9.3: Arte Bizantino Tardío

Arte Bizantino Tardío

El arte bizantino tardío comenzó después del saqueo de Constantinopla en 1204 y continuó hasta la caída de Bizancio en 1453.

Objetivos de aprendizaje

Explicar cómo el arte durante el periodo bizantino tardío se apartó de los estándares y estilos vistos en sus períodos tempranos y medios

Claves para llevar

Puntos Clave

• Los ejércitos francés e italiano saquearon Constantinopla durante las Cuarta Cruzadas en 1204 y dividieron el imperio Bizancio en reinos más pequeños. Los bizantinos finalmente reconquistaron Constantinopla en 1261 y el Imperio Bizantino continuó reinando hasta caer en manos de los turcos otomanos en 1453.
• El arte durante los últimos siglos del Imperio Bizantino se conoce como arte bizantino tardío y los estilos y convenciones de los períodos bizantinos tempranos y medios comienzan a cambiar para reflejar dinámicas y gustos emergentes.
• Los mosaicos y frescos todavía se usaban para la decoración de iglesias, aunque las pinturas murales con frescos se hicieron más populares. El cambio en el medio favorecido también cambió los tipos de imágenes; las pinturas murales favorecen más las escenas y ciclos narrativos en lugar de las imágenes individuales estándar.
• Durante este periodo los paisajes y escenarios comenzaron a emerger en el arte bidimensional. Además, se utilizó un nuevo método de representación del cuerpo, con modelado y sombreado más suaves. Las túnicas y las cortinas siguen siendo renderizadas esquemáticamente, pero las figuras ahora tienen cuerpos masivos y tangibles.

Términos Clave

• Otomano: Del imperio islámico de Turquía.

Arte Bizantino Tardío

El período de Bizancio tardío vio el declive del Imperio Bizantino durante los siglos XIII al XV. Si bien la ciudad capital de Constantinopla y el imperio en su conjunto prosperaron como una conexión entre los comerciantes del este y el oeste, Bizancio continuamente se ocupó de las amenazas de los turcos otomanos hacia el este y el Imperio Latino hacia el oeste.

Durante las Cuarta Cruzadas, los cruzados atacaron Constantinopla, asediaron la ciudad en 1203, y finalmente superaron sus defensas para saquear la ciudad en 1204. Constantinopla se convirtió en la capital del Imperio Latino, uno de los nuevos reinos de un Bizancio dividido, hasta que los bizantinos la retomaron en 1261.

Una vez más, Constantinopla se convirtió en una próspera ciudad bizantina hasta caer en manos de los turcos otomanos en 1453. El saqueo de Constantinopla en 1204 marca el punto de partida del Arte Bizantino Tardío, que duró hasta el siglo XV y se extendió más allá de las fronteras de Bizancio.

La división del Imperio Bizantino: La división del Imperio Bizantino tras su saqueo en 1204 por los ejércitos francés e italiano durante las Cuarta Cruzadas.

El arte durante este período comenzó a cambiar de los estándares y estilos vistos en los períodos Temprano y Medio de la regla Bizancio. Un renovado interés por los paisajes y los escenarios terrenales surgió en mosaicos, frescos y salterios. Este desarrollo finalmente llevó a la desaparición del fondo dorado.

Los escenarios suelen ser simples, quizás una colina o una silla al principio, y a menudo son pastorales. La arquitectura comenzó a representarse con más frecuencia, lo que renovó el uso de la perspectiva. Al principio los edificios se renderizaron ligeramente sesgados, pero finalmente los artistas refinaron la combinación de material (mosaico y pintura) con arquitectura y perspectiva.

Cristo sanando a un paralítico: Un mosaico en Caphernaum desde el ciclo de la Vida de Cristo. Se encuentra en el narthex exterior de la Iglesia de Chora, Constantinopla, circa 1310—20.

Iglesia de Chora

El trabajo en mosaico seguía siendo popular en el período bizantino tardío, pero los frescos y la representación de ciclos narrativos comenzaron a aumentar en popularidad para convertirse en la decoración principal en las iglesias. Esta transición se ve en la Iglesia de Chora, que inicialmente fue decorada en mosaico, con el ala final decorada con pinturas murales. El cambio en los medios cambió los temas representados.

Los mosaicos de escenas y figuras individuales fueron reemplazados en favor de ciclos narrativos frescos e historias bíblicas. El renderizado de las cifras también comenzó a cambiar. Los artistas ahora confiaban menos en pliegues y patrones nítidos y esquemáticos y, en cambio, utilizan modelados y sombras más suaves y sutiles. Si bien aún se pueden encontrar pliegues nítidos en las cortinas en las imágenes de este período, estos pliegues se renderizan en colores y sombras similares, no complementarios. Además, los cuerpos parecen tener masa y peso. Las figuras ya no flotan ni flotan sobre sus dedos de los pies sino que se paran sobre sus pies. Esto permite la adición de movimiento y energía en las figuras pintadas y un aumento general del drama y la emoción.

Frescoed interior del Fresco Paracclesion: Escenas de la vida de la Virgen María y Cristo. Iglesia de Chora, Constantinopla, c. 1310—20.

Iglesia Pammakaristos

Aunque la escultura y el diseño de columnas están en gran parte ausentes de las discusiones sobre el arte bizantino tardío, algunos ejemplos notables del siglo XIV se pueden encontrar en la Iglesia Pammakaristos en Constantinopla. Si bien la iglesia se convirtió en mezquita en el siglo XV, y todas las representaciones de humanos y animales fueron destruidas o cubiertas, al menos dos fragmentos de una columna capital que representan los bustos de apóstoles en alto relieve sobreviven en la colección al menos dos fragmentos de una columna capital que representa los bustos de apóstoles en

Si bien las cabezas de los hombres son algo grandes en proporción a sus cuerpos, sus cuerpos han asumido posiciones más naturalistas que sus predecesores. Dirigen sus miradas a ángulos sutiles o agudos. Las dos manos que son visibles sostienen libros, posiblemente los Evangelios, en sus pechos. En suma, sus poses anticipan el regreso al clasicismo que definiría el Renacimiento en Occidente.

Columna capital decorada con bustos de apóstoles: Sus poses anticipan el regreso al clasicismo que definiría el Renacimiento en Occidente.

La Iglesia Chora en Constantinopla

La Iglesia Chora está decorada con murales y mosaicos icónicos del siglo XIV que representan los estilos artísticos bizantinos tardíos.

Objetivos de aprendizaje

Describir las formas en que la Iglesia Chora en Constantinopla representa estilos artísticos bizantinos tardíos

Claves para llevar

Puntos Clave

• La arquitectura, los mosaicos y los frescos de la Iglesia Chora son ejemplos excepcionales de desarrollos artísticos y estilo bizantinos tardíos. La iglesia que hoy se levanta consiste en dos narthices, una parecclesion, y una capilla mortuoria.
• Los mosaicos demuestran la nueva pesadez y suavidad que se ve en el arte bizantino tardío. Como se ve en el Mosaico de Koimesis, los cuerpos están más modelados, delicadamente sombreados y tienen masa —las figuras parecen pararse en el suelo en lugar de flotar.
• La pintura mural al fresco es el principal medio de decoración en la paracclesión. El programa de imágenes se relaciona con Cristo y la Virgen María al representar escenas de sus vidas, sus antepasados, y temas de salvación, que culminan en escenas del Juicio Final.
• El fresco del ábside de la Anastasis representa a Cristo redimiendo almas del Antiguo Testamento del Infierno. La escena está llena de energía y se centra en Cristo que agarra las muñecas de Adán y Eva. Las figuras se representan con gracia y un suave modelado de masa y cortinas.
• A lo largo de los mosaicos y frescos, Cristo es representado como un salvador y gobernante barbudo (maduro y sabio). Esta evolución de jóvenes bien afeitados a adultos barbudos coincide con la evolución del cristianismo de religión ilegal a religión estatal.

Términos Clave

• dado: La porción inferior de una pared interior que está decorada de manera diferente a la porción superior.
• koimesis: También conocida como la Dormición de la Virgen, esta es una representación de la Virgen María en su último sueño, al morir, antes de ascender al cielo.
• mandorla: Una nube o resplandor almendrado que rodea a figuras sagradas, como Cristo o la Virgen María, en el arte cristiano tradicional.
• parecclesion: Una capilla lateral que se encuentra en la arquitectura bizantina.
• narthex: Un vestíbulo occidental que conduce a la nave en algunas iglesias cristianas (especialmente ortodoxas).

La Iglesia Chora

El nombre completo de la Iglesia Chora es la Iglesia del Santo Salvador en Chora. La iglesia fue construida por primera vez en Constantinopla a principios del siglo V. Su nombre hace referencia a su ubicación fuera de las murallas del siglo IV de la ciudad. Aun cuando los muros fueron expandidos a principios del siglo V por Teodosio II, la iglesia mantuvo su nombre.

Dentro de la iglesia hay un conjunto de frescos y mosaicos que sobrevivieron a la conversión de la iglesia en mezquita en el siglo XVI cuando se enyesó su imaginería cristiana. En 1948 la iglesia se convirtió en museo tras someterse a una extensa restauración para descubrir y restaurar su decoración del siglo XIV. Ahora se le conoce como el Museo Kariye o Kariye Camii.

Arquitectura

La Iglesia Chora que hoy se alza es el resultado de su tercera etapa de construcción. Este edificio y la decoración interior se completaron entre 1315 y 1321 bajo el estadista bizantino Theodore Metochites. Las adiciones y reconstrucción de Metoquitas en el siglo XIV ampliaron la planta de la iglesia original pequeña y simétrica a una gran plaza asimétrica que consta de tres áreas principales:

1. Un narthex interior y exterior o hall de entrada.
2. Los naos o capilla principal.
3. La capilla lateral, conocida como la parecclesion. La parecclesión sirve como capilla mortuoria y albergó ocho tumbas que se agregaron luego de que inicialmente se decorara la zona.

Hay seis cúpulas en la iglesia, tres sobre los naos (una sobre el espacio principal y dos sobre capillas más pequeñas), dos en el narthex interior y una en la capilla lateral. Las cúpulas tienen forma de calabaza, con bandas cóncavas que irradian desde sus centros, y ricamente decoradas con frescos y mosaicos que representan imágenes de Cristo y la Virgen en el centro, con ángeles o antepasados rodeándolos en las bandas.

Plano de suelo de la Iglesia de Chora: Las adiciones y la reconstrucción en el siglo XIV ampliaron la planta de la iglesia original pequeña y simétrica a una gran plaza asimétrica que consta de tres áreas principales.

Mosaicos

Los mosaicos decoran ampliamente las narthices de la Iglesia de Chora. Los artistas primero decoraron la iglesia en los naos y luego completaron la obra en las narthices internas y externas, lo que da como resultado diferencias en la ejecución de los mosaicos a medida que el estilo avanzaba para mostrar más vivacidad y sutileza.

Los mosaicos sobrevivientes en los naos representan a la Virgen y el Niño y la Dormición de la Virgen, una escena de koimesis que representa a la Virgen después de la muerte antes de que ella ascienda al cielo. Esta escena, ubicada sobre la puerta oeste, representa a la Virgen de azul tendida sobre un sarcófago envuelto en púrpura y dorado. Cristo, de oro, se levanta detrás de la Virgen rodeado de una mandorla y sostiene a un infante, representando el alma de la Virgen. Todas las figuras de la escena tienen una cierta ponderación que ayuda a aterrizarlas, sumando un elemento de naturalismo.

Mosaico de Koimesis: Las figuras de la escena tienen todas una cierta ponderación que ayuda a rectificarlas, agregando un elemento de naturalismo.

Los mosaicos que se encuentran en las nartices de la Iglesia de Chora también representan escenas de la vida de la Virgen y Cristo, mientras que otras escenas representan historias del Antiguo Testamento que prefiguran la Salvación. En el narthex exterior, sobre la puerta del narthex interior se encuentra un mosaico que representa a Cristo como el Pantocrátor, el gobernante o juez de todos, en el centro de una cúpula. El mosaico representa a un Cristo de cara de popa sobre un telón de fondo dorado sosteniendo los evangelios en una mano mientras gesticulaba con la otra. Una inscripción en el mosaico dice: “Jesucristo, tierra de los vivos”.

Cúpula sur del narthex interior: Este mosaico representa a Cristo Pantocrátor rodeado de sus antepasados.

En otra escena importante sobre la entrada a los naos, se representa a Cristo Entronizado recibiendo al donante de la iglesia. La escena sigue la convención bizantina de representar una donación arquitectónica con una imagen de Cristo en el centro y el donante arrodillado a su lado, sosteniendo un modelo de su donación.

Aquí, Cristo se sienta en un trono en una posición similar al Pantocráter, sosteniendo un libro de evangelios mientras su otra mano hace gestos. El donador Teodoro Metochitas, vestido con la ropa de su oficina, se arrodilla a la derecha de Cristo. Ofrece a Cristo una representación de la Iglesia Chora en sus manos. Una inscripción da sus títulos.

Mosaico de dedicación: La escena sigue la convención bizantina de representar una donación arquitectónica con una imagen de Cristo en el centro y el donante arrodillado a su lado, sosteniendo un modelo de su donación.

Frescos

Las paredes y techos de la parecclesión están decorados con escenas de la vida de Cristo y la Virgen, y temas de salvación propios de una capilla mortuoria. Al igual que los mosaicos, las escenas están pintadas en los niveles superiores del edificio. Los niveles inferiores están reservados para imágenes pintadas de santos y profetas y un dado decorativo que imita el revestimiento de mármol.

La totalidad de la parecclesión está cubierta por escenas al fresco e imágenes pintadas, creando una abrumadora sensación de esplendor y gloria que finalmente lleva al espectador a las escenas finales de salvación y juicio.

Virgen y el Niño con Ángeles: Un fresco en una cúpula en la parecclesión que representa a la Virgen y al Niño con Ángeles.

Anastasis

El más importante de estos frescos es el Anastasis, una representación del Juicio Final, en el ábside de la bahía oriental. Esta imagen representa a Cristo en el Infierno, salvando las almas del Antiguo Testamento. Cristo está en el centro agarrando las muñecas de Adán y Eva, a quienes levanta de sus sarcófagos. Santos, profetas, mártires y otras almas justas, entre ellas Juan el Bautista, el rey David y el rey Salomón, del Antiguo Testamento se encuentran a ambos lados de Cristo. Cristo, de pie sobre un Satanás atado, viste una túnica blanca y está enmarcado por una mandorla blanca y celeste.

Anastasis: Esta imagen representa a Cristo en el Infierno, salvando las almas del Antiguo Testamento. Cristo está en el centro agarrando las muñecas de Adán y Eva, a quienes levanta de sus sarcófagos.

La imagen es la culminación del ciclo de frescos de la parecclesión y una de las pinturas bizantinas tardías más impresionantes. Cristo se encuentra en una posición activa, quiástica. Sus brazos se acercan a Adán y Eva y sus pies se colocan en terreno irregular, proporcionando la sensación de desequilibrio a medida que recupera almas justas.

Las propias figuras se renderizan en un modo más suave y sutil. Las cortinas duras y dentadas se han ablandado ligeramente con pliegues fluidos y delineados. La expresión de Cristo y de los demás es digna y severa. Las figuras del Antiguo Testamento a ambos lados hacen un gesto hacia la escena, señalando el futuro de los fieles, mientras esperan que Cristo los traiga al Cielo.

Representaciones cambiantes de Cristo

Las representaciones de Cristo en la Iglesia de Chora difieren mucho de las de los siglos III y IV. Recordando el arte cristiano primitivo, Cristo suele aparecer limpio y joven, a veces lanzado como el Buen Pastor que atiende y rescata a su rebaño del peligro. En una época en la que el cristianismo era ilegal, los cristianos habrían encontrado tranquilizadoras tales imágenes de un protector.

Para el siglo XIV, cuando Teodoro Metochitas financió la decoración interior, el cristianismo ya no era una fe incipiente; era una religión estatal en la que incluso el emperador reconocía a Cristo como la máxima autoridad. Las imágenes de Cristo en los frescos y mosaicos de la Iglesia de Chora representan a un hombre autoritario y barbudo que ocupa el papel de salvador y juez. Como símbolo arquetípico de autoridad y sabiduría a través de los siglos, la barba habría sido una elección lógica para el rostro del líder más supremo.

Pintura de iconos en la Rusia bizantina

Andrei Rublev es considerado el primer pintor de iconos ruso del siglo XV y el maestro detrás de la Trinidad del Antiguo Testamento.

Objetivos de aprendizaje

Explicar la evolución de la pintura de iconos rusos desde el siglo X hasta la era moderna

Claves para llevar

Puntos Clave

• La tradición de la producción de iconos rusos comenzó cuando la Rus' de Kievian se convirtió al cristianismo ortodoxo en el siglo X. Con el paso del tiempo, la técnica adquirió atributos exclusivamente rusos.
• Los artistas íconos rusos se veían a sí mismos como siervos de Dios que transcribieron los Evangelios en forma visual. Como no buscaron la gloria individual no firmaron su obra, por lo que los nombres de la mayoría de los artistas íconos rusos son desconocidos para los estudiosos occidentales.
• Los iconos pintados de Andrei Rublev, quien trabajó en el siglo XV, son considerados como el pináculo de la pintura de iconos rusos, demostrando la combinación de estilos bizantino y ruso.
• La Trinidad del Antiguo Testamento que representa a los tres ángeles hospedados por Abraham y Sara como se describe en Génesis 18, es un icono que se atribuye únicamente a la mano de Rublev. El icono está pintado con colores brillantes y una mano delicada para representar líneas sutiles, modelado y humanidad en la escena.
• La exposición a los estilos occidentales y los albores de la era moderna cambiaron la apariencia de los iconos y los medios en los que se producían: la materia asumió una apariencia más realista para el siglo XVII y, a principios del siglo XX, la imprenta mecanizada desató la popularidad del papel iconos.

Términos Clave

• témpera: Un medio para pintar con caseína o aglutinante de yema de huevo.
• prefiguración: Una vaga representación anticipada o sugerencia de algo.

Iconos rusos

En 988 d.C., la confederación eslava conocida como Rus de Kiev (un precursor de la Rusia actual) adoptó el cristianismo ortodoxo como su religión oficial. Poco después, quienes vivían dentro de sus fronteras comenzaron a producir íconos. Como regla general, estos iconos siguieron estrictamente los modelos y fórmulas tradicionales del arte bizantino.

Sin embargo, con el paso del tiempo, los artistas rusos ampliaron el vocabulario de tipos y estilos mucho más allá de lo que se encuentra en otras partes del mundo ortodoxo. Al igual que los iconos bizantinos, los íconos rusos eran generalmente pinturas a pequeña escala sobre madera. No obstante, algunos íconos producidos para iglesias y monasterios fueron, a veces, mucho más grandes. Los artistas rusos también utilizaron medios alternativos, como el cobre, para su trabajo.

Icono de Feodorovskaya: Los artistas rusos también utilizaron medios alternativos, como el cobre, para su trabajo.

Los rusos a veces hablan de un icono por haber sido escrito porque, en el idioma ruso, la misma palabra significa tanto pintar como escribir. Se considera que los íconos son versiones visuales de los Evangelios y, por lo tanto, se presta una atención cuidadosa para que cada Evangelio sea transmitido de manera fiel y precisa.

Debido a estos estrictos estándares, los artistas se veían a sí mismos como siervos de Dios y no se esforzaban por la gloria individual, como se convertiría en la norma en Occidente. Por esta razón, no firmaron sus creaciones, y muy pocos nombres de artistas son conocidos por estudiosos fuera de Rusia. Andrei Rublev es un raro ejemplo.

Andréi Rublev

Los pintores de iconos rusos florecieron durante todo el período bizantino Los íconos rusos eran conocidos por su estricta adhesión a la pintura de estilo bizantino, incluido el uso de patrones, líneas fuertes y colores contrastantes. La mayoría de los iconos bizantinos rusos fueron pintados con témpera de huevo en paneles de madera. A menudo se usaba pan de oro para halos y colores de fondo y también se usaban bronce, plata y estaño para embellecer los íconos.

La obra de Andrei Rublev, pintor de iconos ruso en el siglo XV, se considera el pináculo de la pintura de iconos bizantina rusa. No se sabe mucho de su vida. Nació en la década de 1360 y murió en 1427 o 1430.

Lo que se sabe de Rublev proviene de las crónicas monásticas, que dan cuenta de su trabajo como pintor y no discuten su vida. Se cree que vivió en la Trinidad-St. Serguis Lavra, un monasterio a las afueras de Moscú en la ciudad de Sergiyev Posad. Rublev se registra por primera vez para haber pintado iconos y frescos para la Catedral de la Anunciación en Moscú en 1405.

Trabajó en la Catedral de la Anunciación bajo Teopanes el Griego, un maestro bizantino, que se mudó a Rusia y se cree que fue el maestro de Rublev. Rublev también trabajó a menudo con Daniil Cherni, otro artista monástico. Los dos iconos pintados para la Catedral de la Asunción en Vladimir en 1408 y la Iglesia de la Trinidad en el monasterio de Trinidad-San Sergio Lavra de 1425-1427.

La Trinidad del Antiguo Testamento

El icono conocido como la Trinidad del Antiguo Testamento (1411-1427) es la única obra que se atribuye únicamente a la mano de Rublev. Se considera que representa la brillantez de su obra y el mayor logro de los iconos bizantinos rusos. El ícono de témpera de huevo fue hecho para la Iglesia de la Trinidad en la Trinidad-St. Sergio Lavra y mide poco menos de cinco pies de altura y tiene casi cuatro pies de ancho.

Trinidad del Antiguo Testamento: Esta es la única obra que se le atribuye únicamente a la mano de Rublev. Se considera que representa la brillantez de su obra y el mayor logro de los iconos bizantinos rusos.

El icono representa a tres ángeles alrededor de una mesa y es una ilustración de Génesis 18, la Hospitalidad de Abraham, en el que Abraham y su esposa Sara acogen a tres ángeles en su mesa. La escena se centra en los tres ángeles y está llena de simbolismo que se centra en el misterio de la Santísima Trinidad y la prefiguración de la salvación.

La imagen hoy en día está mal conservada, pero demuestra el estilo y la habilidad de Rublev. Los tres ángeles se sientan alrededor de una mesa con un solo cáliz. Las figuras son delicadamente renderizadas. Sus rostros y manos están sombreados para crear volumen, y sus expresiones son tranquilas y serenas. Cada ángel tiene un halo y alas, y sostiene un cetro delgado.

A pesar de tener caras casi idénticas, sus prendas vívidamente pintadas ayudan a distinguirlas. Sus prendas están pintadas en colores ricos y saturados. Cada ángel lleva una túnica en azul brillante junto con un segundo color que incluye un naranja, un rojo intenso y un verde. La linealidad de las túnicas resalta los métodos bizantinos de modelado que se basan en el uso de líneas sólidas y colores complementarios para crear pliegues contrastantes y replicar la masa y altura del cuerpo.

Si bien las figuras parecen pesadas y naturalistas, el paisaje y el paisaje que las rodea no son naturalistas. La mesa y las sillas están pintadas en una perspectiva sesgada y un pequeño detalle arquitectónico en la parte superior izquierda del panel y un árbol central crean la base del escenario.

En la era moderna

Hasta el siglo XVII, la innovación estuvo en gran parte ausente de la producción de iconos en Rusia. Cuando los estilos católico romano y protestante de Europa occidental desencadenaron nuevos desarrollos, el resultado fue una división en la Iglesia Ortodoxa Rusa. Los tradicionalistas —los viejos ritualistas o viejos creyentes perseguidos— continuaron la estilización tradicional de los íconos, mientras que la Iglesia del Estado modificaba su práctica.

Si bien algunos artistas continuaron produciendo figuras de la manera estilizada tradicional, otros optaron por una mezcla de estilización rusa y realismo de Europa occidental muy parecida a la del arte religioso católico de la época. La occidentalización de los íconos rusos probablemente se intensificó bajo el reinado del zar Pedro el Grande, cuya revolución cultural trajo valores occidentales y la Ilustración a Rusia.

La tradición y el nuevo estilo convergen en un icono de San Nicolás y el Venerable Gerásimo de Boldino sosteniendo el muy venerado Theotokos de Kazán. El Theotokos de Kazán fue un icono de la más alta estatura dentro de la Iglesia Ortodoxa Rusa. Según la leyenda, fue adquirida de Constantinopla, perdida en 1438, y milagrosamente recuperada en estado prístino en 1579. El icono fue robado y probablemente destruido en 1904.

En el icono de Nicolás y Geasimo, los dos santos, el icono y el fondo se renderizan de manera realista. La fuente de luz divina en el centro hace que las sombras naturalistas caigan sobre las manos de los dos santos y los costados de sus rostros. El color y la textura visual también imitan el mundo natural, mientras que el piso de baldosas revela una sensación de perspectiva realista de un punto. Los tonos tierra dominan el plano de la imagen, apuntando a una posible influencia del barroco holandés (protestante).

Icono de San Nicolás y Gerásimo de Boldino sosteniendo el Theotokos de Kazán: A diferencia de los iconos tradicionales, este ejemplo del siglo XVII o posterior muestra la influencia del arte protestante occidental, como las pinturas de la tradición barroca holandesa.

En el siglo XIX y principios del XX, la pintura de iconos en Rusia entró en un gran declive con la llegada de la litografía a máquina sobre papel y hojalata. Esta nueva tecnología podría producir iconos en gran cantidad y mucho más barato que los talleres de pintores. Hoy en día, los fieles ortodoxos rusos compran un número mucho mayor de iconos de papel que los paneles pintados más caros.

Pintura en el Imperio Bizantino tardío

A medida que la pintura bizantina tardía se volvió más naturalista, los cuerpos ganaron masa y las figuras retrataban a la humanidad con emoción y movimiento, y estos desarrollos y tradiciones continuaron hasta la era post-bizantina.

Objetivos de aprendizaje

Describir la forma y contenido de iconos y murales encontrados en la pintura bizantina tardía y sus sucesores inmediatos

Claves para llevar

Puntos Clave

• Los pintores de la época bizantina tardía pintaron escenas con un nuevo sentido del naturalismo al retratar figuras con masas y cuerpos naturalistas bajo su vestimenta; las cortinas se convirtieron en una prenda a través de la cual se renderizaba el cuerpo. Los paisajes y escenarios se utilizaron con mayor frecuencia, y a las figuras se les dio un mayor movimiento y emoción para prestarles un nivel adicional de humanidad.
• Los iconos de Ohrid son una serie de iconos producidos en Constantinopla que más tarde fueron trasladados a Ohrid Macedonia. La Anunciación de uno de los íconos es una escena delicadamente pintada llena de emoción y tensión.
• La escena de la Crucifixión pintada detrás del altar del Katholikon del Monasterio de la Virgen en Studenica es Serbia es otra escena que representa figuras de estilo bizantino —están infundidas de emoción y humanidad, representadas a través de las expresiones de su figura y el dominio del cuerpo de Cristo.
• Durante este tiempo el iconostasio se desarrolló completamente y se convirtió en un método popular de dividir la nave del altar en las iglesias bizantinas, especialmente en Rusia. Esta pantalla era a menudo grande y estaba cubierta de iconos de santos y Cristo en el patrón general de una Deesis.
• Aun cuando el Imperio Bizantino perdió territorio, sus tradiciones artísticas continuaron, sobre todo en la Escuela Cretense. En esta fase final del arte bizantino, las figuras y el espacio ilusionista continuaron asumiendo mayores grados de naturalismo, mientras que el fondo dorado permaneció en la mayoría de los íconos.

Términos Clave

• Katholikon: El templo principal o edificio de iglesia de un monasterio o diócesis en una Iglesia Ortodoxa Oriental.
• iconostasio: Un muro de iconos entre el santuario y la nave en una iglesia ortodoxa oriental.
• Deesis: Una representación icónica, común en la época bizantina, de Cristo entronizado, Cristo Pantocrátor, rodeado por la Virgen María y San Juan Bautista, a menudo en súplica.

Pintura Bizantina Tardía

Las pinturas de la Iglesia de Cristo en Chora son representativas del estilo de pintura producido en los últimos siglos del Imperio Bizantino. Se pintaron grandes murales sobre extensiones de arquitectura.

Muchos iconos en este momento eran paneles pintados en ambos lados. Los iconos fueron pintados de esta manera ya que fueron utilizados en procesiones, y por lo tanto vistos desde dos direcciones. En las iglesias, a menudo se exhibían en gradas especiales para permitir la visualización de ambos lados. Incluso después de que el bizantino se encogió y finalmente cayó, sus tradiciones artísticas continuaron en muchos territorios antiguos. El ejemplo más famoso es la Escuela Cretense.

Iconostasio

Durante el periodo bizantino tardío el iconostasio se desarrolló completamente. Se trataba de una pantalla o muro que se encontraba en la nave, separando el espacio del santuario y altar de la iglesia. Este muro estaba cubierto de iconos y por lo general contaba con tres puertas que permitían el acceso al santuario y la observación del altar.

En el iconostasio se colocaron iconos siguiendo una pauta general que incluía la presencia de una Deesis, Cristo entronizado rodeado de Juan el Bautista y los Theotokos. Otros iconos incluyeron imágenes de ángeles, santos, profetas del Antiguo Testamento, los Apóstoles y los santos patronos de la iglesia y la ciudad. La presencia de los iconos y el iconostasio no era para separar sino para proporcionar un puente o una conexión entre los reinos terrenales y celestiales.

Iconostasio de la Iglesia de la Anunciación: Diseñado por Teófanes el Griego, el muro está cubierto de iconos y sus puertas permiten el acceso al santuario y una vista del altar.

Ohrid Iconos

Los iconos de Ohrid (principios del siglo XIV) se produjeron en Constantinopla y posteriormente se trasladaron a Ohrid en Macedonia. Un icono representa a la Virgen María por un lado y la Anunciación en el otro lado. La Anunciación retrata a la Virgen María sentada en un trono mientras el ángel Gabriel se acerca a ella para dar la noticia de su concepción del hijo de Dios.

El fondo es típicamente bizantino: fondo de pan de oro que imita los fondos dorados de mosaicos. La arquitectura se renderizó en un estilo bizantino posterior. Los edificios están pintados con un intento de perspectiva más sesgada que correcta pero que aún proporciona una sugerencia de espacio.

Esto también se vio en el Theotokos de la Santa Sofía, pero en este caso la arquitectura proporciona más de un entorno de lugar, como en el paisaje de la Lamentación de Nerezi. Las figuras mismas se representan con caras bizantinas, bocas pequeñas y narices largas y estrechas. Los rostros, las manos y los pies están cuidadosamente sombreados y modelados.

La vestimenta también sigue el estilo bizantino con pliegues dramáticos y profundos y un patrón esquemático que renderiza el cuerpo debajo. Los cuerpos, sin embargo, difieren de sus antecesores bizantinos anteriores. Tienen peso y parecen existir debajo de su ropa.

Anunciación: Este icono retrata a la Virgen María sentada en un trono mientras el ángel Gabriel se acerca a ella para entregar la noticia de su concepción del hijo de Dios.

La escena también toma señales de estilos bizantinos tardíos, ya que se representa dramáticamente. La postura rígida y el gesto único de la Virgen significan su inquietud ante el acercamiento del ángel. Gabriel, por su parte, parece que acaba de aterrizar. Avanza adelante, con el brazo extendido. Coloca su peso completamente sobre su pie izquierdo, mientras se prepara para plantar su pie derecho en el suelo.

Somos testigos del momento de su llegada. El impulso de su llegada se enfatiza aún más por la colocación de sus alas. Un ala se ha asentado sobre su espalda mientras que la otra llega hacia arriba para equilibrar su vuelo. El movimiento y la emoción en la escena pueden estar relacionados con la escena Anastasias de la Iglesia Chora. Ambas imágenes tienen una única figura central llena de movimiento que aporta energía a las diferentes escenas representadas.

Monasterio de la Virgen en Studenica, Serbia

El Monasterio Serbio de la Virgen fue construido en el siglo XII a las afueras de la ciudad de Kraljevo. Si bien las iglesias del monasterio no aparecen desde el exterior para seguir los estilos arquitectónicos bizantinos, la pintura interior del Katholikon, la Iglesia de la Virgen, está pintada a la manera bizantina tardía.

La Crucifixión, pintada en la pared occidental con vistas al altar, representa el dominio del arte serbio y el desarrollo y difusión del estilo bizantino tardío desde el centro de Bizancio en Constantinopla. Las figuras son menos alargadas que sus contrapartes anteriores, y el fondo está pintado en un azul brillante con estrellas doradas.

La imagen central de Cristo en la cruz está rodeada de dolientes, entre ellos su madre. Las figuras en esta escena tranquila tienen masa. Si bien la Virgen María todavía parece ser una masa de túnicas, su pañería se renderiza más sutilmente. Los cuerpos de las otras figuras se denotan más fácilmente por el modelado de sus túnicas. Las cortinas aún dependen de pliegues profundos, pero los pliegues ya no se contorsionan y son menos esquemáticos. Si bien es menos dramática y más serena, hay una emoción subyacente de tristeza que se representa sutilmente por el dominio del cuerpo de Cristo.

Crucifixión: Esta está pintada detrás del altar del Katholikon del monasterio de la Virgen en Studenica.

La escuela cretense

A lo largo de los siglos XIII al XV, el Imperio Bizantino perdió gran parte de su territorio. Sin embargo, sus tradiciones artísticas continuaron durante siglos en áreas como Creta.

Establecida, en el siglo XV, la Escuela Cretense es conocida por su estilo distintivo de pintura de iconos que fue influenciado por las tradiciones occidentales y orientales. Incluso antes de la caída de Constantinopla, los principales artistas bizantinos salían de la capital para establecerse en Creta. Esta migración continuó en los años siguientes y alcanzó su punto máximo tras la caída de Constantinopla en 1453.

Los primeros iconos producidos por la Escuela Cretense siguen muchas de las tradiciones bizantinas anteriores. A lo largo de los siglos XVI y XVII, a medida que los estilos de los artistas italianos y del Renacimiento del Norte crecieron en popularidad, la representación del cuerpo humano y el espacio ilusionista se volvieron cada vez más realistas.

Sin embargo, muchos íconos conservaron los tradicionales fondos dorados. La influencia del Renacimiento, en el que surgió la noción del genio artístico, también se puede ver en el creciente apego de los nombres de los artistas a sus creaciones.

En los siguientes ejemplos de El Greco (1541—1614) y Emmanuel Tzanes (1610—1690), podemos ver la transición del estilo bizantino tardío (en el que se reconocían los contornos del cuerpo debajo de las cortinas y los intentos de perspectiva realista seguían evolucionando) al estilo post-bizantino, que representa una recesión realista del espacio y posturas corporales dinámicas.

La Dormición de la Virgen de El Greco: El realismo bizantino tardío en la representación del cuerpo es evidente aquí, ya que los dolientes asumen una variedad de poses. Las solemnes expresiones faciales y el lenguaje corporal reflejan el sombrío estado de ánimo del sueño final de la Virgen María.

San Marcos Evangelista de Emmanuel Tzanes: En este icono, San Marcos asume una pose dinámica, incluyendo el dramático giro de cabeza, que se convertiría en un atributo común en las imágenes del artista inspirado en el transcurso de los próximos siglos. La estilizada representación del león de Tzanes puede explicarse por su nunca haber visto uno en la naturaleza o en la cultura visual.

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