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28.10: El ascenso del modernismo

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    El ascenso del modernismo

    El modernismo fue un movimiento filosófico de finales del siglo XIX y principios del XX que se basó en una creencia subyacente en el progreso de la sociedad.

    Objetivos de aprendizaje

    Resumir las ideas que constituyen el Modernismo

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • Entre los factores que dieron forma al modernismo estuvieron el desarrollo de las sociedades industriales modernas y el rápido crecimiento de las ciudades, seguido del horror de la Primera Guerra Mundial.
    • El modernismo se basaba esencialmente en una visión utópica de la vida humana y la sociedad y una creencia en el progreso, o en el avance.
    • Los ideales modernistas impregnaban el arte, la arquitectura, la literatura, la fe religiosa, la filosofía, la organización social, las actividades de la vida cotidiana, e incluso las ciencias.
    • En la pintura, el modernismo se define por el surrealismo, el cubismo tardío, la Bauhaus, De Stijl, Dada, el expresionismo alemán y Matisse así como las abstracciones de artistas como Piet Mondrian y Wassily Kandinsky, que caracterizaron la escena artística europea.
    • El fin del modernismo y el comienzo del posmodernismo es un tema muy disputado, aunque muchos consideran que terminó aproximadamente alrededor de 1940.

    El modernismo es un movimiento filosófico que, junto con las tendencias y cambios culturales, surgió de enormes transformaciones en la sociedad occidental a finales del siglo XIX y principios del XX. Entre los factores que dieron forma al modernismo estaban el desarrollo de las sociedades industriales modernas y el rápido crecimiento de las ciudades, seguido del horror de la Primera Guerra Mundial El
    modernismo se basaba esencialmente en una visión utópica de la vida humana y la sociedad y una creencia en el progreso, o en el avance. Se suponía que ciertos principios o verdades universales finales como los formulados por la religión o la ciencia podrían utilizarse para comprender o explicar la realidad.

    Los ideales modernistas eran de gran alcance, que impregnaban el arte, la arquitectura, la literatura, la fe religiosa, la filosofía, la organización social, las actividades de la vida cotidiana, e incluso las ciencias. El mandato del poeta Ezra Pound de 1934 para “¡Hazlo nuevo!” fue la piedra de toque del enfoque del movimiento hacia lo que veía como la ahora obsoleta cultura del pasado. En este espíritu, sus innovaciones, como la novela de corriente de conciencia, la música atonal (o pantonal) y de doce tonos, la pintura divisionista y el arte abstracto, todas tuvieron precursores en el siglo XIX.

    En la pintura, durante las décadas de 1920 y 1930 y la Gran Depresión, el modernismo se define por el surrealismo, el cubismo tardío, la Bauhaus, De Stijl, Dada, el expresionismo alemán, y los pintores de color modernistas y magistrales como Henri Matisse así como las abstracciones de artistas como Piet Mondrian y Wassily Kandinsky, que caracterizó la escena artística europea. En Alemania, Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz y otros politizaron sus pinturas, presagiando la llegada de la Segunda Guerra Mundial, mientras que en América, el modernismo se ve bajo la forma de la pintura de escena estadounidense y los movimientos de realismo social y regionalismo que contenían comentarios tanto políticos como sociales dominó el mundo del arte.

    El modernismo es definido en América Latina por los pintores Joaquín Torres García de Uruguay y Rufino Tamayo de México, mientras que el movimiento muralista con Diego Rivera, David Siqueiros, José Clemente Orozco, Pedro Nel Gómez, y Santiago Martínez Delgado, y pinturas simbolista de Frida Kahlo, inició un renacimiento de las artes para la región, caracterizadas por un uso más libre del color y un énfasis en los mensajes políticos. El fin del modernismo y el comienzo del posmodernismo es un tema muy disputado, aunque muchos consideran que terminó aproximadamente alrededor de 1940.

    El trabajo retrata a cinco prostitutas desnudas de un burdel. Las mujeres aparecen como algo amenazantes y renderizadas con formas corporales angulares e inconexas.

    Les Desmoiselles D'Avignon de Picasso, 1907: Picasso es un ejemplo omnipresente de pintor modernista.

    Post Impresionismo

    Post-impresión se refiere a un género que rechazó el naturalismo del impresionismo a favor de utilizar el color y la forma de maneras más expresivas.

    Objetivos de aprendizaje

    Comparar y contrastar las técnicas post-impresionistas con las del impresionismo

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • Los post-impresionistas extendieron el uso de colores vivos, aplicación gruesa de pintura, pinceladas distintivas y temas de la vida real, y estaban más inclinados a enfatizar formas geométricas, distorsionar formas para un efecto expresivo y usar colores antinaturales o arbitrarios en sus composiciones.
    • Aunque a menudo se exhibían juntos, los artistas post-impresionistas no estaban de acuerdo en cuanto a un movimiento cohesivo, y los pintores más jóvenes a principios del siglo XX trabajaban en regiones geográficamente dispares y en diversas categorías estilísticas, como el fauvismo y el cubismo.
    • El término “Post- Impresionismo” fue acuñado por el artista y crítico de arte británico Roger Fry en 1910, para describir el desarrollo del arte francés desde Manet.

    Términos Clave

    • Posimpresionismo: (Arte) un género de pintura que rechazó el naturalismo del impresionismo, utilizando el color y la forma de maneras más expresivas.
    • Post-impresionista: arte francés o artistas pertenecientes a un género después de Manet, que extendieron el estilo del impresionismo mientras rechazaban sus limitaciones; continuaban usando colores vivos, aplicación gruesa de pintura, pinceladas distintivas y temas de la vida real, pero estaban más inclinados enfatizar formas geométricas, distorsionar la forma para obtener un efecto expresivo y usar colores antinaturales o arbitrarios.
    • Poste y dintel: Un método de construcción simple que utiliza un encabezado o arquitrabe como miembro horizontal sobre un hueco de edificio (dintel) soportado en sus extremos por dos columnas o pilares verticales (postes).

    Pasar del naturalismo

    Post-impresión se refiere a un género de pintura que rechazó el naturalismo del impresionismo, a favor de utilizar el color y la forma de maneras más expresivas. El término “Posimpresionismo” fue acuñado por el artista y crítico de arte británico Roger Fry en 1910 para describir el desarrollo del arte francés desde Manet. Los post-impresionistas extendieron el impresionismo mientras rechazaban sus limitaciones. Por ejemplo, continuaron usando colores vivos, aplicación gruesa de pintura, pinceladas distintivas y temas de la vida real, pero también estaban más inclinados a enfatizar formas geométricas, distorsionar formas para un efecto expresivo y usar colores antinaturales o arbitrarios en sus composiciones.

    Artistas significativos del post-impresionismo

    Posimpresionismo desarrollado a partir del impresionismo. A partir de la década de 1880, varios artistas, entre ellos Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Georges Seurat y Henri de Toulouse-Lautrec, imaginaron diferentes preceptos para el uso del color, el patrón, la forma y la línea, derivando estas nuevas direcciones del ejemplo impresionista. Estos artistas eran un poco más jóvenes que los impresionistas, y su trabajo se hizo conocido de manera contemporánea como Posimpresionismo. Algunos de los artistas impresionistas originales también se aventuraron en este nuevo territorio. Camille Pissarro pintó brevemente de manera puntillista, e incluso Monet abandonó la estricta pintura al aire libre. Paul Cézanne, quien participó en la primera y tercera exposiciones impresionista, desarrolló una visión altamente individual enfatizando la estructura pictórica; la mayoría de las veces se le llama post-impresionista. Si bien estos casos ilustran la dificultad de asignar etiquetas, la obra de los pintores impresionistas originales puede, por definición, ser categorizada como Impresionismo.

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    Campo de trigo con cuervos de Van Gogh, 1890: Vincent Van Gogh utilizó pinceladas arremolinadas en muchas de sus obras post-impresionistas.

    Una búsqueda diversa de dirección

    Los post-impresionistas se mostraron insatisfechos con la trivialidad de la materia y la pérdida de estructura en las pinturas impresionistas, aunque no estuvieron de acuerdo en el camino a seguir. Georges Seurat y sus seguidores, por ejemplo, se preocupaban por el puntillismo, el uso sistemático de diminutos puntos de color. Paul Cézanne se propuso restaurar un sentido de orden y estructura a la pintura reduciendo los objetos a sus formas básicas mientras conservaba los colores frescos y brillantes del impresionismo. Vincent van Gogh utilizó colores vibrantes y pinceladas arremolinadas para transmitir sus sentimientos y su estado de ánimo. De ahí que, aunque a menudo se exhibían juntos, los artistas post-impresionistas no estaban de acuerdo en cuanto a un movimiento cohesivo, y los pintores más jóvenes a principios del siglo XX trabajaban en regiones geográficamente dispares y en diversas categorías estilísticas, como el fauvismo y el cubismo.

    La pintura representa a muchas personas diferentes relajándose en un parque junto al río.

    Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte de Georges-Pierre Seurat, 1884—1886: las obras de Georges Seurat son puntillistas, utilizando puntos sistemáticos de color para crear forma y estructura.

    Cézanne

    Cézanne fue una pintora francesa, post-impresionista cuya obra destaca la transición del siglo XIX al comienzo del siglo XX.

    Objetivos de aprendizaje

    Discutir la evolución e influencia del estilo de pintura de Cézanne durante el movimiento post-impresionista

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • Los primeros trabajos de Cézanne se refieren a menudo a la figura en el paisaje, a menudo representando grupos de figuras grandes y pesadas. En la madura obra de Cézanne hay un estilo de pintura solidificado, casi arquitectónico. Para ello, ordenó estructuralmente sus percepciones en formas simples y planos de color.
    • Esta exploración representó percepciones visuales ligeramente diferentes, pero simultáneas, de los mismos fenómenos para proporcionar al espectador una experiencia estética diferente.
    • El “Periodo Oscuro” de Cézanne de 1861-1870 contiene obras que se caracterizan por los colores oscuros y el uso intensivo del negro.
    • La ligereza de sus obras impresionistas contrasta fuertemente con la dramática resignación encontrada en su último período de productividad de 1898—1905. Esta renuncia informa varias pinturas de bodegones que representan cráneos como su tema.

    Términos Clave

    • Cézanne: Paul Cézanne (1839—1906) fue un artista francés y pintor post-impresionista cuya obra sentó las bases de la transición de la concepción del esfuerzo artístico del siglo XIX a un nuevo y radicalmente diferente mundo del arte en el siglo XX.
    • Impresionismo: Un movimiento artístico del siglo XIX que se originó con un grupo de artistas afincados en París. Las características de la pintura impresionista incluyen trazos de pincel relativamente pequeños, delgados pero visibles, composición abierta, énfasis en la representación precisa de la luz en sus cualidades cambiantes (a menudo acentuando los efectos del paso del tiempo), materia común y ordinaria, inclusión del movimiento como elemento crucial de la percepción y experiencia humana, y ángulos visuales inusuales.
    • Posimpresionismo: (Arte) un género de pintura que rechazó el naturalismo del impresionismo, utilizando el color y la forma de maneras más expresivas.

    Introducción

    Paul Cézanne (1839—1906) fue un artista francés y pintor post- impresionismo cuya obra inició la transición de la concepción del esfuerzo artístico del siglo XIX a un nuevo y radicalmente diferente mundo del arte. Las pinceladas a menudo repetitivas de Cézanne son muy características y claramente reconocibles. Utilizó planos de color y pequeñas pinceladas para formar campos complejos y transmitir un intenso estudio de sus temas.

    Trabajo Temprano

    Los primeros trabajos de Cézanne se refieren a menudo a la figura en el paisaje, a menudo representando grupos de figuras grandes y pesadas. Posteriormente, se interesó más por trabajar desde la observación directa, desarrollando poco a poco un estilo de pintura ligero y aireado. Sin embargo, en la obra madura de Cézanne, se desarrolla un estilo de pintura solidificado, casi arquitectónico. Para ello, ordenó estructuralmente lo que percibía en formas simples y planos de color.

    Cézanne estaba interesada en la simplificación de las formas naturales a sus esenciales geométricos, queriendo “tratar a la naturaleza por el cilindro, la esfera, el cono”. Por ejemplo, un tronco de árbol puede concebirse como un cilindro y una manzana o naranja como esfera. Adicionalmente, su deseo de captar la verdad de la percepción le llevó a explorar la visión gráfica binocular. Esta exploración representó percepciones visuales ligeramente diferentes, pero simultáneas, de los mismos fenómenos, proporcionando al espectador una experiencia estética diferente de profundidad.

    Periodo Oscuro

    El “Periodo Oscuro” de Cézanne en 1861-1870 estuvo compuesto por obras que se caracterizan por los colores oscuros y el uso intensivo del negro. Se diferencian bruscamente de sus acuarelas y bocetos anteriores en la École Spéciale de dessin en Aix-en-Provence en 1859. En 1866—67, inspirado en el ejemplo de Courbet, Cézanne pintó una serie de pinturas con una navaja de paleta. Posteriormente llamó a estas obras, en su mayoría retratos, une couillarde (una palabra grosera para virilidad ostentosa). Con todo, las obras del Periodo Oscuro incluyen varios temas eróticos o violentos.

    La pintura es un bodegón que representa una mesa cubierta de un paño grueso con una taza de té y una gran concha sobre ella. Un reloj negro está en el fondo.

    El reloj de mármol negro, 1869—1871: El reloj de mármol negro, con su intenso uso de colores negros y oscuros, ejemplifica el tipo de obra que Cézanne creó durante su “Periodo Oscuro” en sus inicios de carrera.

    Después del inicio de la guerra franco-prusiana en julio de 1870, los lienzos de Cézanne crecieron mucho más brillantes y reflejaron más el impresionismo. Cézanne se movió entre París y Provenza, exhibiendo en la primera (1874) y tercera muestra impresionista (1877). En 1875, llamó la atención del coleccionista Victor Chocquet, cuyas comisiones proporcionaron algún alivio financiero. En general, sin embargo, las pinturas expuestas de Cézanne atrajeron hilaridad, indignación y sarcasmo.

    Un charco de agua está en primer plano con muchas flores y árboles diferentes en el fondo.

    Jas de Bouffan, 1876. : Bajo la influencia de Pissarro, las obras de Cezanne se volvieron mucho más brillantes y de estilo impresionista.

    La ligereza de sus obras impresionistas contrasta fuertemente con su dramática resignación en su último período de productividad de 1898—1905. Esta renuncia informa varias pinturas de bodegones que representan cráneos como su tema.

    La pintura representa cuatro cráneos humanos apilados juntos.

    Pirámide de calaveras, c. 1901: La dramática resignación a la muerte informa varias pinturas de bodegones que Cézanne realizó entre 1898 y 1905.

    Las exploraciones de Cézanne sobre la simplificación geométrica y los fenómenos ópticos inspiraron a Picasso, Braque, Gris y otros a experimentar con múltiples visiones cada vez más complejas del mismo tema. Cézanne desató así una de las áreas más revolucionarias de indagación artística del siglo XX, una que iba a afectar el desarrollo del arte moderno. Se creó en su memoria un premio por logros especiales en las artes. La “medalla Cézanne” es otorgada por la ciudad francesa de Aix en Provence.

    Vorticismo

    El vorticismo, rama del cubismo, fue un breve movimiento modernista en el arte y la poesía británica de principios del siglo XX.

    Objetivos de aprendizaje

    Describir el efímero movimiento de vorticismo en Gran Bretaña

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • El movimiento del Vorticismo rechazó los típicos paisajes y desnudos populares en su momento a favor de un estilo geométrico tendiente a la abstracción.
    • El movimiento fue anunciado en 1914 en su primer número de BLAST, la revista literaria oficial de Vorticism, que declaró el manifiesto del movimiento.
    • El vorticismo divergió del cubismo y el futurismo. Se intentó capturar movimiento en una imagen. En las pinturas vorticistas, la vida moderna se muestra como una serie de líneas audaces y colores ásperos que dibujan el ojo del espectador hacia el centro del lienzo.

    Términos Clave

    • Revolución industrial: El gran cambio tecnológico, socioeconómico y cultural a finales del siglo XVIII y principios del XIX, cuando la economía pasó de una basada en el trabajo manual a otra dominada por la fabricación de máquinas.
    • Vorticismo: Una rama del cubismo; un movimiento modernista de corta duración en el arte y la poesía británica de principios del siglo XX, con sede en Londres pero internacional en maquillaje y ambición.

    El vorticismo fue un breve movimiento modernista en el arte y la poesía británica a principios del siglo XX. Tenía su sede en Londres pero era internacional en maquillaje y ambición. Como movimiento, el Vorticismo rechazó los paisajes y desnudos típicos de la época en favor de un estilo geométrico tendiente a la abstracción.

    El grupo Vorticism comenzó con el Centro de Arte Rebel establecido por Wyndham Lewis como una ruptura con otras escuelas tradicionales, y tuvo sus raíces intelectuales y artísticas en el Grupo Bloomsbury, el cubismo y el futurismo. Lewis vio el vorticismo como una alternativa independiente al cubismo, el futurismo y el expresionismo. Aunque el estilo surgió del cubismo, está más estrechamente relacionado con el futurismo en su abrazo del dinamismo, la era de la máquina y todas las cosas modernas. No obstante, el Vorticismo se apartó tanto del cubismo como del futurismo en la forma en que intentó captar el movimiento en una imagen. En las pinturas vorticistas, la vida moderna se muestra como una serie de líneas audaces y colores ásperos que dibujan el ojo del espectador hacia el centro del lienzo.

    Las líneas audaces y los colores ásperos de esta pintura la hacen parecer abstracta en lugar de representar un lago real.
    El lago: Lawrence Atkinson, uno de los signatarios de BLAST, pintó El lago (pluma y acuarela sobre papel) alrededor de 1915-1920 inspirado en el vorticismo.

    Los vorticistas publicaron dos números de la revista literaria BLAST, editada por Lewis, en junio de 1914 y julio de 1915. Contenía obra de Ezra Pound, T. S. Eliot, y de los propios vorticistas. Su aventura tipográfica fue citada por El Lissitzky como uno de los principales precursores de la revolución en el diseño gráfico en las décadas de 1920 y 1930.

    La parte superior de la cubierta dice BLAST a la izquierda y WAR NUMBER a la derecha. El dibujo representa a soldados dibujados con ángulos agudos y líneas geométricas. Cerca de la parte inferior está la fecha JULIO 1915.

    Cubierta BLAST: La portada del BLAST 1915 demuestra el uso que hace el Movimiento Vorticista del estilo geométrico y los ángulos agudos en la impresión y el diseño.

    Las pinturas y esculturas mostradas en el Centro de Arte Rebelde en 1914, antes de la formación del Grupo Vorticista, fueron consideradas “obra experimental” de Lewis, Wadsworth, Shakespear y otros, quienes utilizaron la simplificación angular y la abstracción en sus pinturas. Esta obra fue contemporánea y comparable a la abstracción de artistas europeos continentales como Kandinski, František Kupka y el Russian Rayist Group. Los vorticistas realizaron una sola exposición oficial en 1915 en la Doré Gallery de Londres. Después de esto, el movimiento se desintegró, en gran parte debido al inicio de la Primera Guerra Mundial y a la apatía pública hacia su trabajo.

    Simbolismo

    El simbolismo fue un movimiento artístico de finales del siglo XIX de origen francés, ruso y belga.

    Objetivos de aprendizaje

    Discutir el uso del simbolismo de las obras de arte como búsqueda de verdades absolutas

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • El simbolismo fue en gran parte una reacción contra el naturalismo y el realismo, estilos antiidealistas que eran intentos de representar la realidad en su particularidad arenosa, y de elevar lo humilde y lo ordinario sobre el ideal. El simbolismo, en cambio, favoreció la espiritualidad, la imaginación y los sueños.
    • Los simbolistas creían que el arte debía representar verdades absolutas que sólo podían describirse indirectamente. Así, escribieron y pintaron de una manera muy metafórica y sugerente, dotando de significado simbólico a determinadas imágenes u objetos.
    • Los artistas simbolistas enfatizaron el poder de la subjetividad personal, las emociones y los sentimientos más que cualquier dependencia del realismo para sugerir verdades más grandes.
    • El simbolismo expresó escenas de la naturaleza, actividades humanas y todos los demás fenómenos del mundo real que no se representan por su propio bien, sino como superficies perceptibles creadas para representar sus afinidades esotéricas con ideales primordiales.

    Términos Clave

    • simbolismo: El simbolismo fue un movimiento artístico de finales del siglo XIX de origen francés, ruso y belga en la poesía y otras artes. El simbolismo es la práctica de representar las cosas por símbolos, o de invertir cosas con un significado o carácter simbólico. Un símbolo es un objeto, acción o idea que representa algo distinto a sí mismo, a menudo de naturaleza más abstracta. El simbolismo crea aspectos de calidad que hacen que la literatura como la poesía y las novelas sean más significativas.

    Un movimiento hacia el significado

    El simbolismo fue un movimiento artístico de finales del siglo XIX de origen francés, ruso y belga que se manifestó en la poesía y otras artes. El término “simbolismo” se deriva de la palabra “símbolo” que proviene del latín symbolum, símbolo de fe, y symbolus, signo de reconocimiento. El simbolismo fue en gran parte una reacción contra el naturalismo y el realismo, estilos antiidealistas que eran intentos de representar la realidad en su particularidad arenosa, y de elevar lo humilde y lo ordinario sobre el ideal. El simbolismo, en cambio, favoreció la espiritualidad, la imaginación, los sueños, las emociones y la subjetividad personal del artista como herramienta para ilustrar verdades más amplias. Temáticamente, los artistas simbolistas tendían a centrarse en temas que rodeaban lo oculto, la decadencia, la melancolía y la muerte.

    Representa a Hale de pie en el balcón, cayendo a su muerte mientras también está acostada en el pavimento ensangrentado de abajo.

    El suicidio de Dorothy Hale de Frida Kahlo, 1939: Si bien esta pintura era una comisión, todavía demuestra el uso característico de Kahlo del simbolismo para expresar su verdad subjetiva.

    Una búsqueda de la verdad oculta

    Los simbolistas creían que el arte debía representar verdades absolutas que sólo podían describirse indirectamente. Así, escribieron y pintaron de una manera muy metafórica y sugerente, dotando de significado simbólico a determinadas imágenes u objetos. Jean Moréas publicó El Manifiesto simbolista (“Le Symbolisme “) en Le Figaro el 18 de septiembre de 1886 (ver 1886 en poesía). Moréas anunció que el simbolismo era hostil a “significados claros, declamaciones, falso sentimentalismo y descripción práctica”, y que su objetivo era “vestir al Ideal de una forma perceptible” cuyo “objetivo no era en sí mismo, sino cuyo único propósito era expresar el Ideal”. En otras palabras, el simbolismo expresaba escenas de la naturaleza, actividades humanas y todos los demás fenómenos del mundo real no por su propio bien, sino como superficies perceptibles creadas para representar sus afinidades esotéricas con los ideales primordiales.

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    La mort du fossoyeur: La mort du fossoyeur (“La muerte del sepulturero”) de Carlos Schwabe es un compendio visual de motivos simbolistas. La muerte y los ángeles, la nieve prístina y las dramáticas poses de los personajes expresan anhelos simbolistas de transfiguración “en cualquier lugar, fuera del mundo”.

    El estilo simbolista se ha confundido frecuentemente con la decadencia y, a finales de la década de 1880, se entendió que los términos “simbolismo” y “decadencia” eran casi sinónimos. Aunque la estética de los estilos puede considerarse similar de alguna manera, los dos siguen siendo distintos. Los simbolistas enfatizaron los sueños, los ideales y la materia fantástica, mientras que los Decadentes cultivaban estilos précieux, ornamentados o herméticos, y temas mórbidos. Los pintores simbolista fueron una importante influencia sobre el expresionismo y el surrealismo en la pintura, dos movimientos que descienden directamente del simbolismo propiamente dicho.

    Los arlequines, pobres y payasos del “Período Azul” de Pablo Picasso muestran la influencia del simbolismo, y especialmente de Puvis de Chavannes. En Bélgica, el simbolismo se hizo tan popular que llegó a pensarse como un estilo nacional: la extrañeza estática de pintores como René Magritte puede considerarse como una continuación directa del simbolismo. El trabajo de algunos artistas visuales simbolistas, como Jan Toorop, afectó directamente a las formas curvilíneas del art nouveau.

    Un hombre joven, sin camisa, está siendo acariciado por un guepardo en una pose similar a una esfinge con la cabeza de una mujer.
    La caricia: La caricia del simbolista belga Fernand Khnopff

    Art Nouveau

    El Art Nouveau fue un estilo internacional de arte y arquitectura que fue el más popular de 1890 a 1910.

    Objetivos de aprendizaje

    Describir los orígenes y características de Art Noveau

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • El Art Nouveau fue un estilo internacional de arte y arquitectura que fue el más popular de 1890 a 1910. El nombre “Art Nouveau” es francés para “arte nuevo”. Los orígenes del Art Nouveau se encuentran en la resistencia del artista William Morris a las composiciones abarrotadas y las tendencias de renacimiento del siglo XIX.
    • Una reacción al arte académico del siglo XIX, el Art Nouveau se inspiró en formas y estructuras naturales, ejemplificadas por líneas curvas, asimetría, motivos naturales y adornos intrincados.
    • El Art Nouveau se considera un “estilo total”, lo que significa que invadió muchas formas de arte y diseño como la arquitectura, el diseño de interiores, las artes decorativas y las artes visuales. Según la filosofía del estilo, el arte debe esforzarse por ser una forma de vida.

    Términos Clave

    • Art Nouveau: Art Nouveau es una filosofía y estilo internacional de arte, arquitectura y arte aplicado, especialmente las artes decorativas, que fue más popular entre 1890 y 1910.
    • japonisme: La influencia del arte y la cultura japonesa en el arte europeo.
    • sincopado: Una variedad de ritmos musicales que vienen inesperados.

    Antecedentes

    El Art Nouveau es un estilo internacional de arte y arquitectura que fue el más popular entre 1890 y 1910 d.C. El nombre Art Nouveau es francés para “arte nuevo”. Reacción al arte académico del siglo XIX, se inspiró en formas y estructuras naturales, no sólo en flores y plantas, sino también en líneas curvas. También se considera una filosofía de diseño de muebles. Los muebles Art Nouveau se estructuran de acuerdo con todo el edificio y forman parte de la vida ordinaria. El Art Nouveau fue el más popular en Europa, pero su influencia fue global. Es un estilo muy variado con tendencias localizadas frecuentes.

    Imagen de la fachada. El trabajo de piedra está fluyendo. Hay pocas líneas rectas, y gran parte de la fachada está decorada con un colorido mosaico hecho de baldosas cerámicas rotas.

    Art Nouveau: Barcelona: La Casa Batlló, ya construida en 1877, fue remodelada en la manifestación barcelonesa del Art Nouveau, modernismo, por Antoni Gaudí y Josep Maria Jujol durante 1904—1906.

    Antes de que el término Art Nouveau se hiciera común en Francia, le style moderne (“el estilo moderno”) era la designación más frecuente. Maison de l'Art Nouveau fue el nombre de la galería iniciada durante 1895 por el marchante de arte alemán Samuel Bing en París que presentaba exclusivamente arte moderno. La fama de su galería se incrementó en la Exposición Universal de 1900, donde presentó instalaciones coordinadas de muebles modernos, tapices y objetos de arte. Estas exhibiciones decorativas se asociaron tan fuertemente con el estilo, que el nombre de su galería proporcionó posteriormente un término comúnmente utilizado para todo el estilo. De igual manera, Jugend (Juventud) fue la revista semanal ilustrada de arte y estilo de vida de Munich, fundada en 1896 por Georg Hirth. Jugend fue fundamental en la promoción del estilo Art Nouveau en Alemania. Como resultado, Jungenstil, o Estilo Juvenil, se convirtió en la palabra alemana para el estilo.

    Orígenes del Art Nouveau

    Los orígenes del Art Nouveau se encuentran en la resistencia del artista William Morris a las desordenadas composiciones y tendencias revivalistas del siglo XIX. Sus teorías ayudaron a iniciar el movimiento Art Nouveau. Casi al mismo tiempo, la perspectiva plana y los colores fuertes de los estampados japoneses en bloque de madera, especialmente los de Katsushika Hokusai, tuvieron un fuerte efecto en la formulación del Art Nouveau. El japonismo que fue popular en Europa durante las décadas de 1880 y 1890 fue particularmente influyente en muchos artistas con sus formas orgánicas y referencias al mundo natural.

    Aunque el Art Nouveau adquirió tendencias claramente localizadas a medida que aumentaba su extensión geográfica, algunas características generales son indicativas de la forma. Una descripción publicada en la revista Pan del Cyclamen colgante en la pared de Hermann Obrist (1894), lo describió como “repentinas curvas violentas generadas por la grieta de un látigo”, que se hizo bien conocida durante la temprana difusión del Art Nouveau. Posteriormente, el término “latigazo” se aplica frecuentemente a las curvas características empleadas por los artistas Art Nouveau. Tales motivos decorativos de “latigazo cervical”, formados por líneas dinámicas, onduladas y fluidas en un ritmo sincopado, se encuentran a lo largo de la arquitectura, pintura, escultura y otras formas de diseño Art Nouveau.

    Art Nouveau como estilo total

    El Art Nouveau ahora se considera un “estilo total”, lo que significa que se puede ver en la arquitectura, el diseño de interiores, las artes decorativas (incluidos los muebles de joyería, los textiles, la plata del hogar y otros utensilios e iluminación) y las artes visuales. Según la filosofía del estilo, el arte debe esforzarse por ser una forma de vida, y con ello abarcar todas las partes. Para muchos europeos, era posible vivir en una casa de inspiración Art Nouveau con muebles Art Nouveau, cubiertos, vajilla, joyas, pitilleras, etc. Los artistas deseaban así combinar las bellas artes y las artes aplicadas, incluso para objetos utilitarios.

    Escritorio y silla de Héctor Guimard, 1909—12

    Escritorio y silla de Héctor Guimard, 1909—12: La carpintería curvada y serpentina que se ve en este escritorio es característica del Art Nouveau, que a menudo atrajo influencia estilística del mundo natural.

    El Art Nouveau en arquitectura e interiorismo evitó los eclécticos estilos de renacimiento del siglo XIX. Los diseñadores Art Nouveau seleccionaron y “modernizaron” algunos de los elementos más abstractos del estilo rococó, como las texturas de llama y concha. También abogaron por el uso de formas orgánicas muy estilizadas como fuente de inspiración, ampliando su repertorio natural para utilizar algas, pastos e insectos.

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    La puerta en el lugar Etienne Pernet, 24 (París 15e), 1905 de Alfred Wagon, arquitecto. : La influencia asimétrica y curvilínea del mundo natural se ve nuevamente en la herrería de esta puerta en la Place Etienne Pernet de París.

    En la pintura Art Nouveau se dibujaron e imprimieron piezas bidimensionales en formas populares como anuncios, carteles, etiquetas y revistas. Los estampados japoneses en bloque de madera, con sus líneas curvas, superficies estampadas, huecos contrastantes y planitud de plano visual, también inspiraron la pintura Art Nouveau. Algunos patrones de líneas y curvas se convirtieron en clichés gráficos que luego se encontraron en obras de artistas de muchas partes del mundo.

    Cartel en blanco y negro que representa a dos mujeres vistiendo vestidos fluidos e intrincados. La mujer en primer plano lleva una falda gigante que se asemeja a una pluma de pavo real.

    La falda del pavo real de Aubrey Beardsley, 1893: Aubrey Beardsley es un artista conocido por sus carteles y a menudo asociado con el Art Nouveau debido a su uso de elaborados patrones decorativos y barrido de líneas curvilíneas.

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