29.4: El arte en Estados Unidos durante las décadas de 1920 y 1930
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El Renacimiento de Harlem
El Renacimiento de Harlem (1920-1930) fue un movimiento cultural afroamericano conocido por su proliferación en el arte, la música y la literatura.
Objetivos de aprendizaje
Discutir las características, temas y factores contribuyentes del Renacimiento de Harlem
Claves para llevar
Puntos Clave
- El Renacimiento cultural y político de Harlem produjo arte visual, novelas, obras de teatro, poemas, música y danza que representaban el florecimiento de una expresión afroamericana distintiva.
- Junto con los artistas, líderes políticos como Marcus Garvey fundaron potentes filosofías de autodeterminación negra y unidad entre las comunidades negras en Estados Unidos, el Caribe y África.
- Harlem se convirtió en un barrio afroamericano a principios del siglo XX, durante la Gran Migración en la que muchos afroamericanos buscaron un mejor nivel de vida y alivio del racismo institucionalizado en el Sur.
- Si bien no hubo características unificadoras del movimiento, los temas comunes incluyeron la influencia de la esclavitud, la identidad negra, los efectos del racismo institucional y cómo transmitir la experiencia de la vida negra moderna en el norte urbano.
- Entre los artistas visuales notables del movimiento se encuentran Aaron Douglas, Archibald Motley, Charles Henry Alston y Jacob Lawrence.
Términos Clave
- Verano Rojo: Los disturbios raciales ocurridos en más de tres docenas de ciudades de Estados Unidos durante el verano y principios del otoño de 1919.
- disturbios raciales: Disturbios causados por el odio racial o la disensión. Ocurrieron a lo largo del siglo XX, especialmente antes y durante el Movimiento de Derechos Civiles.
- blackface: Un estilo de maquillaje teatral en el que una persona blanca ennegrece su rostro para representar a un negro.
Visión general
El Renacimiento de Harlem fue un movimiento cultural en Estados Unidos que abarcó las décadas de 1920 y 1930. Si bien el cenit del movimiento ocurrió entre 1924 y 1929, sus ideas han vivido mucho más tiempo. En su momento, se le conocía como el Movimiento Nuevo Negro, llamado así por la antología de 1925 de Alain Locke.
Este renacimiento cultural y político produjo novelas, obras de teatro, murales, poemas, música, danza y otras obras de arte que representaban el florecimiento de una expresión afroamericana distintiva. Junto con los artistas, líderes políticos como Marcus Garvey fundaron potentes filosofías de autodeterminación y unidad entre las comunidades negras en Estados Unidos, el Caribe y África.
Al mismo tiempo, activistas como Hubert Harrison desafiaron la noción del renacimiento, argumentando que el término era en gran parte un invento blanco que pasaba por alto el flujo continuo de creatividad que había surgido de la comunidad afroamericana desde 1850.
Antecedentes de Harlem
El distrito de Harlem se había desarrollado originalmente en el siglo XIX como un suburbio exclusivo para las clases medias y altas blancas. Durante la enorme afluencia de inmigrantes europeos a finales del siglo XIX, el otrora exclusivo distrito fue abandonado por los blancos, que se trasladaron más al norte.
Harlem se convirtió en un barrio afroamericano a principios del siglo XX, durante la Gran Migración en la que muchos buscaron un mejor nivel de vida y alivio del racismo institucionalizado en el Sur. Otros de ascendencia africana provenían de comunidades racialmente estratificadas en el Caribe, buscando una mejor vida en Estados Unidos. Para 1930, 90.000 recién llegados se unieron a los afroamericanos que ya vivían allí, creando una comunidad de casi 200 mil.
A pesar de la creciente popularidad de la cultura negra, el virulento racismo blanco siguió afectando a las comunidades afroamericanas. Los disturbios raciales y otros levantamientos civiles ocurrieron en todo Estados Unidos durante el Verano Rojo de 1919, reflejando la competencia económica sobre empleos, vivienda y territorios sociales.
Características y Temas
Lo que caracterizó al Renacimiento de Harlem fue un orgullo racial manifiesto y la idea en desarrollo de una nueva identidad negra, que a través del intelecto y la producción de literatura, arte y música podría desafiar el racismo predominante y promover la política progresista.
No hubo una forma unificadora que caracterizase el arte que surgió, sin embargo. Abarcó una amplia variedad de estilos, incluyendo perspectivas panafricanas; alta cultura y baja cultura; música tradicional al blues y jazz; formas tradicionales y experimentales en la literatura, como el modernismo; y la nueva forma de poesía jazz.
Algunos temas comunes representados durante el Renacimiento de Harlem fueron la influencia de la esclavitud, la identidad negra, los efectos del racismo institucional, los dilemas de actuar y escribir para audiencias blancas de élite y cómo transmitir la experiencia de la vida negra moderna en el norte urbano.
Los nuevos autores atrajeron una gran cantidad de atención nacional, y el Renacimiento de Harlem dio lugar a más oportunidades para que los negros fueran publicados por las casas dominantes. Algunos autores que se dieron a conocer a nivel nacional fueron Jean Toomer, Jessie Fauset, Claude McKay, Zora Neale Hurston, James Weldon Johnson, Alain Locke, Eric D. Walrond y Langston Hughes.
Langston Hughes: Langston Hughes fue uno de los escritores más conocidos que emergió del Renacimiento de Harlem.
También se creó durante el Renacimiento una nueva forma de tocar el piano llamada Harlem Stride, y se considera que músicos de jazz como Fats Waller, Duke Ellington, Jelly Roll Morton y Willie “The Lion” Smith han sentado las bases para futuros músicos de su género.
Los artistas visuales de la época incluyeron a Charles Alston, Henry Bannarn, Leslie Bolling, Aaron Douglas, Jacob Lawrence y Archigold Motley.
Black Belt (pintura original en color): Archibald Motley es famoso por su colorida crónica de la experiencia afroamericana durante las décadas de 1920 y 1930 y es considerado uno de los principales contribuyentes al Renacimiento de Harlem.
Aarón Douglas
Aaron Douglas fue un notable artista del Renacimiento de Harlem. Después de completar su BFA en la Universidad de Nebraska en 1922, Douglas se mudó a la ciudad de Nueva York, instalándose en Harlem. Apenas unos meses después de su llegada comenzó a producir ilustraciones tanto para The Crisis como Opportunity, las dos revistas más importantes asociadas al Renacimiento de Harlem.
También comenzó a estudiar con Winold Reiss, un artista alemán que había sido contratado por Alain Locke para ilustrar El Nuevo Negro. La enseñanza de Reiss ayudó a Douglas a desarrollar el estilo modernista que emplearía durante la próxima década.
El compromiso de Douglas con el diseño africano y egipcio lo llamó la atención de W. E. B. Du Bois y el Dr. Locke, quienes presionaban para que los jóvenes artistas afroamericanos expresaran su herencia africana y su cultura folclórica afroamericana en su arte.
En 1926 Douglas se casó con Alta Sawyer. Ellos vivieron juntos en Harlem y durante los siguientes años, abrieron su hogar a un importante y poderoso círculo de artistas y escritores que ahora llamamos el Renacimiento de Harlem.
Charles Henry Alston
Charles Henry Alston (28 de noviembre de 1907—27 de abril de 1977) fue un pintor, escultor, ilustrador, muralista y maestro afroamericano que vivió y trabajó en Harlem. Alston fue el primer supervisor afroamericano del Proyecto de Arte Federal de la Administración de Progreso de Obras.
Alston diseñó y pintó murales en el Hospital Harlem y en el Edificio Golden State Mutual Life Insurance. En 1990 el busto de Martin Luther King, Jr. de Alston se convirtió en la primera imagen de un afroamericano exhibido en la Casa Blanca.
En sus inicios, la obra mural de Charles Alston se inspiró en la obra de Aaron Douglas, Diego Rivera y José Clemente Orozco, este último a quien conoció cuando realizaban trabajos murales en Nueva York. En 1943 Alston fue elegido miembro de la junta directiva de la Sociedad Nacional de Pintores Murales.
Creó murales para el Hospital Harlem, Golden State Mutual, el Museo Americano de Historia Natural, la Escuela Pública 154, el Tribunal de Familia y Penal del Bronx, y el Abraham Lincoln High School en Brooklyn, Nueva York.
Medicina moderna: el mural de Alston en el Hospital Harlem es una obra significativa del Renacimiento de Harlem.
Jacob Lawrence
Jacob Lawrence (1917—2000) fue un pintor afroamericano conocido por su interpretación de la vida afroamericana. Pero no sólo fue pintor, narrador e intérprete, sino que también fue educador. Lawrence se refirió a su estilo como cubismo dinámico, aunque por su cuenta la influencia primaria no fue tanto el arte francés como las formas y colores de Harlem.
Él dio vida a la experiencia afroamericana utilizando negros y marrones yuxtapuestos con colores vivos. También enseñó, y pasó 15 años como profesor en la Universidad de Washington.
Lawrence es uno de los pintores afroamericanos más conocidos del siglo XX. Tenía 23 años cuando obtuvo reconocimiento nacional con su Serie Migración de 60 paneles, pintada sobre cartón. La serie representó la Gran Migración de los afroamericanos del sur rural al norte urbano. Una parte de esta serie apareció en un número de 1941 de la revista Fortune. La colección ahora está en manos de dos museos.
Las obras de Lawrence se encuentran en las colecciones permanentes de numerosos museos, incluyendo el Museo de Arte de Filadelfia, el Museo de Arte Moderno, el Museo Whitney, la Colección Phillips, el Museo Metropolitano de Arte, el Museo de Brooklyn y el Museo Reynolda House de Arte Americano. Es ampliamente conocido por sus ilustraciones modernistas de la vida cotidiana, así como por sus narrativas épicas de la historia y figuras históricas afroamericanas.
Jacob Lawrence, Autorretrato: Esta pintura, realizada en 1977, ejemplifica el vívido uso del color en su obra.
Arte Regionalista Americano
El regionalismo se refiere a un estilo de pintura naturalista y realista que dominó la pintura rural estadounidense en la década de 1930.
Objetivos de aprendizaje
Definir el estilo de pintura estadounidense del regionalismo
Claves para llevar
Puntos Clave
- Después de la Primera Guerra Mundial, muchos artistas estadounidenses rechazaron las tendencias modernas emanadas del Armory Show e influencias europeas como las de la Escuela de París. En cambio, optaron por adoptar el realismo académico para representar escenas rurales estadounidenses.
- Para la década de 1940 hubo un fuerte debate entre los Regionalistas y los Realistas Sociales en las zonas rurales, cuya obra abordó temas sociales, económicos y políticos; y los artistas abstractos en la ciudad de Nueva York que abrazaron el Modernismo.
- Utilizando un enfoque realista, el enfoque artístico del Regionalismo fue crear escenas de la vida rural por artistas que rechazaban la vida urbana y desarrollaban rápidamente los avances tecnológicos.
- El estilo regionalista estuvo en su apogeo de 1930 a 1935, y es más conocido a través del llamado Triunvirato Regionalista de Grant Wood en Iowa, Thomas Hart Benton en Missouri y John Steuart Curry en Kansas.
Términos Clave
- realismo social: Un movimiento artístico, expresado en las artes visuales y otras artes realistas que representa la injusticia social y las dificultades económicas a través de imágenes sin barnizar de las luchas de la vida que a menudo representan las actividades de la clase trabajadora como heroicas.
- Escuela de París: Una escuela de arte que representó la importancia de París como centro del arte occidental en las primeras décadas del siglo XX, y donde un grupo de artistas como Picasso, Chagall, Mondrian y Matisse crearon en los estilos del Posimpresionismo, Cubismo y Fauvismo.
- Espectáculo de armería: La Exposición Internacional de Arte Moderno de 1913 que fue organizada por la Asociación de Pintores y Escultores Americanos. La exposición se desarrolló en la Armería del Regimiento 69 de la Ciudad de Nueva York desde el 17 de febrero hasta el 15 de marzo, y se convirtió en un evento importante en la historia del arte estadounidense, introduciendo a los neoyorquinos al arte moderno.
Panorama general del regionalismo americano
El regionalismo, también conocido como pintura de escena estadounidense, se refiere a un estilo de pintura naturalista que prevaleció durante la década de 1920 hasta la década de 1950 en Estados Unidos. Después de la Primera Guerra Mundial, muchos artistas estadounidenses rechazaron las tendencias modernas que emanaban del Armory Show y las influencias europeas, optando en cambio por adoptar un realismo académico para representar escenas rurales estadounidenses.
En parte debido a la Gran Depresión, el regionalismo se convirtió en uno de los movimientos artísticos dominantes en América en la década de 1930 (siendo el otro el Realismo Social). En su momento, Estados Unidos seguía siendo una nación fuertemente agrícola con una porción mucho menor de su población viviendo en ciudades industriales como la ciudad de Nueva York o Chicago.
Un debate entre abstracción versus realismo había estado en curso desde el Armory Show de 1913, y esto continuó a lo largo de la década de 1930 entre el regionalismo, el realismo social y el arte abstracto. Para la década de 1940 este debate evolucionó en dos campos que se dividieron geográfica y políticamente:
- Los Regionalistas y los Realistas Sociales que habitaban principalmente en zonas rurales y cuya labor abordaba temas sociales, económicos y políticos.
- Los artistas abstractos que principalmente vivieron en la ciudad de Nueva York y abrazaron el Modernismo.
La eventual pérdida de estatus del regionalismo en el mundo del arte es principalmente el resultado del triunfo final del expresionismo abstracto, cuando los críticos modernistas ganaron el poder en la década de 1940.
Los Regionalistas y los Realistas Sociales
Utilizando un enfoque realista, los artistas regionalistas evitaron la vida urbana y sus avances tecnológicos en rápido desarrollo para crear escenas de la vida rural. En el panfleto de Grant Wood Revolt Against the City, publicado en Iowa City en 1935, afirma que los artistas estadounidenses y los compradores de arte ya no buscaban temas y estilo en la cultura parisina.
Wood escribió que los artistas regionales interpretan la fisiografía, la industria y la psicología de su ciudad natal, y que la competencia de estos elementos precedentes crea la cultura estadounidense. Escribió que el atractivo de la ciudad se había ido, y esperaba que prevaleciera el arte del “pueblo entero” ampliamente difundido.
El paseo de medianoche de Paul Revere: Esta pintura de Grant Wood, realizada en 1931, ejemplifica una típica representación regionalista de la pequeña ciudad de América.
Durante la Gran Depresión de la década de 1930, el arte regionalista fue ampliamente apreciado por sus imágenes tranquilizadoras del corazón estadounidense. Gran parte de la obra transmitió un sentido de nacionalismo y romanticismo en representaciones de la vida cotidiana estadounidense.
Durante la década de 1930, estos artistas documentaron y representaron pequeños pueblos y paisajes rurales estadounidenses, así como ciudades; las obras que enfatizan temas locales y de pueblos pequeños a menudo se llaman Regionalismo Americano, y las que representan escenas urbanas, con conciencia política y social, se llaman Realismo Social.
Algunos artistas representaban las imágenes como una forma de regresar a un tiempo más simple lejos de la industrialización, mientras que otros buscaban hacer una declaración política y prestaban su arte a causas revolucionarias y radicales.
Cut the Line: Esta obra de arte de 1944 de Thomas Hart Benton muestra el lanzamiento de un Tank Landing Ship (LST). Benton es considerado por muchos críticos de arte como el artista estadounidense por excelencia del siglo XX, y durante la Segunda Guerra Mundial fue encargado por Abbott Laboratories para producir obras de arte sobre la Marina.
El estilo regionalista estuvo en su apogeo de 1930 a 1935, y es más conocido a través del llamado Triunvirato Regionalista de Grant Wood en Iowa, Thomas Hart Benton en Missouri y John Steuart Curry en Kansas.
Otros artistas del movimiento incluyen a John Rogers Cox, Alexandre Hogue, Dale Nichols y William S. Schwartz. Muchos artistas involucrados en el movimiento estudiaron con o bajo Benton en el Kansas City Art Institute (KCAI), como John Stockton de Martelly, Frederic James y Pat Potucek.
Gótico americano: la obra más conocida de Grant Wood es esta pintura de 1930, que también es una de las pinturas más famosas del arte estadounidense, y una de las pocas imágenes que alcanzan el estatus de ícono cultural universalmente reconocido, comparable a Mona Lisa de Leonardo da Vinci y El grito de Edvard Munch.
Fotografía durante la Gran Depresión
Durante las décadas de 1930 y 1940, la fotografía evolucionó tanto en términos de sus posibilidades técnicas como de su función como forma de arte.
Objetivos de aprendizaje
Describir la evolución de la fotografía entre 1930 y 1945
Claves para llevar
Puntos Clave
- En 1935-1936 tanto Kodak como Agfa introdujeron nuevas tecnologías de película en color que permitieron la proliferación de la fotografía en color por primera vez.
- El realismo social se extendió a la fotografía y representó la injusticia social y las dificultades económicas a través de imágenes sin barnizar de las luchas de la vida. Las actividades de la clase trabajadora a menudo se representaban como heroicas.
- El grupo f/64, dirigido por Ansel Adams, fue un grupo de siete fotógrafos de San Francisco que compartían un estilo fotográfico común caracterizado por imágenes enfocadas y cuidadosamente enmarcadas vistas desde un punto de vista particularmente occidental.
- La FSA financió a varios fotógrafos para documentar las realidades de la Depresión y quienes crearon las imágenes icónicas que aún vemos hoy.
Términos Clave
- Harlem Renaissance: Un movimiento cultural afroamericano que abarcó las décadas de 1920 y 1930 y se caracteriza por una proliferación de música, literatura, poesía y danza.
- pictorialismo: Una escuela de fotografía artística que enfatizó el uso de la fotografía para imitar ciertos estilos de la pintura contemporánea, y floreció a finales del siglo XIX y principios del XX. Las imágenes se caracterizaron típicamente por un enfoque suave y manipulación de color o pincelada.
- Gran Depresión: Un gran colapso económico que duró de 1929 a 1940 en Estados Unidos.
Visión general
El período de 1930 a 1945 en la historia estadounidense está marcado por la Gran Depresión y el estallido de la Segunda Guerra Mundial. Durante este tiempo, tanto la fotografía como la escultura se expandieron a nuevos reinos de expresión artística, fuertemente influenciados por la sociedad y los tiempos.
Fotografía
La tecnología fotográfica continuó expandiéndose a lo largo del siglo XX. Kodachrome, la primera película en color tripack integral moderna (o monopack), fue introducida por Kodak en 1935, y Agfacolor Neu de estructura similar de Agfa se introdujo en 1936. Estas nuevas tecnologías permitieron la proliferación de la fotografía en color por primera vez, y las películas en color actualmente disponibles todavía emplean una emulsión multicapa y los mismos principios, que se asemejan más al producto de Agfa.
Realismo Social
El realismo social, también conocido como socio-realismo, se convirtió en un importante movimiento artístico durante la Gran Depresión en la década de 1930. El realismo social representaba la injusticia social y racial y las dificultades económicas a través de imágenes sin barnizar de las luchas de la vida, y a menudo retrataba las actividades de la clase trabajadora como heroicas.
El movimiento fue en gran parte un estilo de pintura que típicamente transmitía un mensaje de protesta social o política bordeado de sátira; sin embargo, también se extendió al arte de la fotografía. Destacados fotógrafos en su momento incluyeron a Walker Evans, Dorothea Lange, Margaret Bourke-White, Lewis Hine, Edward Steichen, Gordon Parks, Arthur Rothstein, Marion Post Wolcott, Doris Ulmann, Berenice Abbott, Aaron Siskind, y Russell Lee, entre varios otros.
Cada uno de estos artistas buscó representar el mundo, y a menudo la pobreza, vieron a su alrededor con la representación realista que solo la fotografía podía proporcionar.
La FSA
La Administración de Seguridad Agrícola, parte del New Deal, fue un esfuerzo durante la Depresión para combatir la pobreza rural estadounidense. La mayor parte del programa estaba dirigido a la rehabilitación rural, pero también es conocido por financiar el trabajo de varios fotógrafos.
De 1935—1944, la Administración de Seguridad Agrícola empleó a varios fotógrafos para documentar los efectos de la Gran Depresión en la población de Estados Unidos. La División de Información de la FSA se encargó de proporcionar material educativo e información de prensa al público.
Bajo Roy Stryker, la División de Información de la FSA adoptó el objetivo de “presentar a Estados Unidos a los estadounidenses”. Muchos de los fotógrafos más famosos de la era de la Depresión, como Walker Evans, Dorothea Lange y Gordon Parks, fueron fomentados por el proyecto FSA.
Madre migrante: El pie de foto de la imagen dice: “Recolectores de guisantes indigentes en California. Madre de siete hijos. Edad treinta y dos. Nipomo, California”. La imagen de Lange de una supuesta recolectora de guisantes migrante, Florence Owens Thompson, y su familia se ha convertido en un ícono de resiliencia ante la adversidad.
Grupo F/64
Junto al realismo social, otro enfoque de la fotografía, referido como fotografía recta, también estaba ganando impulso. El grupo f/64 es quizás el ejemplo más conocido de este movimiento artístico.
El grupo f/64 fue un grupo de siete fotógrafos de San Francisco del siglo XX que compartían un estilo fotográfico común caracterizado por imágenes enfocadas y cuidadosamente enmarcadas vistas desde un punto de vista particularmente occidental. En parte, se formaron en oposición al movimiento pictorialista en la fotografía que había dominado gran parte de principios del siglo XX, pero además querían promover una nueva estética modernista que se basara en imágenes precisamente expuestas de formas naturales y objetos encontrados.
Los fotógrafos involucrados en el grupo incluyeron a Ansel Adams, Imogen Cunningham, John Paul Edwards, Sonya Noskowiak, Henry Swift, Willard Van Dyke y Edward Weston.
Árboles de Yosemite con nieve en ramas, de Ansel Adams: Ansel Adams fue uno de los cofundadores del Grupo f/64, un grupo de fotógrafos conocidos que compartían un estilo común caracterizado por imágenes enfocadas y cuidadosamente enmarcadas.
- Curación y Revisión. Proporcionado por: Boundless.com. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual