19.6: Manierismo

Manierismo

Los artistas manieristas comenzaron a rechazar la armonía y las proporciones ideales del Renacimiento en favor de escenarios irracionales, colores artificiales, temas poco claros y formas alargadas.

Objetivos de aprendizaje

Describir el estilo manierista, en qué se diferencia del Renacimiento y las razones por las que surgió.

Claves para llevar

Puntos Clave

• El manierismo llegó después del Alto Renacimiento y antes del Barroco.
• Los artistas que llegaron una generación después de Rafael y Miguel Ángel tuvieron un dilema. No pudieron superar las grandes obras que ya habían sido creadas por Leonardo da Vinci, Rafael y Miguel Ángel. Es entonces cuando empezamos a ver surgir el manierismo.
• Jacopo da Pontormo (1494—1557) representa el cambio del Renacimiento al estilo manierista.

Términos Clave

• Manierismo: Estilo del arte en Europa de c. 1520-1600. El manierismo llegó después del Alto Renacimiento y antes del Barroco. No todos los artistas que pintan durante este periodo son considerados artistas manieristas.

Manierismo es el nombre que se le da a un estilo de arte en Europa de c. 1520-1600. El manierismo llegó después del Alto Renacimiento y antes del Barroco. No todas las pinturas de artistas durante este periodo son consideradas artistas manieristas, sin embargo, y hay mucho debate entre los estudiosos sobre si el manierismo debe considerarse un movimiento separado del Alto Renacimiento, o una fase estilística del Alto Renacimiento. El manierismo será tratado aquí como un movimiento artístico separado ya que hay muchas diferencias entre el Alto Renacimiento y el Manierista.

Estilo

¿Qué hace manierista a una obra de arte? Primero debemos entender los ideales y metas del Renacimiento. Durante el Renacimiento los artistas se involucraban con la antigüedad clásica de una manera nueva. Además, desarrollaron teorías sobre la perspectiva, y en todos los sentidos se esforzaron por crear obras de arte que fueran perfectas, armoniosas y mostraran representaciones ideales del mundo natural. Leonardo da Vinci, Rafael y Miguel Ángel son considerados los artistas que alcanzaron los mayores logros en el arte durante el Renacimiento.

El Renacimiento destacó la armonía y la belleza y nadie pudo crear obras más bellas que los tres grandes artistas enumerados anteriormente. Los artistas que llegaron una generación después tuvieron un dilema; no pudieron superar las grandes obras que ya habían sido creadas por da Vinci, Rafael y Miguel Ángel. Es entonces cuando empezamos a ver surgir el manierismo. Los artistas más jóvenes que intentaban hacer algo nuevo y diferente comenzaron a rechazar la armonía y las proporciones ideales en favor de escenarios irracionales, colores artificiales, temas poco claros y formas alargadas.

Jacopo da Pontormo

Jacopo da Pontormo (1494—1557) representa el cambio del Renacimiento al estilo manierista. Tomemos por ejemplo su Deposición de la Cruz, un retablo que fue pintado para una capilla en la Iglesia de Santa Felicita, Florencia. Las figuras de María y Jesús parecen ser una referencia directa a la Pieta de Miguel Ángel. A pesar de que la obra se llama “Deposición”, no hay cruz. Los estudiosos también se refieren a esta obra como el “Entimiento” pero no hay tumba. Esta falta de claridad sobre el tema es un sello distintivo de la pintura manierista. Además, el escenario es irracional, casi como si no fuera en este mundo, y los colores están lejos de ser naturalistas. Esta obra no podría haber sido producida por un artista renacentista. El movimiento manierista enfatiza diferentes metas y esta obra de arte de Pontormo demuestra este nuevo, y diferente estilo.

Pontormo, Deposición de la Cruz, 1525-1528, Iglesia de Santa Felicita, Florencia: Esta obra de arte de Pontormo demuestra las señas de identidad del estilo manierista: tema poco claro, ambientación irracional y colores artificiales.

Pintura Manierista

El manierismo surgió de los últimos años del Alto Renacimiento italiano, y destaca por sus cualidades sofisticadas y artificiales.

Objetivos de aprendizaje

Contraste la pintura del Alto Manierismo con su anterior fase anticlásica

Claves para llevar

Puntos Clave

• La pintura manierista abarca una variedad de enfoques influenciados por, y reaccionando a, los ideales armoniosos y el naturalismo sobrio asociados con los artistas del Alto Renacimiento. El manierismo destaca por su sofisticación intelectual así como por sus cualidades artificiales (a diferencia de naturalistas).
• El manierismo se desarrolló tanto en Florencia como en Roma, desde alrededor de 1520 hasta aproximadamente 1580. Los primeros pintores manieristas destacan por sus formas alargadas, poses precariamente equilibradas, una perspectiva colapsada, escenarios irracionales e iluminación teatral.
• El segundo periodo de la pintura manierista, llamado “Maniera Greca”, se diferencia de la fase anterior “anticlásica”. Altos manieristas destacaron las presunciones intelectuales y el virtuosismo artístico, rasgos que han llevado a los críticos posteriores a acusarlos de trabajar de una “manera” antinatural y afectada.

Términos Clave

• Saco de Roma: Un evento militar llevado a cabo el 6 de mayo de 1527 por las tropas amotinadas de Carlos V, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico en Roma.
• Manierismo: Un estilo de arte desarrollado al final del Alto Renacimiento, caracterizado por la deliberada distorsión y exageración de la perspectiva, especialmente el alargamiento de las figuras.

Manierismo

El manierismo es un período del arte europeo que surgió de los últimos años del Alto Renacimiento italiano. Comenzó alrededor de 1520 y duró hasta alrededor de 1580 en Italia, cuando se empezó a favorecer un estilo más barroco. Estilísticamente, la pintura manierista abarca una variedad de enfoques influenciados por, y reaccionando a, los ideales armoniosos y el naturalismo sobrio asociados con artistas como Leonardo da Vinci, Rafael y Miguel Ángel temprano. El manierismo destaca por su sofisticación intelectual así como por sus cualidades artificiales (a diferencia de naturalistas). Existe un debate entre estudiosos sobre si el Manierismo era su propio movimiento artístico independiente, o si debía considerarse como parte del Alto Renacimiento.

Pintura Manierista

El manierismo se desarrolló tanto en Florencia como en Roma. Los primeros pintores manieristas en Florencia, especialmente Jacopo da Pontormo y Rosso Fiorentino, ambos estudiantes de Andrea del Sarto, destacan por usar formas alargadas, poses precariamente equilibradas, una perspectiva colapsada, escenarios irracionales e iluminación teatral. Parmigianino (un estudiante de Correggio) y Giulio Romano (asistente principal de Rafael) se movían en direcciones estéticas similares estilizadas en Roma. Estos artistas habían madurado bajo la influencia del Alto Renacimiento, y su estilo se ha caracterizado como una reacción o extensión exagerada del mismo.

Madonna con el cuello largo: En la Virgen con cuello largo de Parmigianino (1534—40), el manierismo se da a conocer por proporciones alargadas, poses muy estilizadas y falta de perspectiva clara.

Es decir, en lugar de estudiar la naturaleza directamente, los artistas más jóvenes comenzaron a estudiar esculturas helenísticas y pinturas de maestros pasados. Por lo tanto, este estilo a menudo se identifica como “anti-clásico”, pero en su momento se consideraba una progresión natural desde el Alto Renacimiento. La primera fase experimental del manierismo, conocida por sus formas “anticlásicas”, duró hasta aproximadamente 1540 o 1550. Este periodo ha sido descrito como una extensión natural del arte de Andrea del Sarto, Miguel Ángel y Rafael, así como una disminución de los logros clasicizadores de esos mismos artistas.

En análisis anteriores, se ha observado que el manierismo surgió a principios del siglo XVI junto a otros movimientos sociales, científicos, religiosos y políticos como el modelo copernicano, el Saco de Roma y el creciente desafío de la Reforma Protestante al poder de la Iglesia Católica. Debido a esto, las formas alargadas y distorsionadas del estilo fueron interpretadas una vez como una reacción a las composiciones idealizadas que prevalecen en el arte del Alto Renacimiento.

Jacopo da Pontormo, Entombment, 1528, Santa Felicita, Florencia: Esta obra de Pontormo ejemplifica las primeras pinturas manieristas: el escenario es irracional, las formas humanas son alargadas y equilibradas en poses retorcidas, y la coloración de la obra es artificial, a diferencia de naturalista.

Esta explicación para el cambio estilístico radical en 1520 ha caído en desgracia de los eruditos, aunque los primeros manieristas todavía están marcados en marcado contraste con las convenciones del Alto Renacimiento; la inmediatez y el equilibrio logrado por la Escuela de Atenas de Rafael ya no les parecía interesante a los artistas jóvenes. En efecto, el propio Miguel Ángel mostró tendencias hacia el manierismo, notablemente en su vestíbulo de la Biblioteca Laurentiana, en las figuras de sus tumbas Medici, y sobre todo en la Capilla Sixtina.

La sibila libia desde el techo de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel: el propio Miguel Ángel mostró tendencias hacia el manierismo, notablemente en la Capilla Sixtina.

Maniera Greca

El segundo periodo de la pintura manierista, llamado “Maniera Greca”, o Alto Manierismo, se diferencia comúnmente de la fase anterior, llamada “anticlásica”. Influenciados por el arte bizantino anterior, los altos manieristas destacaron las presunciones intelectuales y el virtuosismo artístico, rasgos que han llevado a críticos posteriores a acusarlos de trabajar de una “manera” antinatural y afectada (maniera). Los artistas de Maniera sostuvieron a su mayor Miguel Ángel contemporáneo como su primer ejemplo; el suyo era un arte que imitaba al arte, más que un arte que imitaba a la naturaleza. Maniera art combina una elegancia exagerada con una exquisita atención a la superficie y al detalle: las figuras de piel de porcelana se reclinan en una luz uniforme y templada, respecto al espectador con una mirada fresca, si acaso. El sujeto Maniera rara vez muestra un exceso de emoción, y por esta razón a menudo se interpreta como “frío” o “distante”.

Varios de los primeros artistas manieristas que habían estado trabajando en Roma durante la década de 1520 huyeron de la ciudad después del Saco de Roma en 1527. A medida que se extendían por todo el continente en busca de empleo, su estilo se distribuyó por toda Italia y Europa. El resultado fue el primer estilo artístico internacional desde el estilo gótico (incluyendo los estilos Manierismo francés, inglés y holandés). El estilo disminuyó en Italia después de 1580, ya que una nueva generación de artistas, entre ellos los hermanos Carracci, Caravaggio y Cigoli, volvieron a enfatizar el naturalismo. Walter Friedlaender identificó este período como “antimanierismo”, así como los primeros manieristas fueron “anti-clásicos” en su reacción al Alto Renacimiento.

Perseo y Andrómeda de Joachim Wtewael, 1616: Un ejemplo del manierismo holandés del siglo XVII.

Escultura Manierista

La escultura manierista, al igual que la pintura manierista, se caracterizó por formas alargadas, ángulos espirales, poses retorcientes y miradas distantes del sujeto.

Objetivos de aprendizaje

Definir características de la escultura manierista

Claves para llevar

Puntos Clave

• Figura serpentinata (italiano: figura serpentina) es un estilo en la pintura y escultura que es típico del manierismo. Es similar, pero no idéntico, al contrapposto, y a menudo presenta figuras en poses espirales.
• El estilo manierista de escultura comenzó a crear una forma en la que las figuras mostraban poder físico, pasión, tensión y perfección semántica. Los movimientos no carecían de motivación, ni siquiera se hacían simplemente con voluntad, sino que se mostraban en una forma pura.
• La escultura manierista fue un intento de encontrar un estilo original que superara los logros del Alto Renacimiento, que se equiparó con Miguel Ángel. Gran parte de la lucha por superar su éxito se centró en encargos para cubrir otros lugares en la Piazza della Signoria de Florencia, junto al David de Miguel Ángel.

Términos Clave

• Figura Serpentinata: Figura Serpentinata (italiano: figura serpentina) es un estilo en pintura y escultura que es típico del manierismo. Es similar, pero no idéntico, al contrapposto, y presenta figuras a menudo en una pose espiral.
• Manierismo: Un estilo de arte desarrollado al final del Alto Renacimiento, caracterizado por la deliberada distorsión y exageración de la perspectiva, especialmente el alargamiento de las figuras.
• piazza: Una plaza pública, especialmente en una ciudad italiana.

Mientras que la escultura del Alto Renacimiento se caracteriza por formas con proporciones perfectas y belleza contenida, como mejor se caracteriza por el David de Miguel Ángel, la escultura manierista, como la pintura manierista, se caracterizó por formas alargadas, ángeles espirales, poses retorcidas y miradas de sujetos distantes. Adicionalmente, los escultores manieristas trabajaron en metales preciosos con mucha más frecuencia que los escultores del Alto Renacimiento.

Figura serpentinata (italiano: figura serpentina) es un estilo en la pintura y escultura que es típico del manierismo. Es similar, pero no idéntico, al contrapposto, y a menudo presenta figuras en poses espirales. Los primeros ejemplos se pueden ver en la obra de Leonardo da Vinci, Rafael y Miguel Ángel. Al definir figura serpentinata, Emil Maurer escribe del pintor y teórico Giovanni Paolo Lomazzo: “la forma ideal recomendada une, después de Lomazzo, tres cualidades: la pirámide, el movimiento 'serpentinata' y una cierta proporción numérica, las tres unidas para formar un todo. Al mismo tiempo, se da prioridad a la 'moto', es decir, al movimiento serpenteante, que debería convertir la pirámide, en proporción exacta, en la forma geométrica de un cono”.

Con el aflojamiento de las normas del Alto Renacimiento y el desarrollo del estilo “Serpentinata”, comenzaron a sistematizarse las estructuras y reglas del estilo manierista. El estilo manierista de escultura comenzó a crear una forma en la que las figuras mostraban poder físico, pasión, tensión y perfección semántica. La escultura figurada manierista estuvo marcada por poses retorcidas y retorcidas, como lo demuestra mejor la Violación de las mujeres sabinas de Giambologna.

Violación de las mujeres sabinas, Giambonia, 1583, Florencia: En esta pieza de mármol de 13′ 6″ de altura, Giambonia demuestra el uso de la figura serpentinata.

Al igual que en la pintura, la escultura manierista italiana temprana fue en gran parte un intento de encontrar un estilo original que expandiera y superara los logros del Alto Renacimiento. Para los contemporáneos en escultura, el Alto Renacimiento se equiparó con Miguel Ángel, y gran parte de la lucha por superar su éxito se jugó en encargos para llenar otros lugares en la Piazza della Signoria de Florencia, junto al David de Miguel Ángel.

Por ejemplo, Baccio Bandinelli se hizo cargo del proyecto de Hércules y Cacus de Miguel Ángel, aunque su obra fue comparada maliciosamente por Benvenuto Cellini con “un saco de melones”. Al igual que otras obras de manieristas, Bandinelli quita mucho más del bloque de piedra original de lo que habría hecho Miguel Ángel. Fuera de las esculturas de piedra natural, Perseo de bronce de Cellini con la cabeza de Medusa es una obra maestra manierista, diseñada con ocho ángulos de visión.

Perseo con la Cabeza de Medusa, Benvenuto Celling, 1545—1554:

Pequeñas figuras de bronce para gabinetes de coleccionista, a menudo temas mitológicos con desnudos, eran características de la escultura manierista. Eran una forma renacentista popular en la que Giambónia sobresalió en la última parte del siglo. Él y sus seguidores idearon elegantes y alargados ejemplos de la figura serpentinata, a menudo de dos figuras entrelazadas, que fueron interesantes desde todos los ángulos y se unieron a la colección Piazza della Signora.

Hércules golpeando a Nessus de Giambologna, 1599, Florencia:

Arquitectura Manierista

Durante el período manierista, los arquitectos experimentaron con el uso de formas arquitectónicas para enfatizar las relaciones sólidas y espaciales.
Lo hicieron jugando deliberadamente con la simetría, el orden y la armonía que se encuentran típicamente en la arquitectura renacentista.

Objetivos de aprendizaje

Relacionar la arquitectura manierista con el estilo renacentista temprano que vino antes

Claves para llevar

Puntos Clave

• Estilísticamente, la arquitectura manierista estuvo marcada por tendencias ampliamente divergentes de los estilos renacentista y medieval que finalmente llevaron al estilo barroco, en el que se utilizó el mismo vocabulario arquitectónico para retórica muy diferente.
• Miguel Ángel (1475—1564) es el artista más conocido asociado al manierismo.

Términos Clave

• Arquitectura manierista: Durante el período manierista, los arquitectos experimentaron con el uso de formas arquitectónicas para enfatizar las relaciones sólidas y espaciales. El ideal renacentista de armonía dio paso a ritmos más libres e imaginativos.

Durante el Alto Renacimiento se desarrollaron conceptos arquitectónicos derivados de la antigüedad clásica y se utilizaron con mayor seguridad. El arquitecto más representativo de esta época es Bramante (1444—1514), quien amplió la aplicabilidad de la arquitectura clásica a los edificios contemporáneos en un estilo que dominaría la arquitectura italiana en el siglo XVI. Las características distintivas de la arquitectura del Alto Renacimiento son la simetría, la proporción, el orden, la armonía y las referencias deliberadas a los edificios del pasado clásico.

Durante el período manierista, los arquitectos experimentaron con el uso de formas arquitectónicas para enfatizar las relaciones sólidas y espaciales. Lo hicieron jugando deliberadamente con la simetría, el orden y la armonía que se encuentran típicamente en la arquitectura renacentista. En consecuencia, la arquitectura manierista aparece lúdica, casi como si los arquitectos estuvieran jugando deliberadamente con las expectativas planteadas por la arquitectura renacentista.

En la arquitectura manierista, el ideal renacentista de armonía dio paso a ritmos más libres e imaginativos. El artista más conocido asociado al estilo manierista es Miguel Ángel (1475-1564). Con su diseño para el vestíbulo de la Biblioteca Laurentiana, existen ambigüedades de cómo leer el espacio, que resultan de la alegría de Miguel Ángel con la propia arquitectura. Las columnas se inclinan hacia atrás en lugar de hacia adelante, y las esquinas salen hacia ti en lugar de recesionar. Miguel Ángel era consciente de los ideales de la arquitectura renacentista pero deliberadamente está jugando con esos ideales y creando algo nuevo.

Miguel Ángel, Vestíbulo de la Biblioteca Laurentiana, Florencia: Con su diseño, Miguel Ángel tocó con las proporciones clásicas y la armonía de la arquitectura renacentista para crear algo nuevo.

Estilísticamente, la arquitectura manierista estuvo marcada por tendencias ampliamente divergentes de los estilos renacentista y medieval que finalmente llevaron al estilo barroco, en el que se utilizó el mismo vocabulario arquitectónico para retórica muy diferente.

Baldassare Peruzzi (1481-1536) fue un arquitecto que trabajaba en Roma cuya obra puentó el Alto Renacimiento y el Manierismo. Su Villa Farnesina de 1509 es un cubo monumental muy regular de dos pisos iguales, con las bahías articuladas por órdenes de pilastras.

Villa Farnesina, Roma, de Peruzzi, 1506—1510.

La obra más famosa de Peruzzi es el Palazzo Massimo alle Colonne en Roma. Las características inusuales de este edificio son que su fachada se curva suavemente para seguir una calle curva. Tiene, en su planta baja, un oscuro pórtico central que corre paralelo a la calle, pero como un espacio semicerrado, más que una logia abierta. Por encima de esto, se elevan tres pisos indiferenciados, los dos superiores con pequeñas ventanas horizontales idénticas en marcos planos delgados que contrastan extrañamente con el porche profundo, que ha servido, desde el momento de su construcción, de refugio a los pobres de la ciudad. Todos estos rasgos arquitectónicos son inesperados e interrumpen las ideas de proporciones armoniosas, convirtiéndolo en un edificio manierista.

Palazzo Massimo alle Colonne, Roma, de Peruzzi

Giulio Romano (1499—1546) fue alumno de Rafael, asistirlo en diversas obras para el Vaticano. Romano también fue un diseñador altamente inventivo, trabajando para Federico II Gonzaga en Mantua en el Palazzo del Te (1524-1534), un proyecto que combinó sus habilidades como arquitecto, escultor y pintor. En esta obra, que incorporó grutas de jardín y extensos frescos, utiliza efectos ilusionistas, sorprendentes combinaciones de forma y textura arquitectónicas, y rasgos que parecen algo desproporcionados o desalineados, convirtiéndola en gran medida en una estructura manierista.

Palazzo del Te, Manuta, de Romano, 1524—1534. : El Palazzo del Te Romano incorpora mezcla de formas arquitectónicas y texturas.

Manierismo y la Contrarreforma

El manierismo preocupó a muchos líderes católicos a raíz de la Reforma, ya que se les consideraba carentes de un atractivo piadoso.

Objetivos de aprendizaje

Distinguir el ideal artístico de la Contrarreforma del Manierismo y el arte de la Reforma en el norte de Europa

Claves para llevar

Puntos Clave

• La presión para contener las imágenes religiosas afectó al arte desde la década de 1530 e influyó en varios decretos desde la sesión final del Concilio de Trento en 1563. Estos decretos incluyeron breves pasajes sobre imágenes religiosas que tuvieron un impacto significativo en el desarrollo del arte católico durante la Contrarreforma.
• La Iglesia Católica Contrarreforma promovió el arte con contenido “sagrado” o religioso. Es decir, el arte debía ser estrictamente religioso, creado con el propósito de glorificar a Dios y a las tradiciones católicas.

Términos Clave

• refectorio: Un comedor especialmente en una institución como un colegio o monasterio.
• Contrarreforma: El período de renacimiento católico que comienza con el Concilio de Trento (1545—1563) y termina al cierre de la Guerra de los Treinta Años (1648); a veces considerado una respuesta a la Reforma Protestante.

Pintura italiana y manierismo

La pintura renacentista italiana después de 1520 desarrolló ciertas características que se consideran manieristas, como las formas alargadas y los escenarios irracionales. El manierismo, así como las obras del Alto Renacimiento, preocupaban a muchos líderes católicos a raíz de la Reforma, ya que se les consideraba carentes de un atractivo piadoso. Además, había surgido una gran divergencia entre la Iglesia Católica y los reformadores protestantes del norte de Europa en cuanto al contenido y estilo de la obra de arte.

La presión de la iglesia para contener las imágenes religiosas afectó al arte desde la década de 1530 e influyó en varios decretos desde la sesión final del Concilio de Trento en 1563. Estos decretos incluyeron breves pasajes sobre imágenes religiosas que tuvieron un impacto significativo en el desarrollo del arte católico durante la Contrarreforma. La Iglesia consideró que el arte religioso en los países católicos (especialmente Italia) había perdido su enfoque en la materia religiosa. En cambio, se centró en las cualidades decorativas, con fuertes influencias del arte clásico pagano, lo que llevó a un decreto de la iglesia de que “el arte debía ser directo y convincente en su presentación narrativa, que debía proporcionar una presentación precisa de la narrativa bíblica o la vida del santo, en lugar de agregar incidental y momentos imaginarios, y que era para fomentar la piedad” (Paoletti y Radke, Art in Renaissance Italy). Las reformas que resultaron de este consejo son las que sentaron las bases para el arte de la Contrarreforma.

El movimiento de contrarreforma

Si bien los protestantes retiraron en gran medida el arte público de la religión y avanzaron hacia un estilo de arte más “secular”, abrazando el concepto de glorificar a Dios a través de representaciones de la naturaleza, la Iglesia Católica Contrarreforma promovió el arte con contenido “sagrado” o religioso. Es decir, el arte debía ser estrictamente religioso, creado con el propósito de glorificar a Dios y a las tradiciones católicas.

Para ello, El Juicio Final, un fresco sobre la pared del altar de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel (1534—1541), fue atacado por su imaginería clásica y la gran cantidad de desnudos, algunos de los cuales fueron interpretados en su momento como en poses comprometedoras. El Juicio Final fue objeto de disputa entre los críticos dentro de la Contrarreforma católica y quienes apreciaron el genio del artista y el estilo manierista de la pintura. Miguel Ángel fue acusado de ser insensible al decoro adecuado, y de hacer alarde de estilo personal sobre representaciones apropiadas de contenido. El fresco también se completó en un momento en que se podían hacer impresiones de la obra y distribuirse por todo el norte de Europa, base de críticas contra la Iglesia Católica. Si bien Miguel Ángel había sido celebrado durante el Renacimiento por su influencia clásica y representaciones de desnudos monumentales en una variedad de poses, aquí estaba siendo criticado por El Juicio Final. Michelango no estaba haciendo nada nuevo o diferente de su estilo anterior, que se había celebrado en el pasado. Esto demuestra cómo se había alterado la situación histórica y cuán amenazada se sentía la Iglesia Católica en este momento de la historia.

El Juicio Final: El Juicio Final fresco en la Capilla Sixtina de Miguel Ángel (1534—41) fue objeto de ataque persistente en la Contrarreforma por desnudez (posteriormente pintada durante varios siglos), sin mostrar a Cristo sentado o barbudo, e incluyendo la figura pagana de Caronte.

La pintura de Scipione Pulzone de la Lamentación, encargada para la Iglesia del Gesú en 1589, da una clara demostración de lo que el Concilio de Trento buscaba en el nuevo estilo del arte religioso. Con el foco de la pintura dando atención directa a la crucifixión de Cristo, ésta cumple con el contenido religioso del concilio y muestra la historia de la Pasión manteniendo a Cristo a imagen del ser humano ideal.

Lamentación: La Lamentación de Scipione Pulzone, una representación piadosa de la Crucifixión, encarnó una típica obra de Contrarreforma.

Por otra parte, en la pintura de Paolo Veronese La última cena (posteriormente renombrada La fiesta en la casa de Levi), se puede ver lo que el Consejo consideró inapropiado. Veronese fue convocado ante la Inquisición sobre la base de que su composición era indecorosa para el refectorio de un monasterio. El cuadro muestra una versión de fantasía de una fiesta patricia veneciana, con, en palabras de la Inquisición: “bufones, alemanes borrachos, enanos y otras escurrilidades similares” así como extravagantes disfraces y escenarios. Veronese le dijeron que debía cambiar su pintura dentro de un plazo de tres meses; en cambio simplemente cambió el título a La fiesta en la casa de Levi.

Última Cena/Casa de Levi: Paolo Veronese fue acusado de ser indecoroso para el refectorio de un monasterio en su Última Cena (La fiesta en la casa de Levi).

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• El Juicio Final (Miguel Ángel). Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/the_last_juicio_ (Miguel Ángel). Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• Contrarreforma. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Contra-Reformación%23Decrees_on_art. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• La Reforma y el arte. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/la_reformación_y_art%23Art_and_la_contrarreforma. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• refectorio. Proporcionado por: Wikcionario. Ubicado en: es.wiktionary.org/wiki/refectory. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• Contrarreforma. Proporcionado por: Wikcionario. Ubicado en: es.wiktionary.org/wiki/Contrarreforma. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual