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28.7: Arte Académico

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    Arquitectura Académica

    La arquitectura Beaux-Arts expresó el estilo arquitectónico neoclásico académico que se impartió en la École des Beaux-Arts de París.

    Objetivos de aprendizaje

    Definir las características de “Beaux Arts” en Francia

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • “Beaux Arts” describe el estilo arquitectónico de más de dos siglos de instrucción bajo autoridad académica: primero, de la Académie royale d'architecture (1671-1793), luego, después de la Revolución Francesa, la sección Arquitectura de la Académie des Beaux-Arts.
    • La formación académica de Beaux-Arts enfatizó los ejemplos principales de la arquitectura imperial romana, el renacimiento italiano y los modelos barrocos franceses e italianos.
    • La arquitectura Beaux-Arts dependía de la decoración escultórica siguiendo líneas conservadoras modernas, combinadas con un acabado impresionista. Detalles ligeramente sobredimensionados, audaces consolas de soporte escultóricas, ricas cornisas profundas, guirnaldas y lujosos enriquecimientos escultóricos, todos florecieron en el estilo Beaux-Arts.

    Términos Clave

    • Beaux-Arts Architecture: La arquitectura Beaux-Arts expresa el estilo arquitectónico neoclásico académico enseñado en el cole des Beaux-Arts de París.

    La arquitectura Beaux-Arts expresa el estilo arquitectónico neoclásico académico enseñado en la École des Beaux-Arts de París. “Beaux Arts” describe el estilo arquitectónico de más de dos siglos de instrucción bajo autoridad académica: primero, de la Académie royale d'architecture (1671-1793), luego, después de la Revolución Francesa, la sección Arquitectura de la Académie des Beaux-Arts. El estilo de instrucción que produjo la arquitectura Beaux-Arts continuó sin mayores interrupciones hasta 1968. El estilo Beaux-Arts tuvo una amplia influencia fuera de Francia, incluso en la arquitectura de los Estados Unidos en el período de 1880—1920.

    La formación académica de Beaux-Arts enfatizó los ejemplos principales de la arquitectura imperial romana, el renacimiento italiano y los modelos barrocos franceses e italianos. La formación Beaux-Arts hizo un gran uso de agrafes (broches que vinculan un detalle arquitectónico a otro), la interpenetración de formas y la “arquitectura hablante” (arquitectura parlante) en la que la supuesta idoneidad del simbolismo podría llevarse a extremos literales. La capacitación de Beaux-Arts también enfatizó la producción de bocetos conceptuales rápidos, dibujos de presentación en perspectiva altamente terminados, atención al programa y detalles conocedores. Las consideraciones del sitio tendían hacia contextos sociales y urbanos. Todos los arquitectos en formación pasaron por las etapas obligatorias —estudiar modelos antiguos, construir analos, análisis que reproducían modelos griegos o romanos, estudios de “bolsillo” y otros pasos convencionales— en la larga competencia por los pocos lugares deseables en la Académie de France à Rome.

    La arquitectura Beaux-Arts dependía de la decoración escultórica siguiendo líneas modernas conservadoras, empleando fórmulas barrocas y rococó francesas e italianas, combinadas con un acabado impresionista y realismo. Detalles ligeramente sobredimensionados, audaces consolas de soporte escultóricas, ricas cornisas profundas, guirnaldas y lujosos enriquecimientos escultóricos, todos florecieron en el estilo Beaux-Arts, como se demostró en la Ópera Garnier de París.

    Vista de la fachada desde Avenida de l'Opéra

    Opera Garnier: El Palais Garnier (1861-75) es un ejemplo del estilo Beaux Arts.

    Aunque el estilo Beaux-Arts encarna una aproximación a un espíritu regenerado dentro de las grandes tradiciones más que un conjunto de motivos, las principales características de la arquitectura Beaux-Arts incluyeron: primeros relatos rústicos y elevados, una jerarquía de espacios (desde “espacios nobles” —grandes entradas y escaleras— hasta utilitarios) ventanas arqueadas, puertas arqueadas y pedimentadas, detalles clásicos, referencias a una síntesis de estilos historicistas y tendencia al eclecticismo. Estatuas, esculturas (incluyendo paneles de bajorrelieve, esculturas figurales, grupos escultóricos), murales, mosaicos y otras obras de arte, todas coordinadas en el tema para afirmar la identidad del edificio en la arquitectura Beaux-Arts. Después de siglos de dominación de escuelas de arquitectura y procesos de formación, el estilo Beaux-Arts comenzó a desvanecerse en favor de la arquitectura modernista y el Estilo Internacional en vísperas de la Primera Guerra Mundial.

    imagen

    Diana y Pomona: Imágenes de las Diosas Pomona (izquierda) y Diana (derecha) juntas decoran la entrada al Hotel The Peninsula, ocupando un edificio Beaux-Arts en la Quinta Avenida y 55th St., Ciudad de Nueva York. Aquí, Pomona (Diosa de los Huertos) lleva una cornucopia; en otras imágenes se representa llevando un plato de fruta. Diana, como Diosa de la Caza, lleva su arco y flechas habituales. Cabe destacar el naturalismo de las posturas y la rusticación canalizada de la mampostería.

    Pintura y Escultura Académica

    El arte académico es un estilo de pintura y escultura producido bajo la influencia de academias europeas de arte.

    Objetivos de aprendizaje

    Relacionar la pintura y escultura de la Academia con los movimientos Neoclasicistas y Románticos de la época

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • La Académie Royale de Peinture et de Sculpture tuvo un impacto considerable en los temas y estilos del arte académico durante varios siglos.
    • La tendencia en el arte académico fue hacia un mayor idealismo, contrario al realismo, para que las figuras pudieran representar los ideales que representaban.
    • A menudo se llevaban a cabo exposiciones de Arte Académico, y la exposición más popular fue el Salón de París y a partir de 1903, el Salon d'Automne.

    Términos Clave

    • Neoclasicismo: Neoclasicismo es el nombre que se le da a los movimientos occidentales en las artes decorativas y visuales, la literatura, el teatro, la música y la arquitectura que se inspiran en el arte y la cultura “clásica” de la Antigua Grecia o la Antigua Roma.
    • Rococó: Rococó, también conocido como Barroco Tardío, es un movimiento y estilo artístico del siglo XVIII que afectó varios aspectos de las artes, entre ellos la pintura, la escultura, la arquitectura, el interiorismo, la decoración, la literatura, la música y el teatro.
    • Romanticismo: movimiento artístico e intelectual del siglo XVIII que enfatizó la emoción, la libertad y la imaginación individual

    El arte académico es un estilo de pintura y escultura producido bajo la influencia de academias europeas de arte; más específicamente, es el arte y artistas influenciados por los estándares de la Académie des Beaux-Arts francesa, que practicó bajo los movimientos del Neoclasicismo y Romanticismo. En este contexto a menudo se le llama academismo, academicismo, L'art pompier, y eclecticismo, y a veces se vincula con historicismo y sincretismo.

    Antecedentes

    La Académie Royale de Peinture et de Sculpture fue fundada en Francia en 1648, y más tarde se convirtió en la Académie des Beaux-Arts. Después de que la Académie Royale de Peinture et de Sculpture fuera reorganizada en 1661 por Luis XIV, se produjo una polémica entre los miembros que dominaron las actitudes artísticas durante el resto del siglo. Esta “batalla de estilos” fue un conflicto sobre quién era un modelo adecuado a seguir: Peter Paul Rubens o Nicolas Poussin. Los seguidores de Poussin, llamados “poussinistes”, argumentaban que la línea (disegno) debía dominar el arte por su atractivo al intelecto, mientras que los seguidores de Rubens, llamados “rubenistes”, argumentaban que el color (colore) debía dominar el arte por su atractivo a la emoción. El debate se revivió a principios del siglo XIX, bajo los movimientos de neoclasicismo tipificados por la obra de Jean Auguste Dominique Ingres, y el romanticismo tipificado por la obra de Eugène Delacroix. También se dieron debates sobre si era mejor estudiar arte mirando la naturaleza, o aprender mirando a los maestros artísticos del pasado. Academias utilizando el modelo francés se formaron en toda Europa, e imitaron las enseñanzas y estilos de los franceses.

    Materia

    La tendencia en el arte académico fue hacia un mayor idealismo: contrariamente al realismo, las figuras se hicieron más simples y abstractas —idealizadas— para representar los ideales que representaban. De ahí que muchas pinturas de artistas académicos sean alegorías simples de la naturaleza con títulos como Dawn, Dusk, Seeing y Tasting, donde estas ideas son personificadas por una sola figura desnuda, compuesta de tal manera que resalte la esencia de la idea. Esto implicaría tanto generalizar formas vistas en la naturaleza, como subordinarlas a la unidad y tema de la obra.

    Debido a que la historia y la mitología se consideraron un terreno fértil para una alegoría importante, el uso de temas de estos temas se consideró la forma más seria de pintura. Se valoró una jerarquía de géneros, creada originalmente en el siglo XVII, donde se colocó en lo alto la pintura de historia —temas clásicos, religiosos, mitológicos, literarios y alegóricos—. Luego vino la pintura de género, luego el retrato, la naturaleza muerta y finalmente el paisaje. La pintura de historia también era conocida como el “género grande”. Durante el reinado del arte académico, las pinturas de la época rococó que antes se habían mantenido a bajo favor fueron revividas a la popularidad, y temas de uso frecuente en el arte rococó como Eros y Psique volvieron a ser populares. El mundo del arte académico también idolatraba a Rafael por la idealidad de su obra.

    Venus es representada como una mujer desnuda tendida en el océano con querubines volando sobre ella.

    Nacimiento de Venus de Alexandre Cabanel, 1863: El arte académico, especialmente en el período neoclásico, solía utilizar alegorías romanas y griegas y desnudos simples para representar formas idealizadas.

    Salones

    A menudo se realizaban exposiciones de Arte Académico. La exposición más popular fue el Salón de París, y a partir de 1903, el Salon d'Automne. Estos salones fueron eventos sensacionales que atrajeron multitudes de visitantes, tanto nativos como extranjeros. Tanto un asunto social como artístico, 50.000 personas podrían visitar un solo domingo, y hasta 500.000 pudieron ver la exposición durante sus dos meses de duración. Se exhibieron miles de imágenes, colgadas desde justo debajo del nivel de los ojos hasta el techo de una manera ahora conocida como “estilo de salón”. Una exitosa exhibición en el salón fue un sello de aprobación para un artista, haciendo que su obra sea vendible a las crecientes filas de coleccionistas privados.

    Críticas

    El arte académico fue criticado por primera vez por artistas realistas por su uso del idealismo: basado en clichés idealistas y representando motivos míticos y legendarios mientras se ignoraban las preocupaciones sociales contemporáneas. Otra crítica de los realistas fue la “superficie falsa” de las pinturas: los objetos representados se veían lisos, lisos e idealizados, sin mostrar ninguna textura real. De igual manera, la perspectiva se construyó geométricamente sobre una superficie plana y no era realmente el producto de la vista.

    Dibujo de mecenas del siglo XIX en un museo de arte. Dos mujeres en primer plano aparecen frustradas con las pinturas de Venus al fondo.
    Este Año, Venuses Otra Vez... ¡Siempre Venusas! : Honoré Daumier, No. 2 de serie en Le Charivati, 1864. Una caricatura (burguesía francesa) que se burla del uso del arte académico de la forma idealizada y las alegorías míticas, al tiempo que ignora contextos de la vida cotidiana o moderna.

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