28.9: Impresionismo

Impresionismo

El impresionismo es un movimiento del siglo XIX conocido por sus pinturas que tenían como objetivo representar la fugacidad de la luz, y capturar escenas de la vida moderna y del mundo natural en sus condiciones siempre cambiantes.

Objetivos de aprendizaje

Identificar las características del impresionismo

Claves para llevar

Puntos Clave

• El término “impresionismo” se deriva del título de la pintura de Claude Monet, Impression, soleil levant (“Impression, Sunrise”).
• Las obras impresionistas retratan característicamente los efectos visuales generales en lugar de los detalles, y utilizan pinceladas cortas “rotas” de color mixto y sin mezclar para lograr un efecto de vibración intensa del color.
• Durante la última parte de 1873, Monet, Renoir, Pissarro y Sisley organizaron la Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs (“Asociación Cooperativa y Anónima de Pintores, Escultores y Grabadores”) para exponer sus obras de forma independiente a la respuesta crítica mixta.
• Los impresionistas exhibieron juntos ocho veces entre 1874 y 1886. Los artistas individuales lograron pocas recompensas económicas de las exposiciones impresionistas, pero su arte poco a poco obtuvo un grado de aceptación y apoyo público.
• Los impresionistas suelen pintar escenas de la vida moderna y a menudo pintan al aire libre o en plein air.

Términos Clave

• En Plein air: En plein air es una expresión francesa que significa “al aire libre”, y se utiliza particularmente para describir el acto de pintar al aire libre, que también se llama peinture sur le motif (“pintar en el suelo”) en francés.
• Vista: Desde la vista italiana (“vista, vista”). Una vista lejana o perspectiva, especialmente una vista a través de una abertura, avenida o pasaje.
• flâneur: Un hombre que observa a la sociedad, generalmente en entornos urbanos; un “observador de personas”.

El impresionismo es un movimiento artístico del siglo XIX que fue originado por un grupo de artistas afincados en París, entre ellos Berthe Morisot, Claude Monet, August Renoir, Edgar Degas, Camille Pissarro y Alfred Sisley, así como la artista estadounidense Mary Cassatt. Estos artistas construyeron sus cuadros con colores libremente cepillados que tuvieron prioridad sobre las líneas y contornos. Normalmente pintaban escenas de la vida moderna y a menudo pintaban al aire libre. Los impresionistas encontraron que podían capturar los efectos momentáneos y transitorios de la luz solar pintando en plein air. Sin embargo, muchas pinturas e impresiones impresionistas, especialmente las producidas por Morisot y Cassatt, están ambientadas en interiores domésticos. Por lo general, retrataban efectos visuales generales en lugar de detalles, y usaban trazos de pincel cortos y “rotos” de color mixto y sin mezclar para lograr un efecto de vibración intensa del color.

Londres, Casas del Parlamento. El sol brillando a través de la niebla, Claude Monet, 1904: Monet es considerado el practicante más consistente y prolífico de la filosofía impresionista de expresar las propias percepciones ante la naturaleza.

Radicales en su tiempo, los primeros impresionistas violaron las reglas de la pintura académica. En la Francia del siglo XIX, la Académie des Beaux-Arts (“Academia de Bellas Artes”) dominó el arte francés. La Académie fue la conservadora de los estándares tradicionales de la pintura francesa de contenido y estilo. Se valoraron temas históricos, temas religiosos y retratos (el paisaje y la naturaleza muerta no lo eran), y la Académie prefirió imágenes cuidadosamente terminadas que parecían realistas cuando se examinaban de cerca. El color era sombrío y conservador, y se suprimieron las huellas de pinceladas, ocultando la personalidad, las emociones y las técnicas de trabajo del artista.

Los pintores impresionistas no podían darse el lujo de esperar a que Francia aceptara su obra, por lo que establecieron su propia exhibición, aparte del salón anual organizado por la Académie. Durante la última parte de 1873, Monet, Renoir, Pissarro y Sisley organizaron la Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs (“Asociación Cooperativa y Anónima de Pintores, Escultores y Grabadores”) para exponer sus obras de forma independiente. En total, 30 artistas participaron en su primera exposición, realizada en abril de 1874 en el estudio del fotógrafo y caricaturista francés Nadar.

La respuesta crítica fue mixta. El crítico y humorista Louis Leroy escribió una crítica mordaz en el periódico Le Charivari en la que, haciendo juego de palabras con el título de Impression, soleil levant (“Impression, Sunrise”) de Claude Monet, dio a los artistas el nombre con el que se dieron a conocer. El término “impresionistas” rápidamente ganó favor con el público. También fue aceptada por los propios artistas, a pesar de que eran un grupo diverso en estilo y temperamento, unificados principalmente por su espíritu de independencia y rebelión. Expusieron juntos ocho veces entre 1874 y 1886. Los artistas individuales lograron pocas recompensas económicas de las exposiciones impresionistas, pero su arte poco a poco obtuvo un grado de aceptación y apoyo público. Su distribuidor, Paul Durand-Ruel, jugó un papel importante en esto ya que mantuvo su trabajo ante el público y organizó espectáculos para ellos en Londres y Nueva York.

Les régates à Moseley de Alfred Sisley, óleo sobre lienzo, 1874: Sisley se dedicó a pintar paisaje en plein air y su obra es conocida por capturar los efectos transitorios de la luz solar.

Los impresionistas capturaron sujetos ordinarios, realizando actividades cotidianas tanto en entornos rurales como urbanos. Los artistas impresionistas relajaron el límite entre el sujeto y el fondo de manera que el efecto de una pintura impresionista a menudo se asemeja a una instantánea, una parte de una realidad más grande capturada como por casualidad.

El desarrollo del impresionismo puede considerarse en parte como una reacción de los artistas ante el reto que presenta la fotografía, que parecía devaluar la habilidad del artista para reproducir la realidad. A pesar de esto, la fotografía en realidad inspiró a los artistas a perseguir otros medios de expresión artística, y en lugar de competir con la fotografía para emular la realidad, los impresionistas buscaron expresar sus percepciones de la naturaleza y la vida moderna de la ciudad.

Entre sus temas favoritos se encontraban escenas del estilo de vida burgués sin preocupaciones, así como del mundo del entretenimiento, como cafés, salones de baile y teatros. En sus escenas de género de la vida contemporánea, estos artistas intentaron detener un momento de sus vidas aceleradas al identificar condiciones atmosféricas específicas como el parpadeo de la luz en el agua, las nubes en movimiento o las luces de la ciudad cayendo sobre parejas de baile. Su técnica intentó capturar lo que vieron.

Pontoise de Camille Pissarro, óleo sobre lienzo, 1867: Camille Pissarro (1830—1903) fue un precursor estilístico del impresionismo conocido por sus paisajes y por capturar la realidad cotidiana de la vida del pueblo.

Manet

Édouard Manet, pintor francés, fue una figura fundamental en la transición del realismo al impresionismo.

Objetivos de aprendizaje

Expresa por qué Édouard Manet es considerado una figura fundamental en la transición del realismo al impresionismo

Claves para llevar

Puntos Clave

• Sus primeras obras maestras, The Luncheon on the Grass (Le déjeuner sur l'herbe) y Olimpia, generaron gran polémica y sirvieron como puntos de reunión para los jóvenes pintores que crearían el Impresionismo. Hoy en día, se consideran pinturas de cuencas hidrográficas que marcan la génesis del arte moderno.
• Su estilo en esta época se caracterizó por pinceladas sueltas, simplificación de detalles y supresión de tonos transicionales.
• Las obras de Manet fueron vistas como un desafío a las obras renacentistas que inspiraron sus pinturas. La obra de Manet se considera “moderna temprana”, en parte por el contorno negro de las figuras, que llama la atención sobre la superficie del plano de imagen y la calidad material de la pintura.

Términos Clave

• yuxtaposición: El énfasis extra que se da a una comparación cuando los objetos contrastados están muy juntos.
• Impresionismo: Un movimiento artístico del siglo XIX que se originó con un grupo de artistas afincados en París. Las características de la pintura impresionista incluyen trazos de pincel relativamente pequeños, delgados pero visibles, composición abierta, énfasis en la representación precisa de la luz en sus cualidades cambiantes (a menudo acentuando los efectos del paso del tiempo), materia común y ordinaria, inclusión del movimiento como elemento crucial de la percepción y experiencia humana, y ángulos visuales inusuales.

Édouard Manet (1832—1883) fue un pintor francés. Uno de los primeros artistas del siglo XIX en abordar temas de la vida moderna y posmoderna, fue una figura fundamental en la transición del realismo al impresionismo. Sus primeras obras maestras, The Luncheon on the Grass (Le déjeuner sur l'herbe) y Olimpia, generaron gran polémica y sirvieron como puntos de reunión para los jóvenes pintores que crearían el Impresionismo. Hoy en día, se consideran pinturas de cuencas hidrográficas que marcan la génesis del arte moderno.

Manet abrió un estudio en 1856. Su estilo en esta época se caracterizó por pinceladas sueltas, simplificación de detalles y supresión de tonos transicionales. Adoptando el estilo actual de realismo iniciado por Gustave Courbet, pintó El bebedor de absenta (1858—59) y otros temas contemporáneos como mendigos, cantantes, gitanos, gente en cafés y corridas de toros. La música en las Tullerías es un ejemplo temprano del estilo pictórico de Manet. Inspirado en Hals y Velázquez, es un presagio de su interés de toda la vida por el tema del ocio.

Música en las Tullerías, 1862: Una de las primeras obras de Manet que demuestra su interés por los golpes de arbusto suelto y las actividades sociales pausadas de los parisinos del siglo XIX.

El Salón de París rechazó The Luncheon on the Grass para su exhibición en 1863. Manet lo exhibió en el Salon des Refusés (Salón de los Rechazados) más adelante en el año. La yuxtaposición de la pintura de hombres completamente vestidos y una mujer desnuda fue polémica, al igual que su manejo abreviado, parecido a un boceto, una innovación que distinguió a Manet de Courbet. Al mismo tiempo, esta composición revela el estudio de Manet sobre los antiguos maestros renacentistas. Una obra citada por los estudiosos como precedente importante para Le déjeuner sur l'herbe es La tempestad de Giorgione.

El almuerzo sobre la hierba (Le déjeuner sur l'herbe) de Édouard Manet, 1863: La pintura representa la yuxtaposición de un desnudo femenino y una bañista femenina escasamente vestida en un picnic con dos hombres completamente vestidos en un entorno rural. Rechazado por el jurado del Salón de 1863, Manet aprovechó la oportunidad para exhibir esta y otras dos pinturas en el Salon des Refusés de 1863, donde la pintura desató notoriedad pública y polémica.

Como lo había hecho en El almuerzo sobre la hierba, Manet volvió a parafrasear una respetada obra de un artista renacentista en su pintura Olimpia (1863), un desnudo retratado en pose que se basó en la Venus de Urbino de Tiziano (1538). Manet creó Olimpia en respuesta a un reto para darle al Salón un cuadro desnudo para exhibir. Su posterior franca representación de una prostituta segura de sí misma fue aceptada por el Salón de París en 1865, donde creó un escándalo.

Olimpia de Édouard Manet, 1863: Olimpia de Manet fue una pintura polémica en su momento debido a la mirada confrontacional de la mujer representada y también al hecho de que numerosos detalles en la pintura significan que es prostituta.

El cuadro fue polémico en parte porque el desnudo lleva algunas prendas pequeñas como una orquídea en el pelo, una pulsera, una cinta alrededor de su cuello y zapatillas de mula, todo lo cual acentuó su desnudez, sexualidad y cómodo estilo de vida cortesana. La orquídea, el pelo barrido hacia arriba, el gato negro y el ramo de flores eran todos símbolos reconocidos de la sexualidad en ese momento. Este moderno cuerpo de Venus es delgado, contrario a los estándares imperantes, y esta falta de idealismo físico llamó a los espectadores. Tanto el cuerpo de Olympia como su mirada son despreciadamente confrontacionales. Ella mira desafiante mientras su sirviente ofrece flores de uno de sus pretendientes masculinos. Si bien su mano descansa sobre su pierna, ocultando su área púbica, la referencia a la virtud femenina tradicional es irónica: la modestia femenina está notoriamente ausente en esta obra. Al igual que con Luncheon on the Grass, la pintura planteó el tema de la prostitución dentro de la Francia contemporánea y los roles de las mujeres dentro de la sociedad.

El estilo más o menos pintado y la iluminación fotográfica en estas dos controvertidas obras fue visto por los contemporáneos como moderno: específicamente, como un desafío a las obras renacentistas que Manet copió o utilizó como material fuente. Su obra es considerada “temprana moderna”, en parte por el contorno negro de las figuras, que llama la atención sobre la superficie del plano de imagen y la calidad material de la pintura.

Pintura Impresionista

La pintura impresionista rompió con las tradiciones de la Academia, favoreciendo la materia cotidiana, el color exagerado, la aplicación de pintura gruesa y el objetivo de capturar el movimiento de la vida en contraposición a las escenas escenificadas.

Objetivos de aprendizaje

Describir las características de la pintura impresionista

Claves para llevar

Puntos Clave

• A mediados del siglo XIX, la Académie des Beaux-Arts dominó el arte francés, valorando temas históricos, temas religiosos y retratos en contraposición a paisajes o bodegones.
• A principios de la década de 1860, Monet, Renoir, Sisley y Bazille se conocieron mientras estudiaban con el artista académico Charles Gleyre. Descubrieron que compartían interés por pintar el paisaje y la vida contemporánea más que por escenas históricas o mitológicas
• Las pinturas impresionistas se pueden caracterizar por el uso de trazos cortos y gruesos de pintura que capturan rápidamente la esencia de un sujeto en lugar de detalles.
• Las pinturas impresionistas no explotan la transparencia de las películas de pintura fina (esmaltes), que artistas anteriores manipularon cuidadosamente para producir efectos.
• Temáticamente, las obras impresionistas se centran en capturar el movimiento de la vida, o momentos rápidos capturados como por instantánea.

Términos Clave

• Académie des Beaux-Arts: La Academia fue creada en 1816 como una fusión de la Académie de peinture et de sculpture (Academia de Pintura y Escultura, fundada en 1648), la Académie de musique (Academia de Música, fundada en 1669) y la Académie d'architecture (Academia de Arquitectura, fundada en 1671).

A mediados del siglo XIX, la Académie des Beaux-Arts dominaba el arte francés. La Académie fue la conservadora de los estándares tradicionales de la pintura francesa de contenido y estilo. Se valoraron temas históricos, temas religiosos y retratos; el paisaje y la naturaleza muerta no lo fueron. La Académie prefirió imágenes cuidadosamente terminadas que parecían realistas cuando se examinaban de cerca. Las pinturas de este estilo estaban compuestas por pinceladas precisas cuidadosamente mezcladas para ocultar la mano del artista en la obra. El color fue restringido y a menudo matizado aún más por la aplicación de un barniz dorado.

A principios de la década de 1860, cuatro jóvenes pintores —Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley y Frédéric Bazille— se conocieron mientras estudiaban con el artista académico Charles Gleyre. Descubrieron que compartían un interés por pintar el paisaje y la vida contemporánea más que por las escenas históricas o mitológicas. Siguiendo una práctica que se había vuelto cada vez más popular a mediados de siglo, a menudo se aventuraban juntos en el campo para pintar al aire libre, o al aire libre, pero no con el propósito de hacer bocetos para que se desarrollaran en obras cuidadosamente terminadas en el estudio, como era la costumbre habitual. Al pintar a la luz del sol directamente de la naturaleza, y hacer un uso audaz de los vívidos pigmentos sintéticos que habían estado disponibles desde principios de siglo, comenzaron a desarrollar una forma de pintura más ligera y brillante que extendió aún más el Realismo de Gustave Courbet y la Escuela Barbizon.

Impression, soleil levant (Impression, Sunrise) de Claude Monet, 1872: Esta pintura se convirtió en la fuente del nombre del movimiento, dado burlonamente por un crítico pero abrazado por los artistas y el público.

Técnica

Las pinturas impresionistas se pueden caracterizar por el uso de trazos cortos y gruesos de pintura que capturan rápidamente la esencia de un sujeto en lugar de detalles. Los colores a menudo se aplican uno al lado del otro con la menor mezcla posible, una técnica que explota el principio del contraste simultáneo para hacer que el color parezca más vívido para el espectador. Las pinturas impresionistas no explotan la transparencia de las películas de pintura fina (esmaltes), que artistas anteriores manipularon cuidadosamente para producir efectos. Adicionalmente, la superficie de pintura es típicamente opaca y se enfatiza el juego de luz natural.

Temáticamente, los impresionistas se enfocaron en capturar el movimiento de la vida, o momentos rápidos capturados como por instantánea. La representación de la luz y sus cualidades cambiantes fueron de suma importancia. La materia ordinaria y los ángulos visuales inusuales también fueron elementos importantes de las obras impresionistas.

Haystack, (atardecer) de Claude Monet, 1890—1891: El pajar de Monet ejemplifica los rasgos típicos de las obras impresionistas con sus líneas cortas y rápidas haciendo uso de muchos colores opacos uno al lado del otro para sugerir el juego de luces al atardecer.

Escultura impresionista

Generalmente se considera que la escultura moderna comenzó con la obra del escultor francés Auguste Rodin.

Objetivos de aprendizaje

Diferenciar el clasicismo moderno en la escultura francesa del de la escultura clásica anterior

Claves para llevar

Puntos Clave

• Por lo general, los artistas modernistas se preocupaban por la representación de temas contemporáneos en contraposición a grandes temas históricos y alegóricos anteriormente favorecidos en el arte. Rodin modeló superficies complejas, turbulentas, profundamente embolsadas en arcilla y muchas de sus esculturas más notables chocaron con la tradición escultórica predominante, en la que las obras eran decorativas, formulaicas o altamente temáticas. La espontaneidad evidente en sus obras lo asocia con los impresionistas, aunque nunca se identificó como tal.
• La obra más original de Rodin partió de temas tradicionales de mitología y alegoría en favor de modelar el cuerpo humano con realismo, y celebrar el carácter individual y la fisicalidad.
• Fue la libertad y creatividad con la que Rodin utilizó estas prácticas, junto con su actitud más abierta hacia la pose corporal, el tema sensual y la superficie no realista, lo que marcó la reelaboración de las técnicas escultóricas tradicionales del siglo XIX en el prototipo de la escultura moderna.
• Aunque su obra cruzó muchas fronteras estilísticas, y no se identificó específicamente como impresionista, Degas es considerado como uno de los fundadores del impresionismo.
• La escultura Pequeño Bailarín de Catorce Años, de Edgar Degas c. 1881 se mostró en la Exposición Impresionista de 1881 y suscitó mucha polémica debido a sus salidas de precedentes históricos, motivo clave de los impresionistas.

Términos Clave

• Auguste Rodin: Auguste Rodin fue un escultor francés. Si bien Rodin es generalmente considerado el progenitor de la escultura moderna, no se propuso rebelarse contra el pasado. Fue educado tradicionalmente, adoptó un enfoque artesanal en su trabajo y deseó el reconocimiento académico, aunque nunca fue aceptado en la principal escuela de arte de París.

Escultura Francesa

El clasicismo moderno contrastaba de muchas maneras con la escultura clásica del siglo XIX, que se caracterizaba por compromisos con el naturalismo, el melodramático, el sentimentalismo, o una especie de grandiosidad señorial. Se tomaron varias direcciones diferentes en la tradición clásica a medida que el siglo giraba, pero el estudio del modelo vivo y la tradición posrenacentista seguía siendo fundamental. El clasicismo moderno mostró un menor interés por el naturalismo y un mayor interés por la estilización formal. Se prestó mayor atención a los ritmos de volúmenes y espacios, así como a las cualidades contrastantes de la superficie (abierta, cerrada, plana, rota, etc.) —mientras que se prestó menos atención a la narración de historias y detalles convincentes de anatomía o vestuario. Se prestó mayor atención al efecto psicológico que al realismo físico, y se utilizaron influencias de estilos anteriores a nivel mundial.

La escultura moderna, junto con todo el arte moderno, “surgió como parte del intento de la sociedad occidental de llegar a un acuerdo con la sociedad urbana, industrial y laica que surgió durante el siglo XIX”. Por lo general, los artistas modernistas se preocupaban por la representación de temas contemporáneos en contraposición a grandes temas históricos y alegóricos anteriormente favorecidos en el arte.

Influencia de Rodin

Generalmente se considera que la escultura moderna comenzó con la obra del escultor francés Auguste Rodin. Rodin, a menudo considerado un impresionista escultórico, no se propuso rebelarse contra las tradiciones artísticas, sin embargo, incorporó formas novedosas de construir su escultura que desafiaban categorías y técnicas clásicas. Específicamente, Rodin modeló superficies complejas, turbulentas y profundamente embolsadas en arcilla. Si bien nunca se autoidentificó como impresionista, la modelación vigorosa y gestual que empleó en sus obras suele compararse con las pinceladas rápidas y gestuales que buscan capturar un momento fugaz que era típico de los impresionistas. La obra más original de Rodin partió de temas tradicionales de mitología y alegoría, en favor de modelar el cuerpo humano con intenso realismo, y celebrar el carácter individual y la fisicalidad.

Rodin era naturalista, menos preocupado por la expresión monumental que por el carácter y la emoción. Partiendo con siglos de tradición, se apartó del idealismo de los griegos y de la belleza decorativa de los movimientos barrocos y neobarrocos. Su escultura enfatizó el individuo y la concreción de la carne, sugiriendo emoción a través de superficies detalladas y texturizadas, y la interacción de luz y sombra. En mayor grado que sus contemporáneos, Rodin creía que el carácter de un individuo se revelaba por sus rasgos físicos. El talento de Rodin para el modelado de superficies le permitió dejar que cada parte del cuerpo hablara por todo. La pasión del macho en El beso, por ejemplo, se sugiere por el agarre de los dedos de los pies sobre la roca, la rigidez de su espalda, y la diferenciación de sus manos. Rodin veía el sufrimiento y el conflicto como señas de identidad del arte moderno. Afirma que “nada, realmente, es más conmovedor que la bestia enloquecida, muriendo de deseo incumplido y pidiendo en vano gracia para sofocar su pasión”.

El Pensador de Auguste Rodin: los experimentos de Rodin con la forma, visibles en el Pensador, lanzaron la escultura abstracta moderna.

La principal innovación de Rodin fue capitalizar tales procesos multietapas de la escultura del siglo XIX y su dependencia de la fundición de yeso. Dado que la arcilla se deteriora rápidamente si no se mantiene húmeda o se cuece en una terracota, los escultores utilizaron moldes de yeso como medio para asegurar la composición que harían del material fugitivo que es la arcilla. Esta era una práctica común entre los contemporáneos de Rodin: los escultores exhibirían moldes de yeso con la esperanza de que se les encargara que las obras se hicieran en un material más permanente. Rodin, sin embargo, tendría múltiples yesos hechos y los trataría como materia prima de la escultura, recombinando sus partes y figuras en nuevas composiciones y nuevos nombres. A medida que la práctica de Rodin se desarrolló en la década de 1890, se volvió cada vez más radical en su búsqueda de la fragmentación, la combinación de figuras a diferentes escalas y la realización de nuevas composiciones de su obra anterior.

El Hombre Caminante

Un excelente ejemplo de sus prácticas radicales es The Walking Man (1899—1900). Se compone de dos esculturas de la década de 1870 que Rodin encontró en su estudio —un torso roto y dañado que había caído en el descuido y las extremidades inferiores de una versión estatuilla de su Predicación de San Juan Bautista de 1878 que estaba reesculpiendo a escala reducida. Sin afinar la unión entre superior e inferior, entre torso y piernas, Rodin creó una obra que muchos escultores en su momento, y posteriormente, han visto como una de sus obras más fuertes y singulares. Esto a pesar de que el objeto transmite dos estilos diferentes, exhibe dos actitudes diferentes hacia el acabado y carece de cualquier intento de ocultar la fusión arbitraria de estos dos componentes. Fue la libertad y creatividad con la que Rodin utilizó estas prácticas —junto con su activación de las superficies de las esculturas a través de huellas de su propio toque— lo que marcó la reelaboración de las técnicas escultóricas tradicionales del siglo XIX en el prototipo de la escultura moderna.

The Walking Man: The Walking Man está compuesto por dos fragmentos de escultura que Rodin combinó en una sola obra sin enmascarar la fusión de estas formas dispares.

Edgar Degas

Edgar Degas fue un artista francés famoso por sus pinturas, esculturas, grabados y dibujos. Está especialmente identificado con el tema de la danza; más de la mitad de sus obras representan bailarines. Es considerado como uno de los fundadores del impresionismo, aunque rechazó el término, prefiriendo que se le llamara realista.

Durante su vida, la recepción pública de la obra de Degas varió desde la admiración hasta el desprecio. Como artista prometedor en la modalidad convencional, Degas tuvo una serie de pinturas aceptadas en el Salón entre 1865 y 1870. Pronto unió fuerzas con los impresionistas, sin embargo, y rechazó las rígidas reglas, juicios y elitismo del salón, así como el Salón y el público en general rechazaron inicialmente el experimentalismo de los impresionistas.

El trabajo de Degas fue polémico, pero generalmente fue admirado por su redacción. Su La Petite Danseuse de Quatorze Ans, o Little Dancer of Catorce Years, que exhibió en la sexta Exposición Impresionista en 1881, fue probablemente su pieza más polémica; algunos críticos denunciaron lo que pensaban su “espantosa fealdad” mientras que otros vieron en ella un “florecimiento. ” La escultura es de dos tercios de tamaño natural y originalmente fue esculpida en cera, una elección inusual de medio para la época. Está vestida con un verdadero corpiño, tutú y zapatillas de ballet y tiene una peluca de pelo real. Todos menos una cinta para el pelo y el tutú están cubiertos de cera. Las 28 repeticiones de bronce que hoy aparecen en museos y galerías de todo el mundo fueron fundadas tras la muerte de Degas. Los tutús que llevan los bronces varían de un museo a otro.

Pequeño bailarín de catorce años de Edgar Degas, c. 1881: La polémica escultura que Degas mostró en la Exposición Impresionista de 1881 destaca por su experimentalismo y rompe con la tradición.

Reconocido como un artista importante en su vida, Degas ahora es considerado uno de los fundadores del Impresionismo. Aunque su obra cruzó muchas fronteras estilísticas, su implicación con las otras grandes figuras del impresionismo y sus exposiciones, sus cuadros dinámicos y bocetos de la vida cotidiana y las actividades, y sus audaces experimentos de color sirvieron para finalmente vincularlo al movimiento impresionista como uno de sus mayores artistas.

Contenido con licencia CC, Compartido anteriormente

• Curación y Revisión. Proporcionado por: Boundless.com. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual

Contenido con licencia CC, Atribución específica

• Camille Pissarro. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Camille_Pissarro. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• Pintura de paisaje. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Landscape_painting. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• Impresionismo. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Impresionismo. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• Pierre-Auguste Renoir. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Pierre-Auguste_Renoir. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• Claude Monet. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Claude_Monet. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• Alfred Sisley. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Alfred_Sisley. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• Historia del arte/Movimientos. Proporcionado por: Wikilibros. Ubicado en: es.wikibooks.org/wiki/Art_Historia/Movimientos%23Impresionismo. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• En Plein aire. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/es%20Plein%20Air. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• Vista. Proporcionado por: Wikcionario. Ubicado en: es.wiktionary.org/wiki/Vista. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• Flu00e2neur. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/FL%C 3% A2neur. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• María Cassatt. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Mary_Cassatt. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• Berthe Morisot. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Berthe_Morisot. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• Gustave Caillebotte. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Gustave_Caillebotte. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• Edgar Degas. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Edgar_Degas. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• Claude Monet 015. Proporcionado por: Wikimedia. Ubicado en: Commons.wikimedia.org/wiki/Archivo:Claude_Monet_015.jpg. Licencia: Dominio Público: No Conocido Derechos de Autor
• Alfred Sisley 050. Proporcionado por: Wikimedia. Ubicado en: Commons.wikimedia.org/wiki/Archivo:Alfred_Sisley_050.jpg. Licencia: Dominio Público: No Conocido Derechos de Autor
• Camille Pissarro - Pontoise. Proporcionado por: Wikimedia. Ubicado en: Commons.wikimedia.org/wiki/Archivo:Camille_Pissarro_-_Pontoise.jpg. Licencia: Dominio Público: No Conocido Derechos de Autor
• Manet. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Manet. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• yuxtaposición. Proporcionado por: Wikcionario. Ubicado en: es.wiktionary.org/wiki/yuxtaposición. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• Impresionismo. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Impresionismo. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• Claude Monet 015. Proporcionado por: Wikimedia. Ubicado en: Commons.wikimedia.org/wiki/Archivo:Claude_Monet_015.jpg. Licencia: Dominio Público: No Conocido Derechos de Autor
• Alfred Sisley 050. Proporcionado por: Wikimedia. Ubicado en: Commons.wikimedia.org/wiki/Archivo:Alfred_Sisley_050.jpg. Licencia: Dominio Público: No Conocido Derechos de Autor
• Camille Pissarro - Pontoise. Proporcionado por: Wikimedia. Ubicado en: Commons.wikimedia.org/wiki/Archivo:Camille_Pissarro_-_Pontoise.jpg. Licencia: Dominio Público: No Conocido Derechos de Autor
• Edouard_Manet_-_Olympia_-_Google_Art_Project.jpg. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Olympia_ (Manet) #/Media/Archivo:Edouard_Manet_-_Olympia_-_Google_Art_Project.jpg. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• Manet, Edouard - Le Dejeuner sur l'Herbe (El Picnic) (1). Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Manet, _Edouard_-_le_dejeuner_sur_l'Herbe_ (The_Picnic) _ (1) .jpg. Licencia: Dominio Público: No Conocido Derechos de Autor
• MANET - MU00Fasica en las TullerU00edas (Galería Nacional, Londres, 1862). Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Manet_-_M%C 3% Basica_en_las_Tuller%C 3% ADAS_ (National_Gallery, _Londres, _1862) .jpg. Licencia: Dominio Público: No Conocido Derechos de Autor
• Impresionismo. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Impresionismo. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• Claude Monet 015. Proporcionado por: Wikimedia. Ubicado en: Commons.wikimedia.org/wiki/Archivo:Claude_Monet_015.jpg. Licencia: Dominio Público: No Conocido Derechos de Autor
• Alfred Sisley 050. Proporcionado por: Wikimedia. Ubicado en: Commons.wikimedia.org/wiki/Archivo:Alfred_Sisley_050.jpg. Licencia: Dominio Público: No Conocido Derechos de Autor
• Camille Pissarro - Pontoise. Proporcionado por: Wikimedia. Ubicado en: Commons.wikimedia.org/wiki/Archivo:Camille_Pissarro_-_Pontoise.jpg. Licencia: Dominio Público: No Conocido Derechos de Autor
• Edouard_Manet_-_Olympia_-_Google_Art_Project.jpg. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Olympia_ (Manet) #/Media/Archivo:Edouard_Manet_-_Olympia_-_Google_Art_Project.jpg. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• Manet, Edouard - Le Dejeuner sur l'Herbe (El Picnic) (1). Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Manet, _Edouard_-_le_dejeuner_sur_l'Herbe_ (The_Picnic) _ (1) .jpg. Licencia: Dominio Público: No Conocido Derechos de Autor
• MANET - MU00Fasica en las TullerU00edas (Galería Nacional, Londres, 1862). Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Manet_-_M%C 3% Basica_en_las_Tuller%C 3% ADAS_ (National_Gallery, _Londres, _1862) .jpg. Licencia: Dominio Público: No Conocido Derechos de Autor
• Claude_Monet_Impression_soleil_levant.jpg. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: Upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/54/Claude_Monet%2C_Impression%2C_Soleil_Levant.jpg. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• Claude_Monet_-_Graystaks_I.JPG. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: Upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/d6/Claude_Monet_-_Graystaks_i.jpg. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• El Pensador. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/The_Thinker. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• Edgar Degas. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Edgar_Degas. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• Escultura. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Escultura%2319th_Century.2C_and_Continuing_Realismo. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• Escultura moderna. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Modern_sculpture. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• Escultura. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Escultura%23Modernismo. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• Auguste Rodin. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Auguste_Rodin. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• Auguste Rodin. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Auguste%20Rodin. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• Claude Monet 015. Proporcionado por: Wikimedia. Ubicado en: Commons.wikimedia.org/wiki/Archivo:Claude_Monet_015.jpg. Licencia: Dominio Público: No Conocido Derechos de Autor
• Alfred Sisley 050. Proporcionado por: Wikimedia. Ubicado en: Commons.wikimedia.org/wiki/Archivo:Alfred_Sisley_050.jpg. Licencia: Dominio Público: No Conocido Derechos de Autor
• Camille Pissarro - Pontoise. Proporcionado por: Wikimedia. Ubicado en: Commons.wikimedia.org/wiki/Archivo:Camille_Pissarro_-_Pontoise.jpg. Licencia: Dominio Público: No Conocido Derechos de Autor
• Edouard_Manet_-_Olympia_-_Google_Art_Project.jpg. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Olympia_ (Manet) #/Media/Archivo:Edouard_Manet_-_Olympia_-_Google_Art_Project.jpg. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• Manet, Edouard - Le Dejeuner sur l'Herbe (El Picnic) (1). Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Manet, _Edouard_-_le_dejeuner_sur_l'Herbe_ (The_Picnic) _ (1) .jpg. Licencia: Dominio Público: No Conocido Derechos de Autor
• MANET - MU00Fasica en las TullerU00edas (Galería Nacional, Londres, 1862). Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Manet_-_M%C 3% Basica_en_las_Tuller%C 3% ADAS_ (National_Gallery, _Londres, _1862) .jpg. Licencia: Dominio Público: No Conocido Derechos de Autor
• Claude_Monet_Impression_soleil_levant.jpg. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: Upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/54/Claude_Monet%2C_Impression%2C_Soleil_Levant.jpg. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• Claude_Monet_-_Graystaks_I.JPG. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: Upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/d6/Claude_Monet_-_Graystaks_i.jpg. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• Dancer_sculpture_by_Degas_at_the_Met.jpg. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: https://en.Wikipedia.org/wiki/Little_Dancer_of_Fourteen_Years#/media/File:Dancer_sculpture_by_Degas_at_the_Met.jpg. Licencia: Dominio Público: No Conocido Derechos de Autor
• El Pensador. Proporcionado por: Wikimedia. Ubicado en: Wikimedia. Licencia: Dominio Público: No Conocido Derechos de Autor
• Rodin p1070095. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Rodin_P1070095.jpg. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual