19.5: El Alto Renacimiento

El Alto Renacimiento

El Alto Renacimiento se refiere a un corto período de producción artística excepcional en los estados italianos.

Objetivos de aprendizaje

Describir los diferentes períodos y estilos característicos del arte italiano del siglo XVI

Claves para llevar

Puntos Clave

• Muchos historiadores del arte consideran que el Alto Renacimiento está dominado en gran medida por tres individuos: Miguel Ángel, Rafael y Leonardo da Vinci.
• El manierismo, que surgió en los últimos años del Alto Renacimiento italiano, destaca por su sofisticación intelectual y sus cualidades artificiales (frente a las naturalistas), como las proporciones alargadas, las poses estilizadas y la falta de perspectiva clara.
• Algunos historiadores consideran el manierismo como una degeneración del clasicismo del Alto Renacimiento, o incluso como un interludio entre el Alto Renacimiento y el Barroco, en cuyo caso las fechas suelen ser de c. 1520 a 1600 y se considera un estilo positivo completo en sí mismo.

Términos Clave

• Alto Renacimiento: El período en la historia del arte que denota el apogeo de las artes visuales en el Renacimiento italiano. El periodo del Alto Renacimiento se toma tradicionalmente por haber comenzado en la década de 1490, con el fresco de Leonardo de La Última Cena en Milán y la muerte de Lorenzo de' Medici en Florencia, y haber terminado en 1527, con el Saco de Roma por las tropas de Carlos V.
• Manierismo: Un estilo de arte desarrollado al final del Alto Renacimiento, caracterizado por la deliberada distorsión y exageración de la perspectiva, especialmente el alargamiento de las figuras.

Arte del Alto Renacimiento

El arte del alto renacimiento fue el estilo dominante en Italia durante el siglo XVI. El manierismo también se desarrolló durante este periodo. El período del Alto Renacimiento se toma tradicionalmente para comenzar en la década de 1490, con el fresco de Leonardo de La Última Cena en Milán, y para terminar en 1527, con el Saco de Roma por las tropas de Carlos V. Este término se utilizó por primera vez en alemán (“Hochrenacentista”) a principios del siglo XIX. En los últimos 20 años, el uso del término ha sido frecuentemente criticado por historiadores académicos del arte por simplificar en exceso los desarrollos artísticos, ignorar el contexto histórico y enfocarse solo en algunas obras icónicas.

El arte del Alto Renacimiento es considerado como “Alto” porque es visto como el periodo en el que los fines y metas artísticas del Renacimiento alcanzaron su mayor aplicación. El arte del alto renacimiento se caracteriza por referencias al arte clásico y delicada aplicación de desarrollos desde el Renacimiento temprano (como la perspectiva puntual). En general, las obras del Alto Renacimiento muestran una belleza contenida donde todas las partes están subordinadas a la composición cohesiva del conjunto.

Muchos consideran que el arte del Alto Renacimiento del siglo XVI está dominado en gran medida por tres individuos: Miguel Ángel, Rafael y Leonardo da Vinci. Miguel Ángel se destacó como pintor, arquitecto y escultor y demostró un dominio de retratar la figura humana. Sus frescos se encuentran entre las mayores obras del arte renacentista. Rafael fue hábil en la creación de perspectiva y en el delicado uso del color. Leonardo da Vinci pintó dos de las obras más conocidas del arte renacentista: La Última Cena y la Mona Lisa. Leonardo da Vinci era una generación mayor que Miguel Ángel y Rafael, sin embargo, su obra es estilísticamente consistente con el Alto Renacimiento.

La última cena, 1495—1498, Leonardo da Vinci

Manierismo

El manierismo es un estilo artístico que surgió de los últimos años del siglo XVI y duró como un estilo estético popular en Italia hasta cerca de 1580, cuando el barroco comenzó a reemplazarlo (aunque el manierismo norteño continuó hasta principios del siglo XVII en gran parte de Europa). Obras posteriores de Miguel Ángel, como El Juicio Final en la pared del altar de la Capilla Sixtina, y la Biblioteca Laurentiana, son consideradas de estilo manierista por algunos historiadores del arte.

Juicio Final, 1536-1541, Miguel Ángel

Algunos historiadores consideran el manierismo como una degeneración del clasicismo del Alto Renacimiento, o incluso como un interludio entre Alto Renacimiento y Barroco, en cuyo caso las fechas suelen ser de c. 1520 a 1600 y se considera un estilo positivo completo en sí mismo. La definición del manierismo, y las fases dentro del mismo, sigue siendo objeto de debate entre los historiadores del arte. Por ejemplo, algunos estudiosos han aplicado la etiqueta a ciertas formas tempranas modernas de literatura (especialmente poesía) y música de los siglos XVI y XVII. El término también se utiliza para referirse a algunos pintores del gótico tardío que trabajaban en el norte de Europa desde aproximadamente 1500 hasta 1530, especialmente los manieristas de Amberes, grupo ajeno al movimiento italiano. El arte manierista se caracteriza por formas alargadas, poses contorsionadas y escenarios irracionales.

Pintura en el Alto Renacimiento

El término “Alto Renacimiento” denota un período de producción artística que es visto por los historiadores del arte como la altura, o la culminación, del período renacentista.

Objetivos de aprendizaje

Describir los factores clave que contribuyeron al desarrollo de la pintura del Alto Renacimiento y los rasgos estilísticos de la época

Claves para llevar

Puntos Clave

• El Alto Renacimiento se centró en Roma, y duró desde aproximadamente 1490 hasta 1527, el final del período marcado por el Saco de Roma.
• La belleza contenida de una pintura del Alto Renacimiento se crea cuando todas las partes y detalles de la obra apoyan el conjunto cohesivo.
• El primer ejemplo de la pintura del Alto Renacimiento es La Escuela de Atenas de Rafael.

Términos Clave

• Alto Renacimiento: Un período de producción artística que es visto por los historiadores del arte como la altura, o la culminación, del período renacentista. El periodo data de 1490—1527.

El Alto Renacimiento

El término “Alto Renacimiento” denota un período de producción artística que es visto por los historiadores del arte como la altura, o la culminación, del período renacentista. Artistas como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael son considerados pintores del Alto Renacimiento. Si bien el término se ha vuelto polémico, con algunos estudiosos argumentando que simplifica demasiado los desarrollos artísticos y el contexto histórico, es difícil ignorar las obras de estos artistas del Alto Renacimiento ya que siguen siendo tan icónicas incluso en el siglo XXI.

Alto estilo renacentista

El Alto Renacimiento se centró en Roma, y duró desde aproximadamente 1490 hasta 1527, con el final del período marcado por el Saco de Roma. Estilísticamente, los pintores durante este período fueron influenciados por el arte clásico, y sus obras fueron armoniosas. La belleza contenida de una pintura del Alto Renacimiento se crea cuando todas las partes y detalles de la obra apoyan el conjunto cohesivo. Si bien los artistas anteriores del Renacimiento enfatizaban la perspectiva de una obra, o los aspectos técnicos de una pintura, los artistas del Alto Renacimiento estaban dispuestos a sacrificar principios técnicos para crear un todo más hermoso y armonioso. Los factores que contribuyeron al desarrollo de la pintura del Alto Renacimiento fueron dobles. Tradicionalmente, los artistas italianos habían pintado con pintura témpera. Durante el Alto Renacimiento, los artistas comenzaron a utilizar pinturas al óleo, que son más fáciles de manipular y permiten al artista crear formas más suaves. Adicionalmente, se incrementó el número y diversidad de mecenas, lo que permitió un mayor desarrollo en el arte.

Si Roma fue el centro del Alto Renacimiento, su mayor mecenas fue el Papa Julio II. Como mecenas de las artes, el Papa Julio II apoyó a muchos artistas importantes, entre ellos Miguel Ángel y Rafael. El primer ejemplo de la pintura del Alto Renacimiento es La Escuela de Atenas de Rafael.

La escuela de Atenas, Rafael, 1509—1511: La escuela de Atenas, pintada por Rafael entre 1509 y 1511, representa el estilo de la pintura del Alto Renacimiento que se centró en Roma durante este período.

Rafael fue comisionado por el Papa Julio II para redecorar el espacio habitable del Papa en Roma. Como parte de este proyecto, se le pidió a Rafael que pintara en la biblioteca del Papa, o en la Stanza della Segnatura. El Colegio de Atenas es uno de los frescos dentro de esta sala. El fresco representa el tema de la filosofía y se señala consistentemente como el epítome de la pintura del Alto Renacimiento. La obra demuestra muchos puntos clave del estilo del Alto Renacimiento; las referencias a la antigüedad clásica son primordiales ya que Platón y Aristóteles son las figuras centrales de esta obra. Hay un claro punto de fuga, demostrando el dominio de Rafael de aspectos técnicos que fueron tan importantes en la pintura renacentista. Pero sobre todo, las numerosas figuras de la obra muestran una belleza contenida y sirven para apoyar el trabajo armónico, cohesivo. Si bien las figuras son diversas y dinámicas, nada sirve para restarle valor a la pintura en su conjunto.

Escultura en el Alto Renacimiento

La escultura en el Alto Renacimiento demuestra la influencia de la antigüedad clásica y del naturalismo ideal.

Objetivos de aprendizaje

Describir las características de la escultura del Alto Renacimiento

Claves para llevar

Puntos Clave

• Los escultores durante el Alto Renacimiento citaban deliberadamente precedentes clásicos y apuntaban al naturalismo ideal en sus obras.
• Miguel Ángel (1475-1564) es el primer ejemplo de escultor durante el Renacimiento; sus obras demuestran mejor los objetivos e ideales del escultor del Alto Renacimiento.

Durante el Renacimiento, un artista no era sólo un pintor, o un arquitecto, o un escultor. Normalmente eran los tres. Como resultado, vemos los mismos nombres prominentes produciendo escultura y las grandes pinturas renacentistas. Adicionalmente, los temas y metas de la escultura del Alto Renacimiento son muy similares a los de la pintura del Alto Renacimiento. Los escultores durante el Alto Renacimiento citaban deliberadamente precedentes clásicos y apuntaban al naturalismo ideal en sus obras. Miguel Ángel (1475-1564) es el primer ejemplo de escultor durante el Renacimiento; sus obras demuestran mejor los objetivos e ideales del escultor del Alto Renacimiento.

Baco

El Baco es la primera comisión registrada de Miguel Ángel en Roma. La obra es de mármol, es de tamaño natural, y está tallada en la ronda. La escultura es del dios del vino, quien sostiene una taza y aparece borracho. Las referencias a la antigüedad clásica son claras en el tema, y el cuerpo del dios se basa en el Apolo Belvedere, que Miguel Ángel habría visto mientras estaba en Roma. No sólo el tema está influenciado por la antigüedad, sino que también lo están las influencias artísticas.

Baco de Miguel Ángel, 1496—97: Baco es la primera comisión registrada de Miguel Ángel en Roma. La estatua demuestra claramente la influencia clásica que se hizo tan importante para los escultores durante el Alto Renacimiento.

Pieta

Si bien la Pieta no se basa en la antigüedad clásica en la materia, las formas muestran la belleza contenida y el naturalismo ideal que fue influenciado por la escultura clásica. Encargado por un cardenal francés para su tumba en el Viejo San Pedro, es la obra que hizo la reputación de Miguel Ángel. El tema de la Virgen acunando a Cristo después de la crucifixión era poco común en el Renacimiento italiano, lo que indica que fue elegido por el patrón.

Pieta de Miguel Ángel, 1498—149: Esta obra de Miguel Ángel demuestra la belleza clásica y el idealismo que caracteriza a las esculturas del Alto Renacimiento.

David

Cuando se terminó el David, se pretendía que fuera un contrafuerte en la parte posterior de la Catedral florentina. Pero los florentinos durante ese tiempo la reconocieron como tan especial y hermosa que en realidad tuvieron una reunión sobre dónde colocar la escultura. Los integrantes del grupo que se conocieron incluyeron a los artistas Leonardo da Vinci y Botticelli. ¿Qué pasa con esta obra la hizo destacar tan espectacularmente entre los compañeros de Miguel Ángel? El trabajo demuestra influencia clásica. La obra es desnuda, en emulación de esculturas griegas y romanas, y el David se levanta en una pose de contrapposto. Muestra una belleza contenida y un naturalismo ideal. Adicionalmente, la obra demuestra un interés por la psicología, que era nueva en el Alto Renacimiento, ya que Miguel Ángel representa a David concentrándose en los momentos previos a derribar al gigante. El tema también fue muy especial para Florencia ya que David era tradicionalmente un símbolo cívico. La obra fue finalmente colocada en el Palazzo Vecchio y sigue siendo el primer ejemplo de escultura del Alto Renacimiento.

David de Miguel Ángel, c.1504: Esta obra de Miguel Ángel sigue siendo el primer ejemplo de escultura del Alto Renacimiento.

Arquitectura en el Alto Renacimiento

La arquitectura durante el Alto Renacimiento representa una culminación de los desarrollos arquitectónicos que se realizaron durante el Renacimiento.

Objetivos de aprendizaje

Describir los importantes arquitectos del Alto Renacimiento y sus logros

Claves para llevar

Puntos Clave

• El Renacimiento se divide en el Renacimiento Temprano (c. 1400—1490) y el Alto Renacimiento (c. 1490—1527).
• Durante el Renacimiento temprano, se desarrollaron teorías sobre el arte, se hicieron nuevos avances en pintura y arquitectura, y se definió el estilo. El Alto Renacimiento denota un período que se ve como la culminación del período renacentista.
• La arquitectura renacentista se caracteriza por la simetría y la proporción, y está directamente influenciada por el estudio de la antigüedad.
• Los arquitectos más representativos del Alto Renacimiento son Donato Bramante (1444—1514) y Andrea Palladio (1508—1580).

El Renacimiento se divide en el Renacimiento Temprano (c. 1400—1490) y el Alto Renacimiento (c. 1490—1527). Durante el Renacimiento temprano, se desarrollaron teorías sobre el arte, se hicieron nuevos avances en pintura y arquitectura, y se definió el estilo. El Alto Renacimiento denota un período que se ve como la culminación del período renacentista, cuando artistas y arquitectos implementaron estas ideas y principios artísticos de manera armoniosa y hermosa.

La arquitectura renacentista se caracteriza por la simetría y la proporción, y está directamente influenciada por el estudio de la antigüedad. Si bien la arquitectura renacentista fue definida en el Renacimiento temprano por figuras como Filippo Brunelleschi (1377—1446) y Leon Battista Alberti (1404—1472), los arquitectos más representativos del Alto Renacimiento son Donato Bramante (1444—1514) y Andrea Palladio (1508—1580).

Donato Bramante

Una figura clave en la arquitectura romana durante el Alto Renacimiento fue Donato Bramante (1444—1514). Bramante nació en Urbino y primero saltó a la fama como arquitecto en Milán antes de viajar a Roma. En Roma, Bramante fue comisionado por Fernando e Isabel para diseñar el Tempietto, un templo que marca lo que se creía que era el lugar exacto donde San Pedro fue martirizado. El templo es circular, similar a los primeros martirios cristianos, y gran parte del diseño está inspirado en los restos del antiguo Templo Vesta.

El Tempietto es considerado por muchos estudiosos como el primer ejemplo de la arquitectura del Alto Renacimiento. Con sus proporciones perfectas, armonía de sus partes y referencias directas a la arquitectura antigua, el Tempietto encarna el Renacimiento. Esta estructura ha sido descrita como la “tarjeta de presentación” de Bramante al Papa Julio II, el importante mecenas renacentista de las artes que luego emplearía a Bramante en el diseño histórico de la nueva Basílica de San Pedro.

El Tempietto, c.1502, Roma, Italia: Diseñado por Donato Bramante, el Tempietto es considerado el primer ejemplo de la arquitectura del Alto Renacimiento.

Andrea Palladio

Andrea Palladio (1508—1580) fue el arquitecto jefe de la República de Venecia en el siglo XVI. Profundamente inspirado en la arquitectura romana y griega, Palladio es ampliamente considerado uno de los individuos más influyentes en la historia de la arquitectura occidental. Todos sus edificios están ubicados en lo que fue la República Veneciana, pero sus enseñanzas, resumidas en el tratado arquitectónico, Los cuatro libros de arquitectura, le valieron un amplio reconocimiento más allá de Italia. La arquitectura palladiana, que lleva su nombre, se adhirió a los principios romanos clásicos que Palladio redescubrió, aplicó y explicó en sus obras. Palladio diseñó muchos palacios, villas e iglesias, pero su reputación se ha fundado en su habilidad como diseñador de villas. Las villas palladianas se encuentran principalmente en la provincia de Vicenza.

Villas

Palladio estableció un nuevo formato de construcción influyente para las villas agrícolas de la aristocracia veneciana. Sus diseños se basaron en la practicidad y emplearon menos relieves. Consolidó las diversas dependencias agrícolas independientes en una sola estructura impresionante y se dispuso como un todo altamente organizado, dominado por un centro fuerte y alas laterales simétricas, como se ilustra en Villa Barbaro. La configuración de la villa palladiana a menudo consiste en un bloque centralizado elevado sobre un podio elevado, al que se accede por grandes escalones y flanqueado por alas de servicio más bajas. Este formato, con los cuartos del dueño en el centro elevado de su propio mundo, encontró resonancia como prototipo para villas italianas y posteriormente para las fincas rurales de la nobleza británica. Palladio desarrolló su propio prototipo más flexible para el plan de las villas a escala moderada y función.

Villa Barbaro: Frente de Villa Barbaro en Maser, provincia de Treviso, Italia, construida por Andrea Palladio entre 1554 y 1560 para los hermanos Daniele y Marcantonio Barbaro.

Leonardo da Vinci

Si bien Leonardo da Vinci es admirado como científico, académico e inventor, es famoso por sus logros como pintor de varias obras maestras renacentistas.

Objetivos de aprendizaje

Describir las obras de Leonardo da Vinci que demuestran sus técnicas más innovadoras como artista

Claves para llevar

Puntos Clave

• Entre las cualidades que hacen única la obra de da Vinci están las técnicas innovadoras que utilizó para colocar sobre la pintura, su conocimiento detallado de la anatomía, su uso innovador de la forma humana en la composición figurativa y su uso del sfumato.
• Entre las obras más famosas creadas por da Vinci se encuentra el pequeño retrato titulado La Mona Lisa, conocida por la elusiva sonrisa en el rostro de la mujer, provocado por el hecho de que da Vinci ensombreció sutilmente las comisuras de la boca y los ojos para que no se pueda determinar la naturaleza exacta de la sonrisa.
• A pesar de sus famosas pinturas, da Vinci no fue un pintor prolífico; fue un dibujante prolífico, llevando diarios llenos de pequeños bocetos y dibujos detallados que registraban todo tipo de cosas que le interesaban.

Términos Clave

• sfumato: En la pintura, la aplicación de capas sutiles de pintura translúcida para que no haya transición visible entre colores, tonos y, a menudo, objetos.

Si bien Leonardo da Vinci es muy admirado como científico, académico e inventor, es muy famoso por sus logros como pintor de varias obras maestras del Renacimiento. Sus pinturas fueron pioneras por diversas razones y sus obras han sido imitadas por estudiantes y discutidas extensamente por conocedores y críticos.

Entre las cualidades que hacen única la obra de da Vinci están las técnicas innovadoras que utilizó para colocar sobre la pintura, su conocimiento detallado de la anatomía, su uso de la forma humana en la composición figurativa y su uso del sfumato. Todas estas cualidades están presentes en sus obras más célebres, la Mona Lisa, La Última Cena, y la Virgen de las Rocas.

La Virgen de las Rocas, Leonardo da Vinci, 1483—1486: Esta pintura muestra a la Virgen y al Niño Jesús con el infante Juan el Bautista y un ángel, en un entorno rocoso.

La Última Cena

La pintura más célebre de Da Vinci de la década de 1490 es La Última Cena, la cual fue pintada para el refectorio del Convento de Santa Maria della Grazie en Milán. El cuadro representa la última comida compartida por Jesús y los 12 Apóstoles donde anuncia que uno de ellos lo traicionará. Al terminar, la pintura fue aclamada como una obra maestra del diseño. Esta obra demuestra algo que da Vinci hizo muy bien: tomar un tema muy tradicional, como la Última Cena, y reinventarlo por completo.

Antes de este momento en la historia del arte, cada representación de la Última Cena seguía la misma tradición visual: Jesús y los Apóstoles sentados en una mesa. Judas se coloca en el lado opuesto de la mesa de todos los demás y es identificado sin esfuerzo por el espectador. Cuando da Vinci pintó La Última Cena colocó a Judas al mismo lado de la mesa que Cristo y los Apóstoles, a quienes se les muestra reaccionando a Jesús mientras anuncia que uno de ellos lo traicionará. Se les representa como alarmados, molestos, y tratando de determinar quién cometerá el acto. El espectador también tiene que determinar qué figura es Judas, quién traicionará a Cristo. Al representar la escena de esta manera, da Vinci ha infundido psicología en la obra.

Desafortunadamente, esta obra maestra del Renacimiento comenzó a deteriorarse inmediatamente después de que da Vinci terminara de pintar, debido en gran parte a la técnica de pintura que había elegido. En lugar de utilizar la técnica del fresco, da Vinci había usado témpera sobre un suelo que era principalmente gesso en un intento de llevar los sutiles efectos de la pintura al óleo al fresco. Su nueva técnica no tuvo éxito, y resultó en una superficie que estaba sujeta a moho y descamación.

La Última Cena: La Última Cena de Leonardo da Vinci, aunque muy deteriorada, demuestra el dominio del pintor sobre la forma humana en la composición figurativa.

Mona Lisa

Entre las obras creadas por da Vinci en el siglo XVI se encuentra el pequeño retrato conocido como la Mona Lisa, o La Gioconda, “la risueña”. En la época actual es posiblemente la pintura más famosa del mundo. Su fama descansa, en particular, en la escurridiza sonrisa en el rostro de la mujer, su cualidad misteriosa que tal vez ha provocado el hecho de que la artista haya ensombrecido sutilmente las comisuras de la boca y los ojos para que no se pueda determinar la naturaleza exacta de la sonrisa.

La cualidad sombría por la que se reconoce la obra llegó a llamarse sfumato, la aplicación de sutiles capas de pintura translúcida para que no haya transición visible entre colores, tonos y, a menudo, objetos. Otras características que se encuentran en esta obra son el vestido sin adornos, en el que los ojos y las manos no compiten con otros detalles; el dramático fondo paisajístico, en el que el mundo parece estar en estado de flujo; la coloración tenue; y la naturaleza extremadamente suave de la técnica pictórica, empleando aceites, pero aplicados muy parecidos al témpera y mezclados en la superficie para que las pinceladas sean indistinguibles. Y nuevamente, da Vinci está innovando sobre un tipo de pintura aquí. Los retratos eran muy comunes en el Renacimiento. No obstante, los retratos de mujeres siempre estuvieron de perfil, lo que fue visto como apropiado y modesto. Aquí, da Vinci presenta un retrato de una mujer que no sólo se enfrenta al espectador sino que le sigue con los ojos.

Mona Lisa: En la Mona Lisa, da Vinci incorpora su técnica de sfumato para crear una cualidad sombría.

Virgen y el Niño con Santa Ana

En el cuadro Virgen y el Niño con Santa Ana, la composición de da Vinci vuelve a recoger el tema de las figuras en un paisaje. Lo que hace inusual a este cuadro es que hay dos figuras oblicuamente fijadas superpuestas. María está sentada sobre la rodilla de su madre, Santa Ana. Ella se inclina hacia adelante para contener al Niño Cristo mientras él juega bruscamente con un cordero, signo de su propio sacrificio inminente. Esta pintura influyó en muchos contemporáneos, entre ellos Miguel Ángel, Rafael y Andrea del Sarto. Las tendencias en su composición fueron adoptadas en particular por los pintores venecianos Tintoretto y Veronese.

Virgen y el Niño con Santa Ana: Virgen y el Niño con Santa Ana (c. 1510) de Leonardo da Vinci, Museo del Louvre.

Rafael

Rafael fue un pintor y arquitecto renacentista italiano cuya obra es admirada por su claridad de forma y facilidad de composición.

Objetivos de aprendizaje

Discutir las influencias de Rafael y los logros artísticos

Claves para llevar

Puntos Clave

• Junto con Miguel Ángel y Leonardo da Vinci, Rafael forma la trinidad tradicional de grandes maestros del Alto Renacimiento. Era enormemente productivo, dirigía un taller inusualmente grande, y a pesar de su muerte a los 30, tenía un gran cuerpo de trabajo.
• Algunas de las influencias artísticas más llamativas de Rafael provienen de las pinturas de Leonardo da Vinci; debido a esta inspiración, Rafael dio a sus figuras posiciones más dinámicas y complejas en sus composiciones anteriores.
• Las obras maestras “Stanze” de Rafael son composiciones muy grandes y complejas que han sido consideradas entre las obras supremas del Alto Renacimiento. Dan una representación muy idealizada de las formas representadas, y las composiciones, aunque muy cuidadosamente concebidas en dibujos, logran sprezzatura, el arte de realizar una tarea con tanta gracia que parece sin esfuerzo.

Términos Clave

• Sprezzatura:El arte de realizar una tarea difícil con tanta gracia que se ve sin esfuerzo.
• Loggia:una galería techada, abierta.
• Contrapposto:La posición de una figura cuyas caderas y piernas están retorcidas alejándose de la dirección de la cabeza y los hombros.

Visión general

Rafael (1483-1520) fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Su obra es admirada por su claridad de forma y facilidad de composición y por su logro visual del ideal neoplatónico de grandeza humana. Junto con Miguel Ángel y Leonardo da Vinci, Rafael forma la trinidad tradicional de grandes maestros de esa época. Fue enormemente productivo, dirigiendo un taller inusualmente grande; a pesar de su muerte a los 30, un gran cuerpo de su obra permanece entre los más famosos del arte del Alto Renacimiento.

Influencias

Algunas de las influencias artísticas más llamativas de Rafael provienen de las pinturas de Leonardo da Vinci. En respuesta a la obra de da Vinci, en algunas de las composiciones anteriores de Rafael dio a sus figuras posiciones más dinámicas y complejas. Por ejemplo, Santa Catalina de Alejandría de Rafael (1507) toma prestada de la pose contrapposto de la Leda de da Vinci y los cisnes.

Santa Catalina de Alejandría: Santa Catalina de Alejandría (1507) toma prestada de la pose contrapposto de la Leda de da Vinci.

Si bien Rafael también estaba al tanto de las obras de Miguel Ángel, se desvía de su estilo. En su Deposición de Cristo, Rafael se basa en los sarcófagos clásicos para difundir las figuras por el frente del espacio de la imagen en un arreglo complejo y no del todo exitoso.

La deposición de Rafael, 1507: Esta pintura representa el cuerpo de Cristo siendo llevado y una mujer desmayándose.

Las habitaciones Stanze y la logia

En 1511, Rafael comenzó a trabajar en las famosas pinturas de Stanze, que tuvieron un impacto impresionante en el arte romano, y generalmente son consideradas como sus mayores obras maestras. La Stanza della Segnatura contiene La Escuela de Atenas, Poesía, Disputa y Derecho. La Escuela de Atenas, que representa a Platón y Aristóteles, es una de sus obras más conocidas. Estas composiciones muy grandes y complejas han sido consideradas desde entonces como entre las obras supremas del Alto Renacimiento, y el “arte clásico” del Occidente posantiguo. Dan una representación muy idealizada de las formas representadas, y las composiciones, aunque muy cuidadosamente concebidas en los dibujos, logran sprezzatura, un término inventado por el amigo de Rafael Castiglione, quien lo definió como “una cierta indigencia que oculta todo arte y hace lo que se diga o parece inimaginable y sin esfuerzo”.

Vista de la Stanze della Segnatura, frescos pintados por Raphael

En la fase posterior de la carrera de Rafael, diseñó y pintó la Loggia en el Vaticano, una galería larga y delgada que estaba abierta a un patio por un lado y decorada con grottesche de estilo romano. También produjo una serie de retablos significativos, entre ellos El éxtasis de Santa Cecilia y la Virgen Sixtina. Su última obra, en la que estuvo trabajando hasta su muerte, fue una gran Transfiguración que, junto a Il Spasimo, muestra la dirección que tomaba su arte en sus últimos años, volviéndose más proto-barroco que manierista.

El estudio del Máster

Rafael dirigía un taller de más de 50 alumnos y asistentes, muchos de los cuales más tarde se convirtieron en artistas significativos por derecho propio. Este fue posiblemente el equipo de taller más grande ensamblado bajo cualquier antiguo pintor maestro, y mucho más alto que la norma. Incluían maestros establecidos de otras partes de Italia, probablemente trabajando con sus propios equipos como subcontratistas, así como alumnos y oficiales.

Arquitectura

En arquitectura, las habilidades de Rafael fueron empleadas por el papado y los ricos nobles romanos. Por ejemplo, Rafael diseñó los planos para la Villa Madama, que iba a ser un espléndido retiro en la ladera para el Papa Clemente VII (y nunca se terminó). Incluso incompleto, el esquema de Rafael fue el diseño de villa más sofisticado hasta ahora visto en Italia, e influyó mucho en el desarrollo posterior del género. También parece ser el único edificio moderno en Roma del que Palladio realizó un dibujo medido.

Dibujante

Rafael fue uno de los mejores dibujantes de la historia del arte occidental, y utilizó ampliamente los dibujos para planear sus composiciones. Según un casi contemporáneo, al comenzar a planear una composición, pondría en el piso una gran cantidad de sus dibujos de stock, y comenzaría a dibujar “rápidamente”, tomando prestadas cifras de aquí y allá. Más de 40 bocetos sobreviven para la Disputa en la Stanze, y bien puede haber habido muchos más originalmente (más de 400 hojas sobrevivieron en total).

Como lo demuestran sus bocetos para la Virgen y el Niño, Rafael utilizó diferentes dibujos para afinar sus poses y composiciones, aparentemente en mayor medida que la mayoría de los demás pintores. La mayoría de los dibujos de Rafael son bastante precisos, incluso los bocetos iniciales con figuras de contorno desnudo se dibujan cuidadosamente, y los dibujos posteriores suelen tener un alto grado de acabado, con sombreado y, a veces, reflejos en blanco. Carecen de la libertad y la energía de algunos de los bocetos de da Vinci y Miguel Ángel, pero casi siempre son muy satisfactorios estéticamente.

Raphael Sketch: Este dibujo muestra los esfuerzos de Rafael en desarrollar la composición para la Virgen y el Niño.

Miguel Ángel

Miguel Ángel fue un artista florentino del siglo XVI reconocido por sus obras maestras en escultura, pintura y diseño arquitectónico.

Objetivos de aprendizaje

Discutir los logros de Miguel Ángel en escultura, pintura y arquitectura

Claves para llevar

Puntos Clave

• Miguel Ángel creó su colosal estatua de mármol, el David, a partir de un solo bloque de mármol, que estableció su protagonismo como escultor de extraordinaria habilidad técnica y fuerza de imaginación simbólica.
• En la pintura, Miguel Ángel es famoso por el techo y El Juicio Final de la Capilla Sixtina, donde representó un complejo esquema que representa la Creación, la Caída del Hombre, la Salvación del Hombre y la Genealogía de Cristo.
• La principal contribución de Miguel Ángel a la Basílica de San Pedro fue el uso de una forma de cruz griega y una mampostería externa de proporciones masivas, con cada rincón relleno por un hueco de escalera o una pequeña sacristía. El efecto es una superficie de pared continua que aparece fracturada o plegada en diferentes ángulos.

Términos Clave

• contrapposto: La posición de pie de una figura humana donde la mayor parte del peso se coloca sobre un pie, y la otra pierna está relajada. El efecto del artilugio en el arte hace que las figuras se vean muy naturalistas.
• Capilla Sixtina: La capilla más conocida del Palacio Apostólico.

Miguel Ángel fue un artista florentino del siglo XVI reconocido por sus obras maestras en escultura, pintura y diseño arquitectónico. Sus obras más conocidas son el David, el Juicio Final, y la Basílica de San Pedro en el Vaticano.

Escultura: David

En 1504, Miguel Ángel recibió el encargo de crear una colosal estatua de mármol que retratara a David como un símbolo de la libertad florentina. La obra maestra posterior, David, estableció el protagonismo del artista como escultor de extraordinaria habilidad técnica y fuerza de imaginación simbólica. David fue creado a partir de un solo bloque de mármol, y se destaca más grande que la vida, ya que originalmente estaba destinado a adornar la Catedral de Florencia. La obra difiere de representaciones anteriores en que el héroe bíblico no se representa con la cabeza del Goliat asesinado, ya que está en las estatuas de Donatello y Verrocchio; ambas habían representado al héroe victorioso sobre la cabeza de Goliat. Ningún artista florentino anterior había omitido por completo al gigante. En lugar de aparecer victorioso sobre un enemigo, el rostro de David luce tenso y listo para el combate. Destacan tensos los tendones en su cuello, su ceño está surcado y sus ojos parecen enfocarse con atención en algo a lo lejos. Las venas sobresalen de su mano derecha bajada, pero su cuerpo está en una postura de contrapposto relajada, y lleva su cabestrillo tirado casualmente sobre su hombro izquierdo. En el Renacimiento, las poses de contrapposto fueron pensadas como un rasgo distintivo de la escultura antigua.

El David de Miguel Ángel, 1504: El David de Miguel Ángel se encuentra en pose de contrapposto.

La escultura estaba destinada a ser colocada en el exterior del Duomo, y se ha convertido en una de las obras más reconocidas de la escultura renacentista.

Pintura: El Juicio Final

En la pintura, Miguel Ángel es reconocido por su trabajo en la Capilla Sixtina. Originalmente se le encargó pintar arcas tromp-l'oeil después de que el techo original desarrollara una grieta. Miguel Ángel presionó por un esquema diferente y más complejo, que representara la Creación, la Caída del Hombre, la Promesa de Salvación a través de los profetas, y la Genealogía de Cristo. La obra forma parte de un esquema más amplio de decoración dentro de la capilla que representa gran parte de la doctrina de la Iglesia Católica.

La composición finalmente contenía más de 300 figuras, y tuvo en su centro nueve episodios del Libro del Génesis, divididos en tres grupos: La creación de Dios de la Tierra, la creación de Dios de la humanidad, y su caída de la gracia de Dios, y por último, el estado de la humanidad representado por Noé y su familia. Doce hombres y mujeres que profetizaron la venida del Jesús están pintados en los péndices que sostienen el techo. Entre las pinturas más famosas en el techo se encuentran La creación de Adán, Adán y Eva en el Huerto del Edén, el Gran Diluvio, el profeta Isaías y la Sibila cumaea. Los antepasados de Cristo están pintados alrededor de las ventanas.

El fresco de El Juicio Final sobre la pared del altar de la Capilla Sixtina fue encargado por el Papa Clemente VII, y Miguel Ángel trabajó en el proyecto entre 1536 y 1541. La obra se ubica en la pared del altar de la Capilla Sixtina, lo que no es una colocación tradicional para el tema. Por lo general, las escenas del último juicio se colocaban en el muro de salida de las iglesias como una forma de recordar al espectador los castigos eternos cuando dejaban el culto. El Juicio Final es una representación de la segunda venida de Cristo y del apocalipsis; donde las almas de la humanidad se levantan y son asignadas a sus diversos destinos, como juzgados por Cristo, rodeados de los santos. En contraste con las figuras anteriores que Miguel Ángel pintó en el techo, las figuras de El Juicio Final son muy musculosas y están en poses mucho más artificiales, demostrando cómo es esta obra en el estilo manierista.

En esta obra Miguel Ángel ha rechazado la representación ordenada del juicio final establecido por la tradición medieval en favor de una escena arremolinada de caos a medida que se juzga cada alma. Cuando se reveló la pintura fue fuertemente criticada por su inclusión de imágenes clásicas así como por la cantidad de figuras desnudas en poses algo sugerentes. La mala recepción que la obra recibida puede estar ligada a la Contrarreforma y al Concilio de Trento, que llevan a una preferencia por el arte religioso más conservador desprovisto de referencias clásicas. Si bien varias figuras se hicieron más modestas con la adición de cortinas, los cambios no se hicieron hasta después de la muerte de Miguel Ángel, demostrando el respeto y admiración que se le brindó durante su vida.

El Juicio Final: El fresco de El Juicio Final sobre la pared del altar de la Capilla Sixtina fue encargado por el Papa Clemente VII. Miguel Ángel trabajó en el proyecto entre 1534 y 1541.

Arquitectura: Basílica de San Pedro

Por último, aunque otros arquitectos estuvieron involucrados, Miguel Ángel recibe crédito por diseñar la Basílica de San Pedro. La principal contribución de Miguel Ángel fue el uso de un plano simétrico de forma de cruz griega y una mampostería externa de proporciones masivas, con cada esquina rellenada por un hueco de escalera o una pequeña sacristía. El efecto es de una superficie de pared continua que se pliega o fractura en diferentes ángulos, careciendo de los ángulos rectos que suelen definir el cambio de dirección en las esquinas de un edificio. Este exterior está rodeado por un orden gigante de pilastras corintias todas colocadas en ángulos ligeramente diferentes entre sí, de acuerdo con los ángulos siempre cambiantes de la superficie de la pared. Encima de ellos la enorme cornisa se ondea en una banda continua, dando la apariencia de mantener todo el edificio en un estado de compresión.

Basilica de San Pedro: Miguel Ángel diseñó la cúpula de la Basílica de San Pedro en o antes de 1564, aunque estaba inconclusa cuando murió.

Los pintores venecianos del Alto Renacimiento

Giorgione, Tiziano y Veronese fueron los pintores venecianos preeminentes del Alto Renacimiento.

Objetivos de aprendizaje

Resumir el impacto de las pinturas de Giorgione, Tiziano y Veronese en el arte del Alto Renacimiento veneciano

Claves para llevar

Puntos Clave

• Los artistas venecianos del Alto Renacimiento Giorgione, Tiziano y Veronese emplearon novedosas técnicas de color, escala y composición, que los establecieron como artistas aclamados al norte de Roma.
• En particular, estos tres pintores siguieron la preferencia de color de la Escuela Veneciana sobre el disegno.
• Giorgio Barbarelli da Castlefranco, conocido como Giorgione (c. 1477-1510), es un artista que tuvo un impacto considerable en el Alto Renacimiento veneciano. Giorgione fue el primero en pintar con óleo sobre lienzo.
• Tiziano Vecelli, o Tiziano (1490-1576), fue posiblemente el miembro más importante de la escuela veneciana, así como uno de los más versátiles. Su uso del color tendría una profunda influencia no sólo en los pintores del Renacimiento italiano, sino en las generaciones futuras del arte occidental.
• Paolo Veronese (1528—1588) fue uno de los principales pintores renacentistas de Venecia, conocido por sus pinturas como La boda en Caná y T l Fiesta en la Casa de Levi.

Términos Clave

• disegno: Dibujo o diseño.
• Venetian School: La escena artística distintiva, próspera e influyente en Venecia, Italia, a partir de finales del siglo XV.

Giorgione, Tiziano y Veronese fueron los pintores preeminentes del Alto Renacimiento veneciano. Los tres emplearon de manera similar novedosas técnicas de color y composición, lo que los estableció como artistas aclamados al norte de Roma. En particular, Giorgione, Tiziano y Veronese sigue la preferencia de color de la Escuela Veneciana sobre el disegno.

Giorgione

Giorgio Barbarelli da Castlefranco, conocido como Giorgione (c. 1477-1510), es un artista que tuvo un impacto considerable en el Alto Renacimiento veneciano. Desafortunadamente, los historiadores del arte no saben mucho sobre Giorgione, en parte por su temprana muerte a los 30 años, y en parte porque los artistas en Venecia no eran tan individualistas como los artistas de Florencia. Si bien sólo seis pinturas están acreditadas ante él, demuestran su importancia en la historia del arte así como sus innovaciones en la pintura.

Giorgione fue el primero en pintar con óleo sobre lienzo. Anteriormente, las personas que usaban óleos estaban pintando sobre panel, no lienzo. Sus obras no contienen mucho subdibujo, demostrando cómo no se adhirió al disegno florentino, y sus temas siguen siendo esquivos y misteriosos. Una de sus obras que demuestra estos tres elementos es La tempestad (c. 1505—1510). Esta obra es óleo sobre lienzo, las radiografías muestran que hay muy poco debajo del dibujo, y el tema sigue siendo uno de los temas más debatidos en la historia del arte.

La tempestad, c, 1505—1510, Giorgione. : Esta obra de Giorgione encapsula todas las innovaciones que aportó a la pintura durante el Alto Renacimiento veneciano y sigue siendo una de las pinturas más debatidas de todos los tiempos por su esquivo tema.

Tiziano

Tiziano Vecelli, o Tiziano (1490-1576), fue posiblemente el miembro más importante de la escuela veneciana del siglo XVI, además de uno de los más versátiles; era igualmente hábil con retratos, fondos paisajísticos y temas mitológicos y religiosos. Sus métodos de pintura, particularmente en la aplicación y uso del color, tendrían una profunda influencia no sólo en los pintores del Renacimiento italiano, sino en las futuras generaciones del arte occidental. A lo largo de su larga vida, la manera artística de Tiziano cambió drásticamente, pero conservó un interés de por vida en el color. Aunque sus obras maduras pueden no contener los tonos vívidos y luminosos de sus primeras piezas, su pincelada suelta y sutileza de modulaciones policromáticas carecían de precedentes

En 1516, Tiziano completó su conocida obra maestra, la Asunción de la Virgen, o la Assunta, para el altar mayor de la iglesia de los Frari. Esta extraordinaria pieza de colorismo, ejecutada a gran escala rara vez antes vista en Italia, creó sensación. La estructura pictórica de la Asunción —uniendo en una misma composición dos o tres escenas superpuestas a diferentes niveles, la tierra y el cielo, lo temporal y el infinito— se continuó en una serie de sus obras, llegando finalmente a una fórmula clásica en la Virgen de Pesaro (más conocida como la Madonna di Ca' Pesaro). Esta es quizás la obra más estudiada de Tiziano; su plan pacientemente desarrollado se plantea con suprema exhibición de orden y libertad, originalidad y estilo. Aquí, Tiziano dio una nueva concepción de los grupos tradicionales de donantes y personas santas que se mueven en el espacio aéreo, los planos y diferentes grados establecidos en un marco arquitectónico.

Assunta, Tiziano: Tiziano tardó dos años (1516—1518) en completar su Assunta. La dinámica composición de tres niveles y el esquema de color de la pintura lo establecieron como el pintor preeminente al norte de Roma.

Veronés

Paolo Veronese (1528—1588) fue uno de los principales pintores renacentistas de Venecia, conocido por pinturas como La boda en Caná y La fiesta en la casa de Levi. Veronese es conocido como un colorista supremo, y por sus decoraciones ilusionistas tanto en fresco como en aceite. Sus obras más famosas son elaborados ciclos narrativos, ejecutados en el estilo dramático y colorido, llenos de majestuosos escenarios arquitectónicos y deslumbrantes desfiles.

Sus grandes pinturas de fiestas bíblicas ejecutadas para los refectorios de los monasterios de Venecia y Verona son especialmente notables. Por ejemplo, en La boda de Caná, que fue pintada entre 1562 y 1563 en colaboración con Palladio, Veronese dispuso la arquitectura para que discurra mayormente paralela al plano de la imagen, acentuando el carácter procesional de la composición. El genio decorativo del artista fue reconocer que los efectos dramáticos de perspectiva habrían sido tediosos en una sala de estar o capilla, y que la narrativa de la imagen podría ser absorbida mejor como una distracción colorida.

La Boda en Cana ofrece poco en la representación de la emoción: más bien, ilustra el movimiento cuidadosamente compuesto de sus sujetos a lo largo de un eje principalmente horizontal. Sobre todo, se trata de la incandescencia de la luz y el color. Aun cuando el uso del color por parte de Veronese alcanzó mayor intensidad y luminosidad, su atención a la narrativa, el sentimiento humano y una interacción física más sutil y significativa entre sus figuras se hicieron evidentes.

La boda en Cana, Paolo Veronese (1562—1563): El genio decorativo del artista en The Wedding at Cana fue reconocer que los efectos dramáticos de perspectiva habrían sido tediosos en una sala de estar o capilla, y que la narrativa de la imagen podría ser absorbida mejor como un colorido desvío.

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