantina.
Al igual que con Atenea Partenos, no se sabe mucho con certeza sobre cómo se veía la estatua, aunque los relatos escritos y las copias de mármol y acuñación aportan posibles ideas. Además de construirse en una escala colosal, los reportes indican que la figura de Zeus estaba sentada y sostenía un cetro y una estatua de Nike. Un águila estaba encaramado ya sea a su costado o sobre su cetro.
Además de estar decorada con oro y marfil, la escultura se embelleció aún más con ébano y piedras anteriores. La concepción artística de la colosal escultura reside en el Museo del Hermitage en San Petersburgo, Rusia.
Reconstrucción del Zeus de Fidias en Olimpia: La concepción artística de la colosal escultura reside en el Museo del Hermitage en San Petersburgo, Rusia.ia.
Myron
El artista ateniense Myron también produjo esculturas de bronce a mediados del siglo V a. C. Su obra más famosa es la de los Diskobolos, o lanzador de discos (que no debe confundirse con el portador del disco de Polykletios, Discophoros). El Diskobolos muestra a un desnudo masculino joven y atlético con un rostro al estilo Severo. Su cuerpo sostiene una pose de contrapposto; una pierna soporta su peso, mientras que la otra está relajada. Un brazo relajado equilibra su cuerpo y el otro brazo se tensa, preparándose para soltar el disco. Los Diskobols demuestran una composición dinámica y quiástica que se basa en líneas diagonales para mover el ojo alrededor de la escultura.
Diskobols: Se trata de una copia de mármol romano de un original de bronce griego de Myron, c. 450 a.C.
Esta figura representa otro elemento nuevo en la escultura clásica: la ilustración del potencial de energía. Su energía aparece enrollada, esperando que la figura la libere. La estatua representa un momento rápido y transitorio y que se congela en un momento preciso para exhibir la armonía, el equilibrio y el ritmo perfeccionados tanto por el atleta como por el artista.
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