29.3: Modernismo en América
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The Ashcan School fue un movimiento dentro del realismo estadounidense conocido por retratar escenas de la vida cotidiana en los barrios más pobres de Nueva York.
Objetivos de aprendizaje
Describir los orígenes y el enfoque de la Escuela Ashcan
Claves para llevar
Puntos Clave
- El realismo americano surgió a finales del siglo XIX y principios del XX con obras de arte que representaban visiones contemporáneas de la vida cotidiana, y la Escuela Ashcan fue central en ese movimiento.
- Los artistas de la Escuela Ashcan se rebelaron contra el impresionismo estadounidense, contrastando el énfasis de los impresionistas en la luz con obras realistas que eran de tono más oscuro y capturaron momentos más duros de la vida.
- Los artistas de Ashcan School interpretaron a prostitutas, borrachos, cerdos masacrados, viviendas desbordadas y combates de boxeo. Su enfoque en la pobreza y las realidades cotidianas de la vida urbana impulsó a los críticos a considerarlos al margen del arte moderno.
Términos Clave
- Realismo americano: Una idea de principios del siglo XX en el arte, la música y la literatura que reflejaba temas y eventos contemporáneos.
- Impresionismo americano: El impresionismo estadounidense era un estilo de pintura relacionado con el impresionismo europeo y practicado por artistas estadounidenses en Estados Unidos a finales del siglo XIX y principios del XX. El impresionismo americano es un estilo de pintura caracterizado por pinceladas sueltas y colores vivos.
Visión general
The Ashcan School fue un movimiento dentro del realismo estadounidense que cobró protagonismo en la ciudad de Nueva York a principios del siglo XX y es mejor conocido por sus obras que retratan escenas de la vida cotidiana en los barrios más pobres de Nueva York.
Realismo Americano
El realismo americano fue un concepto que surgió a finales del siglo XIX y principios del XX en el arte, la música y la literatura. Ya sea una representación de la cultura contemporánea, o una vista panorámica del centro de la ciudad de Nueva York, las obras realistas representaban una visión contemporánea de lo que estaba sucediendo o lo que era “real”.
En América a principios del siglo XX estaba llegando a la mayoría de edad una nueva generación de pintores, escritores y periodistas interesados en crear un nuevo estilo que reflejara la vida de la ciudad y una población estadounidense cada vez más urbana a medida que el país entraba en el nuevo siglo. El realismo estadounidense intentó retratar el agotamiento y la exuberancia cultural del paisaje estadounidense y la vida de la gente común en casa. Los artistas utilizaron el entorno de rápido crecimiento de la ciudad para influir en el color, la textura y el aspecto de sus proyectos creativos.
Alejándose de la fantasía y centrándose en la arena y la realidad de la vida cotidiana, el realismo estadounidense presentó un avance: introducir el Modernismo y lo que significa estar en el presente. La Escuela Ashcan, también conocida como “Los Ocho”, fue central en el nuevo modernismo estadounidense en las artes visuales.
La escuela Ashcan
The Ashcan School fue un grupo de artistas de la ciudad de Nueva York que buscaron capturar la sensación de Nueva York de principios de siglo a través de retratos realistas de la vida cotidiana. El movimiento surgió de un grupo conocido como Los Ocho, muchos de los cuales tenían experiencia como ilustradores de periódicos, y cuyo único espectáculo juntos en 1908 creó sensación. Estos artistas no solo representaban a la alta sociedad de la Quinta Avenida, sino también a la clase baja y a las culturas inmigrantes ricamente texturizadas. Los críticos de la época no siempre apreciaban su elección de temas, que incluían callejones, viviendas, habitantes de barrios marginales, y en el caso de John French Sloan, tabernas frecuentadas por la clase obrera.
Cinco artistas de Los Ocho, William Glackens, Robert Henri, George Luks, Everett Shinn y John French Sloan se asociaron con la Ashcan School. No obstante, la Escuela Ashcan no era un grupo organizado. En cambio su unidad consistía en un deseo de decir verdades sobre el estado de la ciudad. El primer uso conocido de la terminología “ashcan” para describir el movimiento fue por Art Young en 1916.
Shinn Henri Sloan: Everett Shinn, Robert Henri, y John Sloan, c. 1896 (fotógrafo no identificado, impresión en blanco y negro, 18 x 13 cm.)
Los artistas de la Ashcan School se rebelaron contra el impresionismo estadounidense, que era la vanguardia del arte estadounidense en su momento. En contraste con el énfasis de los impresionistas en la luz, sus obras realistas fueron generalmente de tono más oscuro, capturando momentos más duros de la vida y a menudo retratando temas como prostitutas, borrachos, cerdos masacrados, viviendas desbordadas, combates de boxeo y luchadores. Fue su enfoque frecuente, aunque no total, sobre la pobreza y las realidades cotidianas de la vida urbana lo que impulsó a los críticos estadounidenses a considerarlos marginales del arte moderno.
Fotografía en América
La fotografía se desarrolló como una forma de arte a lo largo de principios del siglo XX en gran parte debido a una serie de artistas que trabajaron para legitimar el medio moviéndolo a un entorno de galería.
Objetivos de aprendizaje
Describir el establecimiento de la fotografía como una forma de arte a principios del siglo XX
Claves para llevar
Puntos Clave
- A principios del siglo XX, el Daguerrotipo surgió como el método fotográfico más popular y asequible para el público en general.
- En 1884 George Eastman, de Rochester, Nueva York, desarrolló gel seco sobre papel, o película, para reemplazar la placa fotográfica de manera que un fotógrafo ya no necesitara llevar cajas de placas y productos químicos tóxicos alrededor, popularizando aún más el medio.
- Alfred Stieglitz y Edward Steichen fueron fundamentales para hacer de la fotografía un arte fino, y Stieglitz fue especialmente notable al introducirla en las colecciones de los museos.
- Además de su fama como fotógrafo, Stieglitz es conocido como escritor, editor, organizador de exposiciones y coleccionista. Como propietario de múltiples galerías de arte de Nueva York, presentó al mundo del arte estadounidense a muchos fotógrafos y otros artistas, incluidos nuevos artistas europeos de vanguardia.
- Stieglitz estuvo involucrado en una serie de organizaciones fotográficas y revistas en la ciudad de Nueva York a lo largo de su carrera. Utilizó estas plataformas para promover la fotografía como arte fino, y contribuyó a su aceptación en el mundo del arte.
- El movimiento Foto-Secesión puso el foco en el papel del fotógrafo como artista y se caracterizó por el pictorialismo, en el que se manipularon imágenes y materiales fotográficos para emular la calidad de pinturas y aguafuertes que se producían en ese momento.
Términos Clave
- abstract: Libre de cualidades representacionales. El arte abstracto utiliza un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que existe con un grado de independencia de las referencias visuales en el mundo.
Historia de la fotografía
La historia de la fotografía tiene raíces en la antigüedad con el descubrimiento del principio de la cámara oscura, y la observación de que algunas sustancias son visiblemente alteradas por la exposición a la luz. Thomas Wedgwood es generalmente aceptado por haber hecho el primer intento documentado de manera confiable aunque sin éxito. A mediados de la década de 1820, Nicéphore Niépce tuvo éxito, pero se requirieron varios días de exposición en la cámara y los primeros resultados fueron muy crudos. El asociado de Niépce, Louis Daguerre, pasó a desarrollar el proceso de Daguerrotipo, el primer proceso fotográfico anunciado públicamente, que requirió solo minutos de exposición en la cámara y produjo resultados claros y finamente detallados. Se introdujo comercialmente en 1839, fecha generalmente aceptada como el año de nacimiento de la fotografía práctica.
A lo largo de finales del siglo XIX y principios del siglo XX se experimentaron varios procesos competidores y se distribuyeron al público en diversos grados. La demanda de retrato que surgió de las clases medias durante la Revolución Industrial no pudo satisfacerse en volumen y en costo con la pintura al óleo, factor que se sumó al impulso para el desarrollo de la fotografía. Finalmente, el Daguerrotipo surgió como el método más popular y asequible para el público en general, sin embargo, los daguerrotipos eran frágiles y difíciles de copiar, y carecían de portabilidad ya que requerían placas y químicos tóxicos para ser transportados.
En 1884 George Eastman, de Rochester, Nueva York, desarrolló gel seco sobre papel, o película, para reemplazar la placa fotográfica de manera que un fotógrafo ya no necesitara llevar cajas de placas y productos químicos tóxicos alrededor. En julio de 1888 la cámara Kodak de Eastman salió al mercado con el lema “Pulsas el botón, nosotros hacemos el resto”. Ahora cualquiera podía tomar una fotografía y dejar las partes complejas del proceso a otros, y la fotografía quedó disponible para el mercado masivo en 1901 con la introducción del Kodak Brownie.
La fotografía como arte
Los intentos exitosos de hacer fotografía artística se remontaron a practicantes de la época victoriana como Julia Margaret Cameron, Charles Lutwidge Dodgson, Oscar Gustave Rejlander y otros. En Estados Unidos, F. Holland Day, Ansel Adams, Alfred Stieglitz y Edward Steichen fueron fundamentales para hacer de la fotografía un arte fino, y Stieglitz fue especialmente notable al introducirla en las colecciones del museo. Hasta finales de la década de 1970 predominaban varios géneros, como desnudos, retratos y paisajes naturales. Artistas de vanguardia en las décadas de 1970 y 80, como Sally Mann, Robert Mapplethorpe, Robert Farber y Cindy Sherman, todavía confiaban en gran medida en esos géneros, aunque los veían con ojos frescos. Otros investigaron un enfoque estético de instantánea. Organizaciones estadounidenses, como la Aperture Foundation y el Museum of Modern Art, han hecho mucho para mantener la fotografía a la vanguardia de las bellas artes.
Movimiento Foto-Secesión
El fotógrafo Alfred Steiglitz (1864-1946) dirigió el movimiento Foto-Secesión, un movimiento que promovió la fotografía como arte fino y buscó elevar los estándares y la conciencia sobre la fotografía artística. El movimiento Foto-Secesión puso el foco en el papel del fotógrafo como artista. Se caracterizó por el pictorialismo, en el que se manipularon cuadros y materiales fotográficos para emular la calidad de pinturas y grabados que se producían en ese momento. Entre los métodos utilizados se encuentran enfoque suave; filtros especiales y recubrimientos de lentes; quema, esquiva y/o recorte en el cuarto oscuro para editar el contenido de la imagen; y procesos de impresión alternativos como tonificación sepia, impresión de carbono, impresión de platino o procesamiento de chicromato de goma.
Gertrude Käsebier, Retrato de Alfred Stieglitz: Una imagen de Alfred Stieglitz de Gertrude Käsebier, 1902.
Centrado en la Galería 291 en la ciudad de Nueva York de 1902—1916, la pertenencia al movimiento Foto-Secesión fue solo por invitación y varió según los intereses de Stieglitz. Entre los miembros más destacados se encontraban Edward Steichen, Clarence H. White, Gertrude Käsebier, Frank Eugene, F. Holland Day y Alvin Langdon Coburn.
Alfred Stieglitz, Georgia O'Keeffe, Manos: Alfred Stieglitz, Georgia O'Keeffe, Manos, 1918.
Al mismo tiempo, sin embargo, el uso de la fotografía como herramienta de documentación realista reflejó el crecimiento del realismo americano en el arte y la escultura. Muchos fotógrafos buscaron capturar la vida cotidiana de los estadounidenses, tanto los ricos como los pobres, de una manera realista y a menudo arenosa. Lewis Hine (1874—1940) utilizó la luz para iluminar las áreas oscuras de la existencia social en su Pittsburgh Survey (1907), que investigó las condiciones de trabajo y de vida en Pittsburgh. Posteriormente se convirtió en el fotógrafo del Comité Nacional de Trabajo Infantil. Paul Strand (1890-1976) creó abstracciones brutalmente directas, retratos de primer plano y máquinas documentadas y paisajes urbanos.
Movimiento Precisionista
Edward Weston (1886—1958) se convertiría en un líder del Movimiento Precisionista, un estilo que funcionaba en oposición directa al Movimiento Fotosecesión. Este movimiento fue el primer uso verdadero del modernismo en la fotografía. Se caracterizó por un enfoque nítido e imágenes cuidadosamente enmarcadas. James Van Der Zee (1886—1983) fue un fotógrafo afroamericano que se convirtió en emblemático del movimiento renacentista de Harlem. Fue mejor conocido por sus retratos de neoyorquinos negros y produjo la documentación más completa de la época.
Fotografía Comercial
La fotografía comercial también se expandió durante este tiempo, como en las obras de Edward Steichen (1879—1973). Steichen rompió con Stieglitz hacia el final del movimiento Photo-Secession y creó la primera imagen comercial en 1919, titulada Pear y Apple. Su trabajo apareció en revistas como Vanity Fair. Ansel Adams (1902-1984) también comenzó su carrera como fotógrafo comercial y se hizo ampliamente conocido por sus imágenes de paisajes estadounidenses.
Ansel Adams, Los tetones y el río Snake, 1942: Una fotografía típica de Ansel Adams con el paisaje americano en blanco y negro.
El show de la armería
El Armory Show de 1913 mostró la obra de artistas europeos de vanguardia junto a sus homólogos estadounidenses.
Objetivos de aprendizaje
Discutir la influencia del Armory Show en la introducción de los estilos artísticos del impresionismo, el fauvismo y el cubismo al público estadounidense
Claves para llevar
Puntos Clave
- El Armory Show de 1913 exhibió alrededor de 1,300 obras de más de 300 artistas con el objetivo de acercar el mejor arte europeo de vanguardia a un público estadounidense.
- Las respuestas contemporáneas a las obras impresionista, fauvista y cubistas europeas estuvieron llenas de acusaciones de charlatanería, locura, inmoralidad y anarquía.
- The Armory Show introdujo a los neoyorquinos acostumbrados al arte naturalista del realismo estadounidense a los estilos de los artistas de vanguardia europeos y sirvió como catalizador para que los artistas estadounidenses crearan su propio lenguaje artístico.
- Desde entonces, The Armory Show se ha convertido en una feria anual de arte contemporáneo.
Términos Clave
- Fauvismo: Un movimiento artístico de la última parte del siglo XIX que enfatizó la espontaneidad y el uso de colores extremadamente brillantes.
- Cubismo: Un movimiento de arte vanguardista de principios del siglo XX, pionero por Pablo Picasso y Georges Braque, donde los objetos se analizan, rompen y vuelven a ensamblar de forma abstracta.
- Realismo americano: Una idea de principios del siglo XX en el arte, la música y la literatura que reflejaba temas y eventos contemporáneos.
The Armory Show fue la primera exposición organizada por la Asociación de Pintores y Escultores Americanos. La exposición se desarrolló en la Armería del Regimiento 69 de la ciudad de Nueva York desde el 17 de febrero hasta el 15 de marzo de 1913 y exhibió alrededor de 1.300 pinturas, esculturas y obras decorativas de más de 300 artistas. La premisa inicial de la muestra fue exhibir el mejor arte europeo de vanguardia junto a las mejores obras de artistas estadounidenses al público en la ciudad de Nueva York, Chicago y Boston.
Cartel de Armory Show, 1913: Un póster en el que se muestra el nombre del espectáculo, la hora y el lugar del espectáculo, y los artistas destacados.
El impresionismo, el fauvismo y el cubismo estuvieron entre las escuelas europeas de vanguardia representadas. Los reportajes noticiosos y las reseñas del programa estuvieron llenos de acusaciones de charlatanería, locura, inmoralidad y anarquía, a menudo incluyendo parodias, caricaturas y simulacros de exposiciones. Dejando a un lado las críticas, autoridades civiles no interfirieron con el espectáculo. Entre las obras de arte escandalosamente radicales se encontraban el estilo cubista/futurista de Marcel Duchamp Descendiendo una escalera (1912), en el que expresó movimiento con sucesivas imágenes superpuestas.
Desnudo Descendiendo una Escalera, No. 2 de Marcel Duchamp: Marcel Duchamp, Desnudo Descendiendo una Escalera, No. 2, 1912, óleo sobre lienzo, 58 x 35 in. Museo de Arte de Filadelfia.
El crítico de arte Julian Street escribió que la obra se parecía a “una explosión en una fábrica de tejas” mientras que los caricaturistas satirizaban la pieza. Gutzon Borglum, uno de los primeros organizadores del espectáculo, etiquetó esta pieza como “Una escalera descendiendo desnuda”, mientras que J. F. Griswold, escritor del New York Evening Sun, la tituló “El rudo bajando una escalera (Hora punta en el metro)”. A pesar de estas reacciones negativas, la compra de Hill of the Poor (View of the Domaine Saint-Joseph) de Paul Cézanne por parte del Museo Metropolitano de Arte señaló una integración del Modernismo en los museos establecidos de Nueva York. El hermano de Duchamp, que va por el “nom de guerre” Jacques Villon, también expuso en el Armory Show, tocando un acorde simpático con los coleccionistas de Nueva York.La exposición pasó al Art Institute of Chicago y luego a The Copley Society of Art en Boston.
Caricatura del cubismo en el Armory Show: “Un ligero ataque de la tercera dimensión provocado por el estudio excesivo de las imágenes cubistas mucho habladas en la exposición internacional de Nueva York”, dibujada por John French Sloan en abril de 1913. Publicado antes de 1923.
The Armory Show introdujo a los neoyorquinos acostumbrados al arte naturalista del realismo americano a los estilos de las vanguardias europeas. El espectáculo también sirvió como catalizador para los artistas estadounidenses, quienes posteriormente comenzaron a experimentar más y se volvieron más independientes en la creación de su propio lenguaje artístico. Ha habido muchas exposiciones a lo largo del siglo XX que celebraron el legado de la muestra. El “New” New York Armory Show se llevó a cabo en muelles del río Hudson en 1994 y desde entonces se ha convertido en una feria anual de arte contemporáneo.
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