21.5: Los pintores holandeses
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Ter Brujas, van Honthorst, Hals, Leyster
Hendrick ter Brugghen, Gerrit van Honthorst, Frans Hals y Judith Leyster fueron importantes pintores de género de la República Holandesa.
Objetivos de aprendizaje
Explicar la importancia de ter Brugghen, van Honthorst, Hals y Leyster para la pintura de género de la República Holandesa
Claves para llevar
Puntos Clave
- Ter Brugghen y Honthorst fueron artistas de la ciudad holandesa de Utrecht que trabajaron en la tradición Caravaggisti, emulando el uso dramático de Caravaggio de la luz y la sombra. Ambos artistas se inspiraron directamente en sus viajes a Italia.
- Las escenas de taberna y otras representaciones de entretenimiento animado fueron temas comunes para los pintores de género de esta época.
- Frans Hals, otro conocido pintor holandés, es recordado principalmente por su retrato y su uso pionero de la pincelada suelta.
- Judith Leyster es una de las pocas artistas femeninas reconocidas de la Edad de Oro holandesa y es conocida por representar temas femeninos en escenas interiores domésticas.
- La obra de Leyster es extremadamente similar a la de Hals, lo que lleva a algunos historiadores a especular que ella pudo haber sido su aprendiz.
Términos Clave
- claroscuro: Una técnica artística desarrollada durante el Renacimiento, refiriéndose al uso de contrastes de luz exagerados para crear la ilusión de volumen.
- Caravaggisti: Seguidores estilísticos del pintor barroco italiano del siglo XVI Michelangelo Merisi da Caravaggio.
- Manierismo: Un estilo de arte desarrollado al final del Alto Renacimiento, caracterizado por la deliberada distorsión y exageración de la perspectiva, especialmente el alargamiento de las figuras.
La Edad de Oro holandesa
La Edad de Oro holandesa fue un período en la historia de Holanda que abarcó generalmente el siglo XVII, durante y después de la última parte de la Guerra de los Ochenta Años (1568-1648) por la independencia holandesa. Si bien la pintura holandesa de la Edad de Oro viene en el período general europeo de la pintura barroca y a menudo muestra muchas de sus características, la mayoría carece de la idealización y el amor por el esplendor típico de gran parte de la obra barroca, incluida la de la vecina Flandes. La mayor parte de las obras en Holanda durante esta época, incluyendo aquella por la que el período es más conocido, refleja las tradiciones de realismo detallado heredadas de la pintura holandesa primitiva.
Un rasgo distintivo de la época es la proliferación de distintos géneros de pinturas, con la mayoría de los artistas produciendo la mayor parte de su obra dentro de uno de estos. El pleno desarrollo de esta especialización se ve desde finales de la década de 1620, y el período desde entonces hasta la invasión francesa de 1672 es el núcleo de la pintura del Siglo de Oro. Los Utrecht Caravaggisti Hendrick ter Brugghen y Gerrit van Honthorst, así como Frans Hals y Judith Leyster, fueron pintores de género de la República Holandesa. Su obra generalmente representaba tabernas y otras escenas de entretenimiento que se adaptaban a los gustos e intereses de un segmento creciente de la clase media holandesa.
ter Brujas
Hendrick Jansz ter Brugghen (1588—1629) fue un pintor holandés y un destacado miembro de los seguidores holandeses de Caravaggio, o los caravaggisti holandeses. Ter Brugghen comenzó a pintar a los 13 años, estudiando con Abraham Bloemaert, pintor de historia formado en Manierismo. Alrededor de 1604, ter Brugghen viajó a Italia para ampliar sus habilidades como muchos de sus homólogos holandeses. Mientras estuvo en Roma, podría haber estado en contacto directo con Caravaggio. Sin duda estudió su obra, así como la de sus seguidores, conocidos como los Caravaggisti italianos. Al regresar a la ciudad holandesa de Utrecht, trabajó con Gerard van Honthorst, otro miembro de los Caravaggisti holandeses.
Flauta jugador de ter Brugghen, 1621: ter Brugghen, con Gerard van Honthorst, importó las técnicas de Caravaggio de Italia a principios del siglo XVII.
Los temas favoritos de Ter Brugghen eran figuras de medio cuerpo de bebedores o músicos, pero también produjo imágenes religiosas a gran escala y retratos grupales. Llevaba consigo la influencia de Caravaggio, y sus pinturas tienen un fuerte uso dramático de la luz y la sombra, así como de sujetos cargados de emociones. Aunque murió bastante joven a los 41 años, su trabajo fue bien recibido y muy influyente en su vida.
El concierto de ter Brugghen (1627), 99.1 x 116.8 cm, National Gallery, Londres: Algunos de los temas favoritos de ter Brugghen fueron figuras de medio cuerpo de bebedores o músicos, con un fuerte uso dramático de la luz y la sombra al estilo de Caravaggio.
Van Honthorst
Gerard van Honthorst (1590—1656) nació en Utrecht y también estudió con Abraham Bloemaert. En 1616, Honthorst también viajó a Italia y fue profundamente influenciado por el arte reciente que encontró allí. Honthorst regresó a Utrecht en 1620 y pasó a construir una reputación considerable, tanto en la República Holandesa como en el extranjero.
Honthorst se convirtió brevemente en pintor de la corte de Carlos I en Inglaterra en 1628. Su popularidad en Holanda fue tal que abrió un segundo estudio en La Haya, donde pintó retratos de miembros de la corte y enseñó dibujo. Honthorst cultivó el estilo de Caravaggio y tenía gran habilidad en el claroscuro, a menudo pintando escenas iluminadas por una sola vela. Aparte del retrato, es conocido por pintar escenas de tabernas con músicos, jugadores y gente comiendo.
The Matchmaker de Gerard van Honthorst, 1625: Esta pintura demuestra el uso del claroscuro por parte de Honthorst, un estilo popularizado por Caravaggio.
Hals
Frans Hals the Elder (c. 1582—1666) fue muy notable por su pincelada pictórica suelta, un estilo animado que ayudó a introducir en el arte holandés. Hals también fue fundamental en la evolución del retrato grupal del siglo XVII. Quizás sea mejor conocido por sus retratos, que fueron principalmente de ciudadanos adinerados y destacados comerciantes como Pieter van den Broecke e Isaac Massa. También pintó retratos de grupos grandes para guardias cívicos locales y los regentes de los hospitales locales. Sus imágenes ilustran los diversos estratos de la sociedad: banquetes o reuniones de oficiales, gremios, concejales locales desde alcaldes hasta empleados, jugadores y cantantes itinerantes, gentlefolk, esposas de pescado y héroes de tabernas. En sus retratos grupales, como The Officers of the St Adrian Militia Company, Hals captura cada personaje de una manera diferente. A Hals le gustaba la luz del día y el brillo plateado, en contraste con el uso de los efectos de brillo dorado por parte de Rembrandt.
The Officers of the St Adrian Militia Company by Frans Hals, 1633: Esta es la segunda pintura para los Cluveniers, San Adriano, o guardia cívica de San Adriano de Haarlem, de Frans Hals; hoy es considerada una de las principales atracciones del Museo Frans Hals.
Leyster
Judith Jans Leyster (1609—1660) fue una de las tres artistas femeninas significativas en la pintura holandesa de la Edad de Oro. Las otras dos, Rachel Ruysch y Maria van Oosterwijk, fueron pintoras especializadas de bodegones florales, mientras que Leyster pintó obras de género, algunos retratos y un solo bodegón. Leyster abandonó en gran parte la pintura después de su matrimonio, que produjo cinco hijos. Leyster fue particularmente innovadora en sus escenas de género doméstico. En ellas, crea silenciosas escenas de mujeres en casa, que no fueron un tema popular en Holanda hasta la década de 1650.
A Game of Cards de Judith Leyster: el tema de Leyster era similar a otros pintores de género de la época, con la excepción de que tendía a centrarse en temas femeninos.
Aunque conocida a lo largo de su vida y apreciada por sus contemporáneos, Leyster y su obra quedaron en gran parte olvidados tras su muerte. Leyster fue redescubierto en 1893 cuando el Louvre compró lo que pensaba que era un cuadro de Frans Hals, sólo para encontrarlo había, de hecho, sido pintado por Judith Leyster. Algunos historiadores han afirmado que Hals pudo haber sido maestro de Leyster debido a la estrecha similitud entre su obra; por ejemplo, The Merry Drinker de Leyster de 1629 tiene un parecido muy fuerte con The Jolly Drinker de 1627—28 de Hals.
Rembrandt
Rembrandt es recordado como uno de los artistas más grandes de la historia europea y el más importante de la Edad de Oro holandesa.
Objetivos de aprendizaje
Describir las características de la pintura de Rembrandt
Claves para llevar
Puntos Clave
- Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606—1669) es conocido principalmente por retratos de sus contemporáneos, autorretratos, paisajes e ilustraciones de escenas de la Biblia.
- Los autorretratos de Rembrandt son excepcionalmente sinceros, reveladores y personales, ilustrando su desarrollo a lo largo del tiempo.
- Estilísticamente, la obra de Rembrandt evolucionó de suave a rudo a lo largo de su vida.
- Los trazos gruesos y toscos en la obra de Rembrandt eran poco convencionales en su momento y poco recibidos por muchos de sus contemporáneos, aunque esta técnica ahora es vista como esencial para la resonancia emocional de su obra.
- Aunque es recordado como el maestro de la pintura holandesa, el éxito de Rembrandt fue desigual durante su vida.
Términos Clave
- abigarrado: Rayado, manchado, o marcado de otra manera con una variedad de colores; muy colorido.
- Caravaggisti: Seguidores estilísticos del pintor barroco italiano del siglo XVI Michelangelo Merisi da Caravaggio.
- claroscuro: Una técnica artística popularizada durante el Renacimiento, refiriéndose al uso de contrastes de luz exagerados para crear la ilusión de volumen.
Resumen: Rembrandt
Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606—1669) fue un pintor y grabador holandés durante la Edad de Oro holandesa, un período de gran riqueza y logros culturales. Aunque los últimos años de Rembrandt estuvieron marcados por una tragedia personal y dificultades financieras, sus grabados y pinturas fueron populares a lo largo de su vida, lo que le valió una excelente reputación como artista y maestro. En 1626, Rembrandt produjo sus primeros grabados, cuya amplia difusión daría cuenta en gran medida de su fama internacional.
Características de la Obra de Rembrandt
Entre las características más destacadas de la obra de Rembrandt está su uso del claroscuro, el empleo teatral de la luz y la sombra. Esta técnica probablemente se derivó del holandés Caravaggisti, seguidores del pintor barroco italiano Michelangelo Merisi da Caravaggio que había utilizado por primera vez la técnica del claroscuro. Destacan también su dramática y vivaz presentación de temas, desprovista de la rígida formalidad que a menudo mostraban sus contemporáneos, y una compasión visible por el sujeto humano, independientemente de la riqueza y la edad.
A lo largo de su carrera, Rembrandt tomó como temas principales los temas del retrato (dependiente de encargos de mecenas adinerados para la supervivencia), el paisaje y la pintura narrativa. Por último, fue especialmente elogiado por sus contemporáneos, quienes lo ensalzaron como magistral intérprete de historias bíblicas por su habilidad para representar emociones y atención al detalle. Su familia inmediata a menudo figuraba de manera prominente en sus pinturas, muchas de las cuales tenían temas míticos, bíblicos o históricos.
Titus como monje de Rembrandt, 1660: La familia inmediata de Rembrandt figuraba frecuentemente en sus pinturas. Esta obra presenta como monje al hijo de Rembrandt, Titus.
En años posteriores, los temas bíblicos todavía se representaban a menudo, pero su énfasis cambió de escenas dramáticas grupales a figuras íntimas como retratos (como en Santiago el Apóstol, 1661). En sus últimos años, Rembrandt pintó sus autorretratos más profundamente reflexivos (pintó 15 de 1652 a 1669) y varias imágenes en movimiento tanto de hombres como de mujeres (como La novia judía, c. 1666) en el amor, en la vida, y ante Dios.
La novia judía, Rijksmuseum en Ámsterdam. : En sus últimos años, Rembrandt pintó varias imágenes en movimiento tanto de hombres como de mujeres como esta pintura de La novia judía.
Estilísticamente, las pinturas de Rembrandt progresaron desde la manera temprana “suave”, caracterizada por una técnica fina en la representación de la forma ilusonista, hasta el tratamiento tardío “áspero” de superficies de pintura ricamente abigarradas, lo que permitió un ilusionismo de forma sugerido por la calidad táctil de la propia pintura. Los relatos contemporáneos a veces remarcan con desaprobación la grosería de la pincelada de Rembrandt, y se decía que el propio artista había disuadido a los visitantes de mirar demasiado de cerca sus pinturas. La rica variedad de manejo de la pintura, profundamente estratificada y a menudo aparentemente fortuita, sugiere forma y espacio tanto de manera ilusoria como altamente individual.
Autorretratura
Los autorretratos de Rembrandt trazan el progreso desde un joven incierto, pasando por el apuesto y muy exitoso retratista de la década de 1630, hasta los atribulados pero masivamente poderosos retratos de su vejez. Juntos, dan una imagen notablemente clara del hombre, su apariencia y su maquillaje psicológico, como lo revela su rostro ricamente desgastado. En sus retratos y autorretratos, inclina el rostro de la niñera de tal manera que la cresta de la nariz casi siempre forma la línea de demarcación entre áreas brillantemente iluminadas y sombrías.
Autorretrato, c. 1629: Los primeros autorretratos de Rembrandt retratan su juventud y, a veces, su incertidumbre.
Autorretrato de Rembrandt, 1659: Los numerosos autorretratos de Rembrandt proporcionan un sólido registro de su desarrollo como artista y ofrecen una visión de su psicología personal.
Arte del Paisaje y Pintura de Interiores
La pintura de paisajes e interiores de género de la República Holandesa se volvió cada vez más sofisticada y realista en el siglo XVII.
Objetivos de aprendizaje
Evaluar la pintura holandesa de paisajes e interiores de género en el siglo XVII
Claves para llevar
Puntos Clave
- La primera fase de la pintura paisajística holandesa se conocía como la “fase tonal”, que se caracterizaba por contornos suaves, efecto atmosférico y enfoque en el cielo.
- La “fase clásica” de los paisajes holandeses comenzó en la década de 1650 y conservó una calidad atmosférica; sin embargo, presentaban luz y color contrastantes y la frecuente presencia de un ancla compositiva, como un árbol, una torre o un barco prominentes.
- Las pinturas con animales surgieron como un subgénero distintivo de la pintura de paisaje holandesa en esta época.
- Los paisajes románticos italianos, con una suave luz dorada, también emergieron como un subgénero de la pintura de paisajes.
- Las pinturas de género interior también fueron extremadamente populares durante la República Holandesa, con escenas animadas de la vida cotidiana, como mercados, posadas, tabernas y escenas callejeras, así como interiores domésticos.
- Jan Vermeer, cuya obra capturó de manera única la iluminación en espacios interiores, es ahora el pintor de género más reconocido de la República Holandesa.
Términos Clave
- atmosférico: Evocando una cualidad emocional o estética particular.
- perspectiva atmosférica: Una técnica en la que se crea una ilusión de profundidad pintando objetos más distantes con menos claridad y con un tono más claro.
- género: Una categoría estilística, especialmente de literatura u otras obras de arte.
Antecedentes: Pintura holandesa y flamenca
La pintura de paisajes fue un género importante en la República Holandesa del siglo XVII que se inspiró en los paisajes flamencos del siglo XVI, particularmente de Amberes. Estas obras flamencas no habían sido particularmente realistas, la mayoría habían sido pintadas en el estudio, en parte de la imaginación, y a menudo todavía utilizando el estilo de vista semiaérea típico de la pintura paisajística holandesa anterior, en la tradición de Joachim Patinir, Herri met de Bles y Pieter Bruegel el Viejo.
Paisajes holandeses
Pronto se desarrolló un estilo más realista en los Países Bajos, con horizontes más bajos que permiten enfatizar las formaciones nubosas a menudo impresionantes tan típicas de la región. Los temas favoritos fueron las dunas a lo largo de la costa occidental del mar y los ríos con sus amplios prados colindantes donde pastaba ganado, a menudo con la silueta de una ciudad a lo lejos. Los paisajes invernales presentaban canales congelados y arroyos. El mar también era un tema favorito, con significación tanto militar como comercial. Importantes figuras tempranas en el avance hacia el realismo fueron Esaias van de Velde (1587-1630) y Hendrick Avercamp (1585—1634).
La Fase Tonal
A partir de finales de la década de 1620 comenzó la “fase tonal” de la pintura de paisajes, ya que los artistas suavizaron o difuminaron sus contornos y se concentraron en un efecto atmosférico. Se le dio gran protagonismo al cielo, con figuras humanas generalmente ausentes o pequeñas y distantes. Los principales artistas de este estilo fueron Jan van Goyen (1596—1656), Salomón van Ruysdael (1602—1670), Pieter de Molyn (1595—1661) y, en pintura marina, Simon de Vlieger (1601—1653), con multitud de figuras menores.
Escena del río de Jan van Goyen, 1652: Jan van Goyen fue influyente en la “fase tonal” de la pintura paisajística holandesa, que se caracterizaba por contornos suavizados o borrosos y énfasis en el cielo.
La Fase Clásica
A partir de la década de 1650 comenzó la “fase clásica”, conservando la calidad atmosférica pero con composiciones más expresivas y contrastes más fuertes de luz y color. Las composiciones a menudo están ancladas por un solo “árbol heroico”, molino de viento, torre o barco en obras marinas. El artista principal de esta fase fue Jacob van Ruisdael (1628—1682), quien produjo una gran cantidad y variedad de obras, incluyendo paisajes nórdicos de oscuros y dramáticos bosques de pinos de montaña con torrentes y cascadas apresuradas.
Otros estilos de paisaje
Los paisajes con animales en primer plano fueron un subtipo distinto y fueron pintados por Aelbert Cuyp, Paulus Potter (1625—1654), Adriaen van de Velde (1636—1672) y Karel Dujardin (1626—1678), con Philips Wouwerman pintando caballos y jinetes en diversos escenarios. La vaca era un símbolo de prosperidad para los holandeses y, aparte del caballo, con mucho, el animal más comúnmente mostrado; las cabras se utilizaron para indicar Italia.
Otro tipo importante de paisaje, producido a lo largo de las fases tonal y clásica, fue el romántico paisaje italiano, típicamente en escenarios más montañosos que los que se encuentran en los Países Bajos, con luz dorada y a veces pintorescos mediterráneos y ruinas. Jan Both (d. 1652), que había estado en Roma y trabajó con el pintor francés Claude Lorrain, fue uno de los principales desarrolladores de este subgénero. Los paisajes italianizados fueron populares como grabados, y más pinturas de paisajes del pintor Nicolaes Berchem fueron reproducidas en grabados durante el período mismo que las de cualquier otro artista.
Un paisaje sureño con una ruina de Jan Both: Ambos eran conocidos por trabajar en el estilo paisajístico italiano.
Pintura Neerlandesa de Género Interior
Aparte de la pintura de paisajes, el desarrollo y la enorme popularidad de la pintura de género es la característica más distintiva de la pintura holandesa durante este período. Estas pinturas de género representaban escenas o eventos de la vida cotidiana, como mercados, interiores domésticos, fiestas, escenas de posada y escenas callejeras.
La pintura de género se desarrolló a partir del realismo y la actividad de fondo detallada de la pintura holandesa temprana, que Hieronymus Bosch y Pieter Bruegel el Viejo fueron de los primeros en convertir en sus principales temas. El estilo reflejaba la creciente prosperidad de la sociedad holandesa, y los entornos se volvieron cada vez más cómodos, opulentos y cuidadosamente representados a medida que avanzaba el siglo.
Adriaen Brouwer es reconocido como el maestro flamenco de las escenas de tabernas campesinas. Antes de Brouwer, los campesinos eran típicamente representados al aire libre; generalmente los muestra en un interior llano y tenue. Otros artistas cuyos temas comunes eran escenas interiores íntimas fueron Nicolaes Maes, Gerard ter Borch y Pieter de Hooch. Jan Vermeer se especializó en escenas interiores domésticas de la vida de clase media; aunque durante mucho tiempo fue una figura muy oscura, ahora es el pintor de género más respetado de la historia holandesa.
La lechera de Vermeer, 1658: Vermeer es un maestro confirmado de la pintura de género holandés conocido por sus escenas interiores de la vida de clase media.
Bodegón Pintura
La pintura de bodegones floreció durante la Edad de Oro de la República Holandesa.
Objetivos de aprendizaje
Discutir temas y atributos de la pintura holandesa de bodegones del siglo XVII
Claves para llevar
Puntos Clave
- Ambrosius Bosschaert fue uno de los primeros pintores de bodegones de la República Holandesa.
- Los bodegones presentaron oportunidades para que los pintores demuestren sus habilidades para trabajar con texturas difíciles y formas complejas.
- El tema vanitas, mensaje moral que se encuentra frecuentemente en la pintura de bodegones, aludió a la fugaz naturaleza de la vida.
- A mediados del siglo XVI, surgió el estilo pronkstilleven, centrándose en objetos ornamentados y exóticos.
- Las naturalezas muertas se dibujaban frecuentemente copiando flores en libros, ya que los holandeses eran líderes en dibujos e ilustraciones científicas y botánicas.
Términos Clave
- vanitas: Un tipo de pintura de naturaleza muerta, simbólica de la mortalidad y característica de la pintura holandesa en los siglos XVI y XVII.
- Pronkstilleven: Un estilo de pintura de naturaleza muerta ornamentada producida en Holanda en el siglo XVII.
Visión general: Pintura holandesa de bodegones
La tradición holandesa de bodegones fue iniciada en gran medida por Ambrosius Bosschaert (1573-1621), un pintor de flores de origen flamenco que se había establecido en el norte a principios de la época y fundó una dinastía. Los bodegones tempranos estaban relativamente iluminados, con ramos de flores dispuestos de manera sencilla. A partir de mediados del siglo XV, los arreglos que podrían llamarse justamente barrocos, generalmente sobre un fondo oscuro, se hicieron más populares, ejemplificados por las obras de Willem van Aelst (1627—1683). Pintores de Leiden, La Haya y Ámsterdam destacaron particularmente en el género. Además de las pinturas de bodegones, los holandeses lideraron el mundo en dibujos botánicos y otros científicos, grabados e ilustraciones de libros en este momento.
Flores en un jarrón de porcelana de Ambrosius Bosschaert the Elder: Bosschaert fue un pintor de bodegones tempranos que estableció una dinastía de pintores de flores.
Temas de Bodegones
Las naturalezas muertas ofrecieron una gran oportunidad para mostrar habilidad en pintar texturas y superficies con gran detalle, y con efectos de luz altamente realistas. Alimentos de todas las texturas, colores y formas (cubiertos de plata, patrones intrincados y pliegues sutiles en manteles y flores) desafiaron a los pintores.
Las pinturas de flores eran un subgénero popular de la naturaleza muerta y fueron favorecidas por destacadas artistas femeninas, como Maria van Oosterwyck y Rachel Ruysch. El juego muerto, así como las aves pintadas vivas pero estudiadas desde la muerte, fueron otro subgénero, al igual que los peces muertos, un elemento básico de la dieta holandesa. Abraham van Beijeren pintó este tema frecuentemente.
Prácticamente todos los bodegones tenían un mensaje moralista, generalmente relativo a la brevedad de la vida. Esto se conoce como el tema vanitas. El tema de las vanitas se incluyó en símbolos explícitos, como una calavera, o símbolos menos obvios como un limón medio pelado (que representa la vida: dulce en apariencia pero amargo al gusto). Las flores se marchitan y la comida se descompone, y la plata no sirve para el alma. Sin embargo, la fuerza de este mensaje parece menos poderosa en las piezas más elaboradas de la segunda mitad del siglo.
Inicialmente, los temas de las pinturas de naturaleza muerta eran típicamente mundanos; sin embargo, a partir de mediados de siglo, se hizo más popular el pronkstilleve (“bodegón ostentoso”), que mostraba objetos caros y exóticos. Willem Claeszoon Heda (1595—c. 1680) y Willem Kalf (1619—1693) fueron líderes en este cambio hacia el pronkstilleve. En las obras de todos los pintores bodegones, los colores tendían a apagarse, dominando los marrones, sobre todo a mediados de siglo.
Banquete Bodegón, de Abraham Van Bereyen, 1660: Esta obra es un ejemplo de un bodegón ostentoso.
A pesar del intenso realismo de las flores individuales, las pinturas se compusieron a partir de estudios individuales o incluso de ilustraciones de libros, y las flores de épocas muy diferentes se incluyeron rutinariamente en la misma composición. Las mismas flores también reaparecen en diferentes obras, así como lo hacen las piezas de vajilla. En realidad, los ramos de flores en jarrones no eran para nada comunes en las casas en ese momento; incluso los muy ricos tendían a exhibir flores una por una en porta tulipanes delftware.
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- Gerard van Honthorst. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Gerard_Van_Honthorst. Licencia: CC BY: Atribución
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- River_Scene_by_Jan_van_Goyen.jpeg. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: https://en.Wikipedia.org/wiki/Jan_van_Goyen#/media/File:River_Scene_by_Jan_van_Goyen.jpeg. Licencia: Dominio Público: No Conocido Derechos de Autor
- Jan Dirksz Ambos. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Jan_Dirksz_Both. Licencia: Dominio Público: No Conocido Derechos de Autor
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