21.4: Pintura del Período Barroco
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Pintura Italiana en el Período Barroco
La pintura barroca surgió en el siglo XVI y se hizo extremadamente popular en el siglo XVII; el alto barroco romano duró de 1623 a 1667.
Objetivos de aprendizaje
Nombra a los pintores italianos más importantes del siglo XVII
Claves para llevar
Puntos Clave
- La pintura barroca es la pintura asociada al movimiento cultural barroco, que comenzó en Italia en el siglo XVII.
- En sus manifestaciones más típicas, la pintura barroca se caracteriza por un gran drama, rico, color profundo, y sombras intensas de luz y oscuridad.
- Caravaggio fue una figura importante en la pintura barroca temprana durante los siglos XVI y XVII e inspiró muchos imitadores, conocidos como Caravaggisti.
- Pietro da Cortona fue el pintor más influyente del Período Barroco Alto.
- A finales del siglo XVII, artistas como Giordano producían cada vez más frescos monumentales en el techo.
Términos Clave
- tenebrismo: Un estilo de pintura con contraste de luz muy pronunciado (claroscuro), con la oscuridad un rasgo dominante de la imagen
- fresco: En la pintura, la técnica de aplicar pigmento a base de agua sobre mortero o yeso de cal húmeda o fresca.
Visión general: Pintura Barroca
La pintura barroca está asociada con el movimiento cultural barroco, que comenzó en Italia en el siglo XVII. Abarca una gran variedad de estilos, ya que la pintura más importante y mayor durante el período que comienza alrededor de 1600 y continúa hasta principios del siglo XVIII se identifica hoy como pintura barroca. En sus manifestaciones más típicas, el arte barroco se caracteriza por un gran drama, rico, color profundo, y sombras intensas de luz y oscuridad.
Pintores italianos relevantes de la época
Caravaggio
Caravaggio (1571-1610), nacido y formado en Milán, se erige como uno de los contribuyentes más originales e influyentes de la pintura europea de finales del siglo XVI y principios del XVII. Era conocido por pintar figuras, incluso las de temas clásicos o religiosos, en vestimenta contemporánea, o como hombres y mujeres comunes. Su inclusión del lado más cutre de la vida estuvo en marcado contraste con las tendencias de la época. Utilizó tenebrismo y fuertes contrastes entre figuras parcialmente iluminadas y fondos oscuros para dramatizar el efecto.
Algunas de las pinturas más famosas de Caravaggio incluyen La vocación de San Mateo, Santo Tomás, La conversión de San Pablo, El entierro y La coronación del Cristo. Su uso de la luz y la sombra fue emulado por los Caravaggisti, los seguidores de Caravaggio, como Orazio Gentileschi (1563—1639), Artemisia Gentileschi (1592—1652/3), Mattia Preti, Carlo Saraceni y Bartolomeo Manfredi.
El llamado de San Mateo de Caravaggio: La vocación de San Mateo muestra el uso de Caravaggio del tenebrismo y los marcados contrastes entre figuras parcialmente iluminadas y fondos oscuros para dramatizar el efecto.
Ecce Homoc de Caravaggio, 1605: Ejemplo de una pintura barroca de Caravaggio
Otros Artistas
Otros pintores italianos influyentes durante este período temprano que influyeron en el desarrollo de la pintura barroca incluyen a Peter Paul Rubens, Giovanni Lanfranco y Guercino. Otros artistas, como Guido Reni y Domenico Zampieri, persiguieron un enfoque más clásico. Pintores barrocos como Cordona, Giovan Battista Gaulli y Ciro Ferri continuaron floreciendo junto a la tendencia clásica representada por pintores como Sacchi y Nicholas Poussin. Incluso un pintor clasicista como el alumno de Sacchi, Carlo Maratta, fue influenciado en su uso del color por el barroco.
El pintor principal del alto barroco romano, periodo que abarcó varios reinados papales de 1623 a 1667, fue Pietro da Cortona. Su manera barroca es claramente evidente en pinturas que ejecutó para la familia Sacchetti en la década de 1620 y el fresco de la bóveda en el Palazzo Barberini (terminado en 1639) en Roma.
Los frescos monumentales del techo datan principalmente de la última parte del siglo XVII. Algunos eran dramáticamente ilusionistas, como la nave fresco de Gaulli (1674—9) en la iglesia del Gesú y la bóveda de la nave de Andrea Pozzo (1691—4) en Sant'Ignazio, ambas en Roma. Luca Giordano (1634—1705) nació en Nápoles y fue tan prodigioso en su producción de pinturas que se le conocía como 'Luca fa presto' (“Luke fast work”).
La creación del hombre, fresco de Giordano en el Palazzo Medici-Riccardi en Florencia, 1684—1686. : Giordano fue un pintor barroco italiano extremadamente prolífico.
La pintura española en el periodo barroco
La Edad de Oro española es un período de florecimiento en las artes, coincidiendo con el ascenso y declive político de la dinastía española de los Habsburgo.
Objetivos de aprendizaje
Definir la Edad de Oro española de la pintura
Claves para llevar
Puntos Clave
- La Edad de Oro española comenzó en 1492, con el fin de la Reconquista y los viajes por mar de Cristóbal Colón al Nuevo Mundo. Políticamente, terminó a más tardar en 1659, con el Tratado de los Pirineos ratificado entre Francia y Habsburgo, España.
- Las tenencias y relaciones italianas hechas por el esposo de la reina Isabel y más tarde el único monarca de España, Fernando de Aragón, lanzaron un tráfico constante de intelectuales a través del Mediterráneo entre Valencia, Sevilla y Florencia.
- El arte español contenía una fuerte marca de misticismo y religión que fue alentada por la Contrarreforma y el patrocinio de los monarcas y aristocracia fuertemente católicos de España. Los Habsburgo, tanto en España como en Austria, fueron grandes mecenas del arte en sus países.
- Diego Velázquez y Francisco de Zurbarán suelen ser considerados por los estudiosos como los influyentes fundadores de un estilo de pintura exclusivamente español durante la época barroca.
Términos Clave
- Contrarreforma: El período de renacimiento católico que comienza con el Concilio de Trento (1545—1563) y termina al cierre de la Guerra de los Treinta Años (1648); a veces considerado una respuesta a la Reforma Protestante.
- Habsburgo: Una familia noble suabia que lleva su nombre, que se convirtió en la dinastía gobernante (hereditaria) de Austria, en ocasiones de otros países (principalmente en Iberia y los antiguos territorios borgoñeses), y abastecía a sucesivos emperadores (electos) del Sacro Imperio Romano Germánico.
Resumen: La Edad de Oro española
La Edad de Oro española es un período de florecimiento en las artes y la literatura en España, coincidiendo con la época barroca y el ascenso y declive político de la dinastía española de los Habsburgo. Comenzó no antes de 1492 con el fin de la Reconquista (Reconquista), los viajes por mar de Cristóbal Colón al Nuevo Mundo, y la publicación de la Gramática de la lengua castellana (Gramática de la lengua castellana) de Antonio de Nebrija. Políticamente, terminó a más tardar en 1659 con el Tratado de los Pirineos, ratificado entre Francia y Habsburgo, España.
España, en la época del Renacimiento italiano, había visto venir a sus costas pocos grandes artistas. Las tenencias y relaciones italianas hechas por Fernando de Aragón, esposo de la reina Isabel y más tarde el único monarca de España, lanzaron un tráfico constante de intelectuales a través del Mediterráneo entre Valencia, Sevilla y Florencia. Luis de Morales, uno de los principales exponentes de la pintura manierista española, conservó un estilo claramente español en su obra que recuerda al arte medieval. El arte español, particularmente el de Morales, contenía una fuerte marca de misticismo y religión que fue alentada por la Contrarreforma y el patrocinio de los monarcas y aristocracia fuertemente católicos de España.
Artistas de la Edad de Oro de España
Los Habsburgo, tanto en España como en Austria, fueron grandes mecenas del arte en sus países. Diego Velázquez y Francisco de Zurbarán suelen ser considerados por los estudiosos como los influyentes fundadores de un estilo de pintura exclusivamente español durante la época barroca.
Diego Velázquez
Diego Velázquez es ampliamente considerado como uno de los artistas más importantes e influyentes de España. Fue un artista individualista de la época barroca contemporánea y muy conocido como retratista. Además de numerosas interpretaciones de escenas de importancia histórica y cultural, pintó partituras de retratos de la familia real española, otras figuras europeas notables, y plebeyos, culminando con la producción de su obra maestra Las Meninas (1656). Velázquez fue pintor de corte para el rey Felipe IV y encontró una demanda cada vez mayor de sus retratos de estadistas, aristócratas y clérigos de toda Europa. Sus retratos del Rey, su primer ministro, el conde duque de Olivares y el propio Papa demostraron una creencia en el realismo artístico y un estilo comparable a muchos de los maestros holandeses.
Felipe IV en Marrón y Plata, 1632: Velázquez es quizás más conocido por sus numerosos retratos famosos, entre ellos este del rey Felipe IV.
La pintura más famosa de Velázquez, sin embargo, es la célebre Las Meninas (1656), en la que el artista se incluye a sí mismo como uno de los temas. Las Meninas es una pintura con composición compleja y enigmática que plantea interrogantes sobre la realidad y la ilusión, creando una relación incierta entre el espectador y las figuras representadas. Debido a estas complejidades, Las Meninas ha sido una de las obras más analizadas en la pintura occidental.
El cuadro muestra una gran sala en el Real Alcázar de Madrid durante el reinado del rey Felipe IV y presenta varias figuras, más identificables de la corte española, capturadas en un momento particular como si en una instantánea. Algunos miran fuera del lienzo hacia el espectador, mientras que otros interactúan entre ellos. La joven infanta Margaret Theresa está rodeada por su séquito de doncellas de honor, chaperona, guardaespaldas, otras dos figuras y un perro. Justo detrás de ellos, Velázquez se retrata a sí mismo trabajando en una gran lona. Velázquez mira hacia afuera, más allá del espacio pictórico hasta donde se situaría un espectador de la pintura. Al fondo hay un espejo que refleja la parte superior de los cuerpos del rey y la reina. Parecen colocarse fuera del espacio de imagen en una posición similar a la del espectador, aunque algunos estudiosos han especulado que su imagen es un reflejo de la pintura en la que se muestra trabajando Velázquez.
Las Meninas, 1656 (Inglés: Las damas en espera): En su pintura más célebre, el autorretrato de Valzquez se incluye a la izquierda.
La religión en el arte del Siglo de Oro español: Francisco de Zurbarán
El elemento religioso en el arte español, en muchos círculos, creció en importancia con la Contrarreforma. El trabajo austero, ascético y severo de Francisco de Zurbarán ejemplificó este hilo en el arte español, junto con la obra del compositor Tomás Luis de Victoria. Felipe IV condescendió activamente a artistas que coincidieron con sus puntos de vista sobre la Contrarreforma y la religión. El misticismo de la obra de Zurbarán —influenciado por Santa Teresa de Ávila— se convirtió en un sello distintivo del arte español en generaciones posteriores.
El nacimiento de la Virgen: El nacimiento de la Virgen, de Francisco de Zurbarán, demuestra los temas religiosos, en particular la devoción a la Virgen María, que impregnó la obra española de Contrarreforma.
Influenciado por Caravaggio y los maestros italianos, Zurbarán se dedicó a una expresión artística de religión y fe. Es conocido principalmente por sus pinturas religiosas que representan monjes, monjas y mártires, así como por sus naturalezas muertas. Zurbarán se ganó el apodo de Caravaggio español, debido al uso contundente y realista del claroscuro en el que sobresalió.
San Francisco en Meditación, c. 1631—1640, Galería Nacional: La pintura de Zurbarán de San Francisco de Asís destaca por su uso del claroscuro, o alto contraste entre la luz y la oscuridad.
Sus pinturas de San Francisco de Asís, la inmaculada concepción y la crucifixión de Cristo reflejaban una tercera faceta de la cultura española en el siglo XVII, en el contexto de la guerra religiosa en toda Europa. Zurbarán rompió con la aguda interpretación realista del arte de Velázquez y miró, en cierta medida, al contenido emotivo del pintor El Greco y de los primeros pintores manieristas en busca de inspiración y técnica, aunque Zurbarán respetó y mantuvo la iluminación y matiz físico de Velázquez.
La pintura francesa en el periodo barroco
La pintura del siglo XVII en Francia estuvo influenciada por las sensibilidades barrocas italianas así como los gustos clásicos de la poderosa monarquía.
Objetivos de aprendizaje
Describir la naturaleza cambiante de la pintura francesa del siglo XVII y sus practicantes más importantes
Claves para llevar
Puntos Clave
- El rey Luis XIV estableció la Academia de Pintura y Escultura, que propagó un estilo de arte con afectación claramente clásica. Entre los pintores importantes de la Francia del siglo XVII se encuentran Simon Vouet, Charles Le Brun, Nicolas Poussin, Claude Lorrain y Georges de la Tour.
- Simon Vouet es conocido por introducir la pintura de estilo barroco en Francia. Charles Le Brun fue alumno de Vouet y el pintor más importante en la corte del rey Luis XIV. Fue el encargado de la decoración interior en el Palacio de Versalles.
- Nicolas Poussin es conocido por sus pinturas de estilo clásico que favorecen la claridad, la lógica, el orden y las líneas limpias sobre el color. Claude Lorrain es conocido particularmente por su trabajo en la pintura de paisajes.
- Georges de la Tour fue un pintor barroco francés conocido por pintar escenas religiosas de claroscuro.
Términos Clave
- claroscuro: Una técnica artística popularizada durante el Renacimiento, refiriéndose al uso de contrastes de luz exagerados para crear la ilusión de volumen.
- retablo: Una obra de arte suspendida arriba y detrás de una mesa utilizada con fines religiosos; (altar) en una iglesia.
Resumen: La era barroca en Francia
La pintura del siglo XVII en Francia estuvo influenciada por las sensibilidades barrocas italianas así como los gustos clásicos de la poderosa monarquía. Estas dos fuertes influencias dieron como resultado un estilo que era único en Francia y culminó en el arte producido para el rey Luis XIV. El reinado de Luis XIV vio un cambio de los estilos manierista y barroco populares a principios de siglo, durante el reinado de Luis XIII, hacia un estilo clásico más prescrito. Luis XIV estableció el control real sobre la producción artesanal en Francia, prohibiendo la compra de artículos de lujo en el extranjero. También estableció la Academia de Pintura y Escultura, que mantuvo una jerarquía de géneros en la pintura y un sabor claramente clásico.
Pintores franceses influyentes
Entre los pintores importantes de la Francia del siglo XVII se encuentran Simon Vouet, Charles Le Brun, Nicolas Poussin, Claude Lorrain y Georges de la Tour. La pintura del siglo XVII en Francia estaba dividida: por un lado hubo influencia del estilo barroco italiano como se ve en la obra de de la Tour; por el otro era un distintivo virar hacia un estilo rígido, clásico que fue favorecido por la monarquía, y ejemplificado por las obras de Le Brun, Poussin y Lorrain. La convergencia de estos dos estilos le dio a la pintura del siglo XVII un tono estético totalmente único en Francia.
Simon Vouet y Charles Le Brun
Simon Vouet es conocido por introducir la pintura de estilo barroco en Francia. Estudió en Italia y aprendió las técnicas de los maestros italianos, que imbuyó de sus propias sensibilidades. Fue hecho “premier peintre du Roi” por Luis XIII, quien le encargó numerosas obras. Charles Le Brun fue el alumno más influyente de Vouet y se convertiría en un importante pintor en la corte del rey Luis XIV. Le Brun trabajó principalmente para Luis XIV, y sus obras más importantes residen en el Palacio de Versalles. Produciendo principalmente piezas de batalla y retablos, las pinturas de Le Brun ejemplifican una síntesis de estilos barroco y clásico.
Charles Le Brun, La conquista de Franche-Comté: Charles Le Brun trabajó principalmente para el rey Luis XIV, y sus obras más importantes residen en el Palacio de Versalles. Produciendo principalmente piezas de batalla y retablos, las pinturas de Le Brun ejemplifican una síntesis de estilos barroco y clásico.
Nicolas Poussin y Claude Lorrain
Nicolas Poussin es conocido por sus pinturas de estilo clásico creadas en la Francia del siglo XVII. Su obra presenta claridad, lógica, orden y líneas limpias sobre el color, sirviendo como contrapunto a la pintura de estilo barroco. Pasó la mayor parte de su vida trabajando en Roma y se convirtió en un pintor favorito del rey Luis XIV. Claude Lorrain es conocido particularmente por su trabajo en la pintura de paisajes. Se ganó el patrocinio del Papa Urbano VIII, tras lo cual su fama creció rápidamente. Lorrain y Poussin eran amigos y se sabía que habían viajado juntos por el campo italiano.
Nicolas Poussin, Eco y Narciso: Nicolas Poussin es conocido por sus pinturas de estilo clásico creadas en la Francia del siglo XVII. Su obra presenta claridad, lógica, orden y líneas limpias sobre el color.
Georges de la Tour
Georges de la Tour fue un pintor barroco francés conocido por pintar escenas religiosas de claroscuro iluminadas a la luz de las velas. Su obra muestra mucha influencia de Caravaggio, caracterizada por los efectos pintados de luz y oscuridad, pero es única en que aplica esta técnica a temas de género.
Georges De La Tour, Büende María Magdalena (Magdalena Terf):
La pintura flamenca en la época barroca
El estilo de pintura producido en Flandes durante el siglo XVII se conoce como barroco flamenco.
Objetivos de aprendizaje
Nombrar diferentes géneros dentro del barroco flamenco y sus pintores representativos
Claves para llevar
Puntos Clave
- La pintura barroca flamenca destaca por el hecho de que se separó en las diferentes categorías temáticas de historia, retrato, género, paisaje y naturaleza muerta.
- Peter Paul Rubens fue el pintor preeminente del estilo barroco flamenco; fue el artista dominante de la pintura de historia y obtuvo influencia de la pintura italiana.
- Las pinturas de Adriaen Brouwer ejemplificaron la pintura de género de Flandes del siglo XVII. Representaban escenas de la vida cotidiana de los campesinos y destacaban por sus expresivos estudios faciales.
- Las vanitas, un tipo de pintura de naturaleza muerta que pretende ilustrar la falta de sentido de la vida terrenal y la fugacidad de todas las actividades terrenales, se hicieron muy populares en la pintura flamenca del siglo XVII.
Términos Clave
- monumental: Grande, grandioso e imponente.
Visión general: Barroco Flamenco
El estilo de pintura producido en Flandes durante el siglo XVII se conoce como barroco flamenco. Este estilo se produjo entre alrededor de 1585, cuando la República Holandesa se separó de las regiones Habsburgo España del sur, hasta cerca de 1700, cuando el dominio de los Habsburgo terminó tras la muerte del rey Carlos II. Amberes —el hogar de Peter Paul Rubens, Anthony Van Dyck y Jacob Jordaens— ocupó un lugar destacado como un punto de producción artística durante este tiempo, al igual que Bruselas y Gante en menor medida. Peter Paul Rubens, el pintor preeminente del estilo barroco flamenco, tuvo una fuerte influencia en la estética artística del siglo XVII.
Categorías de Pintura Flamenco
La pintura barroca flamenca destaca por el hecho de que se separó en diferentes categorías temáticas, y los artistas de la época tendían a especializarse en una de estas áreas. Estos géneros incluían la historia, el retrato, el género, el paisaje y las pinturas de naturaleza muerta.
Historia Pintura
La pintura de historia, considerada el género más noble durante el siglo XVII, estuvo compuesta por representaciones de escenas históricas, bíblicas, mitológicas y alegóricas. Peter Paul Rubens fue el pintor dominante en esta categoría, aunque su alumno Anthony Van Dyck también se hizo prominente. Más que en cualquier otra categoría, los pintores de historia flamencos continuaron sacando influencia de la pintura italiana. Rubens pasó nueve años en Italia estudiando la obra de los maestros, e introdujo la escena monumental de la caza a la pintura. Esto se ejemplifica en su obra Wolf and Fox Hunt, que representa una noble batalla a gran escala y se inspiró en su estudio de la antigüedad clásica.
Wolf and Fox Hunt de Peter Paul Rubens: Wolf and Fox Hunt es un ejemplo de la monumental escena de caza que Rubens introdujo a la pintura.
Cuadros de Retrato
Los retratos fueron, en su mayor parte, monumentales o de tamaño natural, aunque el retrato grupal y familiar cobró protagonismo durante el siglo XVII. A pesar de que no era retratista, Rubens completó algunas obras tempranas en esta categoría. También ejerció influencia a través de su alumno, Anthony Van Dyck, quien se convirtió en el pintor de la corte de Carlos I de Inglaterra y una influencia en el retrato posterior en Inglaterra.
Pintura de género
Las pinturas de género representan escenas de la vida cotidiana y eran muy comunes en Flandes del siglo XVII. Estas pinturas presentan figuras sin identidad específica, comúnmente dedicadas a actividades asociadas a “la vida campesina”. Muchos artistas del género siguen la tradición de Peter Brueghel el Viejo en su representación de las clases bajas. Las pinturas de Adriaen Brouwer, que a menudo muestran a campesinos luchando y bebiendo, sirven como ejemplo de la pintura flamenca de género. Brouwer es conocido por pintar sus temas en escenas interiores, más que exteriores. También fue conocido por sus expresivos estudios faciales, característicos de un género llamado “tronies” (rostros) y ejemplificado en obras como La bebida amarga.
Village Lawyer de Peter Brueghel: Una pintura de género de Peter Brueghel.
Paisajes
La pintura de paisaje fue otra categoría importante en el siglo XVII. El estilo se desarrolló a partir de pinturas de paisajes flamencos de principios del siglo XVI, que no eran particularmente realistas y empleaban la vista semiaérea típica de Peter Brueghel el Viejo. La pintura interior arquitectónica también se hizo popular en esta época, desarrollándose a partir de las obras de Hans Vredman de Vries y representando los interiores realistas de iglesias y catedrales existentes.
Bodegones
La pintura floral de naturaleza muerta estaba muy extendida en Flandes del siglo XVII, popularizada por Brueghel el Viejo alrededor de 1600. Sus hijos, Jan Brueghel el Joven y Ambrosius Brueghel, también eran conocidos especialistas en flores de la época. Otros temas o subcategorías de la pintura de naturaleza muerta incluyeron el banquete bodegón, el bodegón animal y las escenas de guirnalda. Las pinturas de bodegones a menudo tenían un mensaje moralista subyacente sobre la brevedad de la vida, rasgo ejemplificado por las “vanitas”. A vanitas es una pintura simbólica de bodegón que pretende ilustrar la falta de sentido de la vida terrenal y la fugacidad de todas las actividades terrenales. Las pinturas de Vanitas fueron muy populares en la obra flamenca y holandesa del siglo XVII, y a menudo representan símbolos como calaveras, flores, frutas en descomposición, relojes, humo y relojes de arena, todos los cuales están destinados a transmitir la naturaleza efímera de la vida en la tierra.
Vanitas Painting: Un ejemplo de una vanitas del siglo XVII de Franciscus Gysbrechts.
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