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LibreTexts Español

24.4: El Periodo Moderno

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    El arte japonés en el periodo Meiji

    El arte del periodo Meiji (1868—1912) estuvo marcado por una división entre los estilos europeo y japonés tradicional.

    Objetivos de aprendizaje

    Explicar cómo el conflicto causado por la europeización y modernización durante el Período Meiji se reflejó en la obra de arte de la época

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • El periodo Meiji (septiembre de 1868 a julio de 1912) representa la primera mitad del Imperio de Japón, durante la cual la sociedad japonesa pasó de ser un feudalismo aislado a su forma moderna.
    • Durante este periodo, la pintura de estilo occidental (Yōga) fue promovida oficialmente por el gobierno, que envió a jóvenes prometedores artistas al extranjero para estudiar y contrató a artistas extranjeros para establecer un plan de estudios de arte en las escuelas japonesas.
    • Después de una explosión inicial de arte de estilo occidental, hubo un renacimiento del aprecio por los estilos tradicionales japoneses (Nihonga) liderados por el crítico de arte Okakura Kakuzo y el educador Ernest Fenollosa.
    • En la década de 1880, el arte de estilo occidental fue prohibido en exposiciones oficiales y fue severamente criticado por la crítica. Apoyado por Okakura y Fenollosa, el estilo Nihonga evolucionó con influencias del movimiento prerrafaelita europeo y el romanticismo europeo.
    • En 1907, con el establecimiento de las exposiciones Bunten, ambos grupos competidores —Yōga y Nihonga—encontraron el reconocimiento mutuo y la coexistencia e incluso comenzaron el proceso hacia la síntesis mutua.

    Términos Clave

    • Movimiento prerrafaelita: Un movimiento artístico fundado por un grupo de pintores, poetas y críticos ingleses con la intención de reformar el arte rechazando lo que consideraban el enfoque mecanicista adoptado por primera vez por los artistas manieristas que sucedieron a Rafael y Miguel Ángel.
    • feudalismo: Un sistema social basado en la propiedad personal de los recursos, la fidelidad personal de un señor por parte de un sujeto y una estructura social jerárquica reforzada por la religión.
    • Romanticismo: Un movimiento artístico, literario e intelectual que se originó en Europa hacia finales del siglo XVIII y en la mayoría de las áreas estuvo en su apogeo de 1800 a 1840; en parte una reacción a la Revolución Industrial, también fue una revuelta contra las normas sociales y políticas aristocráticas de la Era de la Ilustración y una reacción contra la racionalización científica de la naturaleza.

    Resumen: El Periodo Meiji

    El periodo Meiji (Meiji-jidai) fue una época en la historia japonesa que se extendió desde septiembre de 1868 hasta julio de 1912. Este periodo representa la primera mitad del tiempo de Japón como potencia imperial. Los cambios fundamentales afectaron la estructura social, la política interna, la economía, las relaciones militares y las relaciones exteriores de Japón. La sociedad japonesa pasó de ser un feudalismo aislado a su forma moderna. En el arte, este periodo estuvo marcado por la división en estilos indígenas europeos y tradicionales en competencia. En 1907, con el establecimiento de la exposición Bunten bajo la égida de la Secretaría de Educación, ambos grupos competidores encontraron el reconocimiento mutuo y la coexistencia e incluso iniciaron el proceso hacia la síntesis mutua.

    El estilo Yōga

    Durante el periodo Meiji, Japón sufrió un tremendo cambio político y social en el transcurso de la campaña de europeización y modernización organizada por el gobierno Meiji. La pintura de estilo occidental (Yōga) fue promovida oficialmente por el gobierno, que envió al extranjero a jóvenes artistas prometedores para estudios. Los pintores de estilo Yōga formaron la Meiji Bijutsukai (Meiji Fine Arts Society) para realizar sus propias exposiciones y promover un renovado interés por el arte occidental. También se contrató a artistas extranjeros para venir a Japón a establecer un plan de estudios de arte en las escuelas japonesas. El estilo Yōga abarcaba pintura al óleo, acuarelas, pasteles, bocetos a tinta, litografía, grabado y otras técnicas desarrolladas en la cultura occidental.

    Dos mujeres con atuendos tradicionales se sientan y platican.

    Pintura al estilo yōga del periodo Meiji de Kuroda Seiki (1893): Yōga, en su sentido más amplio, abarca pintura al óleo, acuarelas, pasteles, bocetos a tinta, litografía, aguafuerte y otras técnicas desarrolladas en la cultura occidental. Sin embargo, en un sentido más limitado, Yōga a veces se usa específicamente para referirse a la pintura al óleo.

    El estilo Nihonga

    Después de un estallido inicial de arte de estilo occidental, sin embargo, el péndulo se balanceó en dirección opuesta. Dirigido por el crítico de arte Okakura Kakuzo y el educador Ernest Fenollosa, hubo un renacimiento del aprecio por los estilos tradicionales japoneses (Nihonga). En la década de 1880, el arte de estilo occidental fue prohibido en exposiciones oficiales y fue severamente criticado por la crítica. Apoyado por Okakura y Fenollosa, el estilo Nihonga evolucionó con influencias del movimiento prerrafaelita europeo y el romanticismo europeo. Las pinturas de este estilo se realizaron de acuerdo con las convenciones artísticas japonesas tradicionales, técnicas y materiales basados en tradiciones de más de mil años de antigüedad.

    Un gato negro está encaramado en un árbol.

    Pintura estilo Nihonga: Gato Negro de Kuroki Neko, 1910): Las pinturas al estilo Nihonga se realizaron de acuerdo con las convenciones artísticas, técnicas y materiales tradicionales japoneses. Si bien se basaba en tradiciones de más de mil años de antigüedad, el término fue acuñado en el período Meiji del Japón imperial para distinguir tales obras de las pinturas de estilo occidental, o Yōga.

    El arte japonés en el período Showa

    Durante el periodo Shōwa, Japón se desplazó hacia el totalitarismo hasta su derrota en la Segunda Guerra Mundial, cuando lideró una recuperación económica y cultural.

    Objetivos de aprendizaje

    Crear una línea de tiempo que describa la agitación, la ocupación, las reformas democráticas y el auge económico del período Shōwa anterior y posterior a la guerra

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • El periodo shōwa en la historia japonesa corresponde al reinado del emperador shōwa, Hirohito, desde el 25 de diciembre de 1926 hasta el 7 de enero de 1989.
    • La pintura japonesa en el período Shōwa anterior a la guerra estuvo dominada en gran medida por la obra de Yasui Sōtarō (1888—1955) y Umehara Ryūzaburō (1888—1986).
    • Durante la Segunda Guerra Mundial, los controles gubernamentales y la censura significaron que solo se podían expresar temas patrióticos, y muchos artistas fueron reclutados en el esfuerzo de propaganda gubernamental.
    • Después del final de la Segunda Guerra Mundial en 1945, muchos artistas comenzaron a trabajar en formas artísticas derivadas de la escena internacional, alejándose de los desarrollos artísticos locales hacia la corriente principal del arte mundial.

    Términos Clave

    • Tratado de San Francisco: Un tratado entre Japón y parte de las Potencias Aliadas, firmado oficialmente por 48 naciones el 8 de septiembre de 1951 y que entró en vigor el 28 de abril de 1952; representando la conclusión oficial de la Segunda Guerra Mundial, puso fin a la posición de Japón como potencia imperial y asignó compensación a civiles aliados y ex prisioneros de guerra que habían sufrido crímenes de guerra japoneses.
    • Surrealismo: Un movimiento artístico y una filosofía estética, anterior al expresionismo abstracto, que apunta a la liberación de la mente enfatizando los poderes críticos e imaginativos del subconsciente.
    • fascismo: Un régimen político que tiene aspiraciones totalitarias, ideológicamente basado en una relación entre los negocios y el gobierno centralizado, el control empresarial y gubernamental del mercado, la represión de la crítica o la oposición, un culto dirigente, y exaltando el estado y/o la religión por encima derechos individuales.

    Resumen: El Periodo Shōwa

    El periodo shōwa en la historia japonesa corresponde al reinado del emperador shōwa, Hirohito (), desde el 25 de diciembre de 1926 hasta el 7 de enero de 1989. El periodo Shōwa fue más largo que el reinado de cualquier emperador japonés anterior. Durante el periodo anterior a 1945, Japón avanzó hacia el totalitarismo político, el ultranacionalismo y el fascismo, culminando con la invasión japonesa de China en 1937. Esto fue parte de un periodo global global de conmociones y conflictos sociales como la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial.

    La derrota en la Segunda Guerra Mundial trajo un cambio radical a Japón. Por primera y única vez en su historia, Japón fue ocupado por potencias extranjeras. Esta ocupación por parte de Estados Unidos en nombre de las Fuerzas Aliadas (que incluía a la Unión Soviética, el Reino Unido y China) duró siete años. La ocupación aliada trajo consigo amplias reformas democráticas, que llevaron al fin del estatus del emperador como dios vivo y a la transformación de Japón en una democracia con un monarca constitucional. En 1952, con el Tratado de San Francisco, Japón se convirtió una vez más en una nación soberana y sufrió una revitalización económica. De esta manera, los períodos anteriores a 1945 y posguerra consideran estados completamente diferentes: el periodo Shōwa anterior a 1945 (1926—1945) concierne al Imperio de Japón, mientras que el periodo Shōwa posterior a 1945 (1945—1989) formaba parte del Estado de Japón.

    Arte en el periodo Shōwa previo a la guerra

    La pintura japonesa en el período Shōwa anterior a la guerra estuvo dominada en gran medida por Yasui Sōtarō (1888—1955) y Umehara Ryūzaburō (1888—1986). Estos artistas introdujeron los conceptos de arte puro y pintura abstracta a la tradición nihonga (un estilo basado en formas de arte tradicionales japonesas) y así crearon una versión más interpretativa de ese género. Yasui Sōtarō estuvo fuertemente influenciado por los estilos realistas de los artistas franceses Jean-François Millet, Pierre-Auguste Renoir y Paul Cézanne; incorporó contornos claros y colores vibrantes en sus retratos y paisajes, combinando el realismo occidental con los toques más suaves de las técnicas tradicionales de Nihonga. Esta tendencia fue desarrollada aún más por Leonard Foujita (también conocida como Fujita Tsuguharu) y la Sociedad Nika para abarcar el surrealismo. Para promover estas tendencias, en 1930 se formó la Asociación de Arte Independiente.

    Chin-Jung se representa recostado en una silla, luciendo relajado, vistiendo un vestido azul brillante.

    Retrato de Chin-Jung (1934) de Yasui Sōtarō. El Museo Nacional de Arte Moderno, Tokio. : Yasui Sōtarō estuvo fuertemente influenciado por los estilos realistas de los artistas franceses Jean-François Millet, Pierre-Auguste Renoir y, en particular, Paul Cézanne. Incorporó contornos claros y colores vibrantes en sus retratos y paisajes, combinando el realismo occidental con los toques más suaves de las técnicas tradicionales de Nihonga.

    A principios del siglo XX, las formas de arte europeas también se introdujeron en la arquitectura japonesa. Su matrimonio con los estilos tradicionales japoneses de arquitectura produjo notables edificios como la Estación de Tren de Tokio y el Edificio de la Dieta Nacional que aún existen hoy en día.

    imagen

    Estación de Tokio: la estación de Tokio abrió sus puertas el 20 de diciembre de 1914 y estuvo fuertemente influenciada por los estilos arquitectónicos europeos.

    Arte en el periodo Shōwa de la posguerra

    Durante la Segunda Guerra Mundial, los controles gubernamentales y la censura significaron que solo se podían expresar temas patrióticos, y muchos artistas fueron reclutados en el esfuerzo de propaganda gubernamental. Después del final de la Segunda Guerra Mundial en 1945, muchos artistas comenzaron a trabajar en formas artísticas derivadas de la escena internacional, alejándose de los desarrollos artísticos locales hacia la corriente principal del arte mundial. Las concepciones tradicionales japonesas perduraron, sin embargo, particularmente en el uso del espacio modular en la arquitectura, ciertos intervalos de espaciamiento en la música y la danza, una propensión a ciertas combinaciones de colores y formas literarias características.

    Arte japonés después de la Segunda Guerra Mundial

    Después de la Segunda Guerra Mundial, los artistas japoneses se preocuparon por los mecanismos de la vida urbana y pasaron de la abstracción al arte influenciado por el anime.

    Objetivos de aprendizaje

    Describir el florecimiento de la pintura, la caligrafía y el grabado después de la Segunda Guerra Mundial

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • En el período posterior a la Segunda Guerra Mundial de la historia japonesa, se formó en 1947 la Academia de Arte de Japón patrocinada por el gobierno (Nihon Geijutsuin), que contenía divisiones nihonga y yōga.
    • Después de la Segunda Guerra Mundial, pintores, calígrafos y grabadores florecieron en las grandes ciudades, particularmente Tokio, y se preocuparon por los mecanismos de la vida urbana, reflejados en las luces parpadeantes, los colores neón y el ritmo frenético de sus abstracciones.
    • Después de las abstracciones de la década de 1960, la década de 1970 vio un retorno al realismo fuertemente aromatizado por los movimientos artísticos “op” y “pop”, encarnados en la década de 1980 en las explosivas obras de Ushio Shinohara.
    • A finales de la década de 1970, la búsqueda de cualidades japonesas y un estilo nacional provocó que muchos artistas reevaluaran su ideología artística y se alejaran de lo que algunos sentían que eran las fórmulas vacías de Occidente. Las pinturas contemporáneas comenzaron a hacer uso consciente del arte tradicional japonés.
    • También hay una serie de pintores contemporáneos en Japón cuya obra se inspira en gran medida en las subculturas del anime y otros aspectos de la cultura popular y juvenil, como la obra de Takashi Murakami.

    Términos Clave

    • Escuela Rinpa: Una de las principales escuelas históricas de la pintura japonesa, creada en Kioto del siglo XVII por Hon'ami Kōetsu (1558—1637) y Tawaraya Sōtatsu (d. c. 1643).
    • Nitten: Los premios anuales de la Academia de Arte de Japón y la principal exposición de arte en Japón.

    Arte japonés después de la Segunda Guerra Mundial

    Acogiendo con beneplácito el nuevo período de la historia japonesa posterior a la Segunda Guerra Mundial, la Academia de Arte de Japón patrocinada por el gobierno (Nihon Geijutsuin) se formó en 1947. La Academia contenía divisiones tanto nihonga (japonesa tradicional) como yōga (influenciada por Europa). El patrocinio gubernamental de las exposiciones de arte había terminado, pero fueron reemplazadas por exposiciones privadas, como el Nitten, a una escala aún mayor. A pesar de que el Nitten fue inicialmente la exposición de la Academia de Arte de Japón, desde 1958 está dirigido por una corporación privada separada. La participación en el Nitten se convirtió casi en un requisito previo para la nominación a la Academia de Arte de Japón.

    Las artes de los periodos Edo y de preguerra (1603—1945) habían sido apoyadas por comerciantes y gente urbana, pero no eran tan populares como las artes de la posguerra. Después de la Segunda Guerra Mundial, los pintores, calígrafos y grabadores florecieron en las grandes ciudades, particularmente Tokio, y se preocuparon por los mecanismos de la vida urbana, reflejados en las luces parpadeantes, los colores neón y el ritmo frenético de sus abstracciones. Los estilos del mundo del arte Nueva York-París fueron abrazados fervientemente. Después de las abstracciones de la década de 1960, la década de 1970 vio un retorno al realismo fuertemente aromatizado por los movimientos artísticos “op” y “pop”, encarnados en la década de 1980 en las explosivas obras de Ushio Shinohara.

    Ushio Shinohara

    El pintor japonés Ushio Shinohara pinta boxeo en SUNY New Paltz, 2012.

    Muchos de esos destacados artistas de vanguardia trabajaron tanto en Japón como en el extranjero, ganando premios internacionales. Algunos de estos artistas se sintieron más identificados con la escuela internacional de arte que con cualquier cosa específicamente japonesa. A finales de la década de 1970, la búsqueda de cualidades japonesas y un estilo nacional provocó que muchos artistas reevaluaran su ideología artística y se alejaran de lo que algunos sentían que eran las fórmulas vacías de Occidente. Las pinturas contemporáneas dentro del idioma moderno comenzaron a hacer un uso consciente de las formas, dispositivos e ideologías del arte japonés tradicional.

    Mono-ha

    Mono-ha es el nombre que se le da al grupo de artistas japoneses del siglo XX. Los artistas mono-ha exploraron el encuentro entre materiales naturales e industriales, como la piedra, las placas de acero, el vidrio, las bombillas, el algodón, la esponja, el papel, la madera, el alambre, la cuerda, el cuero, el petróleo y el agua, disponiéndolos en estados mayormente inalterados y efímeros. Las obras se centran tanto en la interdependencia de estos diversos elementos y del espacio circundante como en los propios materiales. Varios artistas mono-ha recurrieron a la pintura para recuperar los matices tradicionales en arreglos espaciales, armonías de color y lirismo.

    Influencia de Nihonga, Rinpa y Kano

    La pintura de estilo japonés o nihonga continuó de una manera anterior a la guerra, actualizando las expresiones tradicionales conservando su carácter intrínseco. Algunos artistas dentro de este estilo todavía pintaban sobre seda o papel con colores y tinta tradicionales, mientras que otros usaban nuevos materiales, como los acrílicos.

    Todavía se practicaban muchas otras escuelas de arte antiguas, sobre todo las de los períodos Edo y anteriores a la guerra. Por ejemplo, el naturalismo decorativo de la escuela Rinpa, caracterizado por colores brillantes, puros y lavados sangrantes, se reflejó en la obra de muchos artistas de la posguerra en el arte de los 80 de Hikosaka Naoyoshi. El realismo de la Escuela de Maruyama Ōkyo y el estilo caligráfico y espontáneo japonés de los estudiosos caballeros se practicaron ampliamente en la década de 1980. A veces, todas estas escuelas (junto con las más antiguas, como las tradiciones de tinta de la Escuela Kano) fueron dibujadas por artistas contemporáneos en el estilo japonés y en el modismo moderno. Muchos pintores de estilo japonés fueron honrados con premios y premios como resultado de la renovada demanda popular de arte de estilo japonés a partir de la década de 1970. Cada vez más, los pintores modernos internacionales también recurrieron a las escuelas japonesas, ya que se alejaron de los estilos occidentales en la década de 1980. La tendencia había sido sintetizar Oriente y Occidente, y algunos artistas como Shinoda Toko ya habían saltado la brecha entre ambos. Las audaces abstracciones de tinta sumi de Shinoda se inspiraron en la caligrafía tradicional pero se realizaron como expresiones líricas de la abstracción moderna.

    Influencia del Anime

    También hay una serie de pintores contemporáneos en Japón cuya obra se inspira en gran medida en las subculturas del anime y otros aspectos de la cultura popular y juvenil. Takashi Murakami es quizás uno de los más famosos y populares de estos, junto con los otros artistas de su colectivo de estudio Kaikai Kiki. Su trabajo se centra en expresar temas e inquietudes de la sociedad japonesa de posguerra a través de formas aparentemente inocuas. Se basa en gran medida en el anime y estilos relacionados, pero produce pinturas y esculturas en medios más tradicionalmente asociados con las bellas artes, difuminando intencionalmente las líneas entre las artes comerciales, populares y bellas artes.

    Esta figura dorada y caricaturesca tiene una cabeza grande que empequeñece su cuerpo. Usa un sombrero plano y puntiagudo y se sienta con una pierna metida debajo y una pierna colgando hacia abajo.

    Escultura del artista japonés Takashi Murakami en Versalles, Francia. 2007—2010 bronce y pan de oro. : Takashi Murakami es quizás el artista japonés contemporáneo más famoso y popular cuya obra se inspira en gran medida en las subculturas del anime y otros aspectos de la cultura popular y juvenil.

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